Wien: Das sind Beiseln, Bars und bissiger, schwarzer Humor. Auf dem Ring flaniert man an Hofoper, Justizpalast und Burgtheater vorbei, verweilt für einen Augenblick vor der imposanten Hofburg oder grüßt das Standbild von Maria Theresia. Die Luft ist lau, die Straßenbahn rattert fröhlich in ihren Schienen und überall weht einem eine leise, melancholisch-frohe Musik um die Ohren. In einem der vielen Kaffeehäuser lässt man sich zu den Klängen eines Pianos für eine Zigarettenlänge nieder, um nicht bloß den Melodien, sondern vor allem dem neuesten Klatsch und Tratsch zu lauschen. Danach geht’s zum Spazieren den Donaukanal entlang, wo man beim Taubenvergiften den reizendsten Wiener Maderln begegnet. Abends darf es dann gern ein bisschen Kino sein.

Dieser musikalische Abend in der Theaterscheune nimmt das Publikum mit in die schöne Donaumetropole. Mit Wiener Schlagern, Filmen und Geschichten stürzen sich Frank Bernard und Heiko Walter mitten hinein ins wilde Wiener Leben, spüren dem echten habsburgischen Flair nach und weben mit leichter Hand die alten und die neuen Zeiten ineinander. Da fühlt man sich fast, als sei man selbst vor Ort. Wenn es schließlich hinaus nach Grinzing zum berühmten Heurigen in die weinselige Sommerfrische geht, bestellt man dann gern noch ein zweites oder drittes Glas …

Abendstimmungen über dem Land sind mehr als eine kitschige Fototapete. Vom hohen Norden bis in den Süden feiern die Menschen den Tagesausklang, mal mit wilden Tänzen, mal mit sanften Melodien. Im 2. Feierabendkonzert lädt Dirigent Gyuseong Lee dazu ein, in einer rumänischen Dorfkneipe den Abend zu durchtanzen, eine lichtdurchflutete Mitsommernacht in Schweden zu genießen und schließlich in Österreich einzukehren, wo sich Fuchs und Serenade „Gute Nacht“ sagen …

Die Komponisten Béla Bartók, Dag Wirén und Robert Fuchs haben alle in Traditionen hineingehorcht – sei es in volkstümliche Musik oder in Stimmungen ihrer klassischen Vorgänger. Der schwedische Komponist Dag Wirén fasste sein Credo entsprechend zusammen: „Ich glaube an Bach, Mozart und Nielsen und die absolute Musik.“ Und wir glauben, dass man seinen Feierabend nicht besser beginnen kann!

Béla Bartók – Rumänische Volkstänze (Arr. für Streichorchester von Arthur Willner)
Dag Wirén – Serenade für Streicher op. 11
Robert Fuchs – Serenade Nr. 3. op. 21

Moderation: Corinna Jarosch
Dirigent: Gyuseong Lee
Es spielen Mitglieder des Philharmonischen Orchesters.

HINWEIS
17.30 – 18.00 Uhr Warm Up & 30 min. Chill Out im Anschluss an das Konzert mit DJ ST101

Bearbeitung von Jürgen Wölffer

Philipp Klapproth langweilt sich. Auf seinem Landsitz bei Berlin scheint es ihm, als hätten alle mehr zu erleben und mehr zu erzählen als er. Seine Idee: Eine Nervenheilanstalt muss her!

Ein Tag bei echten „Irren“ verspricht eine Menge Geschichten für den Stammtisch auf dem Land. Er ködert seinen Neffen mit einer finanziellen Spritze, wenn er ihm so ein Etablissement ausfindig mache. Gelockt vom Versprechen des Geldes, erklärt dieser die stinknormale „Pension Schöller“ zur Irrenanstalt. Der Plan geht auf, der Onkel trifft dort auf die exzentrischen Gäste der Pension und die geben eine hervorragende Nervenheilanstalt ab. Da sind zum Beispiel der Wissenschaftler Bernhardy, der von Löwenjagden zu erzählen weiß, die Schriftstellerin Zillertal, die Geschichten sammelt, oder der Major a.D., der zum Duell fordert. Als die Figuren plötzlich bei Klapproth zu Hause erscheinen, ist das Chaos perfekt.

PENSION SCHÖLLER ist auch hundert Jahre nach seiner Entstehung noch ein Paradebeispiel für das Verschwimmen von Normalität und Irrsinn und zeigt mit Humor und grandiosem Tempo, wie fließend die Grenzen zwischen den Verrückten und den Vernünftigen sein können.

Regisseur Max Simonischek bringt die Komödie in seiner ersten Arbeit für das Staatstheater Cottbus auf die Große Bühne. Das vermeintlich harmlose Lustspiel wird zur Groteske, zum Tränen lachen und zum Ensembletheater voll großer Spiellust, mit Sinn für Humor und Rhythmus.

Libretto von Leo Feld unter Benutzung von Gottfried Kellers gleichnamiger Novelle
„Mannheimer" Fassung (1913)
Nach der Kritischen Erstausgabe von Antony Beaumont
Uraufführung
© Mit freundlicher Genehmigung von Universal Edition AG Wien

Alexander Zemlinsky, 1871 in Wien geboren, war ein Protagonist des blühenden Musiklebens der ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts. Als Jude musste er 1938 emigrieren und starb wenige Jahre später. In seiner Adaption der Novelle des armen Schneiderleins, das große Sehnsüchte hegt, im Nachbarort für einen Grafen gehalten wird und brutal von der Menge enttarnt wird, zeigt sich Zemlinsky im Kontrast zu Gottfried Keller als Meister von Vielschichtigkeit und Poesie.

KLEIDER MACHEN LEUTE ist eine feinsinnige Allegorie auf den unsteten, auf der Suche seienden Künstler und eine große Erzählung über die alle Verzweiflung versöhnende Kraft der Liebe. Zugleich zeichnet die Oper ein messerscharfes Bild gesellschaftlicher Dynamiken, in denen Projektionen sich in Missgunst und Hass wenden, wie Zemlinsky selbst später erfahren musste und es heute wieder erschütternde Aktualität zeitigt. Voll betörend farbenreicher Klänge bildet Zemlinskys Musik ein kaleidoskopisches Spiegelbild ihrer Zeit, gespickt mit Witz und Charme, Leichtigkeit und Melancholie.

URAUFFÜHRUNG

Das für Cottbus entstandene Recherchestück erzählt eine Cottbuser Geschichte rund um fünf Figuren, die den Chancen und Herausforderungen des Strukturwandels unterschiedlich begegnen.

Nach dem Tod ihres Großvaters kehrt die junge Journalistin Carla in ihre Heimatstadt Cottbus zurück. Im Haus ihres Opas findet sie einen Ordner mit der Aufschrift „KRAFTWERK – für Carla“. Darin befinden sich stapelweise Dokumente mit Informationen über die Firma LEAG, um Vattenfall, das Kraftwerk Jänschwalde, den Ostsee und die Gigawattfactory. Als Carla beginnt sich näher damit zu beschäftigen, trifft sie auf völlig unterschiedliche Menschen: Sie begegnet der Nachbarin ihres Opas, einer ehemaligen Aktivistin, deren Zuhause schon zweimal abgebaggert wurde. Der Freund ihres Sohnes kämpft für die grüne Zukunft der LEAG. Und dessen Chef wiederum sorgt sich für den Fall eines Kohleausstiegs um die Versorgungssicherheit. Es entspinnt sich eine Geschichte um die Kohleindustrie und ihre Zukunft, die zudem von Alternativen und Utopien und von den Chancen und dem Scheitern gemeinsamer Gespräche erzählt.

Autor Calle Fuhrs vielstimmiges und humorvolles Theaterstück basiert auf Recherchen des investigativ-journalistischen Kollektivs CORRECTIV, deren Ergebnisse, bspw. zur Lage der Wasserversorgung der Region, bereits veröffentlicht sind. Darüber hinaus begleiteten sie die Produktion bis zum Premierentag mit laufenden Recherchen. Die neuesten Resultate wurden tagesaktuell zur Premiere von CORRECTIV veröffentlicht und exklusiv auf der Cottbuser Bühne präsentiert.

Fuhr arbeitet regelmäßig zusammen mit journalistischen Kollektiven an der Erarbeitung aktueller Themen für das Theater. Aus seiner Überzeugung heraus, dass das Erzählen von Geschichten die Wahrnehmung unserer Welt beeinflusst, findet er im Theater den Ort, der Menschen berühren, Perspektiven ändern und Verständnis möglich machen kann.

Texte von Gottfried Keller sowie Musik und Lieder von Johannes Brahms, Othmar Schoeck, Wilhelm Baumgartner und Felix Weingartner

Aus menschlichen Unzulänglichkeiten und landschaftlicher Idylle baut sich der Autor Gottfried Keller lustvoll das Städtchen „Seldwyla“ zusammen. In der Novellen-Sammlung „Die Leute von Seldwyla“ porträtiert er ein illustres Völkchen von sympathischen Faulenzern und feierlaunigen Taugenichtsen, die für ihr eigenes Wohlergehen alles opfern, solange es geht, um dann, gescheitert und bankrott, ihr Glück woanders zu suchen. Während Keller die Menschen voller grotesker Eigenheiten findet, nimmt er die Natur als Inspiration und poetische Zuflucht wahr, in Gemälden und Gedichten. Letztere waren wiederum Anregungen für Komponisten, so etwa auch für den befreundeten Musiker Wilhelm Baumgartner. „Als Baumgartner spielte, wünschte ich wunderschön spielen und singen zu können der Luise wegen“, schreibt Keller in sein Tagebuch. An diesem Konzertabend geht sein Wunsch in Erfüllung: Dichtung, Musik und Gesang vereinen sich – allen „Luisen“ und allen Lauschenden wegen.

Mit: Amadeus Gollner (Lesung), Dirk Kleinke (Tenor), Frank Bernard (Klavier)

Die Anarcho-Straßenoper-Band ‚The Tiger Lillies‘ hat sich von den beiden erfolgreichen Stücken „The Beggar´s Opera“ aus dem Jahr 1726 und der 200 Jahre später daraus entstandenen „Dreigroschenoper“ von Bertolt Brecht und Elisabeth Hauptmann zu ihrem Konzeptalbum TWO PENNY OPERA inspirieren lassen. In assoziativen Songs rücken sie Leben, Leid und Liebe der Figuren aus der „Dreigroschenoper“ in den Mittelpunkt.

Armin Petras (Regie), Berit Jentzsch (Choreografie) und Miles Perkin (Musikalische Leitung) haben Erfahrung mit den Tiger Lillies. Die Inszenierung des Albums „Lulu: A Murder Ballad“ lief auf drei Bühnen in zwei Städten über vier Jahre. Im Zusammenspiel von Musik, Tanz, Schauspiel, Bühne und Kostüm entstehen für jedes Lied Bilder, mit denen das Ensemble Schlaglichter wirft: auf die Sehnsüchte und Romantik des jungen Paares Mackie und Polly, auf deren kriminelle Eltern mit Träumen vom besseren Leben für ihre Kinder, auf die kapitalistisch geprägten Vorstellungen von Erfolg und Glück, auf einen Mackie, der dem Tod ins Auge sehen muss, auf moralischen Verfall und bürgerliche Sehnsüchte und die Energien, die durch Lust, Liebe und Leidenschaft freigesetzt werden. Dafür wird das Milieu der Londoner Unterwelt versetzt in die Welt des Zirkus, der Artistinnen und Seiltänzerinnen, der Löwendompteure und Clowns.

Das Ensemble hat sich an allerlei Instrumenten geübt, sich mit Artistik, Jonglage, Clownerie und Zirkus beschäftigt, die Stimmen geölt und schafft damit ein Loblied auf die Popkultur, ein Fest der Behauptung und des Rock ’n‘ Roll, ein Spektakel der bizarren Existenzen und ihrer großen und kleinen Gefühle.

Libretto von Giuseppe Giacosa und Luigi Illica
Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln

In unfreien Zeiten kann sich niemand hinter seiner Kunst verstecken, nicht der Maler Mario Cavaradossi und nicht seine Geliebte, die Sängerin Floria Tosca. Vor dem Hintergrund des Konflikts zwischen Napoleons Revolutionsheer und den habsburgisch-päpstlichen Truppen im Jahr 1800 entspinnt sich die Handlung der Oper innerhalb von nur 24 Stunden. Nach dem Sturz der römischen Republik hat Polizeichef Scarpia ein Terrorregime errichtet, das jede freiheitliche Regung im Keim erstickt. Die von allen verehrte Diva, die nur für die Kunst und die Liebe leben wollte, gerät ins Machtgetriebe des korrupten politischen Systems, nachdem ihr Geliebter in die Hände Scarpias fällt, weil er einem politisch Verfolgten Schutz gewährt hat. Scarpia verknüpft seine politischen Machtinteressen mit einer Obsession für Tosca und spinnt eine tödliche Intrige. Puccinis Opernkrimi über Verführung, Verleumdung und die Rolle der Kunst in totalitären Regimen zählt zu den beliebtesten Opern des Repertoires.

Mit „Folter und Tod, Glocken und Kanonen“ wollte Puccini das Publikum erklärtermaßen aufschrecken und schuf mit TOSCA sein politischstes und dramatischstes Werk. Die atemlos vorangetriebene Handlung entführt den Zuhörer musikalisch in ein überwältigendes Panorama der Ewigen Stadt, in dem sich Puccini zugleich auch als Meister melodischer Verführungskunst und Süße erweist.

Hausregisseur und Co-Schauspieldirektor Armin Petras inszeniert diesen Meilenstein der Operngeschichte als hoch aktuellen Polit-Thriller über das Verhältnis von Kunst und Macht.

Stellen Sie sich vor, Sie wären in Paris und hätten dazu die beste Stadtführung, die man sich vorstellen könnte, nicht nur rein in den Doppeldecker und Stimme vom Band. Auf so eine ganz und gar besondere Reise laden Sie Marie Giroux (Gesang), Jenny Schäuffelen (Klavier und Akkordeon) und Elisabet Iserte-Lopez (Violoncello) ein. Von Aznavour bis Piaf über Brel und Becaud werden Sie auf dieser Tour die ganz großen Klassiker der französischen Chansons hören und besser kennenlernen aber auch allerlei interessante Tipps über Paris bekommen.

Auf Ihrer Tour entlang der Seine und durch die Quartiers werden Sie zuweilen auch selbst gefordert: Mal gilt es, durch und durch erstaunliche Zusammenhänge zu erraten, mal werden Sie zum Tanzen ermuntert. Um das Programm abzurunden, bekommen Sie als Gast eine kleine Tourbeschreibung, in der die Tipps und Adressen zusammengefasst sind, mit denen Sie an diesem außergewöhnlichen Abend so ganz en passant vertraut gemacht worden sind. Und zwar ohne dass Ihnen bei dieser Stadtführung die Füße wehtun. Bei Ihrem nächsten Besuch in Paris können Sie dann alles ausprobieren!

Was soll auf dem Theater gespielt werden? „Komödien!“, fordern die einen, „Tragödien“ wollen die anderen, und eine dritte Gruppe sieht am liebsten „romantische Liebe“.

Das erste Werk des Komponisten Sergej S. Prokofjew in seiner neuen Heimat, den USA, bringt alles gleichzeitig auf die Bühne und überwältigt das Publikum als zirkushaftes Märchen voller magischer Verwandlungen, Commedia dell’arte-Maskeraden, absurder Wendungen und Theatercoups. Vor dem Hintergrund höfischer Intrigen und einem Streit höherer Mächte, wird die Geschichte des tief melancholischen Prinzen erzählt, den nur ein Lachen heilen kann. Ausgerechnet ein Missgeschick der bösen Zauberin Fata Morgana ist es, das ihn zum Lachen bringt. Sie verflucht ihn daraufhin dazu, sich in drei Orangen zu verlieben. Der Weg zu ihnen führt den liebeskranken Prinzen vorbei an allerlei monströsen Gestalten in die Wüste. Um ein Haar wird aus dem komödiantischen Spektakel doch eine Tragödie – griffe nicht das Publikum in Prokofjews Theater auf dem Theater in die Geschichte ein.

Wie alle Märchen hat DIE LIEBE ZU DREI ORANGEN einen ernsten Hintergrund. Während der Streit um die verschiedenen Theaterrichtungen auf der Opernbühne unblutig ausgefochten wird, entwickelt er sich in der sowjetischen Realität zunehmend zu einer lebensbedrohlichen Angelegenheit. 1940 lässt Stalin den großen Theaterreformer Wsewolod Meyerhold hinrichten. Prokofjew verlässt 1918 das postrevolutionäre Russland und komponiert mit DIE LIEBE ZU DREI ORANGEN eines der virtuosesten, farbigsten und aberwitzigsten Werke der Musikgeschichte.

Conrazoncorazon Ballett von Cayetano Soto
Sortijas Ballett von Cayetano Soto
Cantata Ballett von Mauro Bigonzetti

Temperament und mediterrane Leidenschaft bringt das Ballettensemble des Staatstheaters mit den Kreationen von Mauro Bigonzetti und Cayetano Soto auf die Bühne. Der vielfach ausgezeichnete spanische Choreograf Cayetano Soto gilt als unverwechselbare Stimme im modernen Ballett. Charakteristisch für seine Arbeit ist ein exzentrischer und oftmals ironischer Zugriff, der das Publikum mitreißt. Inspiriert von den Musicals der 20er und 30er Jahre schuf der er das Ballett CONRAZONCORAZON. Der Titel spielt mit den Worten „Herz“ (Corazon) und „Verstand“ (Razon) und reflektiert damit auch den künstlerischen Schaffensprozess, in dem Gedanken und Gefühle ihren Ausdruck suchen. Die Choreografie ist ein kraftvolles, sehr körperbetontes Ensemblestück: witzig, überschwänglich und schnell. SORTIJAS (Ringe) ist von einem kreisförmigen Band inspiriert, das Menschen in verschlungene Beziehungen verstrickt.

Emotional, leidenschaftlich und unmittelbar erzählt auch Mauro Bigonzettis Werk von menschlichen Beziehungen zwischen Verführung, Liebe, Streit und Eifersucht. Mit CANTATA spürt Bigonzetti den eigenen Wurzeln nach und verbreitet südländisches Flair, wenn er die wilde Schönheit des Mittelmeers beschwört. Das Stück ist inspiriert von der italienischen Musik des 18. und 19. Jahrhunderts, von Wiegenliedern bis hin zu den Pizziche des Salento, mit einer Anspielung auf neapolitanische Serenaden. Der energiegeladene Tanz setzt das Spiel der Gegensätze in Szene: Mann und Frau, Sonne und Mond, Liebe und Gewalt.

Auf einem Schulausflug geschieht ein Mord. Ein Schüler gesteht, doch scheint er nicht der wahre Täter zu sein. Die Lehrkraft versucht, zwischen Verdächtigungen, Intrige und Hass die Wahrheit aufzudecken. Doch bringen sie die Auseinandersetzung mit der Schülerschaft, deren Machenschaften und nicht zuletzt deren Elternhäuser selbst an die Grenzen von Recht und Gewissen. Im Ringen um die Wahrheit wird der Täter schließlich zu sehr in die Enge getrieben.

In JUGEND OHNE GOTT, 1937 als Roman erschienen, schildert Ödön von Horváth das Aufkommen totalitärer Tendenzen in der bürgerlichen Gesellschaft. Damit geriet er ins Fadenkreuz der Gestapo, die ein Jahr nach Erscheinen das Verbot des Romans veranlasste. Erst in den 1960er-Jahren konnte sich „Jugend ohne Gott“ als Klassiker der Moderne etablieren. Heute scheint seine aufrüttelnde Warnung vor einer emotional vernachlässigten Jugend und ihrer Verführbarkeit zu Gewalt und autoritärer Gesinnung wieder von erschreckender Aktualität.

Wie in einem Thriller entwirft Janis Knorr mit JUGEND OHNE GOTT ein Gesellschaftsporträt um eine Lehrkraft und ihre Klasse, die scheinbar ihren moralischen Kompass verloren hat. Dabei seziert er die Gefühlswelten der Generationen und legt die Psychologie von Manipulation und Lüge im Kontext gesellschaftlicher Zwänge frei.

Auf einem Schulausflug geschieht ein Mord. Ein Schüler gesteht, doch scheint er nicht der wahre Täter zu sein. Die Lehrkraft versucht, zwischen Verdächtigungen, Intrige und Hass die Wahrheit aufzudecken. Doch bringen sie die Auseinandersetzung mit der Schülerschaft, deren Machenschaften und nicht zuletzt deren Elternhäuser selbst an die Grenzen von Recht und Gewissen. Im Ringen um die Wahrheit wird der Täter schließlich zu sehr in die Enge getrieben.

In JUGEND OHNE GOTT, 1937 als Roman erschienen, schildert Ödön von Horváth das Aufkommen totalitärer Tendenzen in der bürgerlichen Gesellschaft. Damit geriet er ins Fadenkreuz der Gestapo, die ein Jahr nach Erscheinen das Verbot des Romans veranlasste. Erst in den 1960er-Jahren konnte sich „Jugend ohne Gott“ als Klassiker der Moderne etablieren. Heute scheint seine aufrüttelnde Warnung vor einer emotional vernachlässigten Jugend und ihrer Verführbarkeit zu Gewalt und autoritärer Gesinnung wieder von erschreckender Aktualität.

Wie in einem Thriller entwirft Janis Knorr mit JUGEND OHNE GOTT ein Gesellschaftsporträt um eine Lehrkraft und ihre Klasse, die scheinbar ihren moralischen Kompass verloren hat. Dabei seziert er die Gefühlswelten der Generationen und legt die Psychologie von Manipulation und Lüge im Kontext gesellschaftlicher Zwänge frei.

Musik und Gesangstexte von Stephen Sondheim
Buch von Hugh Wheeler nach dem gleichnamigen Stück von Christopher Bond
Orchestrierung von Jonathan Tunick
Deutsche Fassung von Wilfried Steiner und Roman Hinze (2019)

„Okay, lasst sie uns das Gruseln lehren!“, rief Stephen Sondheim aus, als er sich mit SWEENEY TODD eine Schauergeschichte vornahm, die in England schon lange zuvor weit bekannt war. Er entwickelt die Geschichte, mit spannungsgeladener Handlung und Figuren, deren Überzeichnung zwischen Monstrosität, Skurrilität und Tragik changieren, in bester Horrorfilm-Manier. Unter dem Namen Sweeney Todd kehrt Benjamin Baker nach langer Zeit der Strafversetzung zurück in seine Heimatstadt London, wo er noch eine Rechnung mit dem korrupten Richter Turpin offen hat. Dieser hatte nicht nur für seine Verbannung gesorgt, sondern ihm auch seine Frau und seine Tochter entrissen.

Sweeney Todd eröffnet seinen alten Friseur-Salon wieder und tut sich mit der geschäftstüchtigen Pasteten-Bäckerin Mrs. Lovett zusammen, die für leibliches Wohl sorgt, während Sweeney seinen Racheplan in die Tat umsetzt. Immer rücksichtloser, immer fanatischer wird sein Treiben und schließlich droht dabei ein junger Bursche wortwörtlich zwischen die Räder zu kommen und ein junges Liebespaar um sein Glück.

Die ungleichen Brüder Karl und Franz Moor sind mit den Herrschaftsverhältnissen, die sie vorfinden, nicht zufrieden: Franz sieht sich von einer Gesellschaft betrogen, die ihn als Zweitgeborenen überflüssig erscheinen lässt, und von einem Vater, der den Bruder offensichtlich vorzieht. Karl sträubt sich gegen die Konventionen und die Repressalien einer korrupten Regierung – die Beute seiner Räuberbande spendet der selbsternannte Rächer der Armen zunächst an Bedürftige. Beide Brüder fühlen sich berechtigt, ihre Freiheit von den Mächtigen, die sie unterdrücken, gewaltsam zu erkämpfen. Doch während Franz ohne moralische Skrupel handelt, wird Karl zerrissen zwischen dem Wunsch zu rebellieren und den Schuldgefühlen, die die immer grausameren Taten der Räuberbande in ihm auslösen.

Schiller schuf mit DIE RÄUBER ein Stück über die Kraft der Jugend, über Freiheit und Rebellion. Wie kam es dazu, dass Schiller zum „Nationaldichter“ erhoben wurde, obwohl er sich doch selbst eher als Weltbürger und Europäer denn als Nationalist verstand?

Die Regisseurin Pia Richter beschäftigt sich in ihrer Arbeit intensiv mit einer heutigen Lesart des großen klassischen Stoffs. Dabei hinterfragt sie, warum er ein wichtiger Teil unserer kulturellen Identität wurde und was wir daraus sowohl über unser Selbstverständnis als auch unsere Abgründe lernen können. Die Frage nach Freiheit ist bei Schiller immer auch eine des Individuums. Was bedeutet das in einer Gesellschaft, die längst das Individuum zum Maß aller Dinge gemacht hat? Hat eine freie, demokratische Gesellschaft – von der Schiller nur träumen konnte – überhaupt noch Bedarf an Rebellen wie seinen Räubern? Und: Wer sind heutzutage die eigentlichen Räuber?

Text von Friedrich Kind

Carl Maria von Webers romantische Oper ist eines der beliebtesten Werke des Repertoires. Dem volkstümlichen Idyll einer biedermeierlichen Dorfgemeinschaft steht eine abgründige Geisterwelt gegenüber, gipfelnd in den schauerromantischen Fieberkurven der berühmten Wolfsschlucht-Szene. Der Jägerbursche Max verschreibt sich dunklen Mächten, um beim Probeschießen zu bestehen und Agathe als Braut zu gewinnen. Versagensängste treiben ihn in die Hände des zwielichtigen Kaspar, der Max dazu verleitet, heimlich magische Freikugeln zu gießen, die ihm den Sieg sichern sollen: Sechse treffen, doch die siebte Kugel leitet der Teufel nach seinem Willen.

Tomo Sugao inszeniert die zeitlose Handlung als Geschichte junger Menschen auf dem Sprung ins Erwachsenenleben, die Auswege suchen aus einer von Erfolgszwang, Gruppendruck, rigiden Regeln und einer repressiven Frömmigkeit zusammengehaltenen Gemeinschaft.

Eines Tages erscheint Alice ein sprechendes Kaninchen, dem sie in eine kuriose Welt folgt. Hier gelten andere Regeln als Alice sie von zu Hause gewohnt war und so entspinnt sich eine abenteuerliche Reise mit Begegnungen verrückter Gestalten wie der Grinsekatze, dem Hutmacher oder der Herzkönigin. Alice wechselt fortan Größe und Sprache, vergisst alles, was sie je wusste, und lernt Dinge, die sie nie kannte. Scheint das Wunderland auch zauberhaft verwunschen, ist zugleich das Albtraumhafte ihr ständiger Begleiter. Nur mit der Kraft ihrer Phantasie und kindlicher Unerschrockenheit kann sie dort bestehen.

Mit „Alice im Wunderland“ und „Alice hinter den Spiegeln“ etablierte Lewis Carroll Mitte des 19. Jahrhunderts das traumhafte Schreiben, den literarischen Nonsens als adäquate Antwort auf eine sich mechanisierende Welt. Mit Hilfe der phantasievollen Verdrehung der herrschenden Logik stellt er diese nicht bloß aus, sondern befreit sich gleichermaßen von ihr. Und so hat es Alice nicht nur zur Heldin des Wunderlands, sondern ebenso zur generationsübergreifenden Pop-Ikone geschafft.

Hausregisseur Philipp Rosendahl kreiert mit einem künstlerischen Team, welches zum ersten Mal in dieser sprudelnden Kombination seine in Cottbus erprobte wie geschätzte Kreativität bündelt, eine neue musikalische Erzählung um Ikone ALICE, die eine – wenn auch verrückte – Pause von der Normalität herzustellen vermag.

Conrazoncorazon Ballett von Cayetano Soto
Sortijas Ballett von Cayetano Soto
Cantata Ballett von Mauro Bigonzetti

Temperament und mediterrane Leidenschaft bringt das Ballettensemble des Staatstheaters mit den Kreationen von Mauro Bigonzetti und Cayetano Soto auf die Bühne. Der vielfach ausgezeichnete spanische Choreograf Cayetano Soto gilt als unverwechselbare Stimme im modernen Ballett. Charakteristisch für seine Arbeit ist ein exzentrischer und oftmals ironischer Zugriff, der das Publikum mitreißt. Inspiriert von den Musicals der 20er und 30er Jahre schuf der er das Ballett CONRAZONCORAZON. Der Titel spielt mit den Worten „Herz“ (Corazon) und „Verstand“ (Razon) und reflektiert damit auch den künstlerischen Schaffensprozess, in dem Gedanken und Gefühle ihren Ausdruck suchen. Die Choreografie ist ein kraftvolles, sehr körperbetontes Ensemblestück: witzig, überschwänglich und schnell. SORTIJAS (Ringe) ist von einem kreisförmigen Band inspiriert, das Menschen in verschlungene Beziehungen verstrickt.

Emotional, leidenschaftlich und unmittelbar erzählt auch Mauro Bigonzettis Werk von menschlichen Beziehungen zwischen Verführung, Liebe, Streit und Eifersucht. Mit CANTATA spürt Bigonzetti den eigenen Wurzeln nach und verbreitet südländisches Flair, wenn er die wilde Schönheit des Mittelmeers beschwört. Das Stück ist inspiriert von der italienischen Musik des 18. und 19. Jahrhunderts, von Wiegenliedern bis hin zu den Pizziche des Salento, mit einer Anspielung auf neapolitanische Serenaden. Der energiegeladene Tanz setzt das Spiel der Gegensätze in Szene: Mann und Frau, Sonne und Mond, Liebe und Gewalt.

URAUFFÜHRUNG

Das für Cottbus entstandene Recherchestück erzählt eine Cottbuser Geschichte rund um fünf Figuren, die den Chancen und Herausforderungen des Strukturwandels unterschiedlich begegnen.

Nach dem Tod ihres Großvaters kehrt die junge Journalistin Carla in ihre Heimatstadt Cottbus zurück. Im Haus ihres Opas findet sie einen Ordner mit der Aufschrift „KRAFTWERK – für Carla“. Darin befinden sich stapelweise Dokumente mit Informationen über die Firma LEAG, um Vattenfall, das Kraftwerk Jänschwalde, den Ostsee und die Gigawattfactory. Als Carla beginnt sich näher damit zu beschäftigen, trifft sie auf völlig unterschiedliche Menschen: Sie begegnet der Nachbarin ihres Opas, einer ehemaligen Aktivistin, deren Zuhause schon zweimal abgebaggert wurde. Der Freund ihres Sohnes kämpft für die grüne Zukunft der LEAG. Und dessen Chef wiederum sorgt sich für den Fall eines Kohleausstiegs um die Versorgungssicherheit. Es entspinnt sich eine Geschichte um die Kohleindustrie und ihre Zukunft, die zudem von Alternativen und Utopien und von den Chancen und dem Scheitern gemeinsamer Gespräche erzählt.

Autor Calle Fuhrs vielstimmiges und humorvolles Theaterstück basiert auf Recherchen des investigativ-journalistischen Kollektivs CORRECTIV, deren Ergebnisse, bspw. zur Lage der Wasserversorgung der Region, bereits veröffentlicht sind. Darüber hinaus begleiteten sie die Produktion bis zum Premierentag mit laufenden Recherchen. Die neuesten Resultate wurden tagesaktuell zur Premiere von CORRECTIV veröffentlicht und exklusiv auf der Cottbuser Bühne präsentiert.

Fuhr arbeitet regelmäßig zusammen mit journalistischen Kollektiven an der Erarbeitung aktueller Themen für das Theater. Aus seiner Überzeugung heraus, dass das Erzählen von Geschichten die Wahrnehmung unserer Welt beeinflusst, findet er im Theater den Ort, der Menschen berühren, Perspektiven ändern und Verständnis möglich machen kann.

Aufführung in deutscher Sprache mit englischen Übertiteln

ROMEO UND JULIA ist eines der bekanntesten Werke von William Shakespeare. Ein uralter Zwist zweier Häuser, dessen Ursprung niemand mehr zu kennen scheint. Das Blutvergießen kostete bereits zu viele Opfer und manifestiert das Feindbild der Rivalen. Dazwischen stehen zwei junge Menschen, die all dem mit ihrer Liebe zu trotzen versuchen. Auf einem Fest im Hause Capulet trifft Romeo, von den verfeindeten Montagues, auf Julia. Beide verlieben sich sofort, eine heimliche Hochzeit folgt. Im Kampf der beiden Häuser tötet Romeo Tybalt, den Cousin Julias, und wird aus Verona verbannt. Unterdessen pochen die Capulets auf die Vermählung zwischen Julia und dem Grafen von Paris. Um der Eheschließung zu entgehen, nimmt Julia einen Trank zu sich, der sie für Tage in einen todesähnlichen Schlaf versetzt. Romeo kommt zu spät. Wie tot liegt Julia vor ihm und aus Verzweiflung trinkt er, nichts ahnend von ihrem Plan, Gift. Als sie wenig später erwacht und den toten Romeo sieht, ersticht sie sich aus Unglück mit seinem Dolch. Der Versuch, die wahre Liebe zu leben, könnte nicht tragischer enden. Die Familien versöhnen sich schlussendlich am Grab der beiden Unglücklichen.

Die bedingungslose Bereitschaft Romeos und Julias, für die Liebe und füreinander alles zu opfern sowie ihre Liebe zur einzigen Priorität ihres Lebens zu erklären, ist der Versuch, an dem die beiden scheitern – gegen die Enge der gesellschaftlichen Konvention, gegen die Angst, nur ihren Herzen und der Stimme der Freiheit gehorchend. Und so ist diese große Liebe, die trotz aller Tragik stärker ist als die Gewalt, ein Symbol der Hoffnung.