Die demo station von Rirkrit Tiravanija ist eine bühnenähnliche Skulptur und lädt Menschen dazu ein, etwas zu „demonstrieren“. Tiravanija versteht den Begriff dabei im doppelten Sinn – als politischen Protest oder als Vorführung von etwas, das jemand besonders gut kann oder gerne mag. Über die Laufzeit der Ausstellung bietet die demo station täglich Raum für öffentliche Auftritte.

Bei der Veranstaltung werden ggfs. Foto- und Videoaufnahmen entstehen, auf denen Sie zu erkennen sein könnten. Mit Ihrem Besuch willigen Sie ein, dass diese Aufnahmen zur Kommunikation der Veranstaltung bzw. Ausstellung verwendet werden.

„Sterben heißt besser zu leben.“

STARDUST ist eine partizipative Installation mit Performances. Sterben wird als einen Akt der Ermächtigung, Selbsttransformation und radikalen Fürsorge betrachtet, um mit den sozialen, politischen und ökologischen Krisen umzugehen, mit denen wir derzeit konfrontiert sind. STARDUST ist eine künstlerische Meditation über das Sterben und das Leben. Es möchte einen Einblick geben, wie eng Menschen miteinander und der ganzen Natur verbunden sind. Indem wir sterben, lassen wir auch die uns eingeschriebenen Machtstrukturen sterben. Dies könnte den Raum für eine Zukunft, die fürsorglicher, sowie sozial und ökologisch gerechter ist, öffnen.

Über einen Zeitraum von 8 Tagen entfaltet sich STARDUST als eine interaktive, sensorische und lebendige Installation. Die Besucher*innen sind eingeladen, Trauerreden über sich selbst zu schreiben, einem Audioguide („Instructions for Dying“) anzuhören oder sich an einem intimen Gespräch über das Sterben zu beteiligen. Die übergreifende Erzählung folgt den 8 Stadien der Transformation des Todes im tibetischen Buddhismus: Erde, Wasser, Feuer, Luft, weißes Licht, rotes Licht, schwarzes Licht und klares Licht. Als Teil der Installation werden 7 Performer*innen (zwischen 30 - 64 Jahre alt) ihre individuellen Sterberituale vorführen. Ihre Themen reichen von kollektiver Bestattung, Loslassen und Verschwinden bis hin zu Heilung, Erinnerung und Verbundenheit. Am letzten Tag führen sie ein Gruppenritual durch, bei dem alle entstandenen Trauerreden zu Staub werden - eine Erinnerung daran, dass wir alle aus Sternenstaub gemacht sind.

Dauer:
30 Minuten

ENGLISCH:
“To die means to live better.”

STARDUST is a participatory installation-cum-performance. It looks at dying as an act of empowerment, self-transformation and radical care to address the social, political and ecological crises that we are currently facing. STARDUST is as much an artistic meditation on dying as it is on living. It hopes to give a glimpse of how closely interconnected we are to each other, as well as to the natural world. By dying, we also let the power structures inscribed in us die, opening up the space for a future that is more caring and socially and ecologically just.

Over a period of 8 days, STARDUST unfolds as an interactive, sensorial and living installation. Visitors are invited to write their own eulogies, listen to an audio guide (“Instructions for Dying”) or join in an intimate conversation about dying. The overarching narrative follows the 8 stages of death transformation in Tibetan Buddhism: Earth, Water, Fire, Air, White Light, Red Light, Black Light and Clear Light. As part of the installation, 7 performers (30 - 64 years old) will perform their individual dying rituals. Their themes range from collective burial, letting go and disappearance to healing, remembering and connectedness. On the final day, they perform a group ritual, in which all the eulogies created are turned into dust – a reminder that we are all made of stardust.

Duration:
30 mins


Künstlerische Leitung & Choreografie: Ming Poon
Performance: Veronika Heisig, Lee Mun Wai, Birte Opitz, Vera Shchelkina, Hilla Steinert, Lisa Stertz, hugo-huga x tibiriçá
Choreographische Assistenz: Nora Tormann
Bühnenbild: Sichi Li
Bühnenbildassistenz: Sangyeon Lee
Kostüme: Tin Wang
Lichtdesign: Raquel Rosildete
Lichtdesign-Assistenz: Alexandra Úhlarová
Video & Projektiondesign: Harshini J. KarunaratneSounddesign: Haesoo Jung
Stimme (Audioguide): AngieM (EN), Sandra Hetzl (DE)
Technische Leitung: Frieder Miller
Betreuungsperson & Sterbegefährtin: Alessa Rhode
Audiodeskription: Irene Baumann
Audiodeskription Co-Autorin: Johanna Krins
Relaxed Performance: Agnieszka Habraschka
Grafikdesign: Hung Kieu
Videodokumentation: Isabelle Schmitz
Fotodokumentation: Olivia Kwok
Öffentlichkeitsarbeit: Marcelo Vilela da Silva
Pressearbeit: Tom Müller-Heuser
Produktionsleitung: MIFRUSH Production (Micaela Trigo & Urszula Heuwinkel)
Produktionsassistenz: Nur Bildik

Produktion: Ming Poon
Koproduktion: MIFRUSH Production
Gefördert durch: Hauptstadtkulturfonds

Der Audioguide „Instructions for Dying“ wurde von Tanz im August / HAU Hebbel am Ufer (2023) beauftragt.

Besonderen Dank an Dandan Liu und SOEX Textil-Verwertungsgesellschaft m.b.H. für die großzügige Unterstützung.

Ticket gültig für Installation + Performance

Ein Psychothriller von Sebastian Fitzek
Regie: Thomas Wingrich

23 sind es jedes Jahr weltweit, die während einer Reise mit einem Kreuzfahrtschiff verschwinden. 23, bei denen man nie erfährt, was passiert ist. Noch nie ist jemand zurückgekommen. Bis jetzt, bis auf Anouk, einem Mädchen, das vor einem halben Jahr mit seiner Mutter verschwand. Anouk, die wieder auftaucht. In ihrem Arm hält sie einen Teddybär. Und es ist nicht ihr eigener. Der mysteriöse Anruf kommt mitten während eines Einsatzes. Der Polizeipsychologe Martin Schwartz muss sofort nach England reisen und an Bord des Kreuzfahrtschiffs „Sultan of the Seas” kommen. Nie wieder wollte er ein Schiff betreten, nie wieder seine zerstörte Seele den Qualen der Erinnerung aussetzen. Vor fünf Jahren ist sein Sohn mit seiner Frau auf eben diesem Kreuzfahrtschiff verschwunden, niemand hat etwas gesehen, die Polizei ging von Selbstmord aus. Doch nun soll es Hinweise darauf geben, was seiner Familie zugestoßen ist: Kein Zweifel, es ist der Teddy seines Sohnes. Für ihn bricht erneut eine Welt zusammen, der Alptraum, von dem er dachte, er könnte nicht schlimmer werden, fängt erst an. Das Schiff legt ab, begibt sich auf den Weg nach New York. 3.000 Passagiere, ein traumatisiertes Mädchen, ein zutiefst verstörter Polizeipsychologe – und ein Mörder auf der Jagd.

Seit 20 Jahren begeistert das Festival Orchester Berlin, ein multikultureller Zusammenschluss von Musiker:innen aus führenden europäischen Orchestern, mit seinem Repertoire des Barocks, der Wiener Klassik und der Romantik, ergänzt durch musikalische Raritäten. In diesem Konzert beschäftigt sich das Ensemble mit der Musik des venezianischen Großmeisters Antonio Vivaldi. Dieser schuf mit seiner Interpretation der vier Jahreszeiten ein zeitloses Kunstwerk. Selbst ein virtuoser Geiger, verband der Komponist 1725 vier Violinkonzerte miteinander und formte daraus die „Vier Jahreszeiten“. Die jeder Jahreszeit eigenen Naturerscheinungen werden erweitert durch verschiedenartige Klänge. So porträtiert die Musik Natur, Tier und Mensch im Frühling, Sommer, Herbst und Winter. Neben Antonio Vivaldis Meisterwerk kommen in diesem Konzert weitere Highlights für Kammerorchester zu Gehör. Das Orchester spielt auf alten italienischen Instrumenten und garantiert damit einen überragend schönen Klang.

Anfang September 2024 eröffnet im Gropius Bau die Ausstellung DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG des Künstlers Rirkrit Tiravanija, der mit seiner Praxis den konventionellen Kunstbegriff erweitert hat und Situationen schafft, in denen soziale Interaktionen und sinnliche Erfahrungen verhandelt werden. Seit den frühen 1990er Jahren lebt Tiravanija teilweise in Deutschland und hat immer wieder künstlerische Arbeiten entwickelt, die sich mit kulturellen Eigentümlichkeiten, Migration und der politischen Gegenwart des Landes beschäftigen. DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG versammelt erstmals diese Werke, die auch die Bedeutung von Berlin und Deutschland als Ort künstlerischer Produktion für Tiravanija zeigen. Der Titel der Ausstellung ist dem Vorspann von Rainer Werner Fassbinders Film Angst essen Seele auf von 1974 entliehen, dessen Schilderung von anti-arabischem Rassismus gegen den sogenannten Gastarbeiter Ali heute, 50 Jahre später, erschreckend aktuell ist. Die umfangreiche Ausstellung umfasst Arbeiten auf Papier, Skulpturen, Fotografien, Multiples und eine Auswahl selten gezeigter Super-8-Filme sowie regelmäßige Aktivierungen zentraler ephemerer und partizipatorischer Arbeiten des Künstlers von den 1980er Jahren bis heute. Dabei steht die Sprengkraft seiner Praxis immer im Mittelpunkt: Institutionelle Grenzen und Kategorien werden ausgetestet; es wird laut, es wird gekocht, gegessen und gespielt.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Yasmil Raymond und Christopher Wierling

Montag 12:00–18:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 12:00–18:00 Uhr Donnerstag 12:00–18:00 Uhr Freitag 12:00–18:00 Uhr Samstag 12:00–18:00 Uhr Sonntag 12:00–18:00 Uhr

Sechs Menschen eint der Wunsch und die Sehnsucht nach Nähe,
nach einen liebenden, liebenswerten Partner. Der etwas ungewöhnliche Weg, den sie gewählt
haben, um ihrer Einsamkeit zu entkommen ist ein Speed-Dating. Sie wagen sich also zu einer
Veranstaltung, bei der sich jeweils ein Mann und eine Frau gegenüber sitzen und einander kennen
lernen wollen.
Es spielen: Giso Weißbach, Michael Kinkel, Anaesthasia Scherz, Olaf Schülke, Johanna Wech, Klaus Gendries, Sabine Matthes
Regie: Klaus Gendries, Eine Inszenierung der Theatergesellschaft e.V.

Einlass ab 18.00 Uhr

Poetry Slam Schreibwerkstatt - Workshop

Immer samstags können alle – egal ob Neuling oder alter Hase auf der Bühne – bei einem offenen Workshop mitmachen. Das Ziel ist es miteinander ins Schreiben zu kommen, kreativ zu werden, an Texten und / oder Performance zu feilen, Ängste abzubauen und die Liebe zur Sprache zu teilen.

Alle können vorbeikommen, die Kiezpoeten freuen sich darauf!

Bitte sei 10:45 vor Ort.

100 TAGE
Eine musikalische Komödie über den Ernst des Lebens

Mit: Carl Martin Spengler (Spiel, Gesang), Ira Theofanidis (Spiel, Gesang) und Matthias Behrsing (Klavier); Text, Komposition, Regie: Alina Lieske; Musikalische Leitung, Komposition: Matthias Behrsing; Bühnenbild: Klara Rentsch, Kostümbild: Tatjana Hajdukova;

URAUFFÜHRUNG / PREMIERE:
Samstag, 26.10.2024, 19:30 Uhr
(Stückeinführung 18:30 Uhr Saal)

Weitere Vorstellungen: 27.10.2024, 16:00 Uhr / 09.11.2024, 19:30 Uhr / 22.11.2024, 19:30 Uhr

Dauer:

Was haben ein 66-jähriger verwitweter Misanthrop, der seinen Beruf als Psychotherapeut endlich an den Nagel hängen möchte und eine junge Sprechstundenhilfe mit schriftstellerischen Ambitionen in konstant instabiler Verfassung gemeinsam? 100 Tage!

100 Tage sind es noch, bis Dr. Magnus Schreiber seine ersehnte Rente antreten darf; 100 Tage setzt sich Nelly Montagu, um sich in eine selbstbewusste, erfolgreiche und glückliche Frau zu verwandeln. Doch diese 100 Tage haben es in sich, vor allem wenn sich Nelly und Dr. Schreiber täglich begegnen. Dann kann es nämlich passieren, dass Rollen vertauscht, Träume relativiert und so manche Gesellschaftsklischees mit schonungslosem Humor zerpflückt werden. Und all das, während eine wachsende Schlange an verzweifelten Patienten darauf wartet, versorgt zu werden.

Erleben Sie eine mitreißende musikalische Komödie über die kleinen Tücken und die großen Geschenke des Lebens!

Abendkasse / Einlass ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Wenn ABBA mit Boney M. auf der Bühne stehen, dann sind die 70er-Jahre zum Greifen nah! Die Party-Show nimmt das Publikum mit auf eine Zeitreise in das schrillste Jahrzehnt – in die Zeit der psychedelischen Tapeten, der Bonanza-Räder und mitreißenden Hits. Im ersten Teil werden die Hits von ABBA wie "Waterloo", "Mamma Mia", "Fernando" und "Take a Chance On Me" präsentiert – von einer Formation, die den Schweden nicht nur ähnlich sieht, sondern auch vom Gesang her mit ihren Vorbildern übereinstimmt. Im Anschluss präsentieren vier erstklassige Künstler die Hit-Gruppe "Boney M." mit einer ausgelassenen Bühnenshow. Erfolgshits wie "Rivers of Babylon" und "Daddy Cool“ garantieren beste Stimmung.

Einlass: 19:00 Uhr

internationale Chorbegegnung mit A-cappella Musik

Mitwirkende:
Bel Canto Vestfold (Norwegen)
Leitung Kristina Olsen Gidefeldt

Coro polifonico “Marc’Antonio Ingegneri” &
Insieme Corale Ecclesia Nova (Italien)
Leitung Matteo Valbusa

Skjervøykoret (Norwegen)
Leitung: Audun Skog

Tatabányai Madrigál Együttes (Ungarn)
Leitung: Géza Saltzer

Der kleine Drache Kokosnuss – Das Musical | Theater Lichtermeer

Du kennst den kleinen Drachen Kokosnuss aus Büchern, dem Fernsehen und dem Kino? Jetzt kannst Du ihn auch live auf der Bühne erleben. Und natürlich sind auch seine Freunde, der Fressdrachenjunge Oskar und das kluge Stachelschwein Matilda mit dabei.

Das Theater Lichtermeer nimmt Dich mit auf ein großes Abenteuer, in dem Du dem kleinen Drachen Kokosnuss ganz nah kommen kannst. Sing mit bei den zauberhaften Liedern und erlebe eine Geschichte voller magischer Momente.

Wir freuen uns sehr Ingo Siegners großem Bucherfolg ein Bühnenzuhause hinzuzufügen. Mit seinen mit viel Herz und Witz erschaffenen Figuren und Geschichten hat er die Kinderherzen im Sturm erobert.

Der kleine Drache Kokosnuss – Das Musical. Eine Show für die ganze Familie, die du auf gar keinen Fall verpassen solltest.


Ingo Siegners großer Bucherfolg kommt nun endlich und exklusiv als aufwendiges Kindermusical auf die große Bühne! Begleiten Sie den beliebten Drachenhelden „Kokosnuss“, den Fressdrachenjungen „Oskar“, sowie das kluge Stachelschwein „Matilda“ auf ein spannendes Abenteuer. Der kleine Drache Kokosnuss ist die zur Zeit erfolgreichste Kinderbuchfigur Deutschlands. Absolut zu recht, erlebt Kokosnuss stets lustige und lehrreiche Abenteuer mit seinen Freunden.

Über fünf Millionen verkaufte Bücher, zwei Kinofilme und eine eigene Serie auf KIKA ist der Dank für die unerschöpfliche, freche und farbenfrohe Fantasiewelt von Ingo Siegner. Jetzt haben die Kinder die Möglichkeit, Ihren Helden hautnah und live in ein solches Abenteuer zu folgen. Eine Welt voller magischer Spielorte und fantastischer Gestalten wartet darauf entdeckt zu werden! In gewohnter Theater Lichtermeer-Manier wird eine Geschichte voller Magie, Zauberei und überraschender Wendungen erzählt.
Freuen Sie sich auf eine detailverliebte Inszenierung, die gekonnt mit mitreißenden
Kompositionen, kindgerechten Dialogen und einem renommierten Musicalensemble aufwartet und nicht nur die Kinder zu verzaubern weiß.

„Der kleine Drache Kokosnuss – Das Musical“ ist für Kinder ab 4 Jahren geeignet. Spieldauer ca. 2
Std. inkl. Pause.

Eine Theater Lichtermeer Produktion 2019
Buch: Timo Riegelsberger und Jan Radermacher
Musik: Timo Riegelsberger
Regie: Timo Riegelsberger
Gestaltung Bühnenbild: Jan Radermacher

Einlass Saal: 14:30 Uhr

Zwei Clowns, der Musiker Tui und der Zauberer Rata treffen sich und warten auf den Zirkusdirektor, der aber nicht kommt. Da beschließen sie, das Programm selbst zu gestalten. Ein unseliger Streit bricht aus, denn jeder will besser sein als der andere. In einem rührenden Schluss finden die beiden als Freunde wieder zusammen.

Es spielen: Roman Walkowiak, Rainer Eckhardt

Tanz, Keine Sprache, Festsaal, Ca. 50 Min.

Thibault Lac wagt sich in einer campy Träumerei mit Hang zum Sentimentalen in ein sumpfiges Gebiet, das zugleich abstoßend und verführerisch ist. Eine Reihe von Geistern, altmodischen Archetypen und zeitgenössischen Mythologien kreuzen sich an der Schwelle verschiedener Zeitlichkeiten. Es entfaltet sich ein subjektives Pantheon hybrider Phantasien, in dem persönliche und kollektive Erinnerungen verwoben sind. Blue Roses ist wie eine Gedichtsammlung, ein Herbarium oder ein Blumenstrauß konzipiert und wird in einem Tanz zwischen Groteske und Melancholie komponiert, zersetzt und neu zusammengefügt.

Eine Produktion von Thibault Lac und Rocinante in Koproduktion mit Belluard Bollwerk, Ménagerie de verre und CND Centre national de la danse – Pantin. Medienpartner: Berlin Art Link, Missy Magazine, Siegessäule, taz.

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Dance, No language, Festsaal, ca. 50 min.

In a camp reverie that embraces its sentimental edge, Thibault Lac ventures into swampy territory, at once repulsive and seductive. An array of ghosts, old-fashioned archetypes and contemporary mythologies intersect on the threshold of different temporalities. A subjective pantheon of hybrid fantasies unfolds, navigating personal and collective memories. Conceived as a poem collection, a herbarium or a flower bouquet, Blue Roses is composed, decomposed and recomposed in a dance that brings together grotesque and melancholy.

A production by Thibault Lac and Rocinante in co-production with Belluard Bollwerk, Ménagerie de verre and CND Centre national de la danse – Pantin. Media partners: Berlin Art Link, Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Bild/Photo: © Camille Leprince

Feiern Sie das 25-jährige Jubiläum von "One Piece" mit einem besonderen Orchesterkonzert - der ONE PIECE Musiksinfonie! Das meisteOrchesterkonzert - die ONE PIECE Musiksinfonie! Die schönsten Momente der beliebten Fernsehserie werden auf eine Riesenleinwand zu den Klängen eines Orchesters mit 50 Musikern projiziert!

Es ist an der Zeit, "One Piece" und sein 25-jähriges Jubiläum sowohl mit Action als auch mit Emotionen zu feiern, mit einem kompletten Orchester, das die Musik von "One Piece" live auf der Bühne spielt, während die besten Momente aus dem Anime in perfekter Synchronisation auf eine riesige Leinwand projiziert! Erlebe die besten Momente der Strohhut-Crew zusammen mit dem Sound der lebendigsten Musik der Serie!

Die Welttournee zum 25-jährigen Jubiläum von One Piece" der ONE PIECE Music Symphony präsentiert ein neues Programm mit den denkwürdigsten Momenten aus den vergangenen 25 Jahren der TV-Serie - vom Jahren - vom Zusammentreffen aller Mitglieder der Strohhut-Crew bis hin zu den jüngsten Episoden - in einem Filmkonzert Filmkonzert mit Projektion auf eine Riesenleinwand! Das Musikprogramm enthält die Lieblingssongs der Fans, wie "We Are!", "Sai sai saikyo!!!", "Oitsumerareta" und "Binks no Sake", sowie einige neue Stücke die speziell für diesen Anlass aufgenommen wurden.

Zum 25. Jubiläum des ikonischen Anime "One Piece" bietet sich Liebhabern der Serie die einmalige Gelegenheit, die Magie und das Abenteuer in einem außergewöhnlichen Format zu erleben. Begeisterte Anhänger dürfen sich auf ein spektakuläres Orchesterkonzert freuen, das die unvergesslichsten Momente von "One Piece" auf einer riesigen Leinwand zum Leben erweckt, begleitet von den leidenschaftlichen Klängen eines 50-köpfigen Orchesters, der ONE PIECE Music Symphony. Diese besondere Aufführung findet in Berlin am Samstag, den 26. Oktober 2024, statt und verspricht, ein unvergleichliches Erlebnis zu werden.

Das Konzert in Berlin ist Teil einer weltweiten Tournee, die das 25-jährige Bestehen von "One Piece" zelebriert und ein neues Programm präsentiert, das die Highlights und die Entwicklung der Serie über die letzten zwei Jahrzehnte umfasst. Mit beliebten Songs wie „We Are!“, „Sai sai saikyo!!!“, „Oitsumerareta“ und „Binks no Sake“, ergänzt um einige neu komponierte Stücke für dieses Jubiläum, wird das Event ein Fest für die Sinne und ein Muss für jeden Fan der Serie sein.

Die ONE PIECE Music Symphony, das einzige offizielle "One Piece" Konzert, entstand in direkter Zusammenarbeit mit dem ursprünglichen Komponisten Kohei Tanaka und steht unter Lizenz von TOEI ANIMATION. Seit dem Beginn der Konzertreihe sorgte diese weltweit für ausverkaufte Säle und wurde von renommierten nationalen Orchestern aufgeführt. Mit einer perfekten Synchronisation von Bild und Ton transportiert die Show die Zuschauer direkt in die Welt von Monkey D. Luffy und seiner Strohhutbande, um ihre abenteuerlichen Reisen und Kämpfe auf hoher See neu zu erleben.

Das Event bietet eine einzigartige Gelegenheit, die lebendige Welt von "One Piece" durch die majestätische Kraft eines Symphonieorchesters zu erleben, und markiert einen Höhepunkt in der Geschichte des Animes. Fans und Neulinge gleichermaßen sind eingeladen, Teil dieser Feier zu sein und die Abenteuer der Strohhutbande auf eine Weise zu erfahren, wie sie noch nie zuvor präsentiert wurde.

One Piece", das epische Anime-Abenteuer um den Piraten Monkey D. Luffy und seine bunte Crew auf der Suche nach dem legendären Schatz "One Piece", begeistert seit über zwei Jahrzehnten Fans weltweit. Zum 25. Jubiläum dieser ikonischen Serie wird die ONE PIECE Music Symphony vorgestellt, ein außergewöhnliches Orchesterkonzert, das die unvergesslichen Geschichten und Charaktere von "One Piece" musikalisch zum Leben erweckt. Auf einer riesigen Leinwand werden die denkwürdigsten Szenen der Serie gezeigt, während ein 50-köpfiges Orchester die herzergreifende Musik spielt, die die Fans so lieben. Dieses Konzert bietet eine einzigartige Gelegenheit, die Welt von "One Piece" auf eine ganz neue, musikalisch eindrucksvolle Weise zu erleben.

Der Verkauf wird in Kürze fortgesetzt.

Die Ausstellung KÖRPERWELTEN in Berlin widmet sich dem Thema „Facetten des Lebens“.

Dr. Gunther von Hagens öffnet in seinen Körperwelten-Ausstellungen den menschlichen Körper und macht die fragilen, schützenswerten Strukturen des Lebens für medizinische Laien sichtbar. Gemeinsam mit Kuratorin Dr. Angelina Whalley zeigt er in der Ausstellung in Berlin-Mitte die Facetten des Lebens – zwischen Glück und Unglück, Druck und Ausgleich, Zufall und Fügung, Körperversessenheit und Körpervergessen sowie Maßlosigkeit und Bescheidenheit.

Das Museum öffnete 2015 seine Pforten in Berlin. Es ist am Alexanderplatz direkt vor dem Berliner Fernsehturm beheimatet. Seitdem haben die Besucherinnen und Besucher die Möglichkeit eine Vielzahl einzigartiger Plastinate zu bestaunen. Diese geben einen tiefen Einblick in das hochkomplexe Innere des menschlichen Körpers. So erhalten Interessierte ein detailliertes Wissen über Organfunktionen und häufige Krankheiten, all das leicht verständlich vermittelt. Durch die lebensnahen Posen wird ein unmittelbarer Bezug zu den Betrachtenden hergestellt.

Was verbindet uns, was hält uns aufrecht und in Bewegung, was lässt uns lachen und lieben? Bei den KÖRPERWELTEN erhalten Sie Antworten auf diese und viele weitere Fragen. Machen Sie sich auf eine tief berührende und inspirierende Begegnung mit dem Leben bereit. Lassen Sie sich einen Besuch nicht entgehen und erleben Sie die Faszination der Plastination.
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The first BODY WORLDS museum presents unique plastinates that show the function of individual organs as well as common diseases. It gives insights into the highly complex and structures of the human bod and shows what connects us, keeps us upright and in motion and what makes us laugh and love.

Moreover, the Museum opens the visitors´ eyes to various facets that determine our existence: Gluttony & Restraint | Excess & Moderation | Chance & Fate | Pressure & Balance | Happiness & Unhappiness

Letzter Einlass 18:00 Uhr

In kürzester Zeit entwickelte sich die Bühnen-Inszenierung REGEN von und mit Ferdinand von Schirach zu einem der meistbesuchten neuen Stücke im deutschsprachigen Raum. Der Zuspruch und die Nachfrage verbleiben seit der Uraufführung ungebrochen, weshalb der Bestseller-Autor im Anschluss an seine fast vollständig ausverkaufte Premieren-Tournee nun mit zahlreichen Zusatzterminen für 2024 und 2025 nachlegt.

2023 erschien Ferdinand von Schirachs neues Buch REGEN – und stieg direkt auf Platz 1 der Bestsellerliste ein. Eine Erzählung, die Ferdinand von Schirach seit Oktober 2023 als Monolog auf der Bühne präsentiert: Ein Mann kommt durchnässt aus dem Regen in eine Bar - auf die Bühne – und erzählt über das Großartige und das Schreckliche unserer Zeit, über die Würde des Menschen, die Einsamkeit, die Liebe, den Verlust und das Scheitern.

REGEN ist ein ebenso mutiges wie sehr persönliches Stück, ein Spiel an der Grenze zwischen Bühnenfigur und Autor. Die Regie führt Elmar Goerden.

Der Spiegel nannte Ferdinand von Schirach einen »großartigen Erzähler«, die New York Times einen »außergewöhnlichen Stilisten«, der Independent verglich ihn mit Kafka und Kleist, die Financial Times mit Raymond Carver, und der Daily Telegraph schrieb, er sei »eine der markantesten Stimmen der europäischen Literatur«. Seine Bücher wurden vielfach verfilmt und zu millionenfach verkauften internationalen Bestsellern. Sie erschienen in mehr als vierzig Ländern. Seine Theaterstücke Terror und Gott zählen weltweit zu den erfolgreichsten und meistdiskutierten Dramen der Gegenwart.

"Gäbe es das Wort ,kultiviert‘ nicht, müsste man es für Ferdinand von Schirach erfinden."

(Hannoversche Allgemeine Zeitung)

Einlass: 19:00 Uhr

AUSVERKAUFT

Mit der Erweiterung der Berliner Stadtautobahn BAB 100 entstanden an wichtigen Kreuzungspunkten bereits zukünftige U-Bahnbauwerke. Am Innsbrucker Platz legten die Planer die Autobahn in einem kurzen Tunnelstück unter die Erde, um somit eine der wichtigen Eisenbahntrassen zu kreuzen. Dabei entstand noch unter dem Autobahntunnel ein zukünftiger U-Bahnhof in beeindruckender Länge und mit, für Berliner Verhältnisse, großer Tiefe. Zusätzlich enthalten ist in dieser Tour der Einstieg in einen aus den 1910er Jahren stammenden U-Bahntunnel werden - ein vergessener Tunnel unterhalb eines Wohngebietes.
Diese geführte Besichtigung beansprucht ca. 2 - 2,5 Stunden. Für die Tour im unter der Autobahn gelegenen U-Bahnhof Innsbrucker Platz & durch den alten Eisacktunnel können Sie hier die Tickets online buchen.

ca. 15 min vor Veranstaltungsbeginn

DA STEHT EIN SCHOLZ AUF´M FLUR (immer noch)
Nur noch Stress! Und die Bundestagswahlen rücken näher.
Aber wen dann wählen. Einen von den Einsilbigen? Scholz?
Merz? Krenz? Nee, hatten wir schon. LUTZ ANDRES und
ANDREAS ZIEGER vom Potsdamer Kabarett haben dazu
für Sie das richtige Programm, a little bit Politik,
a little bit Nonsens.
Aber ist das nicht das gleiche?
Kommen Sie und probieren Sie das mal aus!

Das "Kayan-Project" in Berlin vereint Musiker:innen aus Israel-Palästina, Syrien und Polen zu einem einzigartigen Ensemble. Der Name "Kayan" bedeutet "Existenz" auf Arabisch. Angeführt von Sängerin Eden Cami verbindet die Gruppe arabische Ud, Kontrabass und Perkussion zu einer fesselnden Mischung aus klassischer und moderner Musik, Levante-Poesie und Jazz-Elementen.

Einlass: 19:00