WILLKOMMEN ZURÜCK im CADILLAC in unserer PUNKROCK MOTORCITY OLDENBURG zu einem weiteren Geburtstagskonzert! WILLKOMMEN im KLUB 27!
Ok. Den Klub 27 haben wir ja mehr oder weniger lange überlebt, aber 27 Jahre werden wir trotzdem alt und das müssen wir mit einem Konzert feiern. Ist ja logisch. Wir haben noch unser letztes Jubiläumskonzert in unserem Herzen. Die Stimmung war so schön, positiv aufgeladen, harmonisch und voller Menschen mit einem Lachen im Gesicht, vielen Gesprächen, Umarmungen und einem Miteinander, dass wir lange nicht mehr so geballt gesehen haben. Genau das werden wir wiederholen und auch die Menschen, welche in 2025 nicht dabei sein konnten haben nun die Gelegenheit! Wir sehen uns am 19.09.2026 und haben einen tollen Gast dabei. WICK BAMBIX hat unsere Einladung angenommen! Das freut uns sehr!
Wer uns kennt, der weiß, dass wir uns was richtig Gutes für den Abend überlegen werden! Neue Songs müssen ja auch irgendwann herausgebracht werden. Zum Beispiel und vielleicht genau dann? Lasst Euch überraschen!

Special Guets an diesem Abend werden Wick Bambix sein.

Einlass ab 19:30 Uhr

Die Psychotherapeutin Anu behandelt regelmäßig die junge Heloisa, die sich, sobald sie sich verliebt, in rabenschwarze Gewaltfantasien gegenüber dem Geliebten verstrickt. Heloisas Zwangsgedanken faszinieren Anu auf eine Weise, die sie selbst nicht ganz begreift. Als würden diese Fantasien in ihr selbst etwas auslösen, lässt sie sich darauf ein, auf einem schmalen Grat zwischen persönlicher Nähe und beruflicher Distanz zu wandeln. Doch eines Tages bricht Heloisa die Therapie abrupt ab. Als Anu Freunde zu einer Mittsommerfeier einlädt, taucht unerwartet ihr Sohn Antti mit seiner neuen Freundin auf – es ist Heloisa. Anus Fixierung auf Heloisa und ihre schmerzhaften Erinnerungen an das Therapieverhältnis brechen auf. Zwischen den beiden Frauen entwickelt sich eine obsessive Beziehung, die alles, was sicher und sanktioniert schien, zum Einsturz bringen können.

Mit ihren zwei faszinierenden Hauptdarstellerinnen gelingt der finnische Regisseurin Josefina Rautiainen ein intensives Kammerspiel über Nähe und Kontrollverlust.

Der reiche amerikanische Industrielle Philip Doom nimmt seine Tochter Madeleine mit auf eine Luxusreise nach Paris, um ihr schwieriges Verhältnis zu kitten. Quentin Dupieux, dessen Vorliebe für absurde, surreale Konstellationen in realen Settings uns schon schillernde Kinoperlen um sprechende Objekte oder mordende Autoreifen beschert hat, verwandelt das Vater-Tochter-Drama in eine schräge Mischung aus Beziehungskomödie und Horror-Pastiche der 1950er. Im Pariser Luxushotel frönen Vater und Tochter ihrer Hassliebe, in der niemand dem anderen in Sachen Gemeinheit nachsteht. Zwischen französischer Küche, einem aufdringlichen Hotelangestellten und einem alten Grusel-B-Movie im Hintergrund entfaltet sich eine bitterböse Miniatur über Entfremdung, Kontrollverlust und die schiere Absurdität familiärer Nähe. Und dann beginnt eine seltsame Metamorphose, die eine möglicherweise doch bestehende tiefe Verbundenheit der beiden beweist. Je mehr Haute Cuisine Leckereien das Töchterchen mit ausgewachsener Essstörung in sich hineinstopft, desto mehr befällt den Vater ein übles Völlegefühl. Woody Harrelson und Kristen Stewart tragen den Nonsens mit trockenem Ernst durch eine Story, die so hemmungslos mit Klischees jongliert, wie es sich für den Kosmos des Meisters des Absurden gehört.

Noch immer zählt Italien zu einem der Lieblingsreiseländer der Deutschen. Und
was würde uns auf dem Speiseplan fehlen, wenn es die italienische Küche nicht
gäbe.
Aber Italien hat noch weitaus mehr zu bieten. In Italien wurden viele Beiträge
zum kulturellen und historischen Erbe geleistet. In der Antike war es die
Kernregion des römischen Reiches. Die Stadt Rom ist seit der Spätantike bis
heute eines der wichtigsten Zentren der Christenheit. In der Renaissance, dem
Barock und dem Klassizismus war Italien ein wichtiges kulturelles Zentrum.
Berühmte Maler, Musiker u.v.m brachte dieses Land hervor.
Freuen Sie sich auf eine spannende Reise in die Welt der
italienischen Märchen; und wie immer auch mit musikalischer Unterstützung
die zum Mitsingen und schwelgen einlädt. Diesmal mit Yarden Lapid am Klavier und
Michele Bono an der Klarinette.
Wir sind uns sicher, dass sie sich nach
diesem Abend fühlen, als wären sie im Urlaub gewesen.

Die Veranstaltung ist leider abgesagt.

Johannesburg, 1968: Khuthala will alles andere als der Erbe des väterlichen Waschsalons sein. Während er von einer Musikkarriere träumt, verschärft das Apartheid-Regime seinen Druck auf schwarze Unternehmer. Der Waschsalon der Familie, mitten in einem weißen Viertel gelegen, gerät zunehmend unter Beschuss. In ihrem Spielfilmdebüt erzählt die südafrikanisch-schweizerische Regisseurin Zamo Mkhwanazi eine leise, gefühlvolle Familiengeschichte, die sich vom historischen Setting aus zu größeren Fragen öffnet: Wie weit geht man, um die Existenz derer zu sichern, die man liebt? Was bedeutet Würde unter einem System, das jede eigenständige schwarze Existenz als Bedrohung behandelt?

Mkhwanazi, inspiriert von der Geschichte ihres eigenen Großvaters, interessiert sich weniger für große Gesten des Widerstands als vielmehr für die kleinen Dinge des Lebens. Zwischen dem Vater Enoch, der an Tradition und Pflicht festhält, und dem Sohn Khuthala, der ausbrechen und seinen Traum einer Musikerkarriere verfolgen will, entfaltet sich ein generationenübergreifendes Drama über Verantwortung und Freiheit. Ein bewegendes, mit sicherer Hand inszeniertes Debüt um ein immer aktuelles Thema.

Ein mysteriöser Fremder taucht in den staubigen Straßen einer kleinen Grenzstadt auf, in der es nicht viel mehr gibt als ein Hotel, einen Saloon, einen korrupten Sheriff und einen Sargmacher. Natürlich spielt Alex Cox ganz bewusst mit unseren Erinnerungen an die Filme von Regisseuren wie Sergio Leone oder Clint Eastwood. Aber in „Dead Souls“, einer sehr freien und überaus aktuellen Adaption von Nikolai Gogols satirischem Roman »Tote Seelen«, ist nichts wirklich so, wie wir es erwarten. Der von Cox selbst gespielte Fremde ist kein Revolverheld und kein Rächer, er will nur die Namen von Mexikanern kaufen, die in diesem trostlosen Kaff in Arizona des Jahres 1890, dem Jahr der Volkszählung, verstorben sind. Warum, sagt er nie – mal gibt er sich als Zensusbeamter aus, mal als Regierungsvertreter. Erst nach und nach dämmert uns: Die Toten werden auf dem Papier als "erfolgreich entfernte" Personen gemeldet, ein bürokratischer Trick, mit dem sich Abschiebezahlen fälschen lassen. Der Tod zählt nur noch als Verwaltungsakt.

Die Anspielung auf gegenwärtige US-Migrationspolitik bleibt unübersehbar. Cox zementiert seinen Status als einer der subversivsten Filmemacher, die das Kino seit den frühen 1980er Jahren hervorgebracht hat.

Für ein Kind, das seine Mutter nie kennengelernt hat, ist die Vorstellung von "vollständiger Familie" oft nur eine Frage der Hartnäckigkeit, mit der man sucht. Dieser Idee folgt jedenfalls Khudizaya, als sie gemeinsam mit ihrem liebevollen, aber dem Alkohol zugeneigten Vater durch die endlose Weite der Gobi zieht, um ihre Mutter zu finden. Am anderen Ende dieser Suche wartet eine gebrochene Frau, und eine Verpflichtung, der sie sich kaum gewachsen fühlt.

Im Zentrum von »Hello Mother« steht das mongolische Ritual Khuuslukh, mit dem gestresste Kamelstuten ihrem abgewiesenen Fohlen wieder zugeführt werden. Ein Musiker spielt mit der Laute, die wie eine Geige mit dem Bogen gestrichen wird, und singt eine Ballade, um das Kamel zu beruhigen und ihr Mutterherz zu berühren. Eine wunderbare Tradition und eine magisch anmutende Zeremonie, um die herum »Hello Mother« seine Geschichte wie eine Mahnung daran erzählt, dass wir Menschen im Strudel der Zivilisation diese Werte des Lebens und der Liebe nicht aus den Augen verlieren. Byambasuren Ganbat öffnet mit ihren Debütfilm einen Blick auf das emotionale und kulturelle Innenleben ihres Landes.

Meterlange Dreadlocks, handgeschriebene Notizen, kein Computer und eine Klientel, die mit Polizeigewalt und Mordanklagen zu ihr kommt: Diane Jobson, Jamaikas legendäre "Rasta-Anwältin", lässt sich mit ihren über 80 Jahren nichts mehr vorschreiben, schon gar nicht die Regeln einer Dokumentarfilmproduktion. Amanda Sans Pantling begleitet sie entsprechend entspannt durch ihren Alltag mit Telefonaten mit Mandanten, einem Schwimmausflug mit dem Hund, einen Joint mit ihrer besten Freundin Sally.

In den 1970ern wurde Jobson als enge Freundin und Anwältin von Bob Marley bekannt und konvertierte unter seinem Einfluss zum Rastafari-Glauben. Nach seinem Tod widmete sie ihr Leben dem Kampf für Jamaikas Ärmste – eine Haltung, die sie bis heute nicht aufgegeben hat. Der Film verzichtet auf große dramatische Zuspitzungen und findet seine Kraft stattdessen im Alltäglichen: im trockenen Humor, mit dem Jobson über sich selbst spricht, und in der Beiläufigkeit, mit der sie ein Leben in radikaler Selbstbestimmung vorlebt. Das inspirierende Porträt einer Frau, die sich nie irgendjemandes Regeln unterworfen hat – und genau deshalb zur Symbolfigur wurde. Rules are for dogs!

Moskito, das neue Bühnenprogramm von die feisten

Das 2MannSongComedy-Duo erzählt Geschichten, die das Leben schreiben würde, hätte es einen Stift.

„Moskito“: Gute Vorsätze, vom Flügelschlag eines Kleinstinsekten verweht…
„Als ich begann zu rauchen“, der nächste gute Vorsatz. In die Tat umgesetzt durch Unterstützung, die man beim besten Willen nicht haben wollte…
In „Untätowiert“ profitieren C. und Rainer von der Gnade der frühen Geburt.
Als sogenannte Babyboomer haben sie es unterlassen, sich ein Tattoo zu verpassen. Gab es damals nämlich nur im Knast oder auf hoher See.

Ausgerüstet mit kleinen Saiteninstrumenten, Gitarren und viel Percussion schlagen die beiden Sänger einen geradlinigen Zickzackkurs durch ihre musikalischen Lieblingsgenres ein.
So wie die Flugbahn eines Moskitos.

Einlass: 19:30h

Die Psychotherapeutin Anu behandelt regelmäßig die junge Heloisa, die sich, sobald sie sich verliebt, in rabenschwarze Gewaltfantasien gegenüber dem Geliebten verstrickt. Heloisas Zwangsgedanken faszinieren Anu auf eine Weise, die sie selbst nicht ganz begreift. Als würden diese Fantasien in ihr selbst etwas auslösen, lässt sie sich darauf ein, auf einem schmalen Grat zwischen persönlicher Nähe und beruflicher Distanz zu wandeln. Doch eines Tages bricht Heloisa die Therapie abrupt ab. Als Anu Freunde zu einer Mittsommerfeier einlädt, taucht unerwartet ihr Sohn Antti mit seiner neuen Freundin auf – es ist Heloisa. Anus Fixierung auf Heloisa und ihre schmerzhaften Erinnerungen an das Therapieverhältnis brechen auf. Zwischen den beiden Frauen entwickelt sich eine obsessive Beziehung, die alles, was sicher und sanktioniert schien, zum Einsturz bringen können.

Mit ihren zwei faszinierenden Hauptdarstellerinnen gelingt der finnische Regisseurin Josefina Rautiainen ein intensives Kammerspiel über Nähe und Kontrollverlust.

Die bittersüße Komodie >Nurse Betty« nimmt eine Sonderstellung im Werk Neil LaButes ein.
Sie ist eine seiner seltenen Regiearbeiten, zu denen er nicht selbst das Drehbuch
geschrieben hat. Und doch fügt sie sich als eine Art hoffnungsvoller Gegenentwurf zu seinen
meist tiefschwarzen Erkundungen des menschlichen Seins perfekt in sein Œuvre ein. Dabei
gibt ihm auch diese Geschichte um eine von Renee Zellweger gespielte Hausfrau und
Kellnerin, die mitansieht, wie ihr Ehemann von zwei Profikillern ermordet wird, und daraufhin
in eine Traumwelt flüchtet, reichlich Gelegenheiten, toxische Beziehungen zu porträtieren.
Auch der sarkastische Humor, mit dem die Drehbuchautoren John C. Richards und James
Flamberg die Welt der fiktiven Daily Soap >>A Reason to Love

Es gibt Komödien, bei denen plötzlich etwas kippt und einem das Lachen im Hals stecken
bleibt. Und dann gibt es Komödien, deren Humor ist derart schwarz und bitter, dass man gar
erst auf die Idee kommt, uberhaupt zu lachen. >>Your Friends & Neighbors« fallt ohne Frage
n diese zweite und uberaus seltene Kategorie. Neil LaBute bezeichnet seinen zweiten
Spielfilm selbst als "ein modernes unmoralisches Lehrstuck" und spielt damit direkt auf das
Genre der Moralitäten an. Seine Erzählung über drei College-Freunde, die in einer
seltsamen Hassfreundschaft miteinander verbunden sind, und drei Frauen in ihrem Leben
hat natürlich nichts von einem Lehrstück. Es gibt keine klare Trennung zwischen Gut und
Bose. Nichts weist dem Publikum den richtigen Weg. LaBute konfrontiert einen einfach nur
mit den zerstörerischen Seiten menschlicher Beziehungen. Keine der sechs Figuren ist
unschuldig. Sie alle sind für ihr Unglück und das der anderen verantwortlich und zugleich
doch auch Opfer der Situation. So gelingt LaBute und seinem Ensemble ein grandioses
Kunststück, man erkennt sich in diesen Figuren wieder und fühlt mit ihnen mit, obwohl ihr
Verhalten und ihre Entscheidungen einen entsetzen.

Der reiche amerikanische Industrielle Philip Doom nimmt seine Tochter Madeleine mit auf eine Luxusreise nach Paris, um ihr schwieriges Verhältnis zu kitten. Quentin Dupieux, dessen Vorliebe für absurde, surreale Konstellationen in realen Settings uns schon schillernde Kinoperlen um sprechende Objekte oder mordende Autoreifen beschert hat, verwandelt das Vater-Tochter-Drama in eine schräge Mischung aus Beziehungskomödie und Horror-Pastiche der 1950er. Im Pariser Luxushotel frönen Vater und Tochter ihrer Hassliebe, in der niemand dem anderen in Sachen Gemeinheit nachsteht. Zwischen französischer Küche, einem aufdringlichen Hotelangestellten und einem alten Grusel-B-Movie im Hintergrund entfaltet sich eine bitterböse Miniatur über Entfremdung, Kontrollverlust und die schiere Absurdität familiärer Nähe. Und dann beginnt eine seltsame Metamorphose, die eine möglicherweise doch bestehende tiefe Verbundenheit der beiden beweist. Je mehr Haute Cuisine Leckereien das Töchterchen mit ausgewachsener Essstörung in sich hineinstopft, desto mehr befällt den Vater ein übles Völlegefühl. Woody Harrelson und Kristen Stewart tragen den Nonsens mit trockenem Ernst durch eine Story, die so hemmungslos mit Klischees jongliert, wie es sich für den Kosmos des Meisters des Absurden gehört.

Victoria, eine Autorin, die unter Zeitdruck ihren ersten Hollywood-Thriller fertigstellt, sucht Zuflucht in ihrem Zuhause – nur um festzustellen, dass ihr eigenes Leben zunehmend der Geschichte ähnelt, an der sie gerade schreibt. Als sie davon überzeugt ist, dass ihr Nachbar einen Mord an ihr plant, verschwimmen die Grenzen zwischen Paranoia, Fantasie und Realität. Oder sind die immer wiederkehrenden und immer obskurer werdenden Hollywood-Meetings zur Drehbuchbesprechung der eigentliche Alptraum in ihrem Leben? Neben so wunderbaren Darstellern wie Mena Suvari, Mario Van Peebles und Keith Carradine übernimmt die Autorin Jacqueline Singer die Hauptrolle in ihrer eigenen Story und gibt so dem neuesten Film der Indie-Ikone Michael Polish eine weitere Ebene zwischen Realität und Fantasie. Ein düster-verspielter Thriller über die Geschichten, die wir uns selbst erzählen – und darüber, was geschieht, wenn diese sich plötzlich gefährlich real anfühlen.

Einlass & Öffnung der Spieltagskasse 75 Minuten vor Spielbeginn; Upgrades sind an der Spieltagskasse erhältlich

Einlass: 75 Minuten vor Spielbeginn

Es gibt sie diese unvergesslichen Filmszenen. Hat man sie einmal gesehen, begleiten sie
einen fortan für immer. Einer dieser ganz besonderen Filmmomente ist die große
Verfolgungsjagd in Quentin Tarantinos »Death Proof«. Die Stuntfrau Zoë Bell, die sich in
dieser Hommage an amerikanische Muscle Cars wie an Action- und Exploitation-Filme der
1960er und 70er Jahre selbst spielt, liegt auf der Motorhaube eines 1970er Dodge
Challengers, während der von Kurt Russell gespielte »Stuntman Mike« versucht, sie und ihre
Freundinnen von der Straße zu drängen. So verbeugt sich Tarantino vor allen legendären
›car chases‹ einer untergegangen Kinoepoche und setzt Zoë Bell und allen Stuntfrauen und
-Männern ein Denkmal. Bell ist ihr eigenes Double, während Metall auf Metall kracht, und mit
jedem weiteren Zusammenprall stockt einem der Atem etwas länger. Aber es ist nicht nur
diese Sequenz, die Tarantinos filmische Liebeserklärung an das wilde und dreckige Kino
vergangener Zeiten so außergewöhnlich macht. Die Umkehr der Machtverhältnisse zwischen
Kurt Russells Soziopathen und seinen vermeintlichen Opfern wirkt heute fast prophetisch,
ein früher vernichtender Kommentar zu den misogynen Fantasien der Manosphere.

Nur wenige Minuten der Unachtsamkeit, und nichts ist mehr, wie es vorher war: Juan und Alma haben ihren Sohn Andrés durch einen Unfall verloren und die Trauer ist unermesslich. Vor allem Juan macht sich Vorwürfe, denn er war es, der in jener Nacht allein mit Andrés zu Hause war. Als die Schuldgefühle übermächtig werden, flieht er mit einem Boot auf den Ozean hinaus und findet dort seinen Sohn auf wundersame Weise wiederbelebt.

Geschickt verwebt Mauricio Chernovetzky Elemente aus aztekischer Mythologie und magischem Realismus in seiner Geschichte um einen Mann, der keinen Ausweg aus seiner Trauer finden kann und den nur der eine Wunsch antreibt, wieder mit seinem Sohn vereint zu sein. Juan versteckt sich mit seinem verlorenen Sohn auf einer verlassenen Insel. Doch Andrés hat sich verändert, ein unstillbarer Hunger treibt den Jungen an und es scheint, nur Juan kann diesen Hunger stillen. Bereit diese zweite Chance als göttliches Geschenk anzunehmen, muss er erkennen, dass manchen Träumern ein hoher Preis abverlangt wird, um nicht wieder aufzuwachen.

„Sacrificio“ nimmt den Zuschauer mit in eine hypnotisch schöne und beängstigende Welt aus Schmerz, Schuld und Sehnsucht. Rauschhaftes Genrekino aus Mexiko.

Ein Grubenunglück stellt das entbehrungsreiche Leben von T.A. Diamond vor schier unüberwindliche Probleme. Er wird gerettet, seine Handverletzung bedeutet aber im Utah der 1930er Jahre die Arbeitsunfähigkeit. Mit dem kargen Wochenlohn wird er abgespeist und sieht sich der einzigen ihm vertrauten Rolle seines Lebens beraubt. Frau und Kind lässt er im Glauben, seine Verletzung sei nur ein kleiner Kratzer und am nächsten Tag geht er den Weg, den der immer geht. Nur ein heimlich mitgenommener Revolver macht diesen Tag anders als sonst. Es wird keiner gerader Weg zum Bergwerk und zurück zur Familie, eher ein Zickzack Kurs wie der des Hasen im Feld, dessen Ziel er selbst nicht kennt.

Mit Kameramann Corey C. Waters, der schon Kristen Stewarts Regiedebüt mit seiner einfühlsamen Fotografie zu einem visuellen Erlebnis gemacht hat, entwirft Jared Hogan einen Film, der die Zeit, die Menschen und die Landschaft in unvergessliches Licht taucht. Die Schönheit der Bilder machen den Schmerz von T.J., der eindrucksvoll von Frank Mosley portraitiert wird, noch intensiver.