Nubya Garcia ist keine Künstlerin, die man leicht einordnen kann. Ist es Jazz? Sicher, die in London geborene Saxophonistin, Komponistin und Bandleaderin wuchs damit auf, das Genre unter der renommierten Pianistin Nikki Yeoh bei Camden Music zu studieren. Aber erst wenn man Alben wie Source von 2020 und Odyssey von 2024 hört, erkennt man die breitere Kreativität, die durchscheint: Es ist Jazz, Klassik, Dub, R&B und was auch immer Garcia vermitteln möchte. Alles kommt aus einem Raum der Erkundung und des Selbststudiums, aus dem Wunsch, alles in allen Disziplinen zu tun und dabei willkürliche Schubladen zu ignorieren, die nicht passen.

Garcias zweites Album Odyssey, das im September 2024 bei Concord Jazz erscheint, ist ein majestätisches Werk, in dem sie orchestrale Arrangements mit R&B, Jazz, Broken Beat und Dub mischt. Das Ergebnis ist eine grandiose, nuancierte Platte, die luftig und himmlisch wirkt, ohne dabei den Groove zu opfern. Es ist ein zutiefst persönliches Werk über ihre Reise, in den letzten vier Jahren wieder zur Liebe zur musikalischen Komposition zurückzufinden.

Source, ihr Debütalbum von 2020, wurde bei Concord Jazz veröffentlicht und erhielt großen Kritikerlob, darunter ein NPR Tiny Desk (Home) Concert, eine Pitchfork „Best New Music“-Rezension und eine Nennung als „Album des Monats“ im Rolling Stone. In einem Profil nannte die New York Times Source „ein weitreichendes Jazz-Set mit afro-karibischen Einflüssen, das ein Leben voller Erfahrungen in einer einstündigen Hörsession bündelt“. Nach der Veröffentlichung stieg das Album in die Top 30 der UK-Charts ein, und sie war eine von drei Künstlern, die live bei Glastonbury´s 2020 Experience auftraten, die auf der BBC Tausenden von Zuschauern übertragen wurde. Source wurde auch für den Mercury Prize nominiert, einem renommierten Preis für die besten Alben aus Großbritannien oder Irland.

Im Jahr 2022 tourte Garcia durch die USA als Support von Khruangbin und trat in ausverkauften Veranstaltungsorten wie der Radio City Music Hall in New York, dem Ryman in Nashville und dem Met in Philadelphia auf. Anschließend ging sie auf eigene Tournee durch Großbritannien und die USA und trat auf verschiedenen Festivals auf, darunter Glastonbury, Love Supreme, Pickathon und Newport Jazz.

Garcia tourt weiterhin weltweit und arbeitet auch mit großen Marken wie Lululemon, Paul Smith, Labrum, Nicholas Daley und Burberry zusammen. Sie war eine von drei Kreativen, die für Fossils „Moment In Time“-Kampagne ausgewählt wurden, die weltweit in den Magazinen VOGUE, GQ und GLAMOUR veröffentlicht wurde. Außerdem wurde Garcia in zahlreichen Printmedien wie Mojo, Vogue und Ebony vorgestellt.

Als Komponistin wurde Garcias Originalmusik in Apple TV (Ted Lasso), dem OWN Network (Cherish The Day), FX TV (Atlanta), EPIC GAMES (Fortnite) und in mehreren Podcasts (einschließlich des Titellieds für Anika Noni Roses mit dem Clio Award ausgezeichneten Podcasts Being Seen) verwendet.

Einlass 19:00 Uhr

Die Veranstaltung ist leider abgesagt.

ZIPFLO REINHARDT QUARTETT

Zipflo Reinhardt gilt als einer der herausragenden Jazzgeiger unserer Zeit. Sein exzellent besetztes Quartett mit Andy Herrmann (Keyboards), German Klaiber (Bass) und Matthias Daneck (Drums) besteht aus erfahrenen Musikern, die alle internationale Erfahrung mitbringen und auch solistisch überzeugen. Herausra- gend ist das Zusammenspiel der Band, die Fusion-Jazz auf höchstem Niveau bietet.
Das Markenzeichen der Band sind Reinhardts facettenreiche Kompositionen und seine virtuose Spieltechnik auf der elektrisch verstärkten Geige. Stilelemente wie Bossa, Swing und Funk verschmelzen zu einem neuen, beeindruckenden musikali- schen Ausdruck. Auch bekannte Jazzstandards werden in frischen Arrangements präsentiert, die das Publikum begeistern.
Reinhardts Soli reichen von lyrisch-anmutig bis unbändig-explosiv. Die mitreißen- de Dynamik der Band sorgt dafür, dass der Funke schnell auf das Publikum über- springt. Jede Darbietung wird zu einem unvergesslichen Erlebnis, das Zuhörer mit positiver Energie und einer tiefen Verbundenheit zur Musik erfüllt. Die Band begeistert sowohl Kenner als auch Neulinge und lädt ein, sich in ihrer Klangwelt zu verlieren.

19:00

ALPHAVILLE FOREVER! LIVE - BEST OF 40 YEARS

Am 03. Februar zelebrieren Alphaville den fulminanten Abschluss ihrer gefeierten Symohonic Tour in der Mercedes Benz Arena Berlin. Zusammen mit dem Deutschen Filmorchester Babelsberg setzten Alphaville ein letztes Ausrufezeichen hinter eines der spektakulärsten Comebacks der letzten Jahre!

„Alphaville haben sich grandios neu erfunden!“
(Westdeutsche Allgemeine Zeitung, Westfalenpost, Westfälische Rundschau)

„Ein Lichtermeer voller Erinnerungen und Glück.“
(Rheinische Post)

„Musik als Jungbrunnen.“
(Dresdner Neueste Nachrichten)

„Ein zwei Akkorde reichen, um das Musikuniversum von damals wieder lebendig werden zu lassen.“
(NDR – Schleswig-Holstein Magazin)

Die Band um Sänger Marian Gold wird mehr als 60.000 begeisterten Fans in allerbester Erinnerung sein, wenn – kaum dass in Berlin die letzten popsymphonischen Sounds verklungen sind - der Vorhang auf geht für ein großes Alphaville Jubiläum: 1984 machte sich eine gänzlich unbekannten Band aus dem Berliner Underground auf den Weg, Musikgeschichte zu schreiben. Mit ihrem Debütalbum "Forever Young" eroberten Alphaville die Musikwelt im Sturm und wurden der bis dahin weltweit erfolgreichste Popact Made in Germany!

Songs wie „Big in Japan“, „Sounds Like a Melody” und eben "Forever Young” avancierten in den nationalen wie internationalen Charts zu Megahits und sind es bis heute - längst gehören sie zu den ganz großen Klassikern des Pop.

Richtig heiß wird es im Herbst/ Winter 2024/ 2025 - denn dann werden Alphaville dieses Jubiläum gemeinsam mit ihren Fans feiern. Unter dem Titel „ALPHAVILLE FOREVER! LIVE - BEST OF 40 YEARS“ kündigen die Band und MSK zunächst 23 Termine in Deutschland, Österreich und der Schweiz an.

ALPHAVILLE  FOREVER! LIVE - BEST OF 40 YEARS

Einlass: 19:00 Uhr

AUSVERKAUFT

Gegründet wurde die Band 1969 in London, während der brodelnden Geburtsstunden der Progressive Rock Szene. WISHBONE ASH nutzten die fruchtbare musikalische Umgebung, produzierten einen unverwechselbaren Markensound melodischen Rocks und wurden so zu einer der einflussreichsten Gitarrenbands in der Geschichte des Rocks. Gleichermaßen inspiriert durch traditionellen britischen Folk, amerikanischen Jazz und R&B, erspielte die Band sich öffentliche Zustimmung und Kritikerlob. Energie und Melodie haben „The ASH“ zu einem schwer zu überbietenden Act gemacht, der aktuell durch eine neue Generation treuer Rockfans entdeckt wird. Über die Jahre hat die Band mit diversen musikalischen Genres experimentiert, von Folk, Blues und Jazz bis hin zu Pedal-to-the-Metal Rock und Electronica. Egal in welchem Stil, WISHBONE ASH’s unverkennbares Alleinstellungs-merkmal ist ihr Zusammenspiel zweier Leadgitarren, das unter anderem Bands wie Thin Lizzy, Lynyrd Skynyrd, Iron Maiden und Opeth beeinflusste. Mit ihrem Album „Argus“ schrieben sie Musikgeschichte.

Als wahre Krieger der Straße legt die Band jährlich rund 30.000 Meilen zurück – das entspricht etwa einer Erdumrundung – was ihr weltweite Bekanntheit und anhaltende Beliebtheit einbringt. Gründungsmitglied und Leadsänger Andy Powell ist dabei gemeinsam mit Mark Abrahams an den Twin Lead Guitars zu erleben. Bassist Bob Skeat, seit 25 Jahren Bandmitglied, gibt gemeinsam mit Joe Crabtree, einem der besten britischen Drummer der jüngeren Generation, den Rhythmus vor.

Anfang 2020 erschien, pünktlich zum 50-jährigen Gründungsjubiläum der Band, „Coat of Arms“ auf dem Label Steamhammer/SPV gefolgt von einer erfolgreichen Jubiläumstour, die gerade noch vor Beginn der Pandemie beendet werden konnte. Unter 12 Tracks bilden die beiden herausragenden Rockhymnen „Stand As One“ (inkl. Musikvideo) und „Back In The Day“ die Basis des von Kritik und Fans begeistert aufgenommenen Albums. Musikalisch ist es experimentierfreudig wie eh und je, wobei WISHBONE ASH ihren Trademark-Sound souverän in die Gegenwart übertragen. „Coat of Arms“ stieg auf Platz 22 der deutschen Albumcharts ein – die beste Platzierung, die die Band hierzulande je erreicht hat. Mit „Coat of Arms“ bringen WISHBONE ASH ihren künstlerischen Output auf 25 Studioalben, 11 Livealben, sowie fünf Live-DVDs und die DVD Rockumentation „This is Wishbone Ash“.

Einlass 19:00 Uhr

Eindringliches Bekenntnis - Eine aus tiefer Empfindung geborene, alles umfassende, alle Menschen umarmende Komposition, die den Rahmen des Dagewesenen sprengte: Damit lässt sich Beethovens 9. Symphonie mit der „Ode an die Freude“ ebenso beschreiben wie seine kurz zuvor vollendete, monumentale Missa solemnis. Als sein „größtes Werk“ bezeichnete der Tonschöpfer selbst die überirdische Komposition, dessen Entstehen zunächst mit einem ganz handfesten Wunsch verbunden war: Zur Inthronisation von Erzherzog Rudolph als Erzbischof von Olmütz sollte der Förderer eine „Missa solemnis“ erhalten, ein Werk also, dessen feierlicher Anlass auch durch festlich-repräsentative Klänge mit Pauken und Trompeten greifbar wird. Rechtzeitig fertigstellen konnte sie Beethoven allerdings nicht – zu tief führte das Projekt den Komponisten zu den Fragen nach der eigenen Gläubigkeit, zu groß war der Ehrgeiz, etwas zu schaffen, das neben dem Vorbild von Bachs h-Moll-Messe bestehen konnte, zu kolossal wurden auch die Dimensionen des Unterfangens. Verständlich also, dass der Komponist selbst von der Bindung an einen kirchlichen Rahmen Abstand nahm und etwa Goethe die Messe mit dem Vorschlag anbot, dass sie quasi als Oratorium auf Konzertpodien aufführbar sei.

Am Nexus von Kirche und Konzertsaal zu agieren, zählt zu den Spezialdisziplinen der Balthasar-Neumann Klangkörper, die seit vielen Jahren ein Garant für Sternstunden im Konzertkalender ihrer Gründungsstadt Freiburg sind. Den immensen Leistungen, welche Beethovens grenzsprengendes Monumentalwerk den Ausführenden abverlangt, stellen sie sich unter der Leitung ihres Gründers Thomas Hengelbrock. Verstärkt durch ein hochkarätiges Solistenquartett werden sie im Freiburger Konzerthaus die ebenso dramatische wie vergeistigte Topografie von Beethovens Spätwerk ausloten. Anstelle des ursprünglich geplanten Domen Križaj wird Gabriel Rollinson als Bass-Solist singen.

Programm:
Beethoven, Missa solemnis D-Dur op. 123

Regula Mühlemann, Sopran
Eva Zaïcik, Alt
Julian Prégardien, Tenor
Gabriel Rollinson, Bass

Balthasar-Neumann-Chor
Balthasar-Neumann-Orchester
Thomas Hengelbrock, Leitung

EUR 99,- / 85,- / 69,- / 49,- / 35,- inkl. Gebühren

Thomas Hengelbrock | Foto © Mina Esfandiari

Einlass 16:45 Uhr

Es ist die unbändige pure Lust, im rappelvollen Jazzhaus die Bühne zu entern und gemeinsam mit dem feierwütigen Publikum den Saal zu rocken! Zum 15. Mal wird sich das am Rosenmontag 2025 so abspielen – und hat doch mit der Fasnacht gar nichts zu tun. Hier treffen sich Gleichgesinnte, um Hymnen vergangener Tage abzufeiern!

Oli Meier, Ausnahme-Sänger und „Rampensau“ und die geschmeidig eingespielte Band The Brothers (immerhin 2025 seit 46 Jahren gemeinsam auf der Bühne!) tauchen ein in die Welt des Classic Rock und hauchen Songs von Deep Purple, Queen, Foreigner, Led Zeppelin, Boston, Kansas, Journey. Peter Gabriel, Bowie und vielen mehr neues Leben ein. Spielfreude und ein Händchen für besondere Songperlen ließen diesen Abend bislang immer zu etwas Besonderem werden – daran will die Band festhalten. Versprochen!

Einlass 19:00 Uhr

Es gibt an Bord jeder Raumstation kleine private Gegenstände, die an das Leben auf der Erde erinnern und gegen das Heimweh helfen sollen. Im Falle von ÄTNA ist es umgekehrt. Sie erinnern uns regelmäßig an das Weite, Unvorstellbare und schüren mit ihren musikalischen Visionen die Neugier auf alles jenseits der Stratosphäre. So klingt ungefähr das Multiversum. Wir können es nur noch nicht beweisen.
Schon bei ihrem 2020 erschienenen Debüt “Made By Desire” war klar: Bundesdeutscher Normpop ist hier nicht. ÄTNA stellten sich vor als avantgardistisches, interdisziplinäres Duo mit präzisem Gespür für eingängige Hooks, treibende Rhythmen und beeindruckende Bildwelten. Nach Features mit Solomun, MEUTE und Marteria sowie der Zusammenarbeit mit der NDR-Bigband in der Hamburger Elbphilharmonie und dem Bayrischen Rundfunkorchester war kein Zweifel mehr an der Vielseitigkeit der beiden. Obwohl der Look und die prägnanten Synthieflächen futuristisch anmuten und in fast extraterrestrischer Einzigartigkeit in der hiesigen Musiklandschaft bestehen, ist die Grundlage aller Transzendenz bei ÄTNA die handwerkliche und auch tatsächlich handgemachte Perfektion. Inéz und Demian waren und sind in erster Linie erstklassige Musiker:innen und das gilt auch für alle, mit denen sie an ihren Produktionen arbeiten. Nach dem erfolgreichen und selbstbewussten „Push Life“ aus 2022 legen ÄTNA 2024 ihr drittes Album „Lucky Dancer“ vor. Aufgenommen zwischen Spanien, Südfrankreich und Bali haben Inéz und Demian den Puls der Zeit erspürt und eingefangen wie ein Glühwürmchen, ihn transformiert in ein pochendes, pulsierendes Werk voller Gegenwärtigkeit. Auf allen Alben verfeinern ÄTNA ihre visionäre Utopie klanglich weiter und weben ihre Musik engmaschig ein in die Themen, Sounds und Sphären ihrer Zeit. Mal in minimalistisch reduzierten, mal in theatralisch überzeichneten Metaphern spiegelt sich hier, was es bedeutet, das Jetzt auf der Erde zu erleben.
Trotz wachsender nationaler und internationaler Fanbase und Auftritten bei renommierten Festivals wie dem SXSW in Austin ist das pittoreske Dresden nach wie vor das Base Camp für ÄTNA.
Ausflüge sind dennoch essentiell. Entweder in Form von Reisen oder als Kollaborationen an der Schnittstelle zwischen Musik, Kunst, Geschichte, Film, Theater, Fashion, Digitalität und Fantasie. Das auf diese Art stetig wachsende ÄTNA-Universum dehnt sich jedenfalls immer weiter aus und die Chancen, dort noch auf einige Überraschungen zu treffen, steigen jeden Tag mehr.

Einlass: 19 Uhr

Ausverkaufte Headline Tour, ein rekordverdächtiger Festival Sommer, Album Release - ein Highlight jagt das Nächste. Die musikalische Reise von RAUM27 in den letzten anderthalb Jahren war von Höhepunkten geprägt. Die Band, bestehend aus Sänger Tristan und Multi-Instrumentalist Mathis, zeichnet sich durch ihren innovativen Ansatz aus, sich im Genre Pop-Musik neu zu erfinden, ohne dabei die Relevanz zeitgemäßer, tanzbarer Songs zu vernachlässigen. Ihre Texte spiegeln die Herausforderungen einer Generation wider, die nicht nur mit
persönlichen Sorgen und Ängsten konfrontiert ist, sondern auch mit steigendem psychischem Druck, Klima- Problemen und der ständigen Konfrontation mit dem vermeintlich "perfekten Leben" auf Social-Media- Plattformen.

Die Erfolgsgeschichte von RAUM27 ist beeindruckend: Von der Veröffentlichung ihres Debütalbums „Anfangen Anzufangen“, das direkt auf Platz 29 der deutschen Album Charts einstieg über ihre erste eigenen Headlinetour mit insgesamt 31 Terminen im Winter 2023/24, die aufgrund der enormen Nachfrage mehrmals in größere Venues verlegt werden musste und in fast allen Städten ausverkauft war bis hin zu über 35 bestätige Festivalauftritte im Sommer’24.

Auch im nächsten Jahr gibt es für die Band kein Halten, denn Im Frühjahr 2025 folgt ihre bisher größte HeadlineTour mit insgesamt 14 Terminen. Die Fans des Duos dürfen sich neben Tourstopps in Hamburg, Köln, München und Berlin auf viele weitere Städte in ganz Deutschland freuen. Die Tour verspricht auch diesmal wieder eine einzigartige Mischung aus tiefgründigen Texten, mitreißenden Melodien und der charakteristischen Energie mit Moshpit-Potenzial von RAUM27.

Einlass: 19:00 Uhr

SEILER UND SPEER Tour 2025 Bevor Seiler & Speer am 19.Juli 2025 im Wiener Ernst-Happel Stadion das große Finale Ihrer Tour 2025 sowie das 10jährige Jubiläum ihres Debutalbums „Ham Kummst“ feiern, geht es nochmal in die großen Hallen unserer Lieblingsnachbarn in Deutschland und in der Schweiz. Letzte Nocht, woa a schware Partie fia mi… Eine Anfangszeile, die in die österreichische (Musik-)Geschichte einging, zum geflügelten Wort wurde. Genauso wie der Refrain des erfolgreichsten österreichischen Songs der letzten zehn Jahre: „Waunst amoi nau so ham kummst“. One-Hit-Wonder, Eintagsfliege, bald wieder vergessen – mutmaßten nicht wenige, wie das halt so ist, besonders im Land der großen Söhne… Zehn Jahre, über 100 Konzerte mit mehr als 750.000 Zusehern, Headliner-Auftritten beim Donauinselfest, Nova Rock und Co., 100.000 verkauften Alben und Singles und rund 26 Gold- und Platin-Auszeichnungen, Amadeus- und viele weitere Auszeichnungen später, reden wir dann doch lieber vom Viel-Hit-Wonder, Dauer-Überflieger und: Noch lange nicht vergessen. Im Gegenteil! Zum zehnjährigen Jubiläum der „Schwaren Partie“ lassen es Christopher SEILER und Bernhard SPEER samt ihrer genialen Live-Band nun besonders krachen.

Einlass ab 18:30 Uhr

Gesang in allen Farben – Immer aufs Neue springt der Funke über, wenn Sol Gabetta bei den Albert Konzerten die Bühne betritt. Die Begeisterung der Weltklasse-­Cellistin für das, was sie tut, überträgt sich unmittelbar, spätestens wenn die ersten erdigen Töne aus ihrem Instrument strömen. Gabettas ausdrucksstarke Mimik ist dabei die sichtbare Zugabe zur hörbaren „Konzentration, Kraft des Ausdrucks. Sol Gabetta pflegt stets die Tiefe der Empfindung, zelebriert den narrativen Gehalt des Melodischen.“ (Westdeutsche Allgemeine Zeitung)

Beim diesjährigen Gastspiel teilt sie das Podium mit einer zweiten sensationell begabten Persönlichkeit: dem international umworbenen Finnen Tarmo Peltokoski, erst Mitte Zwanzig und schon frischgekürter Musikdirektor des Orchestre National du Capitole de Toulouse. Gemeinsam bringen sie Blochs „Schelomo“ zum Klingen: Die Künstlerin, die nach eigenen Angaben stets „auf der Suche nach Farben und nach Gesanglichkeit“ ist, schätzt an Blochs Rhapsodie, dass sie ihrem Instrument „eine unglaubliche Plattform bietet. Es gibt nicht viele Cellokonzerte, die das können.“ In der Tat vertraut Bloch dem Cello gewissermaßen das Wort an: Inspiriert von der Beschäftigung mit seinen jüdischen Wurzeln, verbindet der Komponist die Solostimme mit den alttestamentlich überlieferten Worten König Salomos. Zwischen meditativen und kadenzartigen Passagen steigert sich das aufbegehrende Orchester, Sinnbild der Welt, immer wieder in geradezu filmmusikalisch-plastischen Taumel.

Zu der nachdenklichen Klage des Königs setzt Tarmo Peltokoski einen Kontrapunkt mit der Es-Dur Symphonie Anton Bruckners – auch eine Hommage an den Komponisten anlässlich seines 200. Geburtstags. Werke wie die naturverbundene „Romantische“ waren die persönliche Methode des Komponisten, der Unvollkommenheit der Welt zu begegnen: „Weil die gegenwärtige Weltlage geistig gesehen Schwäche ist, flüchte ich zur Stärke und schreibe kraftvolle Musik.“

Programm:
Debussy, Prélude à l’après-midi d’un faune L. 86
Bloch, Schelomo. Rhapsodie hébraïque für Violoncello und Orchester B. 39
Bruckner, Symphonie Nr. 4 Es-Dur WAB 104 „Romantische“

Sol Gabetta, Violoncello
Tarmo Peltokoski, Dirigent
Orchestre National du Capitole de Toulouse

EUR 119,- / 105,- / 89,- / 65,- / 51,- inkl. Gebühren

Sol Gabetta | Foto © Julia Wesely

Einlass 18:45 Uhr

Seit über 15 Jahren zollen Physical Graffiti einer der bekanntesten Rock-Bands der Welt - Led Zeppelin - ihren Tribut. Ihren guten Ruf hat sich die Band im Laufe des letzten Jahrzehnts vor allem durch Auftritte in der deutschen Live-Szene erspielt - doch erst durch das Hinzutreffen von Andrew Elt, als neuem Lead-Sänger der Truppe, erhielt die Formation den letzten Schliff. Gitarrist Daniel Verberk, der die Essenz von Jimmy Page´s Original-Gitarrensound liefert, indem er dieselben Verstärker, Gitarren und Effekte benutzt, strotzt nicht nur wie Page vor Coolness, sondern trifft auch dessen ureigenen Stil so überzeugend, dass man meinen könnte, es handle sich um eine Einspielung des Originals. Der Ire Dave Harold am Bass und Jan Gabriel an den Drums sorgen für fette Grooves und Remco an den Keyboards für den teils sphärischen, teils stakkato-artigen Led Zep-typischen Sound.

Einlass 19:00 Uhr

´Musikalisch Stilistisch ist das Duo nicht festzulegen. Das Becken knallt wie in einer Dixieland-Kapelle, die Gitarre schrummelt wie einst Django Reinhardt, man könnte Charleston tanzen, zu den orientalischen Melodieschwüngen des Cellos gen Mekka beten oder sich im Nirvana verlieren. Serena Engels Stimme gleicht dem unschuldigen Augenaufschlag einer Schauspielerin aus den Tagen des Stummfilms. Jared Rusts gut geölter Bariton rollt so geschmeidig, dass jeder Gospelchor ihn zum Solisten machen würde.

Weil sich String Bean Party mit so vielen altbekannten Stilen identifizieren, erzeugt ihre Musik eine Menge innerer Bilder, die Jared und Serena mit einer Art Stegreiftheater auch szenisch rüberbringen. Ihre Musik klingt nach Fundgrube, nach Nostalgie und nach den entlegensten Winkeln der Welt.´

Harald Ruppert, Die Schwäbische Zeitung

Einlass: 19:30 Uhr

"Voice Event" ist ein Jugendchor aus Freiburg, der sich aus rund 35 Sängerinnen und Sängern von mehr als 15 verschiedenen Schulen der Region zusammensetzt. Gegründet wurde der Chor im Jahr 1998 von Christian Geugelin und seit 2019 wird er institutionell von der Stadt Freiburg gefördert. Seit der Gründung kann der Chor auf eine erfolgreiche Geschichte zurückblicken, mit vielen Preisen bei Chorwettbewerben, Kozertreisen im In- und Ausland und Festival-Besuchen. Unter der Leitung von Sebastian Oberlin präsentiert der Chor ein abwechslungsreiches A-cappella-Programm und ist auch auf bekannten Streaming-Plattformen wie Spotify, YouTube und anderen zu hören und zu sehen. Die Begeisterung am Singen und die Vielfalt der Stimmen der jungen Sängerinnen und Sänger machen "Voice Event" zu einem ganz besonderen Chor, der sein Publikum immer wieder aufs Neue begeistert.

Einlass 18 Uhr

Das JJO bringt hochtalentierte junge Musiker*innen aus der ganzen Schweiz zusammen und bietet ihnen eine Plattform zum gemeinsamen musizieren.
Ihr Album “Kuh auf dem Eis” ist auch schon wieder 3 Jahre alt und nachdem sich das letzte Motto “1,5° mal grade sein lassen” international durchgesetzt hat, machen sie sich jetzt unter dem Motto “1,5° Manche mögen’s HEISS” auf den Weg von Bern bis Oslo und zurück. Die künstlerische Leitung haben die beiden westfalen Benjamin Weidekamp und Michael Haves, die mittlerweile ein Vierteljahrhundert Zusammenarbeit verbindet. Darunter die Bands (Olaf Ton, Stereo Lisa, Filter Bubble und Brigade Futur III).
Zusammen mit über 20 jungen schweizer Musiker*innen stellen sie sich den Fragen und Herausforderungen unserer Zeit. Da das Jubiläumsjahr auch gleichzeitig der Abschied von der aktuellen Doppelspitze ist, besteht das diesjährige Programm aus den greatest Hits der letzten 6 Jahre.
Die Stücke handeln von einem Konzern auf der Couch eines Therapeuten, von Waltraud, der reichen Schwester von Emil, den Bekenntnissen eines Wirtschaftskillers, dem Alltag an der Supermarktkasse und der Mär vom Grünem Wachstum auf einem Planeten mit endlichen Ressourcen. Und natürlich von der ewigen Frage: Sollte man nicht doch lieber was Anständiges machen?
Es wird auf der Bühne vertont, was im Alltag allzu oft als Kloß im Halse stecken bleibt. Sie erzählen Geschichten, die ihre persönlichen Dilemma und Konflikte widerspiegeln, ohne dabei belehrend mit dem moralischen Zeigefinger zu drohen. Dabei reflektieren sie nichts Geringeres als den Zustand der Welt, die Auswüchse des Kapitalismus und vor allem auch die Möglichkeiten jedes einzelnen, sich in den Diskurs einzubringen.

“Als würden Duke-Ellington-Stücke hier durch einen spekulativen Reißwolf gedreht, so klingen die gut gelaunten, fast schon bizarren Arrangements. Mit einer schlagkräftigen Gruppe eidgenössischer Nachwuchsmusiker*innen liefern sie ein Lehrstück von postmodernem Assoziations-Wahnwitz.” (Peter Kemper F.A.Z.)

Einlass 19 Uhr

Whispering Sons (Postpunk/B)

Das belgische Fünfergespann Whispering Sons bietet eine düstere und einzigartige Mischung aus experimentellem und frenetischem Post-Punk. Die treibenden Instrumente in Kombination mit Fenne Kuppens´ tiefem Gesang sorgen für ein konstantes Gefühl der Unruhe, das ihrer Musik von Anfang an innewohnte. Mit ihrer energiegeladenen und fesselnden Performance hat sich die Band einen festen Platz als Live-Act erobert, den man unbedingt gesehen haben muss. Nach einer ausverkauften Tour im März/April 2024 geht es für die belgische Post-Punk-Band im Herbst direkt weiter. Im März 2025 kommen Whispering Sons nach Freiburg – mit ihrem aktuellen Album „The Great Calm” im Gepäck!

Foto Credit: Lucinde Wahlen

Support: SHOEMALE67 (Paris/Frankreich)
Das Trio um Frontfrau Luiça spielt dunklen, repetativen New/Darkwave in der Tradition von Lebanon Hanover, Boy Harsher und vielleicht ein bisschen Nico. Der unaufgeregte Sound von Shoemale67 wird dominiert von kühlen Synthesizern, Drumcomputer und Luiças eindringlichem Gesang, ergänzt von einer wohldosierten Gitarre. Eine super Ergänzung für den Abend - wir freuen uns!

Einlass: 19:00 Uhr

Matteo Mancuso, geboren 1996 in Palermo, ist ein musikalisches Wunderkind. Angeleitet von seinem Vater Vincenzo Mancuso, einem renommierten Gitarristen, schlug Matteo schon früh Wellen in der sizilianischen Jazzszene, trat bereits mit 11 Jahren auf Festivals auf und erkundete ein Repertoire von Django Reinhardt bis hin zu zeitgenössischem Jazz. Als Teenager spezialisierte er sich an einem Musikgymnasium auf klassische Gitarre und gründete später das Snips Trio, das mit viralen Videos wie „The Chicken“ für Aufsehen sorgte.
Im Jahr 2017 erhielt Matteo ein Stipendium des Berklee College of Music bei Umbria Jazz. Er trat bei Top-Events wie der Musikmesse, Les Nuits De La Guitare und der NAMM auf und leitete Meisterkurse in Russland. Im Jahr 2020 gründete er ein neues Trio, das erstmals Eigenkompositionen vorstellte, und tourte durch Italien und Europa, wo er unter anderem im Blue Note Mailand und im Auditorium Parco della Musica auftrat.
Matteo schloss 2022 sein Studium am Konservatorium von Palermo mit Auszeichnung ab und trat mit Al Di Meola und PFM auf. Sein Solo-Debütalbum *The Journey* aus dem Jahr 2023 zeigt seine vielfältigen Einflüsse, während die Zusammenarbeit mit Künstlern wie Tommy Emmanuel und Auftritte bei großen Festivals seinen Status als aufsteigender Star untermauern. Mit 180.000 YouTube-Followern wird Matteo von Legenden wie Steve Vai und Al Di Meola als die „Evolution der Fusion-Gitarre“ gelobt.

Einlass 19 Uhr

Die Zeit ist gekommen!
Vier Herren der Elemente auf einer Bühne, die mit ihrem Herzen Musik machen!

Wenn die vier Elemente aufeinandertreffen: Wasser, Feuer, Erde und Luft, geschehen Wunder.
Und damit die Elemente ihre Präsenz auf der Erde bewahren können, wurde beschlossen, ihre Seelen in den musikalischen Samen der Melodien zu kodieren, die von Generation zu Generation weitergegeben werden...
Wenn jedes Element seine eigene Stimme hat und mit einem hölzernen Musikinstrument aus der Zeit der Cucuteni-Tripolje-Kultur identifiziert wird, ist der Geist der Elemente zu spüren.
Von vier erstaunlichen Instrumenten der alten Welt in den Händen der vier Solisten - Virtuosen werden die Magie des Lichts, der Musik und der Energie erschaffen, die auf Jahrtausendlegende basiert.

Diese Legende ist «LORDS of the Elements»

Wasser - Vladyslav Vakolyuk ( bandura)
Erde- Andriy Stovpyuk (cymbals)
Feuer - Oleksandr Bozhik (trippel – violine)
Luft - Oles Zhuravchak (ethno-flutes)

mit Ethno-Symphonic-Rock Orchester "NAONI" erstmal in Deutschland!

30 einzigartige Musikinstrumente!
Unverwechselbarer Live-Sound!
Exklusive Lichtbegleitung!
Beeindruckende audiovisuelle Fantasieshow kombiniert mit
choreografierten Performances

WERDEN SIE MITSCHÖPFER EINES MUSIKALISCHEN Mysteriums - ENTDECKEN SIE DAS GEHEIMNIS DER ELEMENTE!

„LORDS of the Elements“ ist eine einzigartige Präsentationsform - ein Instrumentalmusical, das auf einer Fantasiegeschichte einer Legende aus der Zeit der Trypillianischen Zivilisation basiert.
Ein starker semantischer Inhalt, eine interessante Handlung, hochwertige Arrangements, eine hochprofessionelle und mega-virtuose Darbietung, eine innovative Präsentation unter Verwendung von 3D-Widgets und choreografische Darbietungen - all das machte die Show „LORDS of the Elements“ zu einem unglaublich leuchtenden, visuell beeindruckenden, emotional aufregenden Kulturprodukt.
Gleichzeitig taucht der Zuschauer in die Atmosphäre der Fantasie und der Legenden der Trypillianischen Zivilisation ein, die die Grundlage der Handlung bilden, und zwar durch die Visualisierung der legendären Gemälde des weltberühmten ukrainischen Künstlers Viktor Kryzhanivsky, die voller tiefer Symbolik und sakraler Bedeutung sind, sowie durch die Visualisierung von Artefakten und Symbolen der Trypillianischen Zivilisation, die uns aus Märchen und Legenden bekannt sind, und durch die Klänge einzigartiger traditioneller ukrainischer Volksinstrumente.

Über das NAONI Ethno-Symphonic-Rock Orchestra.
Die Hüter der Melodiekörner sind die Musiker vom National Akademisches Orchester für Volksinstrumente der Ukraine, NAONI-Orchester.
Das Orchester wurde 1969 gegründet, und sein erstes Konzert fand 1970 in der Nationaloper der Ukraine statt. Die Grundlage der NAONI sind Konzertprogramme von instrumentaler Volksmusik aus allen Regionen der Ukraine. Die originellen Klänge und die einzigartigen Klangfarben der nationalen Instrumente, von denen es im Orchester etwa 50 gibt. Das ist nicht zu verwechseln mit etwas anderem und mach jedes NAONIs Konzert einmalig in der Welt.
In den letzten Jahren wurde das Repertoire des Orchesters um eine große Anzahl von Welthits erweitert, die für Volksinstrumente arrangiert wurden, und es wurden erfolgreich Konzertprogramme mit so bekannten ukrainischen Künstlern wie ONUKA, VV, Druha Rika, Jamala, Ruslana, Kozak System durchgeführt. Heute ist NAONI ein führendes künstlerisches Kollektiv in der Ukraine. „Lords of the Elements“ ist ein unvergessliches musikalisches Erlebnis für das Publikum, das es nicht vergessen wird.
Das Orchester ist der Gewinner des Projekts „Battle of the Bands“ in der Ukraine und Moldawien. Der künstlerische Leiter des Orchesters ist der Preisträger des Schewtschenko-Nationalpreises, Volkskünstler der Ukraine, Professor Viktor Hutsal.

Bei Ticketerwerb an der Abendkasse (zwei Stunde vor
Vorstellungsbeginn) gilt der Abendkassenpreis: 1,00 € Zuschlag pro
Ticket

Copyright: Open Music Project

Einlass ab 19:00 Uhr

Juli Gilde ist Musikerin aus Berlin. Genauer gesagt aus Französisch Buchholz, liebevoll auch French Bookwood genannt.2022 veröffentlicht sie ihre erste, gleichnamige EP, 2023 folgen mit der Miniplatte „Euphorie und Panik!“ und der Single „Rosarot“ weitere schimmernde Indie-Pop-Songs, die sich manchmal nach Phoebe Bridgers, 2raumwohnung oder auch Wir sind Helden anhören.
Julis Texte sind wortgewandt, poetisch und werfen dabei Bilder und Farben in die Welt, die man noch nie gehört aber schon tausendmal gefühlt hat.
Momentan arbeitet Juli an ihrem Debütalbum “IT’S HARD TO BE A BLIZZARD”, welches laut und leise, bunt leuchtend und vor allem wundervoll wird, im wahrsten Sinne des Wortes. Produziert und geschrieben mit Musiker:innen wie Chris Trumpf, Jeremias Heimbach, Jens Eckhoff, Andi Fins und natürlich von der Künstlerin selbst, atmet diese Sammlung von Songs wie ein zirpendes Feld im Spätsommer oder der erste Abend auf dem Jahrmarkt, wenn zwischen Zuckerwatte und Gruselkabinett die Achterbahn blitzend gen Sternenhimmelfährt.

Einlass 19:00 Uhr

Das Jazztrio um den Freiburger Pianisten und Hochschulprofessor Helmut Lörscher (mit Bernd Heitzler, bass und Matthias Daneck, drums) steht für kammermusikalischen Jazz in lebendig dichtem Zusammenspiel, in dem auch Elemente der klassischen Musik jazzstilistisch reflektiert werden.

Im Zentrum des aktuellen Programms steht die Sonate à tre.
Die Komposition für Jazztrio bietet gleichermaßen weitreichende auskomponierte Teile sowie Räume für lebendige Improvisation. Sie ist angelegt in klassischer dreisätziger Sonatenform. Reiz und Herausforderung bestehen hier darin, zu erkunden, wie die sonatentypischen motivischen Verarbeitungstechniken in der grundsätzlich verschiedenen musikalischen Sprache des Jazz durchgeführt werden können.

Neben der Sonate à tre werden weitere eigene Kompositionen zu hören sein – u.a. Silver City, eine Hommage an die ‚Silberstadt Freiburg‘, die aus der Zusammenarbeit des Trios mit dem Kabarettisten Matthias Deutschmann und dessen Programm ‚Freiburg leuchtet‘ hervorgegangen ist – und weitere Bearbeitungen, die bei allem satztechnischen Raffinement immer auch Spielfreude, Groove und lebendige kammermusikalische Kommunikation zeigen.

Das Publikum erwartet vitalen modern Jazz, tiefgründig und bisweilen humorvoll zugleich.

Einlass: 19:30 Uhr I Nach Veranstaltungsbeginn ist kein Einlass mehr möglich!