Thomas Mann zählte sie zur Weltliteratur – die Novelle aus dem Jahre 1842. Sprachgewaltig erzählt sie uns von den Kräften des Guten und den Mächten des Bösen, von Gottlosigkeit, Sünde, Schuld und Sühne. Die wüsten Gesellen des deutschen Ordens zwangen die heimischen Bauern zu immer aberwitzigeren Frondiensten. Da kam es den Verzweifelten recht, dass ihnen der Teufel seine zaubermächtige Hilfe anbot. Sein Preis: ein ungetauftes Kind! Doch der Preis spaltete die Gemüter, und der Teufelspakt brachte rasch keinen Segen mehr. Denn der Fürst der Finsternis schickte, sich rächend, dem Landvolk mit der schwarzen Spinne ein tödliches Wüten. Das achtbeinige Untier lässt sich mit Gottesglaube und Todesmut nur bannen, wenn sie im Loch eines Fensterpfostens, verschlossen mit einem ehernen Zapfen, für alle Ewigkeit gefangen wird.
Christian Klischat, festes Ensemblemitglied am Staatstheater Wiesbaden, verleiht dem sagenhaften Stoff nicht nur sprachlichen Ausdruck, sondern auch eine theatralisch-spielerische Gestalt, die den Vortrag weit über eine reine Lesung heraushebt: eine eindringliche Reise in die Abgründe einer schicksalhaften Verstrickung, einer Leib, Leben und Seele bedrohenden Heimsuchung.

Regie: Götz Brandt (u.a. Redakteur, Drehbuchautor, Nationaltheater Mannheim, Staatstheater Mainz)
Spiel: Christian Klischat (u.a. Staatstheater Wiesbaden, Staatstheater Darmstadt, Nationaltheater Weimar, Hans-Otto-Theater Potsdam)

Abendkasse geöffnet ab 19:30 Uhr

Warum gelten heute so viele Kinder als hochbegabt? Warum sind Tech-Manager und rechtsextreme Influencer von Intelligenz besessen? Was macht den Intelligenzbegriff so attraktiv?

Gisela Schmalz und Mario de la Piedra Walter diskutieren, wie der "IQ" als Machtinstrument gebraucht und „Intelligenz“ von linker, libertärer und rechter Seite vereinnahmt wird, um bildungs-, sozial-, wirtschafts- und einwanderungspolitische Ziele durchzusetzen. Das von Christian Dunker moderierte Gespräch macht deutlich, wie IQ-Tests, Ideologien und KI-Diskurse den Blick verengen und grundlegende Dimensionen menschlicher Intelligenz ausklammern.

Dabei gilt Intelligenz heute als Wertmaß für Menschen und Maschinen. In Schule, Politik oder beim Hype um künstliche Intelligenz geht es um Vergleichbarkeit. Der IQ wird benutzt, um Menschen zu sortieren und auszusortieren und so Gesellschaft zu organisieren. In einer von Effizienz bestimmten Welt wird der zum "IQ" geschrumpfte Intelligenzbegriff zum politischen Instrument, Technologieversprechen und schließlich zum Fetisch, der individuelle Lebensläufe und ganze Gesellschaftsstrukturen prägt. Wie kann ein humanistischer Intelligenzbegriff aussehen, der das ganzheitliche Potential eines Individuums umfasst?

Gisela Schmalz, Professorin für Wirtschafts- und Digitalethik, studierte Philosophie und Ökonomie. Als Professorin für Digital Business ist sie an einer internationalen Hochschule tätig und leitet bei der Deutschen Gesellschaft für Philosophie die „Fokusgruppe Künstliche Intelligenz“. Zu ihren Büchern zählen "Cliquenwirtschaft" und "Mein fremder Wille". Sie forscht an der Schnittstelle von Technologie, Wirtschaft und Gesellschaft.

Mario de la Piedra Walter, geboren in Mexico City, ist Autor und Mediziner. Er arbeitet als Arzt in der Neurologie in Berlin. Für die mexikanischen Zeitschriften ›Nexos‹ und ›Mercurio Volante‹ schreibt er über Kultur und Naturwissenschaften. Sein Buch "Unser kreatives Gehirn" ist 2026 in bei Diogenes erschienen.

Foto: Gisela Schmalz (c) Joachim Gern

Die Absolvent*innen der Ausbildung für zeitgenössischen Tanz der Tanzakademie balance 1 zeigen ihre choreografischen Abschlussarbeiten mit Tänzer*innen aus dem 2. und 3. Ausbildungsjahr.

Dauer: 2 Stunden

ENGLISCH:
The graduating class of the vocational Dance Education Program for Contemporary Dance by Dance academy balance 1 present their final choreography pieces along with student dancers from second and third year.

Duration: 2 hrs

Choreografie und Tanz: Fatima Attie, Olivia Andersson, Jolin Haveloh, Nina John, Awin Keßler, Shima Sadeghi, Sara Spengler, Jagna Stryjewska, Zara Wünsche
Tanz: Leonie Lara Grimm, Marina Mertens, Marharyta Pasliadovich, Elena Šakanović, Hanna Lea Stragies, Lavinia Vonberg, Lena Köppe, Ana Luiza Bolsoni, Jackeline Brown Brittenham

Mit freundlicher Unterstützung der Uferstudios für zeitgenössischen Tanz

Wahrscheinlich das letzte Kabarett-Programm der Menschheits-
geschichte, das komplett ohne KI entstanden ist. Allein deshalb
sollten Sie es sich ansehen. Robert Griess mobilisiert noch
einmal alle Reserven der Natürlichen Intelligenz kurz vor
ihrem Verglühen: Und er gibt lustige und überraschende
Antworten auf große Fragen wie: Hat Gott uns erschaffen
oder ist Gott die erste von Menschen erfundene KI ?

Die im Februar 1992 gegründete Band eint die Begeisterung für den Jazz der 10er bis 30er Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts. Die Musik der sechs Bandmitglieder um Christian Hetz ist fröhlich und handgemacht. Sie spielen feinsten Jazz, gern auch mal improvisiert. Kommen Sie vorbei und genießen Sie den Abend im gemütlichen Bürgerhaus Teltow.

Foto: Christian Hetz

Einlass ab 19 Uhr

Aus der Reihe "Berliner Geschichten"

DIE HEXEN VON BERNAU
Von Feindbildern, Justizversagen und einem Verbrechen gegen die Menschheit

Mit: Alina Gause (Spiel, Gesang), Carl Martin Spengler (Spiel, Gesang) und Matthias Behrsing (Klavier)
Regie: Alina Gause
Musikalische Leitung: Matthias Behrsing
Text: Ildiko Bognar
Bühnenbild: Joshua Tewes-McCoy
Kostümbild: Tatjana Hajdukova
Regieassistenz: Milena Mielke

URAUFFÜHRUNG / PREMIERE im Rahmen der Festivalwoche HEIMAT_KUNST zum Motto „DIE KRAFT DER FRAUEN“:
Samstag, 13.06.2026, 19:30 Uhr, THEATER IM PALAIS Berlin
Weitere Aufführungen: Sonntag, 21.06.2026, 16:00 Uhr

Dauer: ca. 1h 45 Min. (inkl. Pause nach 45 Min.)

Passend zu unserem Jahresmotto „Die Kraft der Frauen“ widmen wir uns in unserer neuen szenisch-musikalischen Hausproduktion einem dunklen Kapitel der Geschichte: der Hexenverfolgung.

In Bernau bei Berlin setzt ab 1617 eine Verfolgungswelle ein, in deren Verlauf viele Unschuldige, in erster Linie Frauen, als Hexen angeklagt werden. Eine dieser Frauen ist die 70-jährige Bernauerin Dorothea Meermann. Bereits in dritter Generation wird sie wegen Zauberei verhaftet und über zwei Jahre wiederholt gefoltert. Dennoch bietet sie dem Machtapparat der frühen Neuzeit die Stirn und bleibt bis zu ihrem Tod bei ihrer Aussage, keine Zauberin zu sein.

Nach intensiven historischen Recherchen und anhand von wahren Schicksalen machen wir eine Epoche erlebbar, die nur auf den ersten Blick nichts mit unserer modernen Zeit zu tun hat. Alina Gause und Carl Martin Spengler tauchen mal spielend mal erzählend in eine Geschichte ein, in der Narrative mehr wiegen als Fakten und die Mächtigen immer recht haben.

Einlass Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Auf der Farm des Mr. Jones proben die Tiere den Aufstand: Aufgerührt und angefasst von den Worten des alten Ebers Major überwinden sie die Herrschaft des Menschen und gründen eine freie Farm, in der alle Tiere gleich sein sollen. Gemeinsam erschaffen sie eine Gesellschaft, in der ihre Arbeit ihnen selbst dient und der Ertrag dieser Arbeit gerecht unter allen aufgeteilt wird. Dann aber setzt schleichend ein Prozess ein, an dessen Ende die Unterwerfung durch eine kleine Gruppe von Tieren steht, die alle anderen unterjocht. Plötzlich werden nicht nur bis eben noch geltende Wahrheiten infrage gestellt, sondern auch die Ideen von Gleichheit und Brüderlichkeit solange pervertiert, bis die Perversion als gültige Ordnung von nahezu allen Tieren akzeptiert und gestützt wird.

George Orwells scharfsinnige Allegorie aus den 1940er Jahren, die die Mechanismen der Macht und die dunklen Seiten des menschlichen Zusammenlebens entlarvt, wird in der Inszenierung von Anna Elisabeth Frick und Team in einer dystopischen Welt lebendig. Irgendwo zwischen Tier, Mensch und Ungeheuer angesiedelt, sind die Wesen dieser Welt zunehmend Deformierte.

Regie: Anna-Elisabeth Frick
Bühne: Sophie Lichtenberg
Kostüme: Mariam Haas
Choreografie: Ted Stoffer

/ 19:00 Vorspiel

UMWEGE versammelt die choreografischen Abschlussarbeiten der diesjährigen Absolvent*innen von Danceworks Berlin und lädt dazu ein, die vielfältigen künstlerischen Positionen einer neuen Generation von Choreograf*innen und Performer*innen kennenzulernen.

Der Abend präsentiert Kurzstücke, die aus individuellen Rechercheprozessen hervorgegangen sind und Einblicke in die Fragestellungen, Arbeitsweisen und künstlerischen Sprachen der Absolvent*innen geben. Die Arbeiten markieren einen persönlichen Moment des Suchens, Erprobens und Verdichtens der eigenen choreografischen Praxis.

Der Titel UMWEGE versteht sich dabei als Möglichkeitsraum für neue Perspektiven, unerwartete Begegnungen und die Erfahrung, dass Erkenntnis selten geradlinig entsteht. Die Arbeiten dieses Abends folgen keinen eindeutigen Antworten, sondern bewegen sich entlang von Fragen, Brüchen und offenen Prozessen. Sie laden dazu ein, Bewegung als Form des Denkens und Choreografie als Raum für Reflexion, Begegnung und Imagination zu erleben.

Ausgehend von ihren individuellen künstlerischen Interessen und Perspektiven erforschen die Absolvent*innen Themen wie zwischenmenschliche Beziehungen, Nähe und Distanz, Rhythmus als verbindendes und strukturierendes Element sowie gesellschaftliche und soziopolitische Fragestellungen. Andere Arbeiten beschäftigen sich mit Identität, Erinnerung, Fürsorge, Machtverhältnissen oder den Beziehungen zwischen Körper, Raum und Zeit.

Ebenso vielfältig sind die Methoden und Bewegungssprachen, die dabei sichtbar werden. Improvisation, Komposition, somatische Praktiken sowie der Einsatz von Stimme, Sprache, Musik oder visuellen Medien bilden Ausgangspunkte für eigenständige choreografische Ansätze. Manche Arbeiten entstehen aus präzisen formalen Setzungen, andere aus intuitiven oder kollaborativen Prozessen. Gemeinsam ist ihnen das Verständnis von Bewegung als Forschungsinstrument und Choreografie als offene, experimentelle Praxis. Sie laden das Publikum dazu ein, den Reichtum zeitgenössischer Choreografie in all ihrer Vielschichtigkeit zu erleben.

Dauer: 2 Std. inklusive Pause (15 min)

ENGLISCH:
UMWEGE brings together the final choreographic works of this year’s graduates from Danceworks Berlin and invites audiences to discover the diverse artistic perspectives of a new generation of choreographers and performers.

The evening features short pieces that have emerged from individual research processes and offer insights into the graduates’ questions, working methods, and artistic languages. The works mark a personal moment of exploration, experimentation, and refinement of their own choreographic practice. The title UMWEGE is intended as a space of possibility for new perspectives, unexpected encounters, and the realization that insight rarely arises in a straightforward manner. The works presented this evening do not seek clear-cut answers but rather navigate questions, ruptures, and open-ended processes. They invite the audience to experience movement as a form of thought and choreography as a space for reflection, encounter, and imagination. Drawing on their individual artistic interests and perspectives, the graduates explore themes such as interpersonal relationships, closeness and distance, rhythm as a unifying and structuring element, as well as social and sociopolitical issues. Other works address identity, memory, care, power dynamics, or the relationships between body, space, and time.

Equally diverse are the methods and languages of movement that emerge in the process. Improvisation, composition, somatic practices, and the use of voice, language, music, or visual media serve as starting points for unique choreographic approaches. Some works emerge from precise formal structures, others from intuitive or collaborative processes. What they have in common is an understanding of movement as a research tool and choreography as an open, experimental practice. They invite the audience to experience the richness of contemporary choreography in all its complexity.

Duration: 2 hrs including a 15 minutes break

Team
Danceworks Berlin Absolvent*innen 2026

Credits
DANCEWORKSberlin gGmbH, Tanzraum Wedding GbR

So ist es manchmal: Erst sehnt sich die Frau nach einem Mann. Dann ist er da. Dann sehnt sie sich danach, ihn wieder loszuwerden. Aber wie?
Fragen über Fragen. „Mein Mann – und tschüss!“ gibt die Antwort. Einfach, klar und witzig. Gisela von Bock sucht in einem Coaching Rat bei der erfahrenen Frau Senfstößl. Und wirklich, durch geschickte Fragen und lebensnahes Spiel hilft ihr die Coachin aus der Lebenskrise.
Eine brillante Komödie!

„Mein Mann – und tschüss“ ist die Fortsetzung der Theaterstücke „Männerschlussverkauf“ und „Die Männerfalle“.

Es spielen Sina Haarmann, Marion Martinez

Ein alter Esel, ein müder Hund, eine verbitterte Katze und ein zäher Hahn leisten für den Menschen nicht mehr genug und werden von ihren Herren fortgejagt. Aber die verjagten Tiere treffen sich rein zufällig und beschließen, zusammen zu bleiben. Ihr Wahlspruch lautet: "Was besseres als den Tod finden wir überall". Sie fassen einen Plan und wollen Stadtmusikanten in Bremen werden. Aber es kommt alles anders als geplant, und nachdem sie sehr geschickt die Räuber aus einem Waldhaus vertrieben haben, ziehen sie selbst dort ein. Als ein Räuber zurückkehrt, um die Lage zu erforschen, verpassen die Tiere dem Räuber in genialer Zusammenarbeit einen ordentlichen Denkzettel und keiner der Räuber traut sich jemals mehr zurück. Die Tiere aber leben nun in froher Eintracht und singen für ihr Leben gern.

Das Mitspieltheater ist eine besondere Form des Theaterspielens, bei dem eine erfahrene Schauspielerin ein Märchen erzählt und dabei in die verschiedenen Märchencharaktere und Rollen schlüpft.
Die Kinder erleben beim Mitspieltheater die große Kunst des Schauspielens hautnah mit, nämlich den Rollenwechsel – den der Spieler vor ihren Augen auf der Bühne vollzieht. Dabei dürfen sie dem Märchen nicht nur gespannt zuhören, sondern aktiv mitwirken. Sie können ihre Gedanken und Ideen der Schauspielerin auf der Bühne zurufen, die diese Impulse spontan mit in die Geschichte integriert.


Es spielt: Marion Martinez

English version below

Theater
Deutsch: 24./25./26./27.09., 19:15
Englisch: 01./02./03./04.10., 19:15
Deutsch: 08./09./10./11.10., 19:15
Ca. 3h 15 Min.

Das ist Binge-Watching fürs Theater und aus größter Nähe: In den Stücken der queeren Volkstheatergruppe Nesterval begleitet das Publikum einzelne Charaktere durch eine Vielzahl von Szenen – wie auf einem verschachtelten Filmset führt das gekonnte Storytelling durch unterschiedliche Erzählstränge und Räume. Erstmals in Berlin, entwickelt die Gruppe aus Wien jetzt eine ortspezifische Arbeit für die Sophiensæle: Nestervals Eldorado. Im Zentrum steht die queere Geschichte im Berliner Scheunenviertel und rund um die Sophiensæle während der NS-Diktatur. Inspiriert von den Biografien schwuler, lesbischer, bisexueller und trans* Menschen, die systematisch verfolgt und ermordet wurden, verweben Nesterval Fiktion und Wirklichkeit gekonnt zu einer berührenden Erzählung.

Eine Produktion von Nesterval in Koproduktion mit Sophiensæle. Basierend auf der Koproduktion mit brut Wien. Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes. Gefördert von dem Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien. Gefördert durch das Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport (BMWKMS) und die Stadt Wien. Gefördert durch die Dr. Host Rusch-Stiftung und die Between Bridges Stiftung. Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz, Yorck Kinogruppe.
_______________

Theater
German: 24./25./26./27.09., 19:15
English: 01./02./03./04.10., 19:15
German: 08./09./10./11.10., 19:15
Ca. 3h 15 min.

This is binge-watching meets theater, live and up close. Much like a camera weaving through an elaborate film set, this piece guides the audience through a multitude of scenes, introducing them to a whole range of characters and their stories along the way. The Vienna-based troupe Nesterval makes their Berlin debut with Nestervals Eldorado, a site-specific work developed for Sophiensæle. Set in and around the Sophiensæle bulding complex and Berlin’s Scheunenviertel neighborhood, the piece center’s on the city’s queer history before and during Nazi rule. Inspired by the biographies of gay, lesbian, bisexual, and trans people who were systematically persecuted and murdered at the hand of the Nazi regime, Nesterval artfully weaves fiction and reality into a poignant, deeply moving story.

A production by Nesterval in co-production with Sophiensæle. Based on the co-production with brut Wien. Funded by the German Federal Cultural Foundation. Funded by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media. Funded by the Federal Ministry of Housing, Arts, Culture, Media and Sport (BMWKMS) and the City of Vienna. Funded by the Dr. Horst Rusch Foundation and the Between Bridges Foundation. Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz, Yorck Kinogruppe.

Einlass ab/Admission: 18:00–19:15 | Kein Nacheinlass!/No late entry!

Ausverkauft/Sold out; Weitere Vorverkaufstermine/Additional ticket sales dates: 20.08, 10.09., jeweils 16:00/4:00 p.m.

Philipp Oehmke & Campino – Papenburg
25.09.2026 – Berlin – Colosseum
Lesung und Gespräch

Eine Familie zwischen Liebe und Egoismus

Emilia Papenburg hat ihren Mann Benni verlassen und ist mit den Kindern nach New York gegangen. Ein Neubeginn ohne Familie, an der sie gescheitert zu sein glaubt, genau wie schon ihre eigenen Eltern. Doch vielleicht irrt Emilia sich. Denn ihr Vater und ihre so lange verschollene Mutter wollen um jeden Preis die Familie zusammenbringen. Sie ertragen gegenseitige Verletzungen und enttäuschte Hoffnung für Momente klaren Glücks. Emilias Mann Benni ist da schon einen Schritt weiter: Er stellt seine Freiheit über die Illusion familiärer Notwendigkeiten.
„Papenburg“ ist das schillernde Porträt unserer verunsicherten westlichen Gesellschaft und einer Schar verzweifelter und erfindungsreicher Menschen auf der Suche nach Sinn und Vergebung.


Philipp Oehmke
Philipp Oehmke, geboren 1974, wuchs in Bonn auf, studierte Germanistik in Hamburg und war zwei Jahre lang Volontär bei der Zeitschrift Tempo. 2001 schloss er die Graduate School of Journalism der Columbia University mit einem Master of Science ab. Von 2002 bis 2006 war er Redakteur beim Magazin der Süddeutschen Zeitung, wo er auch die 50-bändige Buchreihe SZ-Diskothek herausgab. 2006 wechselte er als Redakteur in das Kulturressort des Nachrichtenmagazins Der Spiegel. Von 2015 bis 2020 leitet Oehmke das New Yorker Büro des Nachrichtenmagazins, für das er heute aus Berlin als Autor tätig ist.
Oehmke ist Autor der Biografie Am Anfang war der Lärm über die Rockband Die Toten Hosen. Das Buch erschien 2014 und stand mehrere Wochen in der Top Ten der Spiegel-Bestsellerliste.

Campino
Campino, eigentlich Andreas Frege, gründete 1978, im Alter von 16 Jahren, die Gruppe Zentralkomitee Stadtmitte, kurz ZK, die stark von der Punk-Szene im „Ratinger Hof“ beeinflusst war. Vier Jahre später, als Punk auf dem absteigenden Ast war, rief er antizyklisch die Toten Hosen ins Leben.
Er prägt die Band seither nicht nur mit seiner Stimme und seiner Live-Performance, sondern ganz besonders mit seinen Texten. Dabei scheut er sich auch nicht, mit anderen Autoren zusammenzuarbeiten, etwa mit dem Berliner Singer-Songwriter Funny van Dannen oder zuletzt mit dem Rapper Marteria. Campino hat sich auch außerhalb der Musik als Künstler bewiesen — seit den 1980er Jahren immer wieder als Schauspieler, zum Beispiel im Spielfilm „Palermo Shooting“ von Wim Wenders oder in der „Dreigroschenoper“ im Berliner Admiralspalast unter Klaus Maria Brandauer.

Einlass: 18:30 Uhr

Schafft Romnja es, in Wien ein Superstar zu werden?
Wie kommt es, dass der Intellektuelle erst in Österreich
den Stolz auf die alte »Heimat« entdeckt?
Was haben die sogenannten »Wurzeln« mit der zweiten oder sogar dritten Generation noch zu tun?
Und wie geht es der Erzählerin, die zwischen den Welten hin- und herspringt bevor sie schlussendlich in Berlin ankommt?

Die Schauspielerin Vidina Popov verwebt Interviews, Dokumentationen und Begegnungen zu einer rasanten-musikalischen-360-Grad-Untersuchung des Konzepts »Heimat«: fragt nach ihrem Verlust, den damit verbundenen Klischees und den Erfahrungen in einem neuen Raum.
Mit bissigem Humor zeigt sie auf, wie trügerisch Annahmen über andere und sich selbst sein können, und entlarvt gängige Mechanismen.
Eine One Woman Show im Mix zwischen Theater und Stand-up. Mit Live Musik und viel Balkan Soul. Hoppa!

Einlass ab 18:50 Uhr (Studio)

Das Elvis Musical in Berlin ist eine spektakuläre Show, die Elvis Presleys unglaubliche Karriere und sein musikalisches Vermächtnis zelebriert. Das Elvis Musical bietet den Zuschauern eine unglaubliche Reise durch das Leben und die Musik des "King of Rock ´n´ Roll". Von seinen Anfängen in Memphis bis hin zu seinen legendären Auftritten in Las Vegas und der ganzen Welt, wird die Show mit Elvis´ ikonischen Songs wie "Heartbreak Hotel", "Hound Dog", "Jailhouse Rock", "Suspicious Minds" und vielen anderen begeistern. Die Live-Band und Grahame Patrick - der zu den weltweit besten Elvis-Darstellern zählt - bringen die Energie und den Sound von Elvis´ Musik auf die Bühne. Die Bühneneffekte und das Lichtdesign sind atemberaubend und schaffen eine magische Atmosphäre, die das Publikum in eine andere Zeit und Ära versetzt. Als Highlight ist das legendäre "The Stamps Quartet" mit von der Partie. Musiklegende Ed Enoch ist als Original-Mitglied auch dabei. In mehr als 1.000 Konzerten stand der mittlerweile 81-Jährige damals mit Elvis Presley auf der Bühne. Auch sang er auf dessen Beerdigung im Sommer 1977. In ELVIS - Das Musical singt Enoch zusammen mit Grahame Patrick. Dazu laufen auf den Leinwänden die legendären Aufnahmen aus dem Leben des Originalstars.

Einlass: 19:00 Uhr

Shakespeares Richard III., uraufgeführt um 1593, war schon zu Lebzeiten des Dramatikers einer seiner erfolgreichsten Texte. Bis heute hat die Titelfigur nichts von ihrer Faszination eingebüßt. Ihre Verführungskraft liegt gerade in ihrer hemmungslos zielgerichteten, lustvoll zur Schau gestellten Amoralität. Richard ist der erste in einer Reihe von Bösewichten in Shakespeares Werk, dessen virtuose Manipulationskunst fasziniert. In der Tradition der europäischen Theatergeschichte wurde Richards körperliche „Missgestalt“ zum Symbol für moralische Verkommenheit. Diese Gleichsetzung von Behinderung mit Bösartigkeit hat sich tief in das kulturelle Gedächtnis eingeschrieben und prägt bis heute die Wahrnehmung von Körpern, die von der Norm abweichen.

Die Inszenierung am RambaZamba Theater stellt diese Zuschreibung radikal infrage. Gemeinsam mit der Autorin Antigone Akgün wird Shakespeares Text überschrieben, um Richard als Figur zu entwerfen, deren Machtergreifung aus der Erfahrung von Ausgrenzung, Spott und strukturellem Ableismus entsteht. Statt als „dämonischer Tyrann“ erscheint Richard als jemand, der sich die ihm verweigerte Teilhabe mit allen Mitteln aneignet – kompromisslos, schillernd, unerbittlich. Regisseurin Julia Wissert legt dabei den Fokus auf die politischen Dimensionen: Wer hat Zugang zu Macht? Wer darf sichtbar sein? Und welche Gewalt erzeugt eine Gesellschaft, die ihre Außenseiter:innen permanent abwertet?

Die Regisseurin Julia Wissert, bekannt für ihre politischen, diskursstarken Inszenierungen, erarbeitet mit der Autorin Antigone Akgün eine Textfassung zwischen Shakespeare-Rhythmus und heutiger Überzeichnung, die Wut, Witz und Widerstand in den Dialogen spürbar macht. Die unterschiedlichen Körper und Stimmen der Schauspieler:innen des RambaZamba Theaters erzeugen einen Resonanzraum, in dem Norm und Abweichung immer wieder neu verhandelt werden.

Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds und aus Mitteln der Senatsverwaltung für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt.

Vorverkauf startet in Kürze

Was haben Mütter und Magie gemein? TIGERS’ KITCHEN thematisieren die Abwesenheiten ihrer Mütter und rücken damit ins Zentrum, was zu lange im Verborgenen herumgeisterte. Was mit Ticks und Tricks beginnt, macht auch vor Tod und Traurigkeit nicht halt.

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr