Im II. Jubiläumskonzert präsentieren die Heidelberger Sinfoniker mit Haydn und Beethoven ein weiteres Mal Lieblingskomponisten ihrer 30jährigen Vita.
Der Cellist Jan Vogler ist ein international gefragter Virtuose - seine bemerkenswerte Karriere hat ihn mit namhaften Dirigenten und international renommierten Orchestern wie z.B. dem New York Philharmonic, Gewandhausorchester Leipzig, Deutschen Symphonie-Orchester Berlin und London Philharmonic Orchestra zusammengebracht.
Die New York Times bewunderte das „lyrische Gespür“ seines Cellospiels, das Gramophone Magazin lobt seine „schwindelerregende Virtuosität“, und die Frankfurter Allgemeine Zeitung attestiert ihm die Gabe, „sein Cello wie eine Singstimme sprechen lassen zu können“.

Jan Vogler, Violoncello
Heidelberger Sinfoniker
Johannes Klumpp, Moderation und Leitung

Die Bergbahn wird wegen kurzfristiger Verlängerung von Bauarbeiten am 15. November NICHT fahren!
Sie haben die Möglichkeit, ab 18:30 Uhr auf dem Busparkplatz vor dem Schloss am Anfang des Schloss-Wolfsbrunnenwegs (Zufahrt nur über Klingenteichstr. und Molkenkurweg, also von oben kommend) sowie auf den öffentlichen Parkplätzen weiter hinten am Schloss-Wolfsbrunnenweg ab 19:00 Uhr kostenlos zu parken. Bitte rechnen Sie etwas Zeit dafür ein!

Einlass 19:30

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Die 10er Karte ist insgesamt zehn mal einlösbar.
Zum Buchen der einzelnen Vorführungen bitte den auf der 10er Karte abgedruckten Code im Bestellprozess angeben. Durch den Code wird eine kostenfreie Preisstufe freigeschaltet, die Ihr Euch dann buchen könnt.
Die 10er Karte ist nicht individualisiert und kann von mehreren Personen genutzt werden. Kommt also gern mit Euren Freund*innen!

Die 5er Karte ist insgesamt fünf mal einlösbar.
Zum Buchen der einzelnen Vorführungen bitte den auf der 5er Karte abgedruckten Code im Bestellprozess angeben. Durch den Code wird eine kostenfreie Preisstufe freigeschaltet, die Ihr Euch dann buchen könnt.
Die 5er Karte ist nicht individualisiert und kann von mehreren Personen genutzt werden. Kommt also gern mit Euren Freund*innen!

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Michael Francis, Chefdirigent
Anna Vinnitskaya, Klavier

Programm:

Joan Tower, Fanfare for the Uncommon Woman
Sergei Rachmaninow, Konzert für Klavier und Orchester Nr. 3 d-Moll, op. 30
Aaron Copland, Sinfonie Nr. 3

Einlass ab 10:30 Uhr

Sensibel, anrührend und immer wieder auch von doppelbödigem Witz: Eine Frau ringt mit ihrer Demenz und dem Übergang zum betreuten Wohnen.

Manchmal fühlt sich die 80-jährige Ruth noch jung und beschwingt wie ein Teenager, bereit für die große Liebe. Zu akzeptieren, dass sie ihren Alltag nicht mehr allein bewältigen kann, ist bereits schwer für sie. Noch schwerer ist es für die demente Frau, den eigenen kognitiven Niedergang anzuerkennen. Die Rollen, die ihr zugeschrieben werden, ob Mutter, Patientin oder alte Dame, verleugnet sie. Konflikte mit den Pflegekräften des Wohnheims, in das sie gerade eingezogen ist, sind unausweichlich. Und Identitätskonflikte ohnehin: Wer bin ich? Und wer bin ich noch? - Regisseurin Sarah Friedland hat kurz nach dem Tod ihrer demenzkranken Großmutter damit begonnen, ›Familiar Touch‹ zu schreiben. Mit viel Witz, aber ohne vor
unbequemen Wahrheiten zurückzuschrecken, ist ihr ein Coming-of-Age-Drama des hohen Alters gelungen, das berührt und bis zuletzt überrascht.

Sarah Friedland ist Filmemacherin und Choreografin, deren Arbeiten auf Festivals wie dem New York Film Festival und im MoMA gezeigt wurden. Sie arbeitete als Assistentin an der Seite von Steve McQueen und Kelly Reichardt. ›Familiar Touch‹ ist ihr Spielfilmdebüt, mit dem sie in Venedig in der Sektion ›Orizzonti‹ den Preis für die beste Regie gewann.

Ein Schrottplatz in Tiflis, zwei schräge Vögel und eine leuchtende Idee. Absurd komisch, hinreißend verliebt in die Menschen und herrlich authentisch ist diese georgische Komödie eine echte Entdeckung.

Gonga und Bart sind die Könige des Schrottplatzes, immer auf der Suche nach Dingen, die sie verkaufen können. Ein karger, aber unerlässlicher Broterwerb, denn Bart hat Schulden bei gemeingefährlichen Gangstern. Als er und Gonga Kisten mit Metallkreuzen finden, haben die beiden eine Idee: sie möbeln die Fundstücke mit farbigen Leuchtmitteln auf. Und tatsächlich: Das Haustürgeschäft mit den elektrifizierten Glaubensutensilien läuft recht gut und die Schulden scheinen bald so gut wie beglichen. Doch Bart verzockt die Einnahmen im Casino. - Ein wilder Trip im rostigen Opel mitten hinein ins Herz der georgischen Hauptstadt. Irgendwo zwischen Nostalgie und unbestechlicher Beobachtungsgabe verschmelzen Sowjet-Charme, plüschig-kitschige Wohnzimmer, zahnlos singende Alte und gelangweilte Jugendliche zu einem hinreißendem Gesellschaftsportrait - schräg und liebevoll zugleich.

Tato Kotetischwili, Jahrgang 1987, ist ein georgischer Filmemacher. Er lebt in Tiflis und arbeitet als Regisseur und Kameramann. ›Holy Electricity‹ ist sein erster Spielfilm, mit dem er in diesem Jahr gleich den großen Nachwuchspreis in Locarno gewann.

David Cronenbergs Meisterwerk mit James Woods und Debbie Harry. Bis heute hat es nichts von seiner düsteren Faszination eingebüßt.

Fernsehproduzent Max Renn stößt per Zufall auf einen Piratensender, dessen einziges Programm aus einer extrem gewalttätigen Foltershow namens “Videodrome” besteht. Stets auf der Suche nach einem neuen Kick, ist Max augenblicklich fasziniert. Mit allen Mitteln versucht er, die Quelle dieser Sendung ausfindig zu machen. Doch dabei wird er immer stärker in einen halluzinierenden Strudel gezogen, bei dem sich sogar sein eigener Körper zu verändern scheint. Niemand zeigt körperliche Transformationen und Adaptionen so verführerisch und zugleich verstörend wie David Cronenberg.
Und dies ist sein unbestrittenes Meisterwerk: “Long live the new flesh!”

Der Kanadier David Cronenberg, geboren 1943, ist einer der wichtigsten Regisseure der Gegenwart. Mit seinen frühen Filmen begründete er das Genre des Body Horrors. Zu seinen stilbildenden Werken gehören ›Scanners‹ (1981), ›Die Fliege‹ (1986), ›Naked Lunch‹ (1991) und ›A History of Violence‹ (2005).

Wie sind wir dahin geraten, wo wir jetzt stehen? Ein Film wie eine Abrechnung.
Wunderschön fotografiert von Sean Price Williams (›The Sweet East‹).

Sieben Tage wie ein Fiebertraum: in einem Dorf ohne Namen, irgendwann im
Mittelalter. Der ehemalige Stadtmensch Walter Thirsk (Caleb Landry Jones aus ›Three
Billboards Outside Ebbing, Missouri‹) hat philosophische Anwandlungen, der etwas
dusselige Gutsherr Charles Kent hängt schwelgerischen, realitätsfernen Plänen für sein
Dorf nach. Als plötzlich Fremde eintreffen, sehen sich die Jugendfreunde mit dem
Einbruch der äußeren Welt konfrontiert und versuchen, sich irgendwie damit zu
arrangieren: das Trauma der Moderne. - Athina Rachel Tsangaris meisterliche Parabel
verfolgt die schmerzhaften Bruchlinien unserer Gegenwart zurück zu ihren Anfängen.

Mit ›Attenberg‹ und ›Chevalier‹ hat sich die griechische Regisseurin Athina Rachel
Tsangari fest im internationalen Kino etabliert. Auch als Produzentin der frühen Filme
von Yorgos Lanthimos trat sie als spannende Stimme im neuen griechischen Kino auf.
›Harvest‹ ist ihr erster englischsprachiger Film.

Ihre ungewollte Schwangerschaft treibt eine junge Frau in der Dominikanischen Republik zum Kampf gegen die himmelschreiende Ungerechtigkeit. In einem Film von faszinierend eigenständiger Schönheit.

Zucker: viel mehr als das von uns allen geliebte Süßungsmittel. Es ist eine ganze Geschichte. Eine Geschichte von karibischen Inseln, von Kolonialisierung, Arbeiterrechten und – Menschen. Von all dem erzählt dieser beeindruckend eigenständige Film in einer faszinierenden Mischung aus dokumentarischen, fiktionalen und theatralen Elementen. Dabei findet er wunderschöne, geradezu emblematische Bilder, die dem Zuschauer riesige Assoziationsräume eröffnen. – Konkret erzählt wird hier die Geschichte der jungen Makenya, die mit ihrer Familie auf einer Zuckerrohrplantage lebt und ungewollt schwanger wird. Doch sie nimmt nicht nur dieses Schicksal an, sondern stemmt sich gemeinsam mit ihren Verwandten auch den Ungerechtigkeiten entgegen, die ihnen widerfahren. - Politisches, stilistisch beeindruckendes Kino, das vieles zusammenbringt, was wir allzu häufig nur getrennt voneinander betrachten.

Regisseurin Johanné Gómez Terrero ist eine afrodiasporische Künstlerin, die sich bereits als Dokumentarfilmerin einen Namen gemacht hat. Zudem arbeitet sie als Produzentin und lehrt an der Internationalen Filmschule in Kuba. ›Sugar Island‹ ist ihr Spielfilmdebüt.

Auf der Flucht kommen sich Vater und Tochter immer näher. Doch ein Happy End kann es für sie nicht geben. Welchen Preis ist das Mädchen bereit, zu zahlen?

Korsika 1995. Es ist Lesias (Ghjuvanna Benedetti) erster flirrender Sommer als Teenagerin. Plötzlich wird sie in ein abgelegenes Anwesen verschleppt - um ihren im Untergrund lebenden Vater zu treffen. Das Pulverfass der Insel aus organisiertem Verbrechen, Nationalisten und Politik droht zu explodieren. Das direkte Umfeld ihres Vaters, des Oberhaupts seiner Organisation, wird dezimiert. Zur Flucht gezwungen, rücken Vater und Tochter immer näher zusammen. Doch das Netz um sie herum zieht sich enger und enger zu. Bis ihnen glasklar wird, dass ihre gemeinsame Reise irgendwann unweigerlich ein Ende finden muss. - Das organisierte Verbrechen hat jeden Glamour verloren in diesem geradezu meisterhaft inszenierten Langfilmdebüt von Regisseur Julien Colonna. Vielmehr bietet das Genresetting hier eine Fassade für ein intimes Vater-Tochter-Porträt voller genau beobachteter zärtlicher Augenblicke.

Auf Korsika aufgewachsen, ließ Regisseur Julien Colonna persönliche Erinnerungen in seinen ersten Spielfilm ›The Kingdom‹ einfließen. Zuvor studierte er in Paris Sozialwissenschaften und Drehbuch und drehte neben Werbefilmen international ausgezeichnete Kurzfilme.

Allein gelassen und orientierungslos droht ein junger Mann, den Halt zu verlieren. Gekonnte Symbiose aus Charakterstudie und Gesellschaftsporträt von der nächsten jungen Stimme aus Georgien beim IFFMH!

Der 18jährige Sandro lebt mit seiner atheistischen Großmutter zusammen. Sein tiefreligiöser Vater möchte als Mönch in ein Kloster gehen, die Mutter ist im Ausland. Weitgehend auf sich allein gestellt, ist Sandro völlig verunsichert - nicht zuletzt sexuell. Seine Unfähigkeit, sich moralisch zu orientieren, belastet schon bald die Beziehung zu seiner Freundin Tina. Er wird empfänglich für gefährliche Ideologien. Erst als Sandro Natalia, die Mutter eines neuen Freundes aus seiner Fußballmannschaft, kennenlernt, scheint sich ganz langsam eine Tür zu öffnen. - Aus einer Charakterstudie über die Probleme eines jungen Mannes wird in diesem klugen, mehrdimensionalen und immer wieder auch überraschenden Film allmählich das Portrait einer ganzen Gesellschaft. Einer Gesellschaft im Kampf zwischen ultrakonservativen und progressiven Vorstellungen.

George Sikharulidze wurde in Tiflis geboren und ging im Alter von 18 Jahren für ein Filmstudium nach New York. Mehrere seiner Kurzfilme liefen auf internationalen Festivals. Sein Langfilmdebüt ›Panopticon‹ fand bei seiner diesjährigen Weltpremiere in Karlovy Vary viel Beachtung.

Nach dem Tod der Eltern getrennt, hoffen die Zwillinge Grace und Gilbert inständig auf ein Wiedersehen. Bittersüßes, virtuoses Knetfiguren-Drama für Erwachsene.
Grace blickt melancholisch zurück. Nach dem Verlust der Mutter beim zwar liebevollen, aber querschnittgelähmten und alkoholkranken Vater aufgewachsen. Nach dessen frühem Tod vom geliebten Zwillingsbruder getrennt. Aus Trauer und Einsamkeit hat Grace sich wie eine Schnecke in eine harte Schale zurückgezogen. Irgendwann jedoch lernt sie eine hinreißend exzentrische ältere Dame namens Pinky kennen. Die beiden werden Freunde. Und plötzlich scheint sogar Liebe für Grace möglich.
Überbordend einfallsreiches, eigenwilliges Animationskino von Oscarpreisträger Adam Eliot mit den Stimmen von Nick Cave, Eric Bana und Sarah Snook (Succesion).
Die Filme des australischen Oscarpreisträgers Adam Eliot wurden in den mehr als drei
J ahrzehnten Karriere schon auf über tausend Festivals gezeigt. Für seine Animationsfilme sprachen Schauspielstars wie Philip Seymour Hoffman und Toni Colette ein. ›Memoir of a Snail‹ ist sein erster Langfilm seit 15 Jahren.

Von allen grenzüberschreitenden Filmen der 1930er-Jahre ist dieser bahnbrechende Horrorfilm einer der berüchtigtsten. Die geldgierige Trapezkünstlerin Cleopatra (Olga Baclanova) heiratet den kleinwüchsigen Zirkusartisten Hans (Harry Earles), um an dessen Erbe zu gelangen. Hans’ Freund*innen erfahren jedoch von diesem Plan und ersinnen eine schreckliche Rache. - ›Freaks‹ spielt in der Welt der Sideshows, einer Form der Jahrmarkt-Unterhaltung. Oft wurden hier Menschen mit körperlichen Missbildungen zur Schau gestellt. Gespielt von tatsächlichen Sideshow- Artist*innen, rückt eine Gemeinschaft von Ausgegrenzten in den Blick, die eine radikale Akzeptanz pflegt. Bei seiner Uraufführung ein Skandal, wurde der Film ab den 1960er- Jahren als avantgardistisches Meisterwerk gefeiert.

Tod Browning, 1889-1962, arbeitete als Regisseur und Schauspieler, der heute vor allem für seine Horrorfilme der 1920er- und 30er-Jahre bekannt ist. Neben ›Freaks‹ zählen ›The Unholy Three‹ (1925), ›The Unknown‹ (1927), ›Dracula‹ (1931) und ›Mark of the Vampire‹ (1935) zu seinen bekanntesten Werken.

Eine komplett unwahrscheinliche Romanze gegen alle weltlichen Widerstände, eingefangen in Bildern von ungeheurer Kraft und Einfallsreichtum. Großes Gefühlskino.

Xia Yo ist eine wohlhabende, verlobte Geschäftsfrau, Xu Zitai ein Straßenverkäufer und Tagelöhner aus einfachsten Verhältnissen. Sie erschöpft und frustriert, er ernüchtert und zynisch. Und doch sehen beide gleich bei ihrem ersten Zusammentreffen etwas ineinander. Die Luft knistert. Es ist der Beginn einer großen Liebe gegen alle Widerstände, die die Welt für sie bereithält. Da ist zum einen ihr gewalttätiger Verlobter, der sie überallhin verfolgt. Zum anderen Xu Zitais unaufhaltsam vorrückende Krankheit - und seine Weigerung, sich behandeln zu lassen. - In Bildern von beeindruckender Schönheit und großem Einfallsreichtum erzählt ›Bound in Heaven‹ ungeheuer frisches und authentisches Kino der großen Gefühle. Und das ohne jeden Kitsch. Erst ganz zum Schluss lässt der Film völlig bewusst jede Bodenhaftung hinter sich.

Xin Huo, 1980 in Beijing geboren, blickt bereits auf eine lange Liste an verfassten Drehbüchern zurück, darunter das Buch zu ›Kung Fu Hustle‹, der 2004 in der Inszenierung von Stephen Chow zum internationalen Hit wurde. Mit ›Bound in Heaven‹ tritt sie zum ersten Mal als Regisseurin in Erscheinung.

Zwischen Justiz und Kastensystem: Mit großer Wucht erzählt Sandyha Suri davon, was es heute bedeutet, eine Frau in Indien zu sein. Feministisches, politisch hochaktuelles und zugleich spannungsreiches Kino.

Santosh ist gerade einmal 28 Jahre, als ihr Mann bei einem Aufruhr ums Leben kommt. Durch ein Programm der indischen Regierung wird ihr sein Posten bei der Provinzpolizei vererbt. Die erfahrene Polizistin Sharma nimmt sie unter ihre Fittiche und gemeinsam beginnen sie im Mordfall eines Mädchens aus einer unteren Kaste zu ermitteln. Santosh wird dabei mit der harten Realität patriarchaler Machtstrukturen konfrontiert, in der Korruption und Willkür, aber auch das angstvolle Schweigen der Opferfamilien an der Tagesordnung sind. Ihre Mentorin zeigt ihr zwar, wie sie sich als Frau in diesem System behaupten kann.
Doch zu welchem Preis? Feministischer Thriller über die Frage nach Recht und Gerechtigkeit. Aber auch über den Mut einer neuen Generation von Frauen sowie die Möglichkeiten und Grenzen der Veränderung. Hochbrisant!

Sandyha Suri ist eine britisch-indische Filmemacherin. Ihr Dokumentarfilm ›I for India‹ (2005) wurde in Sundance für den Grand Jury Prize nominiert, der Kurzfilm ›The Field‹ (2018) für einen BAFTA. ›Santosh‹ ist ihr erster fiktionaler Langfilm.

Der gefeierte Alltagschronist Hong Sang-soo spürt den Feinheiten unserer Beziehungen nach. Eindringlich und poetisch wie immer und doch erfrischend anders. Kurzfristig hat Jeonim ihren Onkel gebeten, ein Stück für das Unifest zu schreiben. Der ist ein ehemals berühmter Schauspieler, sie Dozentin an der Hochschule. Schnell nimmt die Arbeit an dem neuen Stück Form an, und zugleich entfaltet die Beziehung zwischen Jeonim, ihrem Onkel und ihrer Ziehmutter an der Universität ihre ganz eigene Dynamik. Mit gewohnt großer Hingabe für die feinen Zwischentöne erzählt Hong Sang-soo von Ängsten und Träumen, Erfolg und Misserfolg. So elegant wie beiläufig ineinander verwobene Dialoge tragen den Film. Doch diesmal begegnen sich die Figuren mit entwaffnender Offenheit. Und dann ist da noch der nahe gelegene Fluss.
Hong Sang-soo ist ein international renommierter und vielfach ausgezeichneter Regisseur und Drehbuchautor aus Südkorea. Bekannt ist er für das subtile Erkunden der Hintergründe zwischenmenschlicher Beziehungen. Entdeckt wurde er 1996 auf dem IFFMH mit seinem Debütfilm ›Der Tag, an dem ein Schwein in den Brunnen fiel‹.

Im Kampf gegen Gewalt und Unterdrückung in der eigenen Familie ist eine junge Frau bereit, bis zum Äußersten zu gehen. Ein erschütternder, wichtiger und mutiger Film über weibliche Selbstbehauptung.

Brasilien, am Ufer des Amazonas. Die jugendliche Marcielle lebt hier mit ihren Eltern und drei Geschwistern. Trotz vordergründiger Zuneigung herrscht zu Hause eine angespannte und beengende Atmosphäre. Um der zu entkommen und es der von ihr vergötterten älteren Schwester gleichzutun, begibt sich Tielle zunächst auf einen der Lastkähne, die regelmäßig auf dem Fluss vorbeiziehen. Doch auch der führt sie nicht von der Insel fort. Also entscheidet sich die mutige junge Frau schließlich dazu, der Unterdrückung die Stirn zu bieten. Und sie ist bereit, dafür bis zum Äußersten zu gehen. Regisseurin Marianna Brennand dokumentiert mit diesem aufrüttelnden und souverän inszenierten Drama das furchtbare Unrecht, das vielen jungen Frauen in ihrem Heimatland widerfährt. Ein harter und wohltuend unnachsichtiger Film.

Regisseurin Marianna Brennand studierte Film in Santa Barbara und kehrte anschließend nach Brasilien zurück. Nach mehreren Dokumentarfilmen gibt sie nun mit ›Manas‹ ihr Spielfilmdebüt. Es ist das Ergebnis einer zehnjährigen Recherche über das Amazonasgebiet.

Ein mexikanischer Kartellboss wird zu der Frau, die er immer schon sein wollte. Modernes Epos, Oscarkandidat und epochales Meisterwerk mit grandioser Starbesetzung.

Die Anwältin Rita (Zoe Saldaña) ist ein kleines Licht in einer großen Firma: überqualifiziert, aber unterrepräsentiert. Ihrer Intelligenz verdanken Dealer, Mörder und Drogenbarone die Freiheit. Eines Tages bietet sich ihr ein Ausweg: Kartellboss Manitas del Monte (Karla Sofía Gascón) will mit ihrer Hilfe aus der Mafia-Welt aussteigen. Rita soll ein neues Leben für seine Frau Jessi (Selena Gomez) und die Kinder organisieren und einen Plan umsetzen, den er seit Jahren vorbereitet hat: sich voll und ganz in die Frau zu verwandeln, die er tief im Inneren schon immer war: Emilia Pérez! Doch Manitas´ Vergangenheit gehorcht ihren ganz eigenen Regeln.

Jacques Audiard, Jahrgang 1953, gehört zu den international renommiertesten Autorenfilmern. Zu seinen von Publikum wie Kritikern gleichermaßen gefeierten Werken gehören ›Ein Prophet‹, ›Der Geschmack von Rost und Knochen‹ und ›The Sisters Brothers‹. ›Emilia Pérez‹ wurde in diesem Jahr in Cannes gleich mit zwei Preisen ausgezeichnet.