Radikales Porträt einer faszinierenden jungen Frau im klaustrophobischen Tokio. Intensives Körperkino aus Japan über die Generation Z.
Nichts kann der 21jährigen Kana (Yūmi Kawai) dauerhaft Befriedigung oder auch nur Halt verschaffen. Weder ihr Job im Schönheitssalon, noch ihre Beziehung zu dem liebevollen Honda. Ihre ganze Existenz ist ein stiller, erstickter Schrei nach Nonkonformität. Erst eine Affäre mit dem freigeistigen Künstler Hayashi scheint endlich Bewegung in ihr tristes Leben zu bringen. Doch bald wird die Beziehung toxisch.
Zunächst tastendes, emotional immer eindringlicheres und frisches Selbstportrait der urbanen Gen Z. Voller visueller Fantasie führt es uns durch Tokio und zeichnet zugleich ein lebensecht-tiefes Bild seiner ungewöhnlichen Hauptfigur.

Eine Außenseiterin, eine seltene Krankheit und ein hinterhältiger Plan. Spannender, atmosphärisch dichter und visuell beeindruckender Neo-Noir-Thriller mit Anklängen an ›Memento‹.
Regelmäßige Blackouts und ein allgemeiner Verlust des Zeitgefühls gehören zu Frankies Krankheit. Um trotz dieser sogenannten Dyschronometrie ihren Alltag zu bewältigen, behilft sich die junge Frau mit Audiokassetten, auf denen sie ihr Leben dokumentiert. Ihr Ehemann hat sich mutmaßlich das Leben genommen, die siebenjährige Tochter befindet sich in Obhut der Schwiegermutter. Eines Tages lernt Frankie in einer Selbsthilfegruppe Paige kennen, die ihr ein finanziell attraktives Angebot macht: Für 3.000 Dollar soll sie deren Auto vom gewalttätigen Bruder zurückstehlen. So sehr sie das Geld allerdings benötigt, so schwierig gestaltet sich angesichts von Frankies Zustand die Ausführung. Und dann kommen auch noch zunehmende Zweifel an Paiges Version der Geschichte auf.
Ein mitreißender Thriller in wunderbar körnigen 16-mm-Bildern mit Anklängen an New Hollywood und das Paranoia-Kino. Ryan J. Sloan ist ein Elektriker und autodidaktischer Filmemacher aus New Jersey. Er ging mehreren Jobs parallel zueinander nach, um ›Gazer‹, seinen ersten Film, vollständig selbst zu finanzieren. Er war damit in diesem Jahr in Cannes für die Caméra d’Or nominiert.

Vom Entdecken des eigenen Körpers und der Beziehung zweier Schwestern. Catherine Breillats so berührende wie verstörende Coming-of-age-Geschichte.
Die übergewichtige, 12-jährige Anaïs (Anaïs Reboux) verbringt die Sommerferien mit ihrer Familie in Italien. Als sie zu zweit unterwegs sind, registriert Anaïs, wie ihre hübsche, von ihr vergötterte Schwester Elena (Roxane Mesquida) mit einem italienischen Studenten anbandelt. Sie beobachtet den ersten Sex der beiden, der zu einem Akt männlicher Manipulation und Machtdemonstration verkommt. Das löst in Anaïs eine zunehmende Wut auf ihre Schwester und schließlich Gewaltfantasien aus.
Zwei Jahre nach ihrem skandalträchtigen ›Romance‹ (1999) schuf Catherine Breillat dieses, ihr wohl wichtigstes Werk. Sein schockierendes und provokatives Ende wird noch lange nachhallen.
Bereits ihre frühesten Werke Ende der 1970er-Jahre verschafften der Regisseurin und Autorin Catherine Breillat den Ruf eines Enfant terrible der französischen Kulturszene. In ihren Filmen, darunter z.B. ›Lolita ‘90‹ (1988) oder ›Anatomie de l’enfer‹ (2004), steht oft die Suche der weiblichen Hauptfiguren nach sexueller Identität im Zentrum.

›Harold and Maude‹ im 21. Jahrhundert! Eine vollkommen unerwartete Verbindung gibt zwei Menschen neuen Halt im Leben. Hinreißend komisch und warmherzig. Nach dem Tod seiner Frau lebt Kantor Ben (Jason Schwartzman) wieder bei seinen beiden Müttern. Er hat seine Gesangsstimme verloren und zweifelt am Glauben. Deshalb fürchtet er seinen Chef, Rabbi Bruce, zu enttäuschen. Da begegnet ihm seine mittlerweile siebzigjährige Grundschullehrerin Carla (Carol Kane). Die entscheidet sich spontan, mit Bens Hilfe ihre Bat Mizwa nachzuholen. Es ist der Anfang einer ganz ungewöhnlichen Beziehung. Allerdings ist da noch Carlas Sohn, der die plötzliche Religiosität seiner Mutter und ihre neue Bekanntschaft argwöhnisch beäugt. Außerdem möchte Rabbi Bruce seinen Schützling Ben nur zu gern mit der eigenen Tochter verkuppeln. Es wird turbulent!
Regisseur und Drehbuchautor Nathan Silver hat neun Lang- und zahlreiche Kurzfilme realisiert. Seine Werke wurden weltweit auf renommierten Festivals in New York, Venedig, Tribeca, Locarno oder Rotterdam, aber auch im MoMa oder der Cinémathèque Française gezeigt. Laut New Yorker ist er ein “modernistischer Meister des Melodramas".

Der gefeierte Alltagschronist Hong Sang-soo spürt den Feinheiten unserer Beziehungen nach. Eindringlich und poetisch wie immer und doch erfrischend anders. Kurzfristig hat Jeonim ihren Onkel gebeten, ein Stück für das Unifest zu schreiben. Der ist ein ehemals berühmter Schauspieler, sie Dozentin an der Hochschule. Schnell nimmt die Arbeit an dem neuen Stück Form an, und zugleich entfaltet die Beziehung zwischen Jeonim, ihrem Onkel und ihrer Ziehmutter an der Universität ihre ganz eigene Dynamik. Mit gewohnt großer Hingabe für die feinen Zwischentöne erzählt Hong Sang-soo von Ängsten und Träumen, Erfolg und Misserfolg. So elegant wie beiläufig ineinander verwobene Dialoge tragen den Film. Doch diesmal begegnen sich die Figuren mit entwaffnender Offenheit. Und dann ist da noch der nahe gelegene Fluss.
Hong Sang-soo ist ein international renommierter und vielfach ausgezeichneter Regisseur und Drehbuchautor aus Südkorea. Bekannt ist er für das subtile Erkunden der Hintergründe zwischenmenschlicher Beziehungen. Entdeckt wurde er 1996 auf dem IFFMH mit seinem Debütfilm ›Der Tag, an dem ein Schwein in den Brunnen fiel‹.

Sommerhitze, ein Flussufer im Wald. ›Der Fleck‹ beschreibt einen metaphysischen Ort, an dem sich die Fragen der Jugend offenbaren. Eine magische Momentaufnahme! Der 17-jährige Simon ist auf dem Heimweg, er hat keine Eile, vielmehr Langeweile. Zufällig trifft er seinen Kumpel Enes und zusammen fahren sie zum Fluss. Dort sind schon ein paar junge Leute versammelt. Die Gespräche plätschern dahin, Blicke werden ausgetauscht. Mehr passiert kaum - und zugleich alles, was das Zusammensein ausmacht. Fast dokumentarisch wirken die Szenen, doch dann wird immer wieder die Magie des Orts in Szene gesetzt. Schließlich geht Simon in den Wald. Nur Marie folgt ihm. Es ist eine verwunschene Coming-of-Age-Geschichte, in der unser Zuschauen zum Teil des Films wird und wir die Bedeutung des Moments zu spüren beginnen.
Willy Hans hat an der Hochschule für bildende Kunst in Hamburg Film und Kunst studiert, wo er auch seinen Kameramann Paul Spengemann traf. Dort lernte er bei Angela Schanelec und Wim Wenders. Nach Kurzfilmen, die unter anderem in Cannes ausgezeichnet wurden, ist ›Der Fleck‹ sein Langfilmdebüt. Er war damit auch auf dem Talent Camp unseres Festivals.

Jetzt schon einer der meistdiskutierten Filme des Jahres - und er wird weiter für Furore sorgen! Amy Adams als überarbeitete junge Mutter, die sich womöglich in einen Hund verwandelt. Wau! Urkomisch und originell erkundet Regisseurin Marielle Heller die Herausforderungen des Mutterseins und die weibliche Identität. Obwohl sie ihren Sohn liebt, fühlt sich die namenlose junge Mutter (Amy Adams) erschöpft und isoliert. Früher eine Künstlerin und Kuratorin in der Stadt, hat sie sich mit ihrem Mann darauf geeinigt, mit dem Kind im Vorort zu Hause zu bleiben. Doch der immergleiche Alltag aus Windelwechseln, Bananenschneiden und Spielplatzbesuchen frustriert sie zusehends. Auch die anderen Mütter im Baby-Buchclub bieten ihr keinen Ausweg. Erst als eines Tages etwas Ursprüngliches und Wildes in ihr erwacht, stößt sie das Tor zur
Freiheit auf.
In ihren Filmen bringt Regisseurin und Drehbuchautorin Marielle Heller, selbst auch vor der Kamera tätig, das Beste aus ihren Schauspieler*innen heraus. Darsteller*innen ihrer letzten beiden Filme erhielten Oscar-Nominierungen, darunter Tom Hanks und Melissa McCarthy. Mit Amy Adams in ›Nightbitch‹ knüpft sie nahtlos daran an.

Bewegende Einwanderergeschichte. Von Freundschaft, Liebe und dem schweren Weg, ein Leben hinter sich zu lassen und in einem neuen anzukommen. Episch, gefühlvoll und reich an stiller Menschlichkeit. Anfang der 1990er-Jahre. Der 27-jährige Nour kommt aus Marokko und lebt als illegaler Einwanderer in Frankreich. Gemeinsam mit ein paar Freunden schlägt er sich als Kleinkrimineller durch. Trotz aller Entbehrungen lassen sie sich nicht unterkriegen und genießen ihr Leben voller Rausch und Partys. Aber es kommt, wie es kommen muss, und eines Tages werden die Freunde von der Polizei festgesetzt. Durch Hilfe von gänzlich unerwarteter Seite erhält Nour jedoch eine zweite Chance. ›Across the Sea‹ begleitet seinen Hauptcharakter über rund zehn Jahre und zeichnet so das Bild einer ganzen Epoche. Dabei erzählt der Film unglaublich facettenreich von Liebe und Lust in all ihren Formen sowie von der ungeheuren persönlichen Last der Migration. Für Nour wird sie gar zur existenziellen Bedrohung. Doch am Ende bleibt uns die Hoffnung, dass die Liebe ihn zu retten vermag. Ein Film von großer Menschlichkeit. Saïd Hamich Benlarbi ist Absolvent der berühmten Pariser Filmschule La Femis. Als Produzent zahlreicher französisch-marokkanischer Filme war er bereits auf vielen internationalen Festivals vertreten. Schon sein Regie-Debüt ›Retour á Bollène‹ wurde mehrfach ausgezeichnet. ›Across the Sea‹ ist sein zweiter Spielfilm.

Blut und Tanz. Albert Serra (›Pacifiction‹) begleitet Andrés Roca Rey, “Messi der Toreros”, und schafft ein radikales Portrait von Mensch und Tier. Qualvoll. Schön. Die Kostüme und selbstbewussten Bewegungen des Matadors, der Anlauf und die Drehungen des Stiers, die Rufe des Publikums. Serra zeigt die Corrida als das, was sie ist: ein Ritual, ein blutroter Tanz auf Sand. Im Zentrum Tier und Mensch, zwei Opponenten, die doch eine choreografische Einheit bilden. In langen Einstellungen werden wir so Zuschauer und stiller Zeuge einer Vorstellung, bei der der Tod am Ende feststeht. Dazwischen Autofahrten und Hotelzimmer. ›Afternoons of Solitude‹ balanciert zwischen Dokumentation und Kunstfilm. Und ob wir das, was wir sehen, als ästhetisch oder martialisch empfinden, oder beides, bleibt uns überlassen.
Albert Serra arbeitet in den Bereichen Film, Theater, Videokunst und Performance. Sein Film ›Geschichte meines Todes‹ (2013) erhielt in Locarno den Goldenen Leoparden. ›Pacifiction‹ lief 2022 im Wettbewerb von Cannes und war im selben Jahr beim IFFMH zu sehen. ›Afternoons of Solitude‹ wurde kürzlich in San Sebastián als bester Film ausgezeichnet.

›Harold and Maude‹ im 21. Jahrhundert! Eine vollkommen unerwartete Verbindung gibt zwei Menschen neuen Halt im Leben. Hinreißend komisch und warmherzig. Nach dem Tod seiner Frau lebt Kantor Ben (Jason Schwartzman) wieder bei seinen beiden Müttern. Er hat seine Gesangsstimme verloren und zweifelt am Glauben. Deshalb fürchtet er seinen Chef, Rabbi Bruce, zu enttäuschen. Da begegnet ihm seine mittlerweile siebzigjährige Grundschullehrerin Carla (Carol Kane). Die entscheidet sich spontan, mit Bens Hilfe ihre Bat Mizwa nachzuholen. Es ist der Anfang einer ganz ungewöhnlichen Beziehung. Allerdings ist da noch Carlas Sohn, der die plötzliche Religiosität seiner Mutter und ihre neue Bekanntschaft argwöhnisch beäugt. Außerdem möchte Rabbi Bruce seinen Schützling Ben nur zu gern mit der eigenen Tochter verkuppeln. Es wird turbulent!
Regisseur und Drehbuchautor Nathan Silver hat neun Lang- und zahlreiche Kurzfilme realisiert. Seine Werke wurden weltweit auf renommierten Festivals in New York, Venedig, Tribeca, Locarno oder Rotterdam, aber auch im MoMa oder der Cinémathèque Française gezeigt. Laut New Yorker ist er ein “modernistischer Meister des Melodramas".

Kanadas Oscar-Kandidat. Irgendwo zwischen Woody Allen, Wes Anderson und kanadischer Moderne lachen wir Tränen und entdecken die Schönheit des Kinos. Liegt Québec im Iran? Die Leute hier sprechen jedenfalls persisch. Und wie fährt man von dort nach Winnipeg und ist dann doch immer noch am selben Ort? Aber vor allem: Wie bekommt man eine Geldnote aus dem Eis eines zugefrorenen Sees? Mit viel Witz, großer formaler Strenge und noch viel größerer geistiger Freiheit dringt Regisseur Matthew Rankin zur universellen Sprache des Humors vor. Er nimmt uns mit auf eine urkomische Reise zu liegengebliebenen Koffern und abgeschalteten Springbrunnen. Und schließlich entdecken wir die verbindende Kraft und Schönheit des Kinos, jenseits von Zeit, Raum und Kultur. Genau das also, was wir im Moment brauchen.
Regisseur Matthew Rankin, geboren in Winnipeg, studierte Geschichte in Québec und Montreal. Er hat rund 40 Kurzfilme gedreht, die auf großen Festivals wie Sundance, der Berlinale und in Toronto gezeigt wurden. Sein Spielfilmdebüt ›The Twentieth Century‹ gewann 2020 den FIPRESCI-Preis in Berlin.

Queerer Kultfilm. Selbstreflexiv und überraschend erzählt Cheryl Dunye darin von Identität und dem Bedürfnis nach Selbstermächtigung.

Die lesbische Schwarze Cheryl (Cheryl Dunye) arbeitet in einer Videothek in Philadelphia. In ihrer Freizeit recherchiert sie zu Schwarzen Schauspielerinnen, die im frühen Hollywoodkino meist namenlos blieben. Eine dieser Darstellerinnen, die rassistisch als Watermelon Woman bezeichnet wurde, fasziniert Cheryl besonders. Sie versucht, die wahre Identität der Frau herauszufinden und deren Geschichte zu erzählen. - Mit diesem Meilenstein des queeren US-Kinos wendet sich Cheryl Dunye gegen die Unsichtbarkeit und Abwesenheit Schwarzer und queerer Menschen in der amerikanischen Filmgeschichte. Eine der Entdeckungen der diesjährigen Retrospektive!

Cheryl Dunye, geboren 1966, ist eine US-amerikanische Filmemacherin und Produzentin, die in ihren Filmen immer wieder Race, Gender und Sexualität thematisiert. Als Regisseurin hat sie neben ihren Spielfilmen auch Serien wie ›Dear White People‹ (2019) und ›Lovecraft Country‹ (2020) realisiert.

Cannes-Gewinner und deutscher Oscar-Kandidat! Regisseur Mohammad Rasoulof erzählt eine Familiengeschichte aus der Mitte des politischen Widerstands in Teheran. Iman arbeitet bei der iranischen Justiz. Seine Beförderung zum Ermittler am Revolutionsgericht fällt in die Zeit des politischen Widerstands 2022. Dass er jetzt auch Todesurteile unterschreibt, hält er vor seinen Töchtern geheim. Während vor der Haustür der Gottesstaat ins Wanken gerät, werden auch innerhalb der Familie immer mehr Spannungen spürbar. Als plötzlich seine Waffe verschwindet, glaubt Iman, eine seiner Töchter stecke dahinter. Und er greift zu drastischen Maßnahmen. Mit schonungslosem Blick und teilweise mittels echter Handyaufnahmen erzählt Rasolouf eine politische Parabel von großer Sprengkraft. Ein Film, der noch lange nachhallt. Mohammad Rasoulof ist eine der wichtigsten Stimmen des iranischen Kinos. Seine systemkritischen Filme entstehen oft unter schwierigsten Bedingungen. Er wurde bereits zweimal in Cannes ausgezeichnet. 2020 erhielt er den Hauptpreis bei der Berlinale. ›The Seed of the Sacred Fig‹ ist als deutscher Beitrag für die kommenden Oscars nominiert.

Ein Haus in der Wildnis, erste Liebe und toxische Männlichkeit. Dazu umwerfende Bilder und die garantiert beste Playlist des Jahres! Der 17jährige Jeff fährt mit der Familie seines besten Freundes in die abgelegene Waldhütte von Blake, einem Freund des Vaters. Blake ist ein berühmter Regisseur und damit für Jeff ein Idol. Ob er aber auch menschlich zum Vorbild taugt, steht schon bald gewaltig in Frage. Und dann gibt es noch Aliocha, die Schwester seines Freundes, in die Jeff sich verliebt. Coming of Age als verdrehter Bildungsroman: Die Jugendlichen müssen gehörig aufpassen, in der engen Waldhütte durch die moralisch zerzausten Erwachsenen nicht verdorben zu werden. Doch in der Wildnis von Québec, auf Bergen und reißenden Flüssen, erwarten sie noch weit größere Herausforderungen. Der aus Québec stammende Regisseur Philippe Lesage kommt vom Dokumentarfilm. Er entwickelt seine autobiographisch gefärbten Arbeiten in intensiver Zusammenarbeit mit den Schauspielern. ›Comme le feu‹ gewann auf der 74. Berlinale den „Großen Preis für den Besten Film“ in der Sektion Generation 14plus.

Radikales Porträt einer faszinierenden jungen Frau im klaustrophobischen Tokio. Intensives Körperkino aus Japan über die Generation Z.
Nichts kann der 21jährigen Kana (Yūmi Kawai) dauerhaft Befriedigung oder auch nur Halt verschaffen. Weder ihr Job im Schönheitssalon, noch ihre Beziehung zu dem liebevollen Honda. Ihre ganze Existenz ist ein stiller, erstickter Schrei nach Nonkonformität. Erst eine Affäre mit dem freigeistigen Künstler Hayashi scheint endlich Bewegung in ihr tristes Leben zu bringen. Doch bald wird die Beziehung toxisch.
Zunächst tastendes, emotional immer eindringlicheres und frisches Selbstportrait der urbanen Gen Z. Voller visueller Fantasie führt es uns durch Tokio und zeichnet zugleich ein lebensecht-tiefes Bild seiner ungewöhnlichen Hauptfigur.

Ein Haus in der Wildnis, erste Liebe und toxische Männlichkeit. Dazu umwerfende Bilder und die garantiert beste Playlist des Jahres! Der 17jährige Jeff fährt mit der Familie seines besten Freundes in die abgelegene Waldhütte von Blake, einem Freund des Vaters. Blake ist ein berühmter Regisseur und damit für Jeff ein Idol. Ob er aber auch menschlich zum Vorbild taugt, steht schon bald gewaltig in Frage. Und dann gibt es noch Aliocha, die Schwester seines Freundes, in die Jeff sich verliebt. Coming of Age als verdrehter Bildungsroman: Die Jugendlichen müssen gehörig aufpassen, in der engen Waldhütte durch die moralisch zerzausten Erwachsenen nicht verdorben zu werden. Doch in der Wildnis von Québec, auf Bergen und reißenden Flüssen, erwarten sie noch weit größere Herausforderungen. Der aus Québec stammende Regisseur Philippe Lesage kommt vom Dokumentarfilm. Er entwickelt seine autobiographisch gefärbten Arbeiten in intensiver Zusammenarbeit mit den Schauspielern. ›Comme le feu‹ gewann auf der 74. Berlinale den „Großen Preis für den Besten Film“ in der Sektion Generation 14plus.

Eine Frau auf der Schwelle zu einem neuen Lebensabschnitt in einem Film wie ein blaugrüner Seelenspiegel. Tiefgründig und wunderschön. Dunkelblau ist die Nacht, als die 40-jährige Künstlerin Lena Bukarest verlässt, um fernab der Stadt einen Auftrag anzunehmen. Das Hotel, für das sie Wandbilder erstellen soll, steht wie ein Block im Wald - und Lena vor vielen offenen Fragen. Wonach soll sie ihr Leben ausrichten? Frisch getrennt, keine Kinder, flüchtet sie sich in ihre Arbeit und die Natur. Im Hotel trifft sie dann auf den attraktiven Direktor und den aus Syrien geflüchteten Roni, der ihr als Assistent zur Seite steht. Und ganz allmählich scheint sich für Lena das Tor zu einer neuen Zukunft aufzutun. - Sarra Tsoradikis nähert sich ihren Figuren in langen, wunderschön komponierten Einstellungen. Fein nuanciert verwebt die Erzählung verschiedene Lebenswirklichkeiten zu einem facettenreichen Ganzen. Ein still-berührender Film von großer visueller Kraft, der uns mit seiner Figur vor die Frage stellt, was wirklich zählt im Leben. Sarra Tsoradikis, Jahrgang 1988, studierte in Bukarest Regie an der rumänischen Nationaluniversität für Theater- und Filmkunst. Sie realisierte Kurzfilme und arbeitete als Regieassistentin für den renommierten Filmemacher Radu Jude. ›Ink Wash‹ ist ihr Debütfilm.

Genau wie Nina, der Hauptfigur in diesem cineastischen Coup, bleibt auch uns Zuschauer*innen fast der Atem weg. Aus ungläubigem Staunen über seine hemmungslose feministische Radikalität und Schönheit. Nina ist Geburtshelferin in einer kleinen Klinik irgendwo im Osten Georgiens in der Nähe des Kaukasus. Immer wieder ringt sie mit den Zumutungen des Lebens. Nur ihr Beruf gibt ihr Halt und Sinn, ihm ordnet sie bis zur Selbstaufopferung alles andere unter. Doch nach einem tragischen Todesfall wird nicht nur ihr Wirken im Krankenhaus untersucht, sondern auch ihr Handeln in den umliegenden Bauerndörfern. Durch die Ermittlungen gerät ihre berufliche Zukunft, ja ihre ganze Existenz in Gefahr. Aber Nina hat etwas geschworen, und sie will auf keinen Fall dagegen verstoßen. Um nichts in der Welt.
›April‹s emotionale Intensität und kinematografische Schönheit entziehen sich fast jeder Beschreibung. Die extrem dichte Atmosphäre, die beeindruckenden Bilder, sinnlichen Texturen und eindrücklichen Klänge machen Dea Kulumbegashvilis zweite Regiearbeit zu einem unvergesslichen Gesamtkunstwerk. Es ist schon jetzt ein kraftvolles, sein Publikum in Grenzbereiche führendes Monument der Kinogeschichte.
Die georgische Regisseurin Dea Kulumbegashvili studierte Film an der Columbia University. Nach zwei erfolgreichen Kurzfilmen setzte sie 2021 mit ›Beginning‹, ihrem Langfilmdebüt, ein erstes großes Ausrufezeichen. Beim Filmfestival in San Sebastian erhielt der Film neben dem Hauptpreis noch drei weitere Auszeichnungen, wurde für den Europäischen Filmpreis nominiert und im selben Jahr beim IFFMH gezeigt. ›April‹ ist ihr zweiter Film und gewann dieses Jahr den Spezialpreis der Jury beim Filmfestival in Venedig.

Drei Lieben, ein zerrüttetes Land und der leise Traum von seiner Erneuerung. Kritisches und betörend stimmungsvolles Gesellschaftspanorama des Iran. Teheran. Drei Lieben, eine Familie: Die eine geht gerade in die Brüche, die andere ist längst zerbrochen und wieder eine entsteht vielleicht soeben vor unseren Augen. Sima ist in ihrer Ehe mit Behzad unglücklich und sucht deshalb eine Wohnung für sich und ihre Teenagertochter Minoo. Behzad will seiner Exfreundin näherkommen und arrangiert dafür ein ‘zufälliges’ Aufeinandertreffen. Minoo beginnt, an der Ampel wartend, spontan einen Flirt mit Keyvan. Wir folgen den beiden bei ihrem gemeinsamen Gang durch die Metropole. Es entsteht ein psychologisches Mosaik der großen Stadt, ein Gesellschaftspanorama im Kleinen und der leise Traum von einem anderen Iran. Betörende Stimmungsbilder, zarte Andeutungen und unumwundene Gesellschaftskritik porträtieren ein Land, in dem niemand bleiben will. Mutig und stimmungsvoll. Shahab Fotouhi arbeitet und lebt in Teheran. Er ist Alumni der Frankfurter Städelschule und hat sich bisher mit seinen Videoarbeiten und Skulpturen einen Namen in der Kunstwelt gemacht. Ausgestellt hat er im Barbican Centre in London und der Taipei Biennale. ›Boomerang‹ ist sein Spielfilmdebüt.

In der Tradition von David Finchers ›Zodiac‹ ist ›Maldoror‹ mitreißendes, investigatives Krimidrama und düster-verstörender Psychothriller zugleich. Belgien, 1995. Zwei junge Mädchen verschwinden. Begleitet von einem medialen Inferno verstrickt sich die Polizei in haarsträubende juristische und bürokratische Blockaden. Der frustrierte junge Gendarm Paul Chartier (Anthony Bajon) beschließt, die Sache selbst in die Hand zu nehmen. „Die Gesänge des Maldoror“ ist vielleicht das schwärzeste Buch des französischen 19. Jahrhunderts. Seine Titelfigur, eine Verkörperung des Ur-Bösen, leiht ihren Namen hier einer fiktiven Spezialeinheit der Polizei. Von deren Ermittlungen erzählt dieser nervenaufreibende Thriller über den Skandal um Marc Dutroux, der in Belgien vom Kriminalfall zum nationalen Trauma wurde. Die Krimis, Thriller und Horrorfilme von Fabrice Du Welz sind Versuchsanordnungen über das Böse. Nach einem Studium in Lüttich und Brüssel begann er 1990 Kurzfilme zu drehen. Mit Filmen wie ›Calvaire‹ (2004), ›Vinyan‹ (2008) oder ›Adoration‹ war er regelmäßig auf den großen Festivals zu Gast und wurde dort ausgezeichnet.