Frankreichs Jazz-Globetrotter mit Rock-Energie

Man stelle sich vor, John Coltrane spielt mit Rage Against The Machine, Amon Tobin remixt Pink Floyd, und Billy Cobham jammt mit Daft Punk …
OZMA ist ein energiegeladenes Quintett, das Musik schafft, die zugleich abenteuerlich und zugänglich ist – und die die Band bereits in acht dynamischen Alben festgehalten hat. Als Schlüsselfiguren des modernen französischen Jazz touren OZMA seit über zwanzig Jahren um die Welt und gaben mehr als 600 Konzerten in 43 Ländern auf vier Kontinenten. Unter der Leitung des Schlagzeugers Stéphane Scharlé hat die in Straßburg gegründete Gruppe ein fesselndes musikalisches Universum aufgebaut, das die Energie des Rock, elektronische Klangwelten und die Freiheit des Jazz miteinander verbindet.
Nach fünf Jahren ohne Album kehren OZMA mit "The Day We Decided To Live At Night" zurück – einem zutiefst persönlichen Album Bandleaders, das einen Wendepunkt in der Geschichte der Band markiert. Gemeinsam mit seinem langjährigen Weggefährten, dem Bassisten Édouard Séro-Guillaume, hat er ein neues Team versammelt, eine musikalische Frischzellenkur: Musina Ebobissé am Saxofon, Martin Ferreyros an der Gitarre und – neu im Instrumentarium – Dan Jouravsky an den Keyboards.

"The Day We Decided To Live At Night" könnte der Soundtrack eines dystopischen Science-Fiction-Film Noir sein. Trotzdem versinkt die Musik nie in Melancholie oder Verzweiflung, hat zu keiner Sekunde etwas Drückendes oder Trauriges. Stattdessen übermittelt sie in ihrer Intensität, Lebendigkeit und Energie eine positive Botschaft: eine Aufforderung, sich trotz allem nicht zu verschließen, sondern sich immer wieder zu verwandeln, zu vermischen und von anderen bereichern zu lassen. "The Day We Decided To Live At Night" zeugt von den ständigen Übergängen, die in uns stattfinden. Und von den Erinnerungen, Sehnsüchten, Spielen, die man mit sich herumträgt, wie auch von den Versprechen, die man im Laufe eines Lebens demjenigen gemacht hat, der man geworden ist und noch werden wird, ohne je aufzuhören, der zu sein, der man einmal war.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns möglichst öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

Konzert Ulrike Hausmann am 27.02.2026

Das alljährliche Gala-Konzert mit Ulrike Hausmann am Bechstein-Flügel im modern gestalteten Festsaal des Coselpalais ist ein Höhepunkt in unserer Veranstaltungsreihe.
Die Liebhaber von Blues & BoogieWoogie erwartet ein Konzertabend mit Songs unverwechselbaren Altmeister, aber auch eigener Titel der Pianistin.
Ulrike Hausmann ist eine hochversierte Boogie- und Bluespianistin, die die Klaviertasten kraftvoll und lebhaft, aber auch sensibel und leise anschlagen kann und ihr Publikum verzaubert.
Den Blick auf die beleuchtete Frauenkirche gibt es kostenlos dazu.

Copyright: Ulrike Hausmann

Einlass: 18:30 Uhr

WIZO bringt das Licht! Tour 2026
Der WIZO kommt auf große Klubtour und verspricht mit dem Untertitel „Welt kaputt, feiern gut!“ den
Lichtblick, den wir alle brauchen!
Nach der mega erfolgreichen Tour 2024 setzen die Sindelfinger Punkrockhaudegen nun noch einen drauf:
über 40 Gigs in zwei Monaten, viele Doppelshows in großen Städten und bis zu sechsmal pro Woche auf der Bühne. Statt in große Hallen zu wechseln, bleibt der WIZO den Klubs und Kulturzentren treu – dort, wo Nähe, Energie und direkter Kontakt mit den Fans garantiert sind.
Sänger Axel verspricht: „Das werden wieder Abende, die uns und Euch noch für Tage danach die Kraft geben, sich besser durch die wahnsinnige Weltkollapsspirale zu beißen.“
Freut euch auf verschwitzte Nächte, alte Hymnen, neue Hits und kollektive Eskalation unter der legendären „arschlochfreien Dunstglocke“. Sichert euch jetzt eure Tickets für die Punkrock-Lichttherapie!

Einlass: 18:30 Uhr

Lions Law (Paris) + The Chisel (UK) + Ultra Sect (USA) + local Support

Foto: Nina Galdino

Einlass 19 Uhr, Stehplatz

Eventuell sind noch Karten an der Abendkasse erhältlich.

Sa 28.02.2026 | 15 Uhr | Gesamtes Haus
Bandstand
Musik

Eintritt: 24/16 €
Early-Bird-Tickets vom 01.12.25 - 18.01.26: 19/13 €
ca. 8 Std.
Sprachen: Deutsch, Englisch, Spanisch

Am 28.02.26 servieren wir beim Bandstand im Festspielhaus und erstmals im Ostflügel eine musikalische Antipasti-Platte:
Brudi Cartell liefern energiegeladene Synthie-Dramatik, PARA jungen FLINTA-Deutschrap mit poppigen Hooks. Las Perras del Infierno zünden ein empowerndes Punk-Cumbia-Ska-Reggae-Gemisch, während Fuji mit verspieltem Drum’n’Bass-Elektro-Jungle-Funk antreiben. Lucky Loose bringen scheppernden Garage-Punk, Lohrge bittersüßen Bubble-Grunge mit Postpunk-Note. Deslin Ami Kaba & Band sorgen für Disco-Soul-Funk mit starker Message, Sebastian der Saubere für experimentellen Rap und NDW-Humor. Gránátèze liefern verzerrten Garagen-Pop mit zweistimmigen, ehrlichen Texten.

Im Rahmenprogramm bieten Max Rademann und Jens Rosemann ein intimes Vinyl- und Cartoon-Erlebnis samt gezeichneter Portraits. Josef Panda unterstützt mit Trash Tarot, und La Rey übernimmt die Kinderdisco – mit Beats, Rap und viel guter Laune.

Vater und Tochter im Konzert

Es darf getanzt werden....

Einlass ab 19 Uhr

Leidenschaftlicher Jazz mit Botschaft

Wenn Jazz zur Emotion, Trompete zur Stimme und Musik zur puren Energie wird, dann steht HENRY SPENCER auf der Bühne.
Der Trompeter, Komponist und Bandleader zählt zu den spannendsten Vertretern des aktuellen britischen Jazz. Mit seiner unverwechselbaren Mischung aus lyrischer Tiefe, orchestraler Kraft und rhythmischer Energie schafft er Klangwelten, die weit über den klassischen Jazz hinausreichen.

Geboren im englischen Wiltshire, ausgebildet an der legendären Guildhall School of Music & Drama in London und gefeiert auf internationalen Festivals, gehört Henry Spencer zu den aufregendsten Jazzkünstlern seiner Generation. Sein Sound ist intensiv, leidenschaftlich und filmisch – eine mitreißende Mischung aus lyrischer Tiefe und explosiver Virtuosität.
Er spielte und arbeitete mit Größen wie Dave Liebman, John Scofield, Randy Brecker, Joshua Redman und Christian McBride, und wurde von Kritikern bereits als „Kandidat für das Album des Jahres“ (All About Jazz) gefeiert. Seine Musik verbindet Modern Jazz, orchestrale Klangwelten und rockige Energie zu einem Erlebnis, das unter die Haut geht.

Mit seiner Band, ausgezeichnet mit dem Best Newcomer Award des Marlborough Jazz Festival, bringt Henry Spencer nun sein neuestes Projekt The Defector auf die Bühne – produziert in Zusammenarbeit mit Größen wie Jon Kelly (Michael Jackson, Kate Bush, Paul McCartney) und Dave Darlington (Miles Davis, Prince, Herbie Hancock).

Mit The Defector verleiht Henry Spencer seiner Musik eine klare, wenn auch wortlose Haltung. Das Album ist ein leidenschaftlicher Aufruf zu Menschlichkeit, Mut und Zivilcourage – inspiriert von all jenen, die den Mut haben, sich von Unrecht, Unterdrückung und Gewalt abzuwenden. Spencer übersetzt diese Themen nicht in Texte, sondern in Klang: in spannungsgeladene Trompetenlinien, orchestrale Bögen und rhythmische Brüche, die Hoffnung und Aufruhr zugleich atmen. Ohne Worte, aber voller Aussagekraft ruft er dazu auf, den eigenen moralischen Kompass zu prüfen – und, wenn nötig, „überzulaufen“ auf die Seite der Menschlichkeit. The Defector ist damit mehr als ein Jazzalbum: Es ist ein musikalisches Statement gegen Gleichgültigkeit und ein leiser, aber eindringlicher Appell an das Gewissen.

Live ist Henry Spencer ein Erlebnis: Seine Musik bewegt sich zwischen leisen Momenten voller Gefühl und eruptiver Klanggewalt, aus Jazz, Rock und Improvisation, und sie zeigt, was Jazz heute sein kann: mutig, berührend, grenzenlos.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns möglichst öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

Minimalistische Neo-Klassik von großer Nuance, Eleganz und Tiefe

FEDERICO ALBANESE kombiniert in seinen Kompositionen minimalistische Pianomelodien mit Streicherarrangements und Electronica. Mit seiner Musik entführt der 1982 in Mailand geborene Wahlberliner in geradezu filmische Klangwelten, die sich aus Elementen der Klassik, Pop- und Ambientmusik speisen. Die vielfältigen musikalischen Einflüsse in seinen Kompositionen spiegeln zugleich seine große Liebe zur Musik.
"Blackbirds and the Sun of October" heißt das neue Album von Federico Albanese und sein Debüt bei XXIM Records (Sony Music). Inspiriert wurde es von seiner Heimat Monferrato im Norden Italiens, wo es auch vollständig geschrieben und aufgenommen wurde. "Es ist ein Album über Heimkehr, vor allem aber über Herkunft und Erbe", sagt der Pianist, Komponist und Produzent.
Während seine früheren Alben sich oft um Erinnerungen, innere Welten und imaginäre Landschaften drehten, schöpft "Blackbirds and the Sun of October" aus der konkreten, physischen Welt um ihn herum – aus der Geschichte, der Natur und der Schönheit. "Ich spüre die Freiheit in dieser Musik", sagt er, "und es steckt mehr Positivität darin. Ich merke, dass etwas anders ist als zuvor."
Diese Freiheit – und die Reflexion über das Erbe und die Geschichte – führt auch dazu, dass er verschiedenste musikalische Einflüsse nutzt und klassische Musik mit modernen Klängen verschmilzt. Herausgefordert, neue Richtungen und Ideen in seiner Musik zu erkunden, umfasst "Blackbirds and the Sun of October" Kompositionen, die zeitlos wirken und auf die klassischen, musikalischen Traditionen der Region zurückgreifen, sowie modernere, experimentellere Stücke.

Foto: Sara Spimolo

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns möglichst öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

Mit ihrem aktuellen Konzertprogramm schneidern sich die nächsten Königinnen vom Basler Rheinufer die Welt zurecht. Schere und Schwesternschaft – geboren ist die Scissor*hood, und die begegnet dem Abenteuer Altern mit Farbigkeit und Mut. Ihre Songs erzählen vom Erfindergeist am Rande des Nervenzusammenbruchs, von der trügerischen Stille weit weg vom Krieg und der allgegenwärtigen Zerbrechlichkeit oder von der Multitasking-Fähigkeit einer modernen Frau. Je schneller das Leben rast, desto mehr sprudeln die Ideen, doch das Hirn ruht sich aus in einem Land der Glückseligkeit. Das Publikum wird in philosophische Untiefen herabgelockt, denn philosophisch sind die Königinnen immer, egal mit wie viel Klamauk sie gerade an der Oberfläche operieren. Und nicht zuletzt sind sie auch eine politische Band. Sie schauen mit einem anarchistischen, queeren und feministischen Blick auf gesellschaftliche und wirtschaftliche Zwänge unserer Zeit.

Die Schweizer Autorinnen-Band Les Reines Prochaines, aktuell besetzt mit Muda Mathis, Sus Zwick und Fränzi Madörin, hat eine lange internationale Karriere hinter sich. Inmitten der Jugend- und Frauenbewegung der 1980er gegründet, will sie mit ihren Programmkonzepten traditionelle Kunst- und Geschlechtergrenzen hinterfragen. Sie setzt sich mit feministischen Themen, Genderrollen, Queer-Kultur, aber auch mit Sozial- und Machtfragen auseinander. Seit ihrer Gründung 1987 schafft es die Band immer wieder, mediale Grenzen zwischen Performance, bildender Kunst und Musik zu durchbrechen. Sie kollaboriert oft mit anderen Kunst- und Musikschaffenden oder auch Filmemacherinnen. Les Reines Prochaines wurden 2019 mit dem renommierten Schweizer Musikpreis des Schweizer Bundesamtes für Kultur für ihr Werk ausgezeichnet und 2022 mit dem Kulturpreis der Stadt Basel.

Band: Muda Mathis, Sus Zwick, Fränzi Madörin

Dauer: ca. 80 Minuten

John Blek "The Midnight Ache"
The Midnight Ache ist ein atemberaubend schönes und perfekt geformtes Stück Alternative Folk mit Lo-Fi-Herz und einem Hauch bescheidener Erhabenheit, vorgetragen von einem Künstler mit einer Stimme, die Herzen brechen kann, und Liedern, die selbst die müdesten Seelen heilen können. John Blek, bekannt als einer der kreativsten und unabhängigsten Künstler Irlands, veröffentlicht eine weitere wunderschöne Platte mit 11 neuen Liedern. Dieses Mal ist John mit seinem DIY-Spirit noch einen Schritt weitergegangen. Er hat nicht nur den Großteil des Albums selbst aufgenommen und produziert, sondern ist sogar so weit gegangen, das Aufnahmestudio mit seinen eigenen Händen zu bauen. „A labour of love but labour all the same“, so beschreibt Blek den Prozess.
Im April 2024 schloss Blek den Bau seines neuen kreativen Zuhauses, Bigger River Recording Co., ab und machte sich an die Arbeit an dem, was später The Midnight Ache werden sollte. Anklänge an Sparklehorse und Beck, circa Sea Change-Ära, verleihen dieser Platte eine Lo-Fi-Intimität, während die Streicherarrangements den Sound mit Weite und Raffinesse ausbalancieren. Das neue Album dreht sich um das Thema „Zuhause“. Es enthält Gesangseinlagen von Johns Frau und sogar das Cover ist mit gepressten Blumen aus ihrem Garten geschmückt. Für die Produktion und das Mischen war sein regelmäßiger Kollaborateur Brian Casey bei Wavefield Recordings zuständig.
“This album took me by surprise. I was slowly writing and using the songs to try to get to know the new studio space. Sonically feeling my way around and seeing what I could achieve when all of a sudden I realised I was looking at a new record.” (JB)

Einlass 19 Uhr, Sitzplatz

In der Jubiläumssaison 2025/26 führt der Dresdner Kammerchor die beliebte Konzertreihe ZentralVokal fort und stellt drei Programme unter die Leitmotive Loben, Preisen und Danken. Mit Musik aus unterschiedlichen Epochen – von bekannten Chorwerken bis hin zu eigens für das Ensemble entstandenen Uraufführungen – verbindet die Reihe Rückblick und Ausblick zugleich.

Den Auftakt in diesem Jahr macht ZentralVokal.PREISEN mit Konzerten in Chemnitz-Klaffenbach und Dresden. Unter der Leitung von Hans-Christoph Rademann sind unter anderem Brahms’ Fest- und Gedenksprüche, Distlers „Singet dem Herrn ein neues Lied“ sowie die Uraufführung von Prof. Wilfried Kärtzschmars „Von blendender Helle“ zu erleben.

Die Johannespassion von Heinrich Schütz hatte im Gottesdienst der Dresdner Schlosskapelle ihren festen Platz. Wo anders als hier, in dem gerade erst wiedereröffneten Raum mit dem berühmten Schlingrippengewölbe, sollte dieses Werk in seiner berührenden Schlichtheit aufgeführt werden?
Ælbgut
Isabel Schicketanz, Sopran | Stefan Kunath, Altus
Christopher Renz, Tenor | Martin Schicketanz, Bass
Dresden Consort
Margret Baumgartl, Violine
Stefan Maass, Laute
Sebastian Knebel, Orgel

Copyright: Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Foto: Klemens Renner

Einlass: 16:15 Uhr

Zwei Stühle, zwei Gitarren und zwei Mikrofone - das ist alles, was die beiden Gitarristen Jan Pascal und Alexander Kilian benötigen, um Herzen zu berühren, zu verzaubern, von den Stühlen zu reißen und, alle Grenzen überwindend, vielfältigste Emotionen freizusetzen. Café del Mundo spielt einen einzigartigen Sound. Ihre fein aufeinander abgestimmten Gitarren versprühen vom ersten Ton an jene südliche Lebensfreude, die das Leben feiert und zugleich tief bewegt - so klingt Gitarre heute!

Als Künstlerpersönlichkeiten sind beide gegensätzlich: Alexander Kilian gilt als gitarristisches Wunderkind, hochvirtuos, extrovertiert und preisgekrönt tanzt er schon mal über die Stuhlreihen. Jan Pascal ist der Poet mit Tiefgang, Sinn und Gespür für die Melodien des Lebens. Ein Konzert von Café del Mundo ist ein Erlebnis, eine Begegnung, eine Hommage an die große Lebensliebe, an die Verbundenheit allem und aller und an die pure Momentfreude - „guitartainment“ - so lieben wir es.

Zwei Musiker, für die es im herkömmlichen System keinen Platz zu geben scheint, begegnen sich zufällig bei einem Workshop, den der zwölf Jahre ältere gibt. Sie sind sehr unterschiedlich, finden sich jedoch sofort zusammen, leben ihren gemeinsamen Traum: Ihr Instrument, die andalusische Flamenco-Gitarre weltweit dem Publikum zu öffnen. Es folgt eine Dekade harter Arbeit, die Wüstenquerung der Nische. Der Durchbruch gelingt in der Pandemie mit den ganz eigenen, sensiblen und zugleich energiegeladenen Bearbeitungen von Klassikern aus Pop- und Filmmusik. „Viva la Vida“ erhält aufs erste 1,5 mio. Aufrufe, „Una Mattina“ zählt über 120 mio. Streams auf Instagram. Es folgen weltweite Konzerteinladungen.

Die neue Tour GuitaRevolution Symphonic wird nicht nur im Zeichen ihres Albums Symphonic stehen. Gemeinsam wird das Duo mit der Neuen Philharmonie Frankfurt – welche schon mit Musikern wie Deep Purple, Peter Gabriel, David Garrett oder Robbie Williams zusammengearbeitet hat – ihren ganz eigenen Mix aus großen Rock- & Pophits, traditionellen Werken und Eigenkompositionen präsentieren.

Einlass: 19:00 Uhr

Hier sind leider keine Tickets mehr verfügbar

Auch nach 25 Jahren voller Schaffenskraft und Weiterentwicklung sprengt das visionäre Quartett SEXMOB weiterhin alle vorgefassten Vorstellungen davon, was eine instrumentale Jazzband sein kann.
Entstanden in der Knitting Factory-Szene der mittleren 1990er Jahre, veränderten Slide-Trompeter STEVEN BERNSTEIN, Saxofonist Briggan Krauss, Bassist Tony Scherr und Schlagzeuger Kenny Wollesen die Spielregeln – mit roher Improvisation voller Groove und Swing, unerschöpflich fantasievollen Arrangements und einer verblüffenden Portion Humor. Sie zeigten höchste musikalische Meisterschaft und brachen gleichzeitig mit größter Freude alle starren Grenzen von Genre und Geschmack.
Seit ihrem Debüt Din of Inequity (1998) haben sie eines der beständigsten und bedeutendsten künstlerischen Bündnisse unserer Zeit geschaffen – eine Alchemie (oft auch mit Gästen), die trotz der Jahre nichts von ihrer Frische und Überraschungskraft verloren hat. "Was das betrifft, ist SEX MOB ein kollektives Ideal", schrieb NPR First Listen.
Ein SEX MOB-Konzert hat kein festes Programm: Ein Stück beginnt nicht einfach, endet und wird dann beklatscht. Stattdessen kommen die Fans, um eine Band zu hören, die das Risiko umarmt – ganz im Geiste des späten Don Cherry, dessen Ideen von musikalischer Collage und "endlosen Anfängen" weiterhin das höchste Prinzip bleiben. Ebenso wenig "covern" SEX MOB Songs; wie Bernstein es formuliert hat: Sie "sexmobben" sie.
Auf Din of Inequity waren das etwa Prince, Leadbelly, Duke Ellington, Hoagy Carmichael, The Cardigans, "Macarena" und mehr. Auf Solid Sender (1999) interpretierte die Band Nirvana, die Rolling Stones, die Grateful Dead, ABBA, erneut Ellington – sowie Bernstein-Originale.
Schon damals war der Sound von SEX MOB geprägt vom Toningenieur und Produzenten der Band: "lärmend und schmutzig, total aufgedreht" beschrieb ihn die New York Times. Es war die Handschrift von Scott Harding, auch bekannt als Scotty Hard, der mit seinen markanten Klanginterventionen auch bei vielen späteren Alben der Band als ihr immens wichtiges Schattenmitglied wirkte. So auch beim aktuellen Opus, das schon im augenzwinkernden Titel die enorme Bedeutung von Scotty Hard hervorhebt: The Hard Way.
Der von Hard wesentlich mitgeformte Sound von SEX MOB ist längst mehr als deren Markenzeichen, er ist ihr Alleinstellungsmerkmal. Und auch mit The Hard Way erkunden SEX MOB erneut Klangräume, die keine andere Band zu betreten wagen würde. In jeder Ecke dieser Räume darf man neue Überraschungen erwarten. Die Abenteuerlust von STEVEN BERNSTEIN'S SEX MOB ist ungebrochen. Funky, bluesig und voll schräger Coolness, heraufbeschworen durch Briggan Krauss’ kehliges Saxofon, befeuert vom charakteristischen Schrei von Bernsteins einzigartiger Trompete und angetrieben vom magischen, sich blind verstehenden Rhythmuswunder-Duo Tony Scherr und Kenny Wollesen zeigt sich SEX MOB nach wie vor als eine der ungezügeltsten, leidenschaftlichsten Bands in der kreativen Musik des 21. Jahrhunderts.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns nach Möglichkeit öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

Zwei Jazz-Granden, die Tasten und Trommeln glühen und donnern lassen

Was kann es Schöneres zum Club-Geburtstag geben als ein musikalisches Zwiegespräch zwischen zwei Altmeistern des zeitgenössischen europäischen Jazz, die der Tonne zudem eng verbunden sind? Und das sind Schlagzeuger BABY SOMMER und Pianist ULI GUMPERT ohne jeden Zweifel. Ihre Zusammenarbeit spannt sich über fast fünf Jahrzehnte, in denen die beiden, auch oft auf getrennten Wegen, ihren persönlichen Stil stetig weiterentwickelt, perfektioniert und um neue Facetten erweitert haben.

Als Geburtsstunde des Jazzrock in der DDR kann ihre Zusammenarbeit in der Band SOK angesehen werden, und was sie da gemeinsam hervorbrachten, konnte sich durchaus messen mit der Verbindung von Jazz und Rock, die man im Westen "Fusion" nannte. Den Free Jazz machten sie, über den Umweg der internationalen Anerkennung, als Gründungsmitglieder der Band Synopsis, später umbenannt in Zentralquartett, auch bei der offiziellen Kulturpolitik der DDR "salonfähig".

Zu keiner Zeit ist das Zwiegespräch der beiden Künstler ganz verstummt. Zwei, die niemandem mehr etwas beweisen müssen. "Sommer und Gumpert, das sind zwei Haudegen mit Stachelhaaren und vielen Lachfalten. In ihrer Musik sind sie nicht etwa zahm geworden – aber bedeutend vielfältiger als einst. Ein Wort wie "Free Jazz" genügt hier längst nicht mehr. Sie spielen "funky" und bluesig, ergehen sich in langen, wunderschönen Melodiebögen – lassen sich augenzwinkernd auch mal zu schwelgerischen Tönen hinreißen." (Bayerischer Rundfunk)

Und noch immer (oder jetzt noch mehr) "bleiben die beiden alten Improv-Anarchisten ihren alten Idealen treu. Sie erklären sich gegenseitig und dem Jazz ihre unverbrüchliche Liebe, aber voller Spott und ehrlicher Freude machen sie sich auch über eine Reihe von Standards, Boogies, Märschen, Volksliedern und Schlagern her. Die meisten Stücke wirken wie ausgewachsene Kabarett-Nummern, gerade weil der Humor mit einem geradezu bärbeißigen Ernst transformiert wird." (Eclipsed Magazin)
Hören kann man das wunderbar auf den beiden gemeinsamen Alben Das Donnernde Leben (2009) und La Paloma (2012).
Aber nichts geht über das Erlebnis, sie im wirklichen Leben live auf der Bühne die Tasten und die Trommeln donnern zu lassen.

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AUSVERKAUFT - keine Abendkasse!

Zwei Ausnahme-Musiker, zwei faszinierende Instrumente

Die Grammy-nominierten Musiker MANU DELAGO und MAX ZT haben sich zu einem neuen Duo zusammengetan, das die klanglichen Grenzen von Handpan und Hackbrett neu auslotet. Hier trifft ausgefeilter Kompositionsstil auf hohe Improvisationskunst und es entstehen eindrucksvolle und sinnliche Klangwelten, mit Feingefühl und trotzdem dynamisch.
"Als ich Manu zum ersten Mal hörte, war ich hin und weg – seine Virtuosität und die Art, wie er sein Instrument denkt, waren einfach außergewöhnlich", erinnert sich Max ZT. Die beiden trafen sich vor fast zehn Jahren während Delagos USA-Tour, und aus ersten Improvisationen wurde eine tiefe musikalische Verbindung. 2024 fanden sie schließlich den perfekten Ort für die Aufnahme ihres Debütalbums: ein Klangraum aus dem 18. Jahrhundert in einem Tiroler Kloster. Und dann zwei Musiker, die sich gegenüberstehen und beide gerade 40 geworden sind: Das Album musste einfach Deuce heißen", erzählt Delago.

Manu Delago – Komponist, Perkussionist und musikalischer Weltenbummler – hat bereits über 50 Länder bereist und mit Größen wie Björk, Anoushka Shankar und The Cinematic Orchestra gearbeitet. Seine preisgekrönte Musikdokumentation Parasol Peak führte ihn mit Ensemble auf eine Bergexpedition, und auf seinen ReCycling Tours radelte er samt Band und Crew 1500 Kilometer durch Europa – nachhaltige Musik in Bewegung.

Max ZT, von NPR als "der Jimi Hendrix des Hackbretts" gefeiert, revolutioniert seit Jahren das Spiel auf seinem Instrument. Der in Brooklyn lebende Musiker lässt Einflüsse aus Afrika, Indien und der ganzen Welt in seinen Stil einfließen und ist Gründungsmitglied von House of Waters – mit acht Alben auf Snarky Puppys Label GroundUP Music.

Gemeinsam veröffentlichen Manu Delago und Max ZT Anfang 2026 ihr Debütalbum Deuce, gefolgt von einer weltweiten Tournee. Vom ersten Aufschlag an wird man in eine musikalische Welt entführt, die sich gleichzeitig uralt und völlig neu anfühlt – ein intensives Erlebnis zwischen Struktur und Freiheit, Intimität und Klangrausch.

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Mit diesem Konzert wird der Kammerchor der Frauenkirche Dresden erstmals in der wiedererrichteten Schlosskapelle im Dresdner Residenzschloss zu erleben sein. Der Raum war über 150 Jahre das musikalische und geistige Zentrum Kursachsens und der wichtigste Wirkungsort von Heinrich Schütz, der hier zwischen 1629 und 1672 den Großteil seines frühbarocken Œuvres zur Uraufführung brachte.
Bereits vor dem Konzert erwartet die Besucher ein besonderer Auftakt: In einem spannenden architektonischen Einblick führt Prof. Dr. Stefan Bürger (Würzburg) in Geschichte, Gestalt und Bedeutung der Schlosskapelle ein. Als ausgewiesener Kenner und Forscher der sächsischen Architektur eröffnet er neue Perspektiven auf den Raum und seine Baugeschichte – eine ideale Einstimmung auf das anschließende musikalische Erleben.
Die Verbindung zwischen Schützkapelle und Frauenkirche ist nicht nur baulich geprägt, sondern auch historisch und geistig. Heinrich Schütz lebte am Dresdner Neumarkt in unmittelbarer Nähe der Frauenkirche und wurde 1672 in der alten Frauenkirche bestattet. Damit ist die heutige Frauenkirche ein zentraler Erinnerungsort seines Wirkens — und der Kammerchor versteht sich als musikalischer Erbe dieser Tradition.
Das Konzert verspricht ein vielfältiges und spannendes Hörerlebnis: Es verbindet Instrumentalmusik von Instrumenta Musica sowie Chormusik von Heinrich Schütz zu einem lebendigen Wechselspiel aus Klangfarben, Stimmungen und Ausdrucksformen. Der Dialog zwischen Stimme und Instrument sowie zwischen Musik und Raum lässt die Klangwelt des Frühbarock in ihrer ganzen Vielfalt neu erklingen.
Auf dem Programm stehen Werke von Heinrich Schütz und Michael Pretorias — musiziert in historischer Aufführungspraxis am authentischen Ort seines Wirkens. Das Konzert versteht sich als musikalische wie historische Wiederbegegnung zwischen Frauenkirche und Schlosskapelle und als Brückenschlag über Jahrhunderte hinweg.

Copyright: Michael Schultz

Einlass: 18:30 Uhr

Mit neuem Album zwischen Jazz, Electronica und Minimalismus

MAMMAL HANDS stehen an der Spitze einer neuen Welle von britischen Künstlern, die stilistische Grenzen hinter sich lassen. Sie verschmelzen Jazz, zeitgenössische Klassik, Electronica, Folk und Minimalismus zu einem Sound, der unverkennbar ihrer ist. Über fünf gefeierte Alben hinweg haben sie sich eine internationale Fangemeinde aufgebaut, die von ihrer Wärme, dynamischen Energie und tief berührenden Musik angezogen wird.
Ihr neues Album "Circadia" – das erste mit ihrem langjährigen Freund und neuen Schlagzeuger Rob Turner (ehemals GoGo Penguin) – markiert eine mutige neue Richtung: beatgetrieben, rhythmisch lebendig und emotional eindringlich. Inspiriert von Zyklen und Wandel ist es eine Meditation über Erneuerung und die Schönheit des Wandels, in der Post-Rock-Energie und folkige Sensibilität auf Turners von Electronica beeinflusste Beats treffen.
Veröffentlicht wird "Circadia" beim legendären Label ACT – der Heimat des wegweisenden Esbjörn Svensson Trios. Es eröffnet ein neues Kapitel für die Band, die hier ihren Sound und ihre Vision erweitert.
Von herausragenden Auftritten im Barbican bis zu Tourneen durch Asien haben sich Mammal Hands den Ruf erspielt, das Publikum mit ihren fesselnden Live-Shows in den Bann zu ziehen. Meditativ und zugleich kraftvoll vereinen ihre Konzerte treibende Rhythmen mit hypnotischen Klanglandschaften – Musik, die allen offensteht, spirituell erhebend wirkt und noch lange nach dem Verklingen des letzten Tons nachhallt.

Foto: Iryna Bilyk

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Psychedelic Jazz mit dem anatolischen Soundalchemisten

Der in Istanbul lebende Saxophonist, Komponist, Produzent, Sänger und Songwriter KORHAN FUTACI gehört zu den spannendsten Stimmen der türkischen Alternativ- und Avantgarde-Szene. Mit seinem unverwechselbaren Sound zwischen Psychedelic Rock, Jazz, experimenteller Improvisation und anatolischer Seele erschafft er Klangwelten, die mal düster pulsieren, mal tranceartig schweben – immer aber voller Energie und Atmosphäre stecken.
Futacı tourte mit seiner Free-Jazz-Band Konstrukt, die er 2008 mitgründete und die Kultstatus erlangte, er spielt mit dem opulenten Kara Orkestra und tritt solistisch auf.
In die Tonne kommt er mit seinem aktuellen Quartett, mit dem er im April 2025 bei der Jazzahead in Bremen zunächst mit seinem Showcase für große Aufmerksamkeit sorgte. Buchstäblich zum Kochen aber brachte er das Publikum dann bei der Clubnight am selben Abend. Immer wieder rissen er und seine Band die Anwesenden zu regelrechten Begeisterungsstürmen hin.

In seiner Musik verwandelt Korhan Futacı das Chaos Istanbuls in ein mitreißendes, beinahe rituelles Erlebnis: dunkle Sounds, abstrakte Texturen, explosive Improvisationen – und immer wieder diese überraschenden Momente, in denen Zeit und Raum kurz verschwimmen.
Wer ihn live erlebt, merkt schnell: Hier spielt jemand, der schon auf unzähligen internationalen Bühnen stand – vom Roskilde Festival über Paradiso Amsterdam, Brighton Alternative Jazz Festival, Saalfelden Jazz Festival, Cafe OTO London, XJazz Berlin bis hin zu renommierten Spielstätten quer durch Europa. Und das ist nur ein kleiner Ausschnitt.
Dazu kommen Zusammenarbeiten mit echten Größen der Impro- und Jazzwelt wie Peter Brötzmann, Evan Parker, Thurston Moore, Marshal Allen (Sun Ra Arkestra), Eric Truffaz, Ken Vandermark, Joe McPhee, Akira Sakata und vielen mehr.
Kurz gesagt: Korhan Futacı steht für intensive Konzerte, bei denen Grenzen verschwimmen, Klänge aufleuchten und man sich gern auch mal ein Stück weit verliert.
Unbedingt hingehen – und treiben lassen.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns nach Möglichkeit öffentliche Verkehrsmittel. Danke!