Werke für Chor a cappella von Bach, Mendelssohn, Rheinberger, Kaminski u.a.

19:30 Uhr

Rafael Cortés & Ensemble: Meister des Flamencos
Nicht zum ersten Mal ist Rafael Cortés in Speyer zu Gast. Zuletzt spielte er mit seinem Ensemble beim Gitarrensommer 2021. Weltweit gilt der Großmeister als einer der führenden Virtuosen des „Flamenco-Nuevo“, einer Vereinigung des traditionellen Spiels in der Verbindung von Jazz und Weltmusik. (Beispiele mit Paco de Lucia oder den „Fantastischen Vier“ seien hier genannt). Aus der Tradition mit andalusischen Wurzeln, der Großvater war ebenfalls ein bekannter Flamenco-Gitarrist, erlebt bei Rafael Cortés die Flamencogitarre eine mitreißende Liaison von alt und modern, heißblütig und doch distanziert. Sein einzigartiges Können ist ein Feuerwerk, dessen Spiel die wahre Seele des Flamenco-Nuevo zum Leben erwecket. Es ist uns eine besondere Ehre, die Größe in Speyer präsentieren zu dürfen. Das ist ein absolutes Highlight!

Einlass: 20:00 Uhr

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MAIKA „Holy Noon“

Die neue Stimme

MAIKA - so heißt die neue Band um Sängerin Maika Küster, die durch ihre zugleich eingängigen und anspruchsvollen Songs besticht. Bekannt ist Maika Küster sowohl durch die Formation "Der weise Panda" als auch verschiedene Solo-, Duo- und Trioprojekte. Ihre Stücke bilden immer einen durchgängigen Fluss, schmiegen sich balladenhaft an, trumpfen manchmal rockig auf und bleiben auch in vielen überraschenden melodischen Wendungen immer intuitiv und unangestrengt.

Maika Küsters Stimme ist mal zerbrechlich-melancholisch, dann aber auch energetisch-druckvoll, immer mittendrin in den emotionalen Zuständen, die das jeweilige Stück gerade abbildet. In der Band wird auf eine gleichberechtige Bandchemie geachtet. Auch das hört man. Die Lyrics, die sich zuweilen auch in
Spoken Word-Ästhetik entfalten, tun ihr übriges mit ihrer zuweilen rätselhaften Metaphorik. In den Texten geht es oft um den Tod und Vergänglichkeit. Aber auch um Lust und Sinnlichkeit.

MAIKA ist nicht spirituell. Dafür ist sie zu links und Rosa Luxemburg zu nah… Und trotzdem, die Konzerte sind immer eine Suche nach den Momenten, die der Unabwendbarkeit des Endes etwas entgegensetzen möchten. Momente, in denen die Spielenden und Zuhörenden sich kurz bestätigt fühlen dürfen, dass das Leben der Mühen doch immer und immer wieder wert war und ist.

Einlass 19.00 Uhr

Die Veranstaltung ist leider abgesagt.

präsentiert von Musix, Goodtimes & Eclipsed

Pavlov’s Dog

The Half-Century Tour 2024

Es gibt Musik die von einer Generation zur nächsten weitergereicht wird und dabei nichts an Spannung und Authentizität einbüßt. Wer das Album Pampered Menial (1975) von Pavlov‘s Dog – gegründet bereits 1972 in St. Louis, Missouri – gehört hat bleibt einfach nachhaltig beeindruckt von einem Sound, der auf gewisse Weise einmalig ist. Die Mischung aus Klassik und Rock, Folk und Pomp – getragen von David Suhrkamps sicher unvergleichlicher Falsettstimme – gehört zur Gen-Substanz einer Musikrichtung die man inzwischen Prog nennt. Und Julia ist und bleibt ein Kult-Hit.

Thomas Scheytt gilt als „einer der besten zeitgenössischen Boogie- und Blues-Pianisten. Er verbindet in seinem Spiel hohes pianistisches Können mit einer unglaublichen, tiefempfundenen Ausdrucksvielfalt“ (Jazzpodium Deutschland).

Scheytt gehört zu den meistbeschäftigten Musikern der europäischen Blues- und Boogie-Szene. Er ist seit über 20 Jahren nicht nur als Solist, sondern auch mit seinem Trio Boogie Connection in Jazzclubs und auf Festivals im In- und Ausland zu Gast - allein vier Mal beim weltberühmten New Orleans Jazz Festival in Ascona.

Scheytt wurde mehrfach ausgezeichnet. Besonderes Ansehen verschafften ihm die Nominierung seiner CD Blues Colours für den Preis der deutschen Schallplattenkritik sowie der zweifache Gewinn des German Blues Award 2015.

Einlass : 19:00 Uhr

Felix Mendelssohn – geboren 1809 – zählt heute zu den bedeutenden Komponisten der deutschen Romantik. Die stilistische Bandbreite seines Schaffens lässt jedoch auch Wurzeln in vorangegangenen Epochen erkennen, schließlich entstanden viele seiner Werke auf dem Nährboden von Vorbildern wie Johann Sebastian Bach und Wolfgang Amadeus Mozart. In den letzten Jahren beleuchtete der Maulbronner Kammerchor unter der Leitung von Benjamin Hartmann gemeinsam mit der Hannoverschen Hofkapelle in seinem Maulbronner Mendelssohn Zyklus Verbindungen Mendelssohns zur Musik seiner Vorgänger. In diesem Jahr wird die Beziehung Mendelssohns zur Musik seiner Zeit zum Thema der beiden Konzertabende.
Auf dem Programm steht eines seiner chorsinfonischen Hauptwerke: Die Psalmkantate ›Wie der Hirsch schreit nach frischem Wasser op. 42‹ für Soli, Chor und Orchester. Sie zeugt von dem musikalischen Reichtum und der kompositorischen Reife, die der damals 28-jährige Komponist in der Blüte seines Schaffens erreichte. Dem gegenüber steht mit Johannes Brahms’ ›Ein deutsches Requiem op. 45‹ ein weiteres Schlüsselwerk der Romantik. Für den 35-jährigen Brahms bedeutete die Uraufführung im Jahr 1868 den Durchbruch als Komponist, auch wenn er in der Komposition einige persönliche Schicksalsschläge verarbeitete. Anders als die lateinische Messe zum Totengedenken, von der er den Titel entlehnte, richtet sich seine trostvolle Musik an die Lebenden.
Für die erkrankte Marlis Petersen konnte mit Christina Landshamer eine der vielseitigsten Interpretinnen für die Sopran-Partien gewonnen werden. Mit ihrer lyrischen Sopranstimme war sie u.a. bereits an der Staatsoper Stuttgart, am Theater an der Wien unter Nikolaus Harnoncourt sowie bei den Salzburger Festspielen unter Simon Rattle zu erleben. Auch der Bariton Konstantin Krimmel ist längst kein unbeschriebenes Blatt mehr. Als Gewinner des Deutschen Musikwettbewerbs 2019 legte er seitdem eine beachtliche Karriere auf Konzertpodien und Opernbühnen hin. 2023 wurde er vom Magazin Opernwelt zum »Nachwuchssänger des Jahres« gekürt.

Die A-Cappella-Deutschpoeten sind endlich wieder in Mannheim: Eingängige Melodien treffen auf intelligente Texte - melancholisch-tiefsinnig, humorvoll-ironisch und herzzerreißend komisch. Anders schreiben smarte Popsongs auf Deutsch und nehmen A Cappella ernst. Weil die Form mehr kann als Instrumente nachahmen und covern. Mit ihrem neuen Programm versprechen die Sänger aus Freiburg eine Reise raus aus dem Alltag: Ein Kurzurlaub für Herz, Geist und Seele. Sie präsentieren Songs, die berühren und das auf ganzer Linie. Es geht um Liebe und Verlust, auch um Freundschaft und Hoffnung und den unerschütterlich optimistischen Blick nach vorne. Kurz: um die großen und kleinen Gefühle. Dem ganz normalen Wahnsinn des Lebens begegnen die fünf Sänger mit Poesie und einer unverwechselbaren Selbstironie.

Die erste Kategorie befindet sich im Kirchenschiff, die zweite auf der Empore.

Einlass: 19:30

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The Orb haben das elektronische Genre Ambient House praktisch erfunden, indem sie langsamere, gefühlvollere Rhythmen wiederbelebten und einen Soundtrack für Raver am frühen Morgen lieferten, wenn die Clubs ihre Türen schlossen. Die Gruppe machte das Genre auch populär, indem sie in der britischen Chartshow Top of the Pops auftrat und 1992 mit dem Album U.F.Orb die Nummer eins in Großbritannien erreichte.

Die Formel von Frontmann Dr. Alex Paterson war recht einfach: Er verlangsamte die Rhythmen des klassischen Chicago House und fügte Synthesizer und Effekte hinzu, die von den Ambient-Pionieren der 70er Jahre, Brian Eno und Tangerine Dream, inspiriert waren. Um das Ganze etwas hörbarer - und nicht tanzbarer - zu machen, wurden obskure Vocal-Samples geloopt, die in der Regel ein Thema für Tracks lieferten, die keinen Gesang enthielten.

Einlass: 19 Uhr

Die Nina Simone Story
Feeling good? Nina Simone - ihre Musik, ihr Leben, ihre Zeit. Die Faszination Nina Simone wird in einer facettenreichen Show spürbar. Songs, Bilder, Filmausschnitte und Texte machen das Leben dieser außergewöhnlichen Künstlerin lebendig.

Gesang/Moderation: Fola Dada (Deutscher Jazzpreis 2022)
Erzählerin: Katharina Eickhoff
Kontrabass und Konzept: Florian Dohrmann (2 x ECHO „Klassik ohne Grenzen“)
Piano: Ulf Kleiner
Schlagzeug: Felix Schrack
Gitarre: Christoph Neuhaus (Landesjazzpreis Ba-Wü 2021)
Sie träumte davon, einmal die erste schwarze klassische Pianistin Amerikas zu sein.
Sie wurde zur „High Priestess of Soul“. Ihre Musik machte sie zur Stimme der amerikanischen Bürgerrechtsbewegung, zur legendären Diva des Jazz - der „Black Classical Music“ in ihren Worten.
Das ist das Leben einer einzigen Frau: Nina Simone, das Mädchen, das alle „Niña“ nannten.
Milch trinkend begann sie in kleinen Clubs zu spielen, um ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Von dort aus eroberte sie die Welt. Doch an dieser und sich selbst verzweifelte sie auch.Nina Simones Persönlichkeit könnte ein Bild Picassos sein. Kantig, verschoben, geheimnisvoll, verzerrt und unscharf, von versteckter Schönheit und Ästhetik, reich an Wundern und den Betrachter fesselnd.

„Sogar ohne zu wissen, wer Nina Simone war, sind ihre Musik und ihre Interpretationen großartig. Ein einzigartiger Genuss. Warum sie so singt, wie sie singt… warum sie Klavier spielt, wie sie spielt… warum sie sagt, was sie sagt… Das alles erschließt sich, je mehr man in ihr Leben eintaucht. Dann wird aus ihrer Kunst mehr als nur Musik: etwas zutiefst Berührendes.“ (Florian Dohrmann)

Aufgewachsen in der Beschaulichkeit einer schwäbischen Kleinstadt, erscheint das Leben der Stuttgarter Soul und Jazz-Sängerin Fola Dada dem gegenüber wie aus einem anderen Universum. Wie anders ein Schicksal sein kann, je nachdem wann, wo, wie und als wer man geboren wird!

„Wer war Nina Simone eigentlich? Warum bewegte sie sich so, warum klang ihre Stimme so kantig, warm, widerspenstig, weich? Warum war ihr Blick so belastend? So belastet? Nina ließ mich nicht los. Die Vielschichtigkeit ihrer Person. Die Echtheit ihrer Musik.
Pure Inspiration.“ (Fola Dada)
Fola Dada, Florian Dohrmann, der Tübinger Kontrabassist, die Band bestehend aus Ulf Kleiner, Felix Schrack und Christoph Neuhaus, die Sprecherin und Moderatorin Katharina Eickhoff (SWR2) werfen Schlaglichter auf diese Geschichte. Nina Simones Geschichte. Die Umstände, die Sehnsucht, die Suche nach ihren afrikanischen Wurzeln. Der Schmerz und ihre Kämpfe mit der Liebe, der Gesellschaft, deren Vorurteilen und vor allem auch die Kämpfe mit sich selbst.

Ein weiter und verschlungener Weg, auf dem Identität eines der bedeutendsten Themen in Ninas Leben war. Dies alles erschafft ihre Kunst und ihre Bedeutung bis heute.

„Ich, in meiner Freiheit und in meinem Glücklichsein, also in einer absolut luxuriösen Ausgangsposition, verstand, wie stark Kunst sein kann, wenn man für etwas brennt, lebt, kämpft. Ich spürte mein Frausein und mein Schwarzsein und ich wusste, wie anders ich als Fola Dada tatsächlich war. Dieser Abend ist eine Danksagung und eine Verbeugung an Nina."
… are you feeling good, Frau Dada? Miss Simone?

Einlass ab 18:15 Uhr

Karten sind an jeder Reservix Vorverkaufsstelle und an der Abendkasse erhältlich

Felix Mendelssohn – geboren 1809 – zählt heute zu den bedeutenden Komponisten der deutschen Romantik. Die stilistische Bandbreite seines Schaffens lässt jedoch auch Wurzeln in vorangegangenen Epochen erkennen, schließlich entstanden viele seiner Werke auf dem Nährboden von Vorbildern wie Johann Sebastian Bach und Wolfgang Amadeus Mozart. In den letzten Jahren beleuchtete der Maulbronner Kammerchor unter der Leitung von Benjamin Hartmann gemeinsam mit der Hannoverschen Hofkapelle in seinem Maulbronner Mendelssohn Zyklus Verbindungen Mendelssohns zur Musik seiner Vorgänger. In diesem Jahr wird die Beziehung Mendelssohns zur Musik seiner Zeit zum Thema der beiden Konzertabende.
Auf dem Programm steht eines seiner chorsinfonischen Hauptwerke: Die Psalmkantate ›Wie der Hirsch schreit nach frischem Wasser op. 42‹ für Soli, Chor und Orchester. Sie zeugt von dem musikalischen Reichtum und der kompositorischen Reife, die der damals 28-jährige Komponist in der Blüte seines Schaffens erreichte. Dem gegenüber steht mit Johannes Brahms’ ›Ein deutsches Requiem op. 45‹ ein weiteres Schlüsselwerk der Romantik. Für den 35-jährigen Brahms bedeutete die Uraufführung im Jahr 1868 den Durchbruch als Komponist, auch wenn er in der Komposition einige persönliche Schicksalsschläge verarbeitete. Anders als die lateinische Messe zum Totengedenken, von der er den Titel entlehnte, richtet sich seine trostvolle Musik an die Lebenden.
Für die erkrankte Marlis Petersen konnte mit Christina Landshamer eine der vielseitigsten Interpretinnen für die Sopran-Partien gewonnen werden. Mit ihrer lyrischen Sopranstimme war sie u.a. bereits an der Staatsoper Stuttgart, am Theater an der Wien unter Nikolaus Harnoncourt sowie bei den Salzburger Festspielen unter Simon Rattle zu erleben. Auch der Bariton Konstantin Krimmel ist längst kein unbeschriebenes Blatt mehr. Als Gewinner des Deutschen Musikwettbewerbs 2019 legte er seitdem eine beachtliche Karriere auf Konzertpodien und Opernbühnen hin. 2023 wurde er vom Magazin Opernwelt zum »Nachwuchssänger des Jahres« gekürt.

laReverdie unternimmt in diesem Programm eine musikalische Reise durch drei italienische Städte mit ihren unterschiedlichen politischen Gegebenheiten zwischen Mitte des 14. und Beginn des 15. Jahrhunderts: die Signoria Mailand, die Stadt Florenz und die Republik Venedig. Und diese Reise zeigt, wie eng Musik seinerzeit mit Politik verbunden war. Am Hofe Luchino Viscontis, Herrscher von Mailand von 1339 bis 1349, wurden Jacopo da Bologna und Giovanni da Florence berufen, das Leben und die Ereignisse des Hofes
anhand der damals verwendeten Formen, des Madrigals, der caccia und der Festmotette zu feiern.

Im Jahr 1986 gründeten zwei junge Schwesternpaare aus Italien das Mittelalter-Ensemble laReverdie. Der Name leitet sich von einem poetischen Genre ab, das die Wiederkehr des Frühlings feiert, und verrät damit
vielleicht auch schon etwas über den hervorstechendsten Wesenszug dieser Gruppe, die Konzertbesucher und Kritiker seit über 30 Jahren sowohl durch die Intensität ihrer Herangehensweise an die Musik, als auch durch ihr breites und vielfältiges Repertoire vom Mittelalter bis in die Frührenaissance begeistert.

Einlass: 19 Uhr

Die Veranstaltung ist bereits ausverkauft.

Die Berliner Band "YAKOU TRIBE" hat im Frühjahr 2019 ihre fünfte CD "Out Of Sight" veröffentlicht. Das Quartett um Gitarrist Kai Brückner und Alt-Saxophonist Jan von Klewitz bleibt dem Roadmovie-Soundtrack treu und erweitert seinen Stil ins urbane Amerika der 50er Jahre und südamerikanische Gefilde. Mit dem neuen Bassisten Pepe Berns seit 2017 bringen sie folkloristisch-brasilianische und jazzige Songs ein, während Brückner und Schlagzeuger Rainer Winch den Progressive Rock der 70er Jahre einfließen lassen.

Thomas Steinfeld schreibt am 25.04.2019 in der Süddeutschen Zeitung über das Album: "Jazz im Geiste des Progressive Rock der Siebziger, nur viel lockerer und virtuoser: Das famose neue Album ´Out of Sight´ des Berliner Quartetts ´Yakou Tribe´."

Einlass: 19:00 Uhr

Mit seinem Kino Roulette lässt Erwin Ditzner den Glamour und die Filmfaszination der zwanziger Jahre wiederaufleben. Ein Kinobesuch wurde damals zum echten Erlebnis!

Da Ton- und Filmspur in den 20ern noch nicht gemeinsam aufgenommen werden konnten, wurden die Filme live musikalisch untermalt - eine Rolle, die der Schlagzeuger Ditzner an diesem Abend gemeinsam mit Paata Demurishvili übernimmt. Filmwissenschaftlerin Dr. Morticia Zschiesche übernimmt die Filmauswahl und führt am Abend in den Film ein.

Diesmal zeigen wir zwei Filme von Buster Keaton: Sherlock, jr. (1924) und Das vollelektrische Haus (1926, gemeinsam mit Edward F. Cline). Sherlock, jr. feiert nicht nur sein 100. Jubiläum, sondern ist gleichzeitig wohl der innovativste Film von und mit Buster Keaton als Filmvorführer Buster. Der Film erzählt viel über das Kino und den Film als Traummaschinerie, nimmt die Idee für Woody Allens Purple Rose of Kairo vorweg und ist ein Feuerwerk an filmkünstlerischen Ideen. Buster Keaton, der Mann der niemals lacht, ist Vorbild für zahlreiche spätere Regisseure gewesen, darunter Werner Herzog, Peter Bogdanovic oder Quentin Tarantino und im Leben wie im Film eine tragisch-komische Figur.

Der Kurzfilm The Electric House brilliert durch die comic-artigen Erfindungen und Keatons halsbrecherischen Stunts und wirkt im Zeitalter von Smart Houses äußerst modern.

Einlass: 19:00 Uhr

Das Schüler-Symphonie-Orchester Baden-Württemberg lädt herzlich zum Symphonie-Konzert ein.
Das unter der Schirmherrschaft der Kultusministerin stehende Jugendorchester präsentiert drei bedeutende Werke der Musikliteratur.
Zu Beginn erklingt die geradezu düster wirkende, sogenannte „Unvollendete“ Symphonie h-Moll von Franz Schubert, die 1822 in Wien entstand. Darauf folgt Ludwig van Beethovens Klavierkonzert Nr. 3 in c-Moll, bei dessen Uraufführung der Komponist selbst am Klavier saß. Nach der Pause interpretieren die jungen Musikerinnen und Musiker Tschaikowskis Symphonie Nr. 3 in d-Moll, die auch ´Die Polnische´ genannt wird.
Als Solist konnte der Bundespreisträger "Jugend musiziert", Jakob Schuler, gewonnen werden. Die Leitung hat Christoph Wagner.

Copyright: Schüler-Symphonie-Orchester BW

Einlass: 18 Uhr

Grafik:
© ZKM | Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe, Design: Caro Mikalef
Die Grafik entstand als Teil des Projekts EASTN-DC, kofinanziert durch das Förderprogramm »Kreatives Europa« der Europäischen Union.

Mit dem elektronischen Musikfestival »Le temps s’ouvre – Die sich öffnende Zeit« verabschiedet sich der Komponist und Musikkurator Prof. Ludger Brümmer nach über 30-jähriger Verbundenheit vom ZKM in den Ruhestand. "Die sich öffnende Zeit" ist eine Metapher, die das Verstreichen und die Veränderung der Zeit auf persönlicher und universeller Ebene beschreibt. Das Festival startet mit einem Konzert zu Werken von Ludger Brümmer. Gäste sind zudem die Internationale Ensemble Modern Akademie Frankfurt (IEMA) und die Deutsche Gesellschaft für Elektroakustische Musik e. V. (DEGEM).

Ludger Brümmer kam bereits 1993 als Gastkünstler ans ZKM. Seit dem Jahr 2003 leitete er das ZKM | Institut für Musik und Akustik (IMA), später ZKM | Hertz-Labor (heute Hertzlab). Mit dem Wechsel in den Ruhestand kehrt Ludger Brümmer zurück in den Status des Gastkünstlers, um auch weiterhin in den ZKM-Studios zu komponieren und produzieren.

Das Festival beginnt am Donnerstagabend und endet am Sonntagabend mit je einem Konzertabend audiovisueller Stücke und Raumklang-Werken von Brümmer, ergänzt um eine Komposition seines Weggefährten Prof. Michael Edwards, mit dem er seit der gemeinsamen und prägenden Zeit an der Stanford University in ständigem künstlerischem Dialog steht.

Am Freitagabend ist die Internationale Ensemble Modern Akademie aus Frankfurt für ein Konzert zu Gast und präsentiert Werke von Karlheinz Stockhausen, Wolfgang Rihm, Ricardo Eizirik sowie Stephan Winkler. Zwischen den Jahren 2005 bis 2017 hat die IEMA rund 60 Konzerte am ZKM | Institut für Musik und Akustik gegeben. Mit ihrer Virtuosität und künstlerischen Qualität haben 12 Jahrgänge von Musiker:innen einen breiten Überblick über Klassiker der Moderne und der zeitgenössischen Musik sowohl mit als auch ohne Elektronik geboten.

Ebenfalls präsentiert die Deutsche Gesellschaft für Elektroakustische Musik e. V. (DEGEM) beim Festival zeitgenössische kompositorische Positionen. Innerhalb eines Symposiums zum Thema »Futurism. Perspectives on Emerging Forms of Experimental Music« werden neben unterschiedlichen Themenblöcken zur Künstlichen Intelligenz die neuesten Entwicklungen im Bereich Raumklang diskutiert. Im Rahmen dieses Konzertes wird Ludger Brümmer zusätzlich der Ehrenpreis der deutschen Schallplattenkritik für seine beiden bei WERGO erschienen CDs »Spheres of Resonance« (2022) und »Sonic Patterns« (2023) verliehen. Prof. em. Dr. Christoph von Blumröder stellt zudem die neue Publikation »Komposition und Musikwissenschaft im Dialog IX (2013-2018): Begegnungen mit Ludger Brümmer und Hans Tutschku« vor, die sich in wesentlichen Teilen dem Werk Brümmers widmet.