Der Titel dieses Tamburi Mundi-Projekts beschreibt, worum es geht: Tanz und Musik, die aus der nordafrikanischen-andalusischen Musiktradition schöpft und sie mit der Flamenco-Kunst Andalusiens verbindet. Jener Kulturraum bietet sehr viele musikalische Impulse und öffnet viele künstlerische Freiräume. Eine wesentliche Schnittstelle des Abends bilden die Rhythmen Andalucias: Traditionelle und klassische Formen wechseln sich mit einem kreativen Umgang neuer Ideen ab.

Das norwegische Percussion-Ensemble SISU und die Sängerin und Harfenistin Øyonn Groven Myhren stellen mit Voluspá ihr neuestes Konzertprogramm in Freiburg vor: Eine musikalisch bearbeitete Sage aus dem 9. Jahrhundert nach dem Codex Regius, bei dem die alte norwegische Rahmentrommel eine wichtige Rolle spielt.

Wer eine verrückte Rahmentrommel-Performance erleben möchte, sollte Takashi Tajimas Auftritt nicht verpassen! Er gehört weltweit zu den innovativsten Rahmentrommler:innen und ist in der „Rahmentrommel-Welt“ Asiens wohl die wichtigste und gleichzeitig schillerndste Figur. Seit Jahren hat er seine Arbeit auf die unterschiedlichen Rahmentrommeln der Welt fokussiert und selbst viele neue Instrumente entworfen und gebaut. Einige davon könnten es ohne Zweifel in die Top 10 der „crazy instruments“ schaffen…

Welcher Rhythmus passt zu mir? Welcher Groove geht durch und durch? Der Drum-O-Mat gibt keine Tipps, sondern lässt euch reinspringen ins Vergnügen, leidenschaftlich aufspielende Musiker live bei der Arbeit zu erleben!

BEaT, das innovative Soloprojekt des italienischen Meisterperkussionisten Andrea Piccioni, ist eine spannende Fusion von Tradition und Innovation. Der volle Klang der Rahmentrommeln, die unverwechselbaren Töne der Scacciapensieri (Maultrommel) und eindringlicher Gesang verschmelzen mit modernster Elektronik und Effekten. Das Ergebnis ist ein eindrückliches Hörerlebnis, das die traditionellen musikalischen Grenzen überschreitet.

Die Songwriterin Vienna Teng meldet sich diesen Herbst mit ihrem Mashup-Songpaar „We’ve Got You“ zurück – ihrer ersten neuen Musik seit über einem Jahrzehnt – doch ihre Fans waren die ganze Zeit über da. Sie haben Konzertvenues gefüllt, selbst in Jahren zwischen den Veröffentlichungen, haben in wenigen Stunden ein ehrgeiziges Musikvideo crowdfinanziert und sind in Hunderten erschienen, als sie 2022 ihr „Music x Climate Action“-Patreon ins Leben rief.

Diese Art von Hingabe zeigt sich seit 2002 mit „Waking Hour“, das sie in NPRs Weekend Edition, in The Late Show mit David Letterman und an die Spitze der Amazon-Musikcharts brachte. In den vier folgenden Studioalben – dem Chamber Folk von „Warm Strangers“, dem jazzinfizierten „Dreaming Through the Noise“, dem Indie-Epos „Inland Territory“ und dem hellen Elektro-Pop von „Aims“ – hat Vienna ihren genreübergreifenden Helden wie Paul Simon und Tori Amos gehuldigt und gleichzeitig ihren eigenen Weg geebnet. Zusammen mit ihren fesselnden Live-Auftritten und ihrer durchdachten Online-Präsenz hat ihre Arbeit eine treue Fangemeinde über Generationen und Kontinente hinweg aufgebaut.

Viennas neue Mini-EP „We’ve Got You“ spiegelt die Komplexität ihres Lebens im vergangenen Jahrzehnt wider: Klimaaktivismus, Gemeinschaftsbildung, Elternschaft. Zwei Songs, die beide „We’ve Got You“ heißen, fungieren wie Zwillinge: Der eine ist eine Indie-Pop-Hommage an inspirierende Leader, der andere ein Chamber-Folk-Loblied auf unbesungene Pflegekräfte. Gleichzeitig gespielt, offenbaren sie ein neues, komplexes Ganzes: ein bewusst gestaltetes Mashup und ein Liebesbrief an soziale Bewegungen.

Passenderweise veranstaltet Vienna nun auch Workshops zu Klimaschutzmaßnahmen auf Tour und online, die die Teilnehmer als „Raketentreibstoff“ und „das perfekte Gegenmittel zur Verzweiflung“ beschrieben haben. Es ist ein spannendes neues Kapitel in der sich ständig weiterentwickelnden Liebesgeschichte zwischen einer Künstlerin und ihrem Publikum.

Einlass 19:00 Uhr

Der Verbindung von Rahmentrommeln und Stimme wohnt ein ganz eigener Zauber inne.
Sechs internationale Musiker:innen stehen auf der E-Werk Bühne und füllen das Thema des Abends mit ihren Stimmen und musikalischen Geschichten:

Kasia Kadlubowska aus Polen mit klassischer Schlagzeug-Ausbildung und einer großen Liebe zur Rahmentrommelmusik. Sara Fotros, iranische Musikerin aus London, mit kraftvoller Percussion auf der persischen Daf. Emanuela Lodato, sizilianische Musikerin in Belgien mit mitreißender Bühnenpräsenz. Gesine Bänfer aus Freiburg, mit „wind and strings“ in der alten Musik zu Hause. Isabel Martín aus Spanien spürt in ihrem Gesang und der iberischen Rahmentrommel Pandero Cuadrado den Wurzeln mediterraner Musikkulturen nach. Negar Bouban, persische Sängerin und Oud-Virtuosin, deren Lieder Zeugnis einer uralten Geschichte sind.

P.O.P: Power of Percussion, zum Zweiten!

Percusiano Fusion - ein Duo, das es in sich hat! Weitere Bands und Musiker:innen des „Globalmusic-Studiengangs“ der Popakademie Mannheim, dazu kraftvoll-witzige Trio-Percussion und als fulminanter letzter Act das Projekt "Maghreb-Folk-Dance Beats" des algerischen Musikers Salim Beltitane zusammen mit Tamburi Mundi Rahmentrommelgästen!

Chillig tanzbar und aufregend rhythmisch geht es zu, wenn - nach der begeistert aufgenommenen Premiere im letzten Jahr - wieder „P.O.P.“ angesagt ist:
Percussion zum Zuhören, zum Tanzen, Staunen, Abschalten, Schmunzeln, Abdriften…

Bereits zum 20. Mal dürfen wir diesen besonderen Abend beim Tamburi Mundi Festival ankündigen: Die Tamburi Mundi Special-„Gala“, an dem sich das Festival und (fast) alle Beteiligten präsentieren, ist mittlerweile eine feste Tradition und das Herzstück des Festivals.

Ein Percussion-Abend, der musikalisch kaum kontrastreicher, kaum bunter und vielfältiger ausfallen kann. Ein Abend, an dem die verschiedensten Facetten der Rahmentrommel-Welt zusammenkommen: Trommler:innen aus Japan, Spanien, Tadschikistan, Italien, Ukraine, Polen, Belgien, Algerien, aus der Türkei, Iran, Israel, USA und Deutschland bringen ihre Rhythmen und Kompositionen mit. Die Musik des Abends entsteht erst im Laufe der Festivalwoche.

Thomas Scheytt gilt als „einer der besten zeitgenössischen Boogie- und Blues-Pianisten. Er verbindet in seinem Spiel hohes pianistisches Können mit einer unglaublichen, tiefempfundenen Ausdrucksvielfalt“ (Jazzpodium Deutschland).

Scheytt gehört zu den meistbeschäftigten Musikern der europäischen Blues- und Boogie-Szene. Er ist seit über 20 Jahren nicht nur als Solist, sondern auch mit seinem Trio Boogie Connection in Jazzclubs und auf Festivals im In- und Ausland zu Gast - allein vier Mal beim weltberühmten New Orleans Jazz Festival in Ascona.

Scheytt wurde mehrfach ausgezeichnet. Besonderes Ansehen verschafften ihm die Nominierung seiner CD Blues Colours für den Preis der deutschen Schallplattenkritik sowie der zweifache Gewinn des German Blues Award 2015.

Einlass: 17:00 Uhr

Willkommen in der Welt der Träume!

Im Zustand zwischen Wachsein und Schlaf nimmt uns die Musik des letzten Festival-Abends mit zu vergessenen Orten, Déjà-vus, Absurditäten, Ängsten, Sehnsüchten und einer Welt, in der die Gesetze der Logik auf den Kopf gestellt sind.

Diese Vielschichtigkeit und Gegensätzlichkeit, die wir in unseren Träumen finden, spiegelt sich im Repertoire des Abends wieder: Die Premiere eines Stückes des US-Perkussionisten und Pioniers des modernen Rahmentrommelspiels Glen Velez „Searching for a forgotten Place“, eine Uraufführung „Cheeel Chae – Between layers of Dreams” von Murat Coşkun sowie weitere Stücke u.a. vom Edvard Grieg, Sulkhan Tsintsadze, Komitas Vardapet, Marina Baranova, Gürkan Balkan und Annette Maye - als Bearbeitungen und Kompositionen für Streichorchester und Rahmentrommeln bzw. Perkussion.

Das 20. Tamburi Mundi Festival findet seinen fulminanten Abschluss mit dem Freiburger Streichorchester Camerata Academica und einem großen Aufgebot an exzellenten Musiker:innen an Oud, Harfe, Klarinetten, Akkordeon und Rahmentrommeln!

Mit ihrem einzigartigen Stil und unverwechselbaren Talent erobert Cara Rose die europäische Musikszene im Sturm. Die aufstrebende Singer-Songwriterin aus Glasgow, deren kraftvolle Stimme und einprägsame Texte bereits Tausende von Fans in ihren Bann gezogen haben, kündigt ihre vierte Europatournee innerhalb von nur 12 Monaten an. Nach einer Serie von ausverkauften Konzerten setzt Cara Rose ihren rasanten Aufstieg in der Live-Szene fort und beweist, dass sie zu den spannendsten neuen Künstlerinnen ihrer Generation gehört.

Was Cara Rose so besonders macht, ist ihre Authentizität. Ihre Lieder sind ehrlich, direkt und tief empfunden. Mit einer Mischung aus souligen Melodien, eindringlichen Texten und einer Stimme, die unter die Haut geht, schafft sie es, eine tiefe Verbindung zu ihren Zuhörern herzustellen. Jedes Konzert von Cara Rose ist mehr als nur eine Performance – es ist ein emotionales Erlebnis, das das Publikum mitreißt und bewegt.

Einlass 19 Uhr

Mit:
Joss Reinicke – Leitung
Ayano Shigematsu – Geige
Szymon Strusinski – Cello
Jeseok Jedol Kang – Flöte
Aimeric Van Iseghem – Possune
Henry Heizmann – Schlagzeug
Chaehwan Lim – E-Piano
Sizhe Shen – E-Gitarre
So-Jeong Yoo, Doyoon Yoon- Elektronik

Eintritt: PAY AFTER
Einlass ab 19.40, frei Platzwahl.

Klangpoesie mit Druckluft und Durchzug: Die Akkordeonale ist eine Hommage an ein vielgeliebtes, aber auch oft noch unterschätztes Instrument. Hier zeigt sich das Akkordeon mit all seinem Charme, Temperament und Esprit. Der Niederländer Servais Haanen versammelt alljährlich Musiker*innen aus unterschiedlichsten Ländern zu einem überraschenden Ensemble-Mix quer durch sämtliche Stilarten. Dieses Jahr im Programm: Inselsounds aus dem wilden Sardinien, klassisch-zeitgenössische Kostbarkeiten, schottischer High-Speed-Folk, erfrischender Gesang zu Akkordeon aus allen Himmelsrichtungen sowie niederländischer Klangästhetik, Cello unkonventionell und eine Moderation mit Kultstatus. So unterschiedlich die Persönlichkeiten, kulturellen Hintergründe und Spielweisen auch sein mögen – die gemeinsame Sprache Musik schafft eine lebendige Verständigung, die sich nicht um Grenzen und Trennendes schert. Improvisationstalent, Spontaneität und der Spaß verbinden den musikalischen Reichtum der Musiker im Ensemble zu etwas ganz Neuem.

Mit: Helena Sousa Estevez (Spanien, Klassisch-zeitgenössische Kostbarkeiten); Andrew Waite (Schottland, High-Speed-Folk); Franziska Hatz (Österreich, Wilde steirische Frohnatur); Peppino Bande (Sardinien, Sardische Spezialitäten); Servais Haanen (Niederlande, Der Meister feiner Klänge);
Roberto Tangianu (Sardinien, Launeddas); Johanna Stein (Deutschland, Cello)

Die drei Schwestern aus Donegal, sind die Verkörperung von irischer Musik und Magie! Mit ihren harmonischen Stimmen, die von traditionellen Klängen bis zu modernem Irish Folk und Americana reichen, erobern sie die Bühnen weltweit. Ihre Auftritte sind eine musikalische Reise über die Ozeane hinweg - von den rauchigen Klippen Irlands bis zu den bluesigen Straßen von Memphis. Ihre Musik vereint Geschichte, Leidenschaft und eine Prise Nostalgie, die das Publikum in ihren Bann zieht. Erleben Sie die Henry Girls live - eine einzigartige dreistimmige Erfahrung, die Herzen berührt und Gänsehaut erzeugt! Tauchen Sie ein in die Welt dieser musikalischen Schwestern und lassen Sie sich von ihrer keltischen Seele verzaubern!

Karen McLaughlin: Fiddle, Vocals
Lorna McLaughlin: Vocals, Accordeon
Joleen McLaughlin: Harfe, Piano, Vocals

(www.thehenrygirls.com)

Einlass ab 19:00 Uhr

Zu Ehren des nahenden Wonnemonats stapeln wir die Stühle zur Seite, rollen die Diskokugel in den Saal und drehen den Bass auf. Der Klassiker ist wieder da – das Literaturhaus bittet zum Tanz!

Mit dem liebsten Rauschmittel der Dichter*innen arbeiten wir an der Abschaffung der Nacht, entzünden ein Maifeuer der Beats, drehen irrlichternde Pirouetten: Anmut bei hoher Umdrehungszahl. An den Plattentellern: der Trägerverein höchstselbst. Mitglieder des Literatur Forum Südwest und Freund*innen des Hauses legen auf. Im stündlichen Wechsel geht es querbeet durch den Stilgarten des Pop.
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Foto: © Manfred Werner

Datum: 30.4.2025, 21 Uhr
Ort: Ort: Literaturhaus Freiburg, Bertoldstraße 17
Eintritt: 5 Euro (nur Abendkasse)

Tanz in den Mai
Literaturhaus

Eintritt: 5 Euro (nur Abendkasse)

Mit Liedern wie „Sound of Silence“ schuf das US-amerikanische Duo Simon & Garfunkel poetische Hymnen für eine ganze Generation und ging spätestens mit „The Boxer“ und „Bridge over Troubled Water“ in die Musikgeschichte ein.
Seit einigen Jahren spürt das Duo Graceland mit „A Tribute to Simon and Garfunkel“ intensiv dem musikalischen Geist seiner Vorbilder nach. Immer mit dem nötigen Respekt vor den großen Kompositionen und dem Anspruch, musikalisch hochwertige Interpretationen der Welthits von Simon & Garfunkel zu bieten. Dabei ist dem Duo aber eines besonders wichtig: „Wir wollen keine Kopie sein, nicht visuell, auch nicht stimmlich“.
Das Zusammenspiel der beiden Stimmen und zweier Gitarren lässt die Songs von Simon & Garfunkel zu außergewöhnlichen Musikerlebnis werden. Es erwartet Sie ein Konzert mit zwei Künstlern, die ihren Idolen aus Amerika ausgesprochen nahekommen. Die Zahl der Konzertbesucher spricht für sich: Seit Jahren touren die beiden Musiker erfolgreich durch Deutschland und Europa. Mal zu zweit, mal mit klassischem Streichquartett und ein paar Mal im Jahr sogar mit einem 52-köpfigen Orchester. Bei ihren Konzerten durchstreifen sie die gefühlvollen Lieder und „rocken“ an anderer Stelle ihr Publikum.
Ein Abend mit Graceland ist nicht nur etwas für Nostalgiker, die gerne ihre alten Platten oder CDs aus dem Regal holen. Die Lieder von Simon & Garfunkel sind zeitlos gute Musik und sprechen Musikliebhaber aller Altersklassen an.

Einlass: 19:00 Uhr

Lieder. Neue und alte Lieder. Von den Platten „s/t“, „album“, „musik“ und natürlich von der neuen LP, die am 21. März erscheinen wird (und passenderweise „Lieder“ getauft wurde). Acht Eimer Hühnerherzen machen sich wieder auf eine große Konzertreise, von Hamburg bis Bern und wieder zurück und dann nach Berlin. Mit vielen neuen Liedern.
"Nichts ist gut und alles könnte besser sein. Schlecht gelaunt und zuversichtlich, konzentriert und ablenkbar...wo das Album „Lieder“ nicht drängelt, da ist es am dringlichsten; wo es rumpelt, ist es geschmeidig; und wo es leise ist, da wird es laut."

Einlass 19:00 Uhr

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Phantasie und Fuge g- Moll BWV 542
(Ahreum Kim)

Berthold Hummel (1925-2002)
Aus Drei Marianische Fresken, Op. 42: Nr. 1
Salve Regina
(Risa Toho)

J.S. Bach
Concerto in d-Moll BWV 596
(Johannes Opfermann)

Berthold Hummel
Aus Drei Marianische Fresken, Op. 42: Nr. 2
Ave Maris stella
(Ahreum Kim)

J.S. Bach
Toccata und Fuge F- Dur BWV 540
(Risa Toho)

Berthold Hummel
Aus Drei Marianische Fresken, Op. 42: Nr. 3
Regina Caeli
(Johannes Opfermann)


Am 12. November 1969 schrieb der damalige Domorganist Prof. Dr. Carl Winter:

„Lieber Herr Hummel!

Heute komme ich mit einer Anfrage bezw. mit einer Bitte. (…) Wie Sie wissen feiert im nächsten Jahr Freiburg sein 850. jähriges Stadtjubiläum, das auch in kultureller Hinsicht durch musikalische Aufführungen bereichert werden soll. Der neue Domkapellmeister [Raimund Hug], der seit 1. Oktober die Arbeit von Herrn Stemmer übernommen hat, möchte im Oktober ein Geistliches Konzert geben mit Kompositionen, die den marianischen Gedanken zum Inhalt haben. Das Programm möchte er mit grösstenteils modernen Kompositionen durchführen und Künstler heranziehen, die für Freiburg in persönlicher oder geschichtlicher Hinsicht eine Verbindung aufweisen. (…) Nun möchte ich Sie fragen, ob Sie zu diesem Konzert ein Orgelwerk (Art Tryptichon) zu schreiben bereit wären mit marianischen Themen: evtl. Salve Regina – Regina Coeli – Ave Maris stella ca. 10-12 Minuten, das den Ausklang des Konzertes bilden soll. (…) Sie kennen ja die Münsterorgel-Anlage mit ihren vielen Möglichkeiten. Ich würde mich freuen, wenn Sie bereit wären, dem Freiburger Münster und seiner Orgel dieses Werk zu komponieren. (…)“

Die Münsterorgel kannte der in Hüfingen geborene Berthold Hummel (1925-2002) gewiss. Als seine Familie nach Merzhausen bei Freiburg zog, war er gerade sieben Jahre alt. Dem musikalisch begabten Jungen eröffnete sich hier eine ganz neue Welt und er studierte später an der Musikhochschule Freiburg Komposition und Violoncello. Zum Zeitpunkt dieses Kompositionsauftrages war er bereits seit sechs Jahren Kompositionslehrer und Leiter des Studios für Neue Musik an der Hochschule für Musik in Würzburg. Drei Jahre nach der Uraufführung der Dr. Carl Winter gewidmeten Drei Marianischen Fresken op. 42 am 20. Dezember 1970 wurde er ebenda zum Professor ernannt. Tatsächlich hielt Hummel sich ziemlich genau an die Vorgaben, auch wenn er die Reihenfolge der marianischen Themen leicht veränderte und die Aufführungsdauer eher bei 19 Minuten liegt. Er verarbeitet die drei gregorianischen Gesänge mit einer modernen, dabei zugänglichen, musikalischen Tonsprache, die sowohl expressive als auch meditative Elemente enthält. Jeder Satz erhält seinem Thema entsprechende Charakteristik und nutzt die klanglichen Möglichkeiten der Orgel auf vielfältige Weise, wie Hans Musch bei der Uraufführung an der Münsterorgel zeigen durfte.

Im Fränkischen Volksblatt hieß es am 11. 01. 1971 dazu: „(…) Dozent Dr. Hans Musch kreierte im Wechselspiel an den vier Freiburger Münster-Orgeln (freilich vom zentralen Spieltisch aus) Hummels "Marianische Fresken" - Salve Regina, Ave maris stella, Regina coeli. Nachdem ein Satz bereits früher vorgestellt war, kam jetzt in der zyklischen Bezogenheit und Kontrastierung die Kompositionsabsicht voll zur Geltung. Bertold Hummel bindet gestenreich-konzertante Sprache, oft dialogisierend, in ein streng gegliedertes Formenspiel; Proportionen und variative Wiederholungen erleichtern auch dem moderner Musik gegenüber befangenen Auditorium den Zugang - ein nicht hoch genug zu veranschlagendes Moment im Schaffen eines Zeitgenossen. Zudem weiß er die Mittel des Instrumentes gezielt auszuwählen und die Lineaturen immer wieder ganz persönlich einzufärben. Als erster Eindruck stark von "französischer" Impression, gewiß unmittelbar von dem Pariser Staatspreis-Jahr beeinflußt. Zudem die einzigartigen Möglichkeiten der in der Freiburger Kathedrale sozusagen "stereophonisch" von vier Plätzen her erklingenden Orgeln nützend. Der Komponist und sein versierter Interpret Hans Musch dürften für die Premiere eine maximale Registriereinrichtung ausgetüftelt haben.

Die 2001 in Seoul, Südkorea, geborene Organistin Ahreum Kim erhielt ihre musikalische Ausbildung bei Byungseok Moon, Jakyung Oh und Joonho Park. Nach dem Orgelstudium an der Seoul Arts High School und der Korea National University of Arts nahm sie am 22. The New Artist Organ Debut Concert teil und gewann zweimal den 3. Preis beim Kookminilbo-Youngsanarthall Orgelwettbewerb. Meisterkurse bei renommierten Organisten wie Michel Bouvard und das Spiel auf historischen Orgeln (Stellwagen, Ladegast, Cavaillé-Coll) ergänzten ihre Ausbildung. Neben Orgel beschäftigte sie sich mit Alter Musik (Generalbass, Improvisation, Blockflöte, Cembalo). Seit Oktober 2024 studiert sie Orgel im Master bei Prof. Matthias Maierhofer an der Hochschule für Musik in Freiburg.

Risa Toho studierte Orgel an der Tokyo University of the Arts bei Prof. Rie Hiroe und erhielt dort mehrere Auszeichnungen für ihre musikalischen Leistungen. Nach dem Bachelor war sie Praktikums-Organistin an der Yokohama Minatomirai Hall in Japan und wirkte als Solistin bei der Aufführung der Symphonie Concertante von Joseph Jongen mit dem Geidai Philharmonia Orchester Tokyo mit. Ihr Masterstudium Orgel in Freiburg bei Prof. Matthias Maierhofer schloss sie mit Auszeichnung und DAAD-Stipendium ab. 2022 erhielt sie ein Stipendium der Meiji Yasuda Cultural Foundation und gewann Preise bei den Orgelwettbewerben "Maria Hofer" (2. Preis, 2022), Felix Mendelssohn Bartholdy (3. Preis, 2023) und Musashino Tokyo (2. Preis & Publikumspreis, 2023). 2024 wurde sie mit dem "Hermann Schroeder Sonderpreis" ausgezeichnet und in die Rohm Music Foundation aufgenommen. Derzeit studiert sie in der Meisterklasse Orgel in Freiburg und ist Erasmus Studentin in Salzburg bei Prof. Hannfried Lucke.
Johannes Opfermann begann seine musikalische Hochschulausbildung mit dem Bachelorstudium der Chorleitung (Prof. Morten Schuldt-Jensen) und der Evangelischen Kirchenmusik (Prof. David Franke). Derzeit setzt er seine Studien an der Musikhochschule Freiburg mit dem Master Orgel (Prof. Matthias Maierhofer, Prof. Ludger Lohmann, Prof. David Franke) sowie dem Bachelor Schulmusik mit Hauptfach Jazzklavier (Prof. Ralf Schmid) fort. Als Organist trat er bereits in bedeutenden Domen auf und gewann den 2. Internationalen Orgelwettbewerb „Augustinus Franz Kropfreiter“ in St. Florian (Österreich). Seit 2021 assistiert er dem Chordirektor am Theater Freiburg und verantwortete 2024 die Choreinstudierung für die Oper „PRISM“. Er ist Sänger im Bundesjugendchor, Mitinitiator des „ArcoIris Kammermusik-Kollektiv e.V.“ (Stipendiat der Yehudi-Menuhin-Stiftung Live Music Now) und wird von der Studienstiftung des deutschen Volkes gefördert.

Wer jemals bei einem Konzert von Bernard Allison war oder seine Diskografie gut kennt, weiß, wie viel es ihm bedeutet, das musikalische Erbe seines Vaters am Leben zu erhalten. „Am Anfang meiner Karriere habe ich mir und meiner Mutter Fannie Mae Allison etwas versprochen, und zwar, dass auf jedem Album von mir mindestens ein oder zwei Stücke von meinem Vater zu hören sein werden“, erklärt er. Bernard hat sein Wort gehalten: Sowohl bei Konzerten als auch auf seinen Platten führt er bis heute treu die Songs seines Vaters auf. Dies tut er zumeist in einem funkigen, am Rock orientierten Stil, der sich klar von dem traditionellen Blues unterscheidet, mit dem er aufgewachsen ist. Als er noch dabei war, seine eigene musikalische Stimme zu finden, ermutigte ihn sein Vater dazu, „es so zu spielen, wie du es fühlst“, anstatt zu kopieren, was vor ihm war. Pünktlich zum 30-jährigen Jubiläum von Ruf Records und mehr als drei Jahrzehnte nach dem Debüt des Blues-Gitarrenmeisters Bernard Allison feiert Luther´s Blues ausgiebig die musikalische Hinterlassenschaft von Bernards Vater Luther Allison – einer wahren Legende des Chicago Blues und einer zentralen Figur in der Geschichte des Plattenlabels. Die Doppel-CD enthält 20 herausragende Aufnahmen von Bernard Allison, jede davon eine Komposition von Luther Allison, die zuvor auf einem von Bernards zahlreichen Alben erschienen ist. Allison selbst wählte die Tracks für diese Sammlung aus; Pauler Acoustics, eine renommierte Adresse in der Hi-Fi-Szene, hat sie liebevoll remastered.

Die 20 Luther Allison-Songs auf Luther´s Blues wurden also quasi von einem Vertreter der nächsten Bluesgeneration für das 21. Jahrhundert aufgerüstet. Sie sind nicht unbedingt Luthers berühmteste Stücke. Wenn er an einem neuen Album arbeitet, sagt Bernard, sucht er oft nach „Songs, die man damals bei meinem Vater übersehen hat. Ich gebe ihnen dann meine eigene Note“.
Die Trackliste der beiden CDs umspannt genau 30 Jahre, von „Hang On“ – aufgenommen in Paris im Sommer 1992, als Allison erst Mitte zwanzig war – bis zu den zwei Stücken vom letzten Studioalbum Highs & Lows, das 2022 Platz 1 der Billboard Blues Chart erreichte und bei den Blues Music Awards eine Nominierung als Blues-Rock-Album des Jahres ergatterte. Ebenso sind Neuversionen von vertrauten Luther Allison-Songs wie „Bad Love“, „Life Is A Bitch“ und „Let´s Try It Again“ zu hören. Bernard Allison hat einen großen Anteil daran, dass diese heute als Klassiker geltenden Songs in unserem kollektiven Bewusstsein geblieben sind. Das gilt auch und insbesondere für „Serious“, ein Ausnahmetitel, der erstmals 1987 auf einer Platte von Luther Allison erschien. Sein Sohn spielt ihn ausnahmslos bei jedem Konzert und hält ihn für den weltweit beliebtesten Song seines Vaters.
Dabei hat er nie aus den Augen verloren, wo er herkommt und ist zurück auf Tour!

Einlass 19 Uhr