„Improvisation ist der Knopf, der verhindert, dass uns der Kragen platzt.“

Ein Workshop für Wiederholungstäter*innen, die gar nicht anders können, als mittels Improvisation auf der Bühne zu experimentieren.

Einlass ab 10:30 Uhr

Von denen ganz da oben ist nichts mehr zu erwarten, das ist klar. Die Götter sind malade und kraftlos, die Geister zu porös zum Spuken. Und so liegt es wieder einmal an Die Heiterkeit, uns mit der für sie ureigenen zärtlichen Strenge an den Trampelpfad zu geleiten, der uns jetzt wieder rausführt aus diesem Schlamassel. Oder, noch besser, hinein in eine neue, in Wahrheit natürlich uralte Welt des magischen Denkens. Nach dem leichten Glanzpop von „Was Passiert Ist“ strahlt Die Heiterkeit nun mächtig-mystisch in einem Schmiedewerk zwischen Pop und Folk und geht mit selbstverständlicher großer Geste ganz aufs Elementare. „Manchmal hilft nur noch schwarze Magie“, singt Stella Sommer und nimmt uns, sicher eingehüllt in warme Klangkapuzen, mit auf den Teufelsberg und zwischen die Zeilen der großen Songwritingkunst.

Wer im 15. Heiterkeitsjahr und bei ihrem insgesamt mittlerweile 9. Album (bisher: 4x Die Heiterkeit, 3x Stella Sommer, 1x Die Mausis) immer noch bass erstaunt auf Sommers dunkle Stimme verweist und erneut nur die längst abgegrabbelten wohlfeilen Vergleichsverweisen herauskramt, verpasst das spektakulär einzigartige in dieser Musik, das niemand in diesem Land so scheinbar mühe- und vor allem furchtlos beherrscht wie Stella Sommer. Und man verpasst, mit welch großer Songwriterin und Musikerin man es zu tun hat. Wie der Vorgänger „Was Passiert Ist“ entstand auch „Schwarze Magie“ wieder in enger Zusammenarbeit von Sommer und Produzent Moses Schneider.

Dieses Album klingt gleichzeitig neu und vertraut, schwer und leicht. Wie eine Sammlung der größten Popsongs aus der goldenen Zeit, bevor diese Musik hohl und ausgebleicht klang. Nichts lässt hier an deutsche Indiemusik denken. Das Great American Songbook diente Sommer als Inspiration (schon Frank Sinatra sang schließlich über „Witchcraft“), ein Zitat aus einer Elvis-Rede wird leichterhand zum Impuls für ein Lied über die Gefahren zu erfolgreicher Manifestation („Alles, was ich je geträumt hab“).

„Schwarze Magie" besitzt eine Tiefe und alte Weisheit, die hierzulande ihresgleichen suchen. Wie schwere Samtvorhänge legt sich dieses Album mit Abgründigkeit und einnehmender Gravitas auf unsere so genannte Wirklichkeit, immer wieder blitzt dabei der ganz eigene Heiterkeit-Esprit auf. Stella Sommer ist die Frau, die nicht nur den Blitz, sondern unbedingt auch den Witz in ihrer Jackentasche trägt.

Und ein Gespür dafür, welche Interpretation des ursprünglich persischen Hoffnungsmantras „This too shall pass“ wir gerade brauchen: „Auch das hier wird vorübergehen“, singt Stella Sommer: „Der Mund ist eine Wunde, die lacht / auch das hier wirst du überstehen.“

In „Teufelsberg“ heißt es: „Manchmal merkt man erst, dass man einsam war, wenn man es nicht mehr ist.“ Und wie sehr Die Heiterkeit gefehlt hat, hört man unbedingt, wenn sie nach sechs Jahren mit diesem Meisterwerk zurückkommt.

Einlass: 19 Uhr / Stehplatz

The Flo Must Go On
Florian Wagner ist bekannt von seiner viralen Serie „Wie hätten klassische Komponisten bekannte Lieder geschrieben“, die im Netz millionenfach geklickt wird oder als Hälfte von Ass-Dur.

Jetzt geht er mit seinem dritten Solo-Programm „The Flo Must Go On“ auf große KlaviaTour.

Neue Lieder, die mal politisch, mal albern, mal tiefsinnig, aber immer mit Augenzwinkern sind, neue virtuose Klavierarrangements und einen lustigen Witz ungefähr in der Mitte der zweiten Hälfte. Das alles erwartet Sie in „The Flo Must Go On“.

Von Mozart bis Billy Joel, von Bach bis Helene Fischer, Florian bedient viele musikalische Stile und vereint sie zu einer abwechslungsreichen und mitreißenden Musik-Comedy-Show.

Foyer und Bar ab 16:00 Uhr geöffnet. Einlass in den Saal ab 16:30 Uhr.

In seinem 8. Bühnenprogramm stellt sich Tobias Mann der wichtigsten Frage der Zeit: Was ist echt und was ist falsch – und spielt das überhaupt noch eine Rolle, wenn man mit einem Klick viel schönere Wahrheiten erzeugen kann, als die Realität sie hergibt? Sind Emotionen real, wenn sie vom Social-Media-Algorithmus erzeugt wurden? Und was heißt schon REAL, wenn man sich bei der alltäglichen Selbstbeobachtung zwischen seinem Spiegelbild und dem bearbeiteten Profilfoto im Netz entscheiden muss?
“Fake it til you make it!” ist das Motto der Zeit. REAL war gestern, dem FAKE gehört die Zukunft. Darum hat Tobias Mann trotz aller Widrigkeiten der Gegenwart extrem gute Laune und ist sicher: „Alles wird gut!“ Schließlich werden selbst die größten Probleme dieses Planeten künftig vom Computer gelöst. Gut, hoffentlich merkt der Rechner nicht, dass der Mensch das Problem ist.
„Tobias Manns Programm ist zweifellos die beste Show, die man sich ansehen kann, da es mit unübertroffener Brillanz, intelligentem Witz und einer unwiderstehlichen Bühnenpräsenz das Publikum in seinen Bann zieht und unvergessliche Momente schafft.“ Diesen Satz hat sich kein übereifriges Management ausgedacht, sondern die Künstliche Intelligenz. Ist die Information damit nun FAKE oder REAL? Um das herauszufinden, muss man sich den preisgekrönten Kabarettisten und Musiker (Das ist übrigens REAL – Deutscher Kleinkunstpreis, Bayerischer Kabarettpreis, Prix Pantheon uvm.) allerdings selbst anschauen.
In Texten und Liedern widmet sich der Mann mit sonnigem Gemüt und unerschütterlichem Humor falschen Wahrheiten und wahren Fakes. Ein Abend mit tiefschürfenden Gedanken, cleverer Satire und puppenlustigem Blödsinn vom FachMann - das sollte man sich nicht entgehen lassen. Echt jetzt!
Foto Tobias Klose

Einlass 17 Uhr

Egal, ob er seinen Latin-Rock spielt, poppiges, souliges, bluesiges oder jazziges: Eines hat man der Musik von Gitarren-Legende Carlos Santana und seinem unverwechselbaren Sound im Lauf seiner über 50jährigen Karriere immer nachgesagt – daß sie magisch ist!
Kein Wunder also, daß Gerd Schlüter 2010 seine Band THE MAGIC OF SANTANA taufte...

Seit mehr als 13 Jahren bringt der Hamburger Santana-Fan und Gitarrist die Musik seines Idols auf internationale Bühnen. THE MAGIC OF SANTANA werden verstärkt durch die legendären SANTANA-Sänger Alex Ligertwood (1979 bis 1994) und 11-fachen Grammy-Gewinner Tony Lindsay (1995 bis 2015). Nach Auftritten in ganz Europa gilt THE MAGIC OF SANTAN, als beste Santana-Band in diesem Genre!

Mit sieben professionellen Musikern, die alle die Leidenschaft für diese energiegeladene Musik verbindet, und Original-Mitgliedern von SANTANA spielen sie sich bei ihren pulsierenden Shows quer durch das einzigartige Repertoire des mexikanischen Gitarristen.
Da kann niemand still sitzen bleiben, wenn THE MAGIC OF SANTANA mit drei Percussionisten die Bühne mit rauen Latin-Rock-Klassikern wie „Jingo“, „Soul Sacrifice“,
„Oye Como Va“ oder „Evil Ways“ rocken.
Und da bleibt niemand unberührt, wenn gefühlvolle Melodien wie „Somewhere in Heaven“, „Black Magic Woman“, „Europa“ oder „Samba Pa Ti“ gespielt werden. Diese Band überzeugt durch große Spielfreude und geben bei ihren Auftritten alles. Zwar stets mit eigener Handschrift, ohne aber das Original außer Acht zu lassen.
Erleben Sie einen magischen Abend mit THE MAGIC OF SANTANA!

THE BAND:
Gerd Schlüter - Lead Guitar, Vocals & Percussion
Jens Skwirblies, - Hammond & Keyboards
Martin Hohmeier - Bass
Olli Schröder – Guitar, Vocals & Percussion
Pablo Escayola – Congas, Bongos, Percussion & Vocals
Heinz Lichius – Timbales & Percussion
Michael Nick – Drums
GUESTS:
Tony Lindsay – Lead-Vocals & Percussion
Alex Ligertwood – Lead-Vocals, Guitar & Percussion

Einlass 18:00 Uhr I Beginn: 19:00 Uhr

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

„Improvisation ist der Knopf, der verhindert, dass uns der Kragen platzt.“

Ein Workshop für Wiederholungstäter*innen, die gar nicht anders können, als mittels Improvisation auf der Bühne zu experimentieren.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

Basiskurs für Beginner & Einsteiger
„Einfach mal ausprobieren, könnte ja gut werden.“

Ein Improtheater-Workshop für diejenigen, die ihre guten Vorsätze wegwerfen, um ganz neue Ansätze auf der Bühne auszutesten.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

Basiskurs für Beginner & Einsteiger
„Einfach mal ausprobieren, könnte ja gut werden.“

Ein Improtheater-Workshop für diejenigen, die ihre guten Vorsätze wegwerfen, um ganz neue Ansätze auf der Bühne auszutesten.

Mit 400.000 monatlichen Hörer:innen haben Bremer/McCoy entgegen aller Erwartungen ihren eigenen zurückhaltenden Kosmos in einer lauten Zeit erschaffen. Passend dazu trägt das sechste Album des Duos den Titel „Kosmos“. Darin wollen sie eine Weltanschauung vermitteln, die auf tiefer Verbundenheit und einem Gefühl von Freiheit basiert. Das Rohmaterial umfasst Stücke, die seit 15 Jahren reifen, ebenso wie solche, die in intensiven Momenten innerhalb von 15 Minuten entstanden sind.

„Kosmos“ ist ein Statement ohne Ausrufezeichen oder große Lettern. Es ist der Versuch zweier dänischer Musiker, die Welt einzufangen, für die sie stehen – und die sie mit anderen teilen möchten. Das Album steht für eine Haltung, und in Bremer/McCoys Kosmos kann man einander ohne Worte begegnen.

„Menschen haben schon immer Musik gemacht. Wir saßen am Feuer und haben gesungen. Wir haben getanzt. Wenn wir gemeinsam musizieren oder zuhören, kommunizieren wir wortlos. Gerade jetzt ist es wichtig, uns daran zu erinnern, zu kommunizieren, denn viele empfinden die Zeiten als schwierig. Was wir vertreten, ist eine unpolitische Kommunikation. Eine meiner größten Sorgen ist die Spaltung. Dass politische Haltungen Menschen davon abhalten, miteinander zu sprechen, obwohl es so viel Gemeinsames gibt. Jeder genießt einen Spaziergang im Wald, und ich glaube, jeder empfindet grundlegende Freude und Frieden, wenn etwas Schönes geschaffen wird“, sagt Morten McCoy.

Bei den Konzerten des Duos entsteht diese intime und unmittelbare Atmosphäre. Der Ausgangspunkt für „Kosmos“ war der Versuch, die Emotionen ihrer Live-Auftritte auf Platte festzuhalten. Daher gestalteten sie die erste Studiosession wie ein Konzert – sie begannen einfach zu improvisieren. Ihre Improvisationsweise ist dabei einzigartig: Sie improvisieren keine Soli, sondern ganze Stücke. Sie jammen nicht ziellos, sondern erzählen eine Geschichte. Welche Geschichte sie erzählen werden, wissen sie zu Beginn nicht – sie entdecken sie gemeinsam.

Die beiden teilen eine gemeinsame Vergangenheit und kennen sich seit ihrer Zeit an der Ryvangen Lilleskole. Dennoch führen sie heute sehr unterschiedliche Leben: Morten McCoy lebt mit Frau und Kindern in einer Kommune auf einem Bauernhof, während Jonathan Bremer ein schnelles Stadtleben führt. In der Musik jedoch finden sie stets zueinander, weil sie dabei vollkommen präsent sein können.

„Wir sind sehr flow-orientiert. Man darf nicht zu sehr versuchen, etwas in die Musik hineinzuzwingen oder einen Plan haben, was passieren soll. Nur wenn man das Ego komplett beiseite lässt, entsteht Raum für das, was geschehen muss. Wenn ein Musiker denkt: ‚Jetzt sollte dies oder das passieren‘, steht er außerhalb der Musik. Wir wollen spielen, als würden wir der Musik einfach nur zuhören, während sie entsteht. Das ist ultimative Freiheit“, sagt Jonathan Bremer.

Diese Herangehensweise zeigt sich auf diesem Album deutlicher als auf allen bisherigen. So entstand die erste Single „Higher Road“ in einem einzigen Take – mit allen Instrumenten und Effekten live eingespielt. Die Stücke kreisen thematisch um Meditation, Gebet, Dankbarkeit und leisen Optimismus im Namen von uns allen. Ein Song wie die Single „Alting løser sig“ („Alles wird gut“) entstand aus einer vagen Idee – das Duo begann einfach zu spielen und sah, was passieren würde. Heraus kam ein Stück, das zum Kosmos des Duos passt und die Idee aufgreift, dass Angst ein schlechter Antrieb ist – stattdessen sollte man darauf vertrauen, dass sich alles fügen wird. „Hvor du er“ („Wo du bist“) entstand bei einer früheren Studiosession mit Hans Philip, bei der dieser zufällige Wörter sagte, während das Duo spielte. Unter anderem fiel dabei der Satz „indtil, hvor du er“ („bis dahin, wo du bist“) – daraus entwickelte sich später ein eigener Bremer/McCoy-Track. Ideen und Melodiefragmente müssen manchmal „zehn Jahre marinieren“, wie Jonathan Bremer sagt. „Bøn“ („Gebet“) stammt aus diesem Fundus. Das Stück basiert auf einem Thema, das das Duo oft live gespielt, aber nie auf ein Album gebracht hatte. Als Jonathan Bremer dann ein Bass-Ostinato spielte, fiel plötzlich alles an seinen Platz – wie es oft geschieht, wenn Bremer/McCoy sich und ihre Hörer:innen in einen tranceartigen Zustand versetzen.

Bremer/McCoy werden „Kosmos“ im Herbst mit einer Konzertreihe in den größten Städten des Landes begleiten. Den Abschluss bilden drei Konzerte im Konzertsaal des Konservatoriums in Kopenhagen. Dazwischen findet auch eine Skandinavien-Tour statt, bei der das Duo Schweden und Norwegen besucht. Für 2025 ist zudem eine Mitteleuropa-Tour geplant.

Einlass: 19 Uhr / Sitzplatz / Freie Platzwahl

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

ARY kündigt seine erste eigene Tour an und geht in 2025 auf die KETAMA TOUR

Mit nur 20 Jahren hat ARY aus Iserlohn in Rekordzeit die Aufmerksamkeit der Musikszene auf sich gezogen und seine Fangemeinde stetig erweitert. Sein Hit „Ticket nach Ketama“ (ft. Liaze) schoss in den Spotify Top 50 Charts Deutschland direkt in die Top 5 und wurde über Nacht zum Streaming-Liebling. Spätestens seit seinem viralen Erfolg „Du liebst mich auch“, der auf TikTok Millionen begeisterte, ist ARY nicht mehr aus der deutschsprachigen Musiklandschaft wegzudenken.

Denn ARYs Musik ist mehr als Unterhaltung – sie ist das klingende Tagebuch seines Lebens. Mit seiner unverwechselbaren Stimme und authentischen Texten nimmt er seine Zuhörer mit auf eine Reise durch persönliche Erlebnisse und tiefe Emotionen. ARY versteht es, Musik in eine universelle Sprache zu verwandeln, die von Herz zu Herz spricht.

Nach erfolgreichen Tourneen an der Seite von Größen wie Dardan, Monet, Milano und Eddin startet ARY 2025 seine eigene Tournee und lädt seine Fans in neun Städten dazu ein, die Magie seiner Musik hautnah zu erleben. Für alle, die seine Songs und Geschichten nicht nur online, sondern in echter Konzertatmosphäre feiern wollen, bietet die Tour die perfekte Gelegenheit.

Einlass: 19:00Uhr

Restkarten evtl. an allen bekannten VVK-Stellen und an der Abendkasse erhältlich.

Foto: Jan Cönig & Uli Höhmann © Christoph Seubert

Mal lustig, mal nachdenklich, mal Unsinn, mal mit Sinn und immer mit einer neuen Folge des Live-Hörspiels "Die abenteuerlichen Abenteuer des abenteuerlichen Abenteurers Romain Fabrique". Dazu 1-Sterne-Quiz, Talk, Texte und Musik - das alles passiert bei dieser Lesebühne. Die zwei Frankfurter Autoren und Bühnenkünstler Uli Höhmann und Jan Cönig haben genau die Show erfunden, auf der sie sich austoben können mit einer wilden Mischung von Poesie bis Unfug und tollen Gästen aus Poetry Slam, Literatur und Comedy.
Diesmal mit: Elis C.Bihn - die eine Hälfte des längst legendären Duos "Welthits auf Hessisch". Elis schreibt, liest und spielt Texte und Lieder für Lesebühnen in Berlin und Frankfurt. Dort hat er "Die Lesebühne Ihres Vertrauens" mitgegründet. Seine Musik ist auf den gängigen Plattformen zu hören - jüngstes Album: "Der Präsident ist traurig". Wir nicht.
Und: Meike Harms - beide Hälften des Soloprojekts Meike Harms, Bühnenpoetin aus dem Outback Münchens. Ihre Texte vereinen Wortakrobatik mit Gesellschaftskritik und lieben es, im Ernst des Lebens den Humor aufzuspüren. 2023 wurde sie deutschsprachige Vizemeisterin im Poetry Slam. Und natürlich ohne Lisa ...
Mit freundlicher Unterstützung des Kulturamts Frankfurt.

Einlass ab 18.30 Uhr

Eine Produktion von paradiesmedial

„So gesehen ist drinnen draußen“ ist das Motto, das Ingrid Lausund, die viele als Autorin vom „Tatortreiniger“ kennen, ihrer Komödie TÜR AUF, TÜR ZU gegeben hat. Und diese steile These exerziert das Stück nun in immer wieder neuen Versuchen durch: Ist drinnen wirklich irgendwie auch draußen oder fühlt sich Draußensein für diejenigen, die wirklich draußen sind, nicht doch ganz anders an als Drinnensein? Am eigenen Leib erfährt es Anneliez, die – das sei ihr verziehen – den Absprung verpasst und nun draußen darauf wartet, dass sich die Tür für sie wieder öffnet. Während andere reinspazieren, rausmarschieren, sich im Krankenwagen wegtransportieren, während Männer, Hunde, Pferde und sogar ein George-Cloony-Imitat die Tür als Öffner ausprobieren, bleibt für sie die Tür verschlossen. Auch der Chor, der da ist, um eben all diese anderen zu spielen, hat keine Antwort auf die Frage, wieso das eigentlich so ist. Doch Anneliez hat bald eine Vermutung. Aber sich das einzugestehen, nein, das würde ja bedeuten, dass …

TÜR AUF, TÜR ZU ist eine Tür-auf-Tür-zu-Komödie über alles und nichts, und dabei eine wunderbare Allegorie über die Erwartungen, Anforderungen und Grausamkeiten (an Frauen) in der (Arbeits-)Welt. Und ganz nebenbei ist das Stück eine Liebeserklärung an das Theater – denn in Lausunds Sprache und Figuren steckt so viel Witz, dass man sich förmlich reinsetzen kann. Hadihadihadiho!



Mit: Birte Sieling, Christoph Maasch, Sebastian Huther
Regie: Hannah Schassner
Bühne & Kostüm: Team
Outside-Eye: N. N.
Technik: N.N. & Linus Koenig
Verlag: Suhrkamp Verlag Berlin 2012

Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Frankfurt am Main. das Hessische Ministerium für Wissenschaft und Kunst sowie die Naspa Stiftung. In Kooperation mit dem Stalburg Theater und Landungsbrücken Frankfurt.

Einlass: 19.00 Uhr

Einlass ab 17:30 Uhr

„Improvisation ist der Knopf, der verhindert, dass uns der Kragen platzt.“

Ein Workshop für Wiederholungstäter*innen, die gar nicht anders können, als mittels Improvisation auf der Bühne zu experimentieren.