Die Tagesspiegel Chefredaktion lädt drei Tage vor der Wahl zum Abgeordnetenhaus die Spitzenkandidaten ins Deutsche Theater: Verkehr, Wohnen, Sicherheit und Sauberkeit - haben die Parteien wirksame Konzepte? Wie sieht die Zukunft der Stadt aus? Seien Sie dabei

Einlass ab 18:30 Uhr

Das Märchen „Froschkönig“ wird modern, bissig und witzig erzählt, ohne den Charme der Märchenweisheit zu verlieren. Dr. König, Besitzer einer Froschschenkelfabrik, schenkt seiner Tochter Princy einen sehr wertvollen goldenen Kugelanhänger. Froggy, ein junger, rebellischer Mitarbeiter in Dr. König’s Froschschenkelfabrik, gerät an Princy’s goldene Kugel, und sie muss ihm so einiges versprechen, um die Kugel wiederzubekommen… Obwohl Princy ihr Versprechen nicht halten will, gerät sie in ihre eigenen Tagträume und gewährt Froggy Raum, bis dieser sein wahres Gesicht zeigt und Princy ihm in höchster Bedrängnis zur Wandlung verhilft.

Mit Tommy Matuszewski, Acelya Han, William Schellenberg, Sina Haarmann, Tom O'Sullivan

Austern gehören zu den faszinierendsten Delikatessen der Welt – vielfältig, charakterstark und voller überraschender Aromen. In unserer Frischeparadies Austern-Masterclass tauchen wir gemeinsam in diese besondere Genusswelt ein.
Freuen Sie sich darauf, verschiedene Austern zu verkosten, ihre geschmacklichen Unterschiede kennenzulernen und – wer möchte – auch selbst auszuprobieren, wie man sie fachgerecht öffnet.
Ob Sie bereits Austernliebhaber sind oder sie zum ersten Mal probieren möchten: In der Masterclass sind alle herzlich willkommen.

Inklusivleistungen:
Austern Masterclass, Toppings, Ein Glas Champagner zur Begrüßung, Zwei Weißweine

Beachten Sie: Auf der Veranstaltung werden alkoholische Getränke ausgeschenkt.

Einlass: 17:00 Uhr

The German book launch of Hanna Nottes "We shall outlast them" - the chilling and revelatory story of how Russia’s confrontation with the West went global.

Putin’s invasion of Ukraine in 2022 produced a rupture with the United States and Europe not seen since the Cold War. As a result, Russia refocused its entire state machinery on one purpose: to outlast the West. With New York Times Chief Diplomatic Correspondent Steven Erlanger und Yoshua Yaffa from The New Yorker, Russia foreign policy analyst Hanna Notte uncovers how Russia reinvented itself, outmanoeuvring sanctions, forging surprising alliances, charming the Global South and sowing fear in Western societies. Putin is the one pulling the strings but he is not the only player: propagandists, diplomats, businessmen and rogue agents have done Russia’s bidding. From civilian shelters to military bases, presidential palaces to tense borderlands, Notte chronicles the untold stories of those waging Russia’s battles – and of everyday people swept up in Putin’s agenda.

Blending analysis with reportage from more than a dozen countries, Hanna Nottes "We shall outlast them" (W. W. Norton & Company Ltd.) paints a sweeping picture of Putin’s wartime adaptation and illuminates how Russia has fostered enduring appeal around the globe.

Hanna Notte is the director of the Eurasia Nonproliferation Program at the James Martin Center for Nonproliferation Studies. She is also a senior associate (non-resident) with the Center for Strategic and International Studies and with the Kennan Institute. Notte's expertise is in Russia's foreign and security policy. She holds a doctorate and Master's degree in international relations from Oxford University and a BA in social and political sciences from Cambridge University. During her doctoral studies, she was a visiting researcher with the Institute of Oriental Studies of the Russian Academy of Sciences and the Carnegie Moscow Center. Based in Berlin, she regularly writes for outlets such as the Financial Times, Foreign Affairs, the New York Times, and ZEIT, among others.

Steven Erlanger is the Chief Diplomatic Correspondent of The New York Times, now based in Berlin after six years in Brussels, from August 2017. He was bureau chief of The New York Times in London, Paris and Jerusalem und served as Berlin bureau chief, bureau chief for Central Europe and the Balkans, based in Prague, and chief diplomatic correspondent, based in Washington. From 1991 to 1995, he was posted in Moscow. In addition to other prestigious awards, he shared the 2017 Pulitzer Prize for International Reporting for a series on Russia and shared another for Explanatory Reporting for a series on Al Qaeda awarded in 2002. In 2013, France made him a chevalier of the Légion d’Honneur. Steven was graduated from Harvard College in 1974 and studied Russian at St. Antony's College, Oxford.

Joshua Yaffa is a contributing writer for The New Yorker. He is also the author of "Between Two Fires: Truth, Ambition, and Compromise in Putin’s Russia", which won the Orwell Prize in 2021. He has also written for the Economist, The New York Times Magazine, National Geographic, Bloomberg Businessweek, The New Republic, and Foreign Affairs. For his work in Russia, he has been named a fellow at New America, a recipient of the American Academy’s Berlin Prize, and a finalist for the Livingston Award. He holds a bachelor’s degree from Georgetown University’s Edmund A. Walsh School of Foreign Service, and master’s degrees in journalism and international affairs from Columbia University.

Foto: Hanna Notte (c) Stefanie Loos

Eine Veranstaltung in englischer Sprache

Die 1920er Jahre in Berlin waren weit mehr als eine Epoche kulturellen Aufbruchs – sie waren das Ergebnis tiefgreifender gesellschaftlicher Erschütterungen. Die Niederlage im Ersten Weltkrieg, der Zusammenbruch der Monarchie und die Ausrufung der Weimarer Republik 1918 hatten die alten Ordnungen ins Wanken gebracht und neuen gesellschaftlichen Kräften Raum geschaffen – darunter einer erstarkenden Frauenbewegung, die nun auch in Kunst und Kultur sichtbar wurde.

Ein zentrales Symbol dieses Wandels war das Frauenwahlrecht, das 1918 eingeführt wurde, sowie die schrittweise Öffnung akademischer Institutionen für Frauen. Ab 1919 durften Frauen erstmals an der Berliner Akademie der Künste studieren – ein Recht, das ihnen zuvor verwehrt geblieben war und das viele in die künstlerische Emigration oder an private Kunstschulen gezwungen hatte. Jeanne Mammen etwa hatte an der Brüsseler Akademie studiert, Hannah Höch den Weg über die Berliner Kunstgewerbeschule genommen. Lotte Laserstein gehörte dann zur Pionierinnengeneration, die von dieser Öffnung unmittelbar profitierte – und fand an der Akademie mit Käthe Kollwitz und später Renée Sintenis sogar weibliche Vorbilder in Lehrpositionen, was einem doppelten Tabubruch gleichkam.

Die Künstlerinnen schufen ihr Werk in einer Stadt, die zwischen Inflation und Modernisierung, zwischen politischer Radikalisierung und kultureller Explosion zerrissen war – ebenso Hauptstadt der Avantgarde wie Seismograf tiefer gesellschaftlicher Widersprüche. Wie unmittelbar sich dieses Spannungsfeld in der Kunst niederschlug, zeigt eindrucksvoll die Ausstellung "Ruin und Rausch" in der Neuen Nationalgalerie.

Aus diesem Anlass stellt der Kunsthistoriker Thomas R. Hoffmann Werke von Mammen, Höch, Laserstein, Kollwitz und Sintenis in einen inhaltlichen Dialog und fragt danach, wie diese Frauen – als Außenseiterinnen im Kunstbetrieb und als Zeuginnen des Umbruchs – ihre Zeit wahrnahmen, deuteten und gestalteten.

Foto: Käthe Kollwitz, 1919 als erste Frau an die Preußische Akademie der Künste in Berlin berufen. Fotografiert von Hugo Erfurth, 1927 – Wikimedia Commons, gemeinfrei

FRANZ KAFKA: DIE VERWANDLUNG
Musikalische Lesung

Mit: Carl Martin Spengler und Anna Carewe (Violoncello)
Regie: Alina Lieske
Bühnenbild: Hannah Rütten
Kostümbild: Tatjana Hajdukova

PREMIERE war am Donnerstag, 06.06.2024 (Themenwoche "Ausgrenzung" / HEIMAT_KUNST)

Dauer: ca. 1h 35 Min. (inkl. Pause nach ca. 50 Min.)

Wie verhalten sich Menschen, wenn das Unmögliche vor ihren Augen passiert?
Wenn sich beispielsweise ein erfolgreicher Mann plötzlich in ein Ungeziefer verwandelt?

Kafkas 1912 entstandene schaurige Erzählung beschreibt die Metamorphose des Handelsreisenden Gregor Samsa in einen Schädling. Mit unerbittlicher Plausibilität schildert der Prager Schriftsteller, der Berlin als seinen „Sehnsuchtsort“ bezeichnete, wie aus dem einstigen Ernährer der Familie ein Käfer wird, den sein Umfeld zunehmend als Belastung empfindet. Es beginnt ein Prozess der Ausgrenzung, der für Gregor Samsa fatal endet.

Kafkas fesselnde Erzählung wirft hochaktuelle Themen wie Ausgrenzung, soziale Isolation und die Ablehnung von Andersartigem auf.
Für eine besonders packende Atmosphäre sorgen ausgesuchte Musikstücke für Violoncello.

Einlass Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Wakati ist ein kraftvolles, interdisziplinäres Erlebnis, in dem Tanz, mehrsprachige Wortkunst und Live-Klang zu einer poetischen Auseinandersetzung mit Identität, Erinnerung und Zugehörigkeit verschmelzen.

Identität ist selten eindeutig. Derselbe Körper wird je nach Ort und Blick völlig unterschiedlich interpretiert – mal als Zeichen von Zugehörigkeit, mal als Ausdruck des Andersseins. Die Performance macht diese Spannungen spürbar. Bewegung, Stimme und Klang verweben kulturelles Gedächtnis, persönliche Erfahrungen und gesellschaftliche Zuschreibungen zu einem vielschichtigen Geflecht.

Ausgehend von Erfahrungen zwischen kenianischen und europäischen Kontexten eröffnet Wakati zugleich einen Blick auf universelle Fragen von Sichtbarkeit, Privilegien und Zugehörigkeit. Das Stück versteht Identität nicht als festen Zustand, sondern als etwas Wandelbares. Es lädt das Publikum ein, darüber zu reflektieren: Was bleibt von uns, wenn sich der Kontext verändert – und wie viel von uns entsteht erst durch den Blick der Anderen?

Dauer: 45 Minuten

Choreografie, Performance: Shelmith Øseth
Regie, Dramaturgie: Vibeke Flesland Havre
Musik, Komposition: Stephan Meidell
Lichtdesign: Jan Holden
Kostüm, Szenografie: Olga Regitze Dyrløv Høegh
Produzentin: Sølvi Katrine Andersen (Bergen Dansesenter)
Koproduzenten: Carte Blanche und BIT Teatergarasjen
Kooperationspartner: Bergen Dansesenter, Fargespill
Mentoring: Annabelle Bonnéry (Carte Blanche), Jens Jeffry Trinidad, Marit Loe Bjørnstad

Shelmith Øseth lebt und arbeitet als Tänzerin und Bewegungskünstlerin in Bergen und Oslo. Ihre künstlerische Arbeit bewegt sich an der Schnittstelle von zeitgenössischem Tanz und traditionellen afrikanischen Tanzformen wie Indlamu, Pantsula und Isukuti, dem Tanz der kenianischen Luhya. Nach ihrer Ausbildung an der Langhaugen-Schule in Bergen und der New Education for Contemporary Dance im schwedischen Härnösand nutzt sie den Tanz gezielt als Medium zur Erforschung sozialer und politischer Themen. Sie kollaborierte bereits mit renommierten Institutionen wie Det Norske Teatret, Den Nationale Scene, dem Nordic Black Theatre, der Bergen Kunsthall sowie dem Kollektiv Nordic Beasts. Zu ihren jüngsten Arbeiten gehören Horse in Flames am Osloer Panta Rei Danseteater sowie ihre neueste Produktion Wakati, die in Oslo, Bergen und Edinburgh präsentiert wird.

Stephan Meidell arbeitet als Komponist, Musiker und Performer an den Schnittstellen von Neuer Musik, freier Improvisation und Klangkunst. Sein facettenreiches Schaffen umfasst elektroakustische Werke, experimentelle Ensemble-Formationen sowie interdisziplinäre Kooperationen in den Bereichen Tanz, Theater und bildende Kunst. Meidells Auftragskompositionen und Performances werden international auf renommierten Plattformen präsentiert, darunter das Ultima Contemporary Music Festival, die Festspillene i Nord-Norge, Nattjazz, Borealis, das Henie Onstad Kunstsenter, BIT Teatergarasjen und die Riksscenen.

Eine Produktion von Culturescape und KN Dance Project, unterstützt durch die Direction de la culture en Guadeloupe, präsentiert im Rahmen der KUYUM Tanzplattform 2026, gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt.

Für Kinder für 3 bis 10 Jahre
Zwei Engel machen unverhofft eine derbe Bruchlandung auf der Erde. Um die Gunst von "ganz Oben" zu bekommen begeistern sie die Erdenbewohner mit poetischer und anmutiger Artistik, Witz und Charme. Neid und Missgunst machen aber auch vor einem Engel nicht halt, und so entspinnt sich eine "himmlische" Komödie um die Beiden, wobei die Botschaft "einander zu helfen" als wichtige Erkenntnis gewonnen wird.
Darsteller: Thomas Endel und Sarah Lindermayer
Gefördert durch das KiA-Programm

Einlass 09.30 Uhr

von Yatri Niehaus

(in Deutsch mit englischen ÜT)

– Bitte beachten Sie, dass während der Vorstellungen Stroboskoplicht verwendet wird!


Weil ich hier aufgewachsen bin, träume ich. Wessen Traum?

Nur weil man in dieser Ordnung aufgewachsen ist, heißt es ja nicht, dass man sich in ihr wohlfühlt, dass man sie mitträgt. Oder? Nur weil man die Gesellschaft im eigenen Körper hat, heißt es ja nicht, dass man dieselben Träume träumt. Oder?

Der afrodeutsche Protagonist von Abdruckkörper navigiert seinen Körper mit und gegen die vorgegebene Richtung. Denn die Richtung ist markiert. Die deutsche Gesellschaft ist ein Labyrinth: Wände produzieren Sichtbarkeit und Ausschlüsse, von Anderen ausgetretene Wege bilden Beziehungsnetze und Kapitalklumpen. Whiteness ist der gesellschaftlichen Anlage eingeschrieben. Der Protagonist, das Ich, schlingert.

Der eigene Körper ist der Einsatz auf der Bahn nach oben. Es geht nach oben, oder? Er wird auf der Bahn bewegt, nicht freiwillig, nicht immer bewusst; er verfolgt die Bahn und spürt gleichzeitig die Fliehkräfte, das Risiko des Ausbrechens. Der eigene Körper ist der Einsatz, schließlich ist er formbar, von innen, von außen. Und die Gesellschaft, ist sie formbar? Mit welchem Einsatz?

Abdruckkörper ist das Theaterdebüt des Filmregisseurs Yatri Niehaus. Die dramatische Textvorlage entstand im Rahmen der Schreibwerkstatt Unconventional Signs am Ballhaus Naunynstraße in der Spielzeit 2020/21. Die Uraufführung dieses Textes markiert eine einzigartige Kontinuität: Nach Schwarz Tragen (Elizabeth Blonzen, 2013), Mais in Deutschland und anderen Galaxien (Olivia Wenzel, 2015), Jung, giftig und Schwarz (Amina Eisner und Thandi Sebe, 2015), Walking Large (Toks Körner, 2017), Call me Queen (Thandi Sebe, 2017), Aesthetics of Color (Toks Körner, 2019), Courageux! Furchtlos! (Amina Eisner und Atif Mohammed Nor Hussein, 2021) ist es das achte im Haus entstandene und zur Aufführung gebrachte afrodeutsche Drama.


Foto: Yoel Diaz

Kein Nacheinlass

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

Wann durften Sie das letzte Mal Kind sein?

Ben Blu präsentiert niveauvolle Zauberkunst und beste Unterhaltung.

Erleben Sie das magische Highlight in Berlin, an das Sie sich noch lange erinnern werden! Seien Sie dabei wenn Gedanken gelesen, Mordopfer gefunden, es um einen Piratenschatz geht und Ben sich aus einer echten Zwangsjacke befreit. Die Reise in die Kindheit spielt ebenfalls eine wichtige Rolle.

In dem intimen Theater zaubert Ben Blu unvergessliche Momente. Dabei passieren die Illusionen nicht nur auf der Bühne sondern finden teilweise inmitten der Besucher statt.

In der Show „Mind Illusions“ ist ein Abend voller Lachen und Verblüffung. Lassen Sie sich entführen in eine magische Welt voller Faszination. Die Show dauert etwa 90 Minuten, dazwischen eine Pause von etwa 20 Minuten.

Auf Grund der Themen und Routinen ist die Show ab 10 Jahren empfohlen. Da die Show auf Deutsch stattfindet, sollten Sie ausreichende Deutschkenntnisse haben, um das Erlebnis vollständig genießen zu können.

Einlass 30 min vor der Show

Pack deinen Reisepass – wir gehen auf Tour.

Bei der Premierenlesung mit Flugbegleiterin und Content Creatorin Bourtsin Kioutsouk (@bourtsin_) wird’s persönlich, ehrlich und ziemlich inspirierend. Sie erzählt, wie sie ihren Traum vom Reisen verwirklicht hat – von den ersten Schritten bis zum Leben über den Wolken – und nimmt euch mit zu besonderen Orten, echten Herausforderungen und Momenten, die alles verändert haben.

Freut euch auf Geschichten über Mut, Selbstzweifel, Wachstum und die Frage: Was passiert, wenn man einfach losgeht? Dazu gibt’s Reisehacks, Hidden Gems und Einblicke, die man sonst nur als Crew bekommt.

Mit dabei: Moderatorin Wakila Ajagbe (@wakilaajagbe), die euch durch einen Abend voller Fernweh, Lacher und „Okay, ich buch jetzt wirklich diesen Flug“-Momente begleitet.

„Frau Königin, Ihr seid die Schönste hier, aber Schneewittchen ist tausendmal schöner als Ihr.“ Als die böse Königin dies von ihrem Zauberspiegel hört, schmiedet sie einen Plan, um das schöne Kind loszuwerden. Denn sie selbst will die Schönste im ganzen Lande sein. Doch Schneewittchen findet im Wald ein Häuschen, in dem der liebenswürdige Siebenzwerg lebt. Aber die Stiefmutter findet Schneewittchen und es entbrennt ein erbitterter Kampf, in dem auch der Siebenzwerg nicht wirklich helfend eingreifen kann. Nur der Prinz kann das schöne Schneewittchen erlösen.

Das Mitspieltheater ist eine besondere Form des Theaterspielens, bei dem eine erfahrene Schauspielerin ein Märchen erzählt und dabei in die verschiedenen Märchencharaktere und Rollen schlüpft.

Die Kinder erleben beim Mitspieltheater die große Kunst des Schauspielens hautnah mit, nämlich den Rollenwechsel - den der Spieler vor ihren Augen auf der Bühne vollzieht. Dabei dürfen sie dem Märchen nicht nur gespannt zuhören, sondern aktiv mitwirken. Sie können ihre Gedanken und Ideen der Schauspielerin auf der Bühne zurufen, die diese Impulse spontan mit in die Geschichte integriert.

Es spielt: Sina Haarmann

Was wird aus einer Sprache, wenn sie zu Bewegung wird? Was bleibt von ihr, wenn sie nicht länger die des Kolonisators ist?

In This body that remembers begibt sich die renommierte Choreografin und Tänzerin Kettly Noël auf eine poetische Reise durch das afrikanische koloniale Gedächtnis, hybride Identitäten und die vielen Sprachen, die unser Selbstverständnis prägen. Durch Körper, die sich widersetzen, anpassen und sich kontinuierlich neu verwandeln, untersucht die Arbeit die Spuren, die Sprache hinterlässt. In den weiten Landschaften der Sahara begegnen sich koloniale und lokale Sprachen in Gesten, Rhythmus, Atem und Stille.

Sprachen driften, lösen sich auf und kehren zurück. Körper werden zu lebendigen Archiven, die Geschichten von Vertreibung, Widerstandskraft und Transformation tragen. Bewegung spricht dort, wo Worte nicht ausreichen. Der Körper wird Erinnerung. Er tanzt, was nicht ausgesprochen werden kann.

In einem intensiven Zusammenspiel von Tanz und Klang lädt die Performance das Publikum in eine Welt ein, in der Sprache ebenso gefühlt wie gesprochen wird.

Dauer: 35 Minuten

ENGLISCH:
What does a language become when it turns into movement? What does a

language become when it is no longer the colonizer’s?

In This Body That Remembers, acclaimed choreographer and dancer Kettly Noël embarks on a poetic journey through African colonial memory, mixed identities, and the many languages that shape our sense of self. Through bodies that resist, adapt, and continually transform themselves, the work explores the traces that language leaves behind. Across the vast landscapes of the Sahara, colonial and local languages encounter one another through gesture, rhythm, breath, and silence.

Languages drift, dissolve, and return. Bodies become living archives, carrying stories of displacement, resilience, and transformation. Movement speaks where words fall short. The body becomes memory. It dances what cannot be spoken.

Through a compelling interplay of dance, sound, and presence, the performance invites audiences into a world where language is felt as much as it is spoken. Because a language is more than words. It is a body that remembers.

Duration: 35 mins

Konzept, Text, Choreografie,Tanz, Performance: Kettly Noël
Live-Musik: Kojack Kossakamvwe
Video, Szenografie, künstlerische Leitung: Michel Meyer
Stimme (Aufnahme): Garance Clavel
Fotografie: Michel Meyer, Cultureescape CS K.B.

Die in Haiti geborene Künstlerin Kettly Noël hat ihr Leben der Erforschung und Weiterentwicklung der darstellenden Künste gewidmet. Seit mehr als 25 Jahren spielt sie eine zentrale Rolle in der Entwicklung des zeitgenössischen Tanzes in Afrika, Haiti und der Karibik. Sie ist Gründerin des choreografischen Zentrums Donko Seko in Mali (2000–2022) und initiierte Projekte wie PAPLAB in Haiti und das KN Dance Project sowie internationale Festivals wie Dense Bamako Danse und die Caribbean Dance Platform. Ihre Arbeit verbindet künstlerische Praxis, Ausbildung und soziales Engagement. Sie eröffnet jungen Künstler*innen aus prekären Verhältnissen den Zugang zu internationalen Bühnen und setzt sich für ein freies, zeitgenössisches Verständnis von Tanz ein. Kettly Noël ist Chevalier des Arts et des Lettres der Französischen Republik.

Eine Veranstaltung im Rahmen der KUYUM Tanzplattform 2026, gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt.

Ist Euch wirklich ganz wohl, Deutschland? Nicolas Sidiropulos und Mark Tumba untersuchen Schillers Erstlingswerk aus einer postmigrantischen Perspektive.

Mit der Uraufführung von „Die Räuber“, in der er die Selbstzerstörung einer Familie thematisiert, sorgte Schiller im Jahr 1782 für Furore. Ein Zeitzeuge berichtete: „Das Theater glich einem Irrenhaus, rollende Augen, geballte Fäuste, heisere Aufschreie im Zuschauerraum. Fremde Menschen fielen einander schluchzend in die Arme.“ Schiller wurde mit Festungshaft bedroht und musste fliehen.

Ein Vierteljahrtausend später erzählen zwei Schauspieler vor dem Hintergrund ihrer eigenen Familienbiografien diese Geschichte über Geborgenheit, Liebe, Egoismus, Freiheit neu – eine Erzählung aus Deutschland, als es Deutschland noch nicht gab. Wieviel Sprengkraft steckt heute in diesem einst explosiven Stoff? Wie hat sich unsere Welt seit dem Entstehungsdatum der Räuber verändert? Was verändert sich, wenn aus dem Nachnamen „von Moor“ zu „von Deutsch-land“ verändert? Ist eine Figur wie Amalia heute noch spielbar und wenn ja, auch von zwei Männern?

„Was einem aber zu Schillers Räubern alles einfallen kann, zeigen Tumba und Sidiropulos mit einer Mischung aus Energie und großer Zartheit, die zum Geist des von ihnen fast völlig überschriebenen Stücks sehr gut passt.“ Stefan Michalzik- Frankfurter Allgemeine Zeitung

„An Selbstironie – wie die ganze Unternehmung nicht unsympathisch – mangelt es nicht.“ – Frankfurter Rundschau

„…sehr versiert: höchst inspiriertes Handwerk.“ - Frankfurter Neue Presse

VON & MIT Nicolas Sidiropulos / Mark Tumba URAUFFÜHRUNG Spielraumprojekt der Studierenden des Studiengang Schauspiel der HMTM Hannover (2019) WEITERENTWICKLUNG Schauspiel Frankfurt (2025)

MARK TUMBA wurde 1995 auf Sansibar geboren und zog 1999 nach Hagen in Westfalen. Nach ersten Auftritten auf der Jungen Bühne des Stadttheaters Hagen und am Theater Rottstraße 5 in Bochum studierte er Schauspiel an der HMTM Hannover. Seit der Spielzeit 2021/22 ist er Ensemblemitglied am Schauspiel Frankfurt, wo er mit Regisseur*innen wie Claudia Bauer, Nuran David Calis, Christina Tscharyiski zusammenarbeitete.

NICOLAS SIDIROPULOS, geboren 1998 in Brüssel und Sohn griechischer Einwanderer, studierte Schauspiel an der HMTM Hannover und am Conservatoire national supérieur d’art dramatique Paris. Er ist als Liedermacher und Regisseur eigener Kurz- und Langfilme aktiv. Von 2021 bis 2023 war er Teil des Ensembles am Theater an der Parkaue. Ihn begleiten enge Zusammenarbeiten mit Ikkimel, Heiner Müller und Friedrich Schiller. Aktuell arbeitet er in Kassel am Theater.

Eine todgeweihte Frau erzählt Geschichten. Die Kunst der Geschichte ist das Einzige, was sie durch das Labyrinth ihrer Todgeweihtheit führt. In den Geschichten selbst, die sie erzählt, sind es am häufigsten wieder Geschichten, mit denen ein Leben freigekauft wird.
(Physik der Schwermut – Georgi Gospodinov)

Gefangen zwischen deutscher Bürokratie – »Sie verfügen über keine Dokumente, die eine Verlängerung Ihres Aufenthaltsrechts erlauben. Damit kann ich nichts machen« – und den Anrufen der besorgten Familie – »Komm nicht nach Iran zurück. Es scheint als hättest du dein Leben hier völlig vergessen« – hat Scheherazade nur eine einzige Waffe: Geschichten. Aus ihnen baut sie ein Labyrinth, in das sie den zuständigen Beamten nach und nach hineinführt. Reden, reden, reden – damit er sich verheddert, den Faden verliert, die Dokumente vergisst. Zeit schinden, bis zur Schließung des Amtes. Noch einen zusätzlichen Termin bekommen – »wirklich der allerletzte« – sich noch eine weitere Woche in Berlin erkämpfen.

Hanik Soleimani and Marianna Wicha verbinden Dramaturgie aus Tausendundeine Nacht mit Autofiktion, eigens komponierter Musik, inspiriert von byzantinischen Melodien, und den Mitteln der zeitgenössischen Puppenspielkunst. Eine Mischung so wild, wie die Geschichten sein müssen, die man erzählt, um zu überleben.

Am 20.9. findet im Bühnenbild von »Zai el Lila« ein Konzert von Jigraraki statt, der Band von Hanik Soleimani mit Elèni Mik und Nafsika Gkotzamani.

HAUSPRODUKTION / LESUNG mit Musik

THOMAS MANN: MARIO UND DER ZAUBERER
Ein tragisches Reiseerlebnis

Besetzung:
CARL MARTIN SPENGLER
MARTINO DESSI (Gitarre)
Regie: ALINA GAUSE
Bühnenbild: ALINA GAUSE, TATJANA HAJDUKOVA
Musikalische Leitung: MARTINO DESSI
Kostümbild: TATJANA HAJDUKOVA

PREMIERE war am Samstag, 25.10.2025, 19:30 Uhr, THEATER IM PALAIS Berlin

Dauer: ca. 1h 45Min. (T1: 55 Min. / P: 15 Min. / T2: 35Min.)

Thomas Manns berühmte Novelle aus dem Jahr 1930 wurde gleich nach ihrer Erscheinung als politische Parabel zum aufkommenden Faschismus in Europa gelesen.
Denn die Geschichte wirft Fragen nach der Manipulierbarkeit des Individuums innerhalb einer Gruppe auf und führt vor Augen, wie verführbar Menschen sind. Ein guter Grund für unser Theater, diese Lesung in das Programm aufzunehmen.

In der Novelle nimmt der Zauberer Cipolla die Rolle des autoritären Verführers ein, der sein Publikum im fiktiven italienischen Badeort Torre di Venere durch gekonnte Hypnose dazu bringt, ein völlig irrationales Verhalten an den Tag zu legen.
Erzählt wird die Geschichte aus der Perspektive eines deutschen Touristen, der seinen Urlaub zusammen mit seiner Familie im besagten Badeort verbringt.

Unsere Lesung wird durch traditionelle italienische Musik eingerahmt, gespielt vom sardischen Gitarristen Martino Dessi.

© Leserechte: S. Fischer Verlag GmbH, Frankfurt am Main

Einlass Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn