Die elfjährige Juniper wächst in Utah am Rande der großen Wüste auf, doch wenn es nach ihrer Mutter geht, werden sie ohnehin schon in zwei Tagen nach Idaho ziehen. Juniper hat aber ganz andere Pläne: Sie will unbedingt Mackenzie Astin heiraten, den Star ihrer Lieblings-Sitcom „The Facts of Life“, und das in kindlich unbekümmerter Missachtung sämtlicher Jugendschutzgesetze lieber heute als morgen. Und so lässt sie kurzentschlossen das vertraute Heim hinter sich und wandert los in Richtung Kalifornien, hinein in die Einsamkeit der Wüste, wo die Sonne vom Himmel brennt und hinter jedem Busch und Felsen das große Abenteuer lauert.

Wie Juniper auf ihrem Weg durch diese ganz eigene, menschenleere Welt ihren „Walkabout“ erlebt, ist ein mit Mylissa Fitzsimmons‘ eigenen Kindheitserinnerungen verwobenes, hypnotisch dahinfließendes Microbudget-Drama, eine Essenz der Leichtigkeit des adoleszenten Seins. Junipers Welt ist ein verlockendes Universum, dessen Farben und Geräusche es bei jedem Schritt neu zu

entdecken gilt. Und Lucya Yusimov dominiert in ihrem Filmdebüt mit spielerischer Leichtigkeit jede einzelne Einstellung dieses faszinierenden Wüstentrips.

Unter der Mentorschaft der Indie-Ikone Alexandre Rockwell macht Matthew Osubor seine Heimatstadt Providence zur Kulisse für sein Spielfilmdebüt um den ominösen Big Daddy und seinen florierenden Blumenlieferservice. Osubor übernimmt die Hauptrolle als ahnungsloser Blumenlieferant, der seinen neuen Job so ernst nimmt, dass es lange dauert, bis ihm dämmert, warum er sich so viel mehr um die prachtvollen Blumengebinde sorgt, als seine Klienten. Aber was soll man tun, wenn man die Miete nicht mehr zahlen kann und den Avancen der Vermieterin, die Schulden in Naturalien zu begleichen nicht mehr länger nachgeben will. Obendrein sind die Ratenzahlungen für den BMW von der verstorbenen Oma schwer im Verzug. Und Big Daddy hat Geld, Macht und weiß das Leben in vollen Zügen zu genießen. Hölle, wo ist dein Stachel? Eine liebevolle Story um coole Drifts, kleine Ganoven und große Gefühle, dessen Leichtigkeit der Inszenierung ansteckend wirkt.

Nichts passiert in Hannover-Langenhagen. Gar nichts. Der Einkaufsmarkt „Superbuhei“ ist da schon das höchste aller Gefühle und folgerichtig auch das Epizentrum sozialer Kommunikation inmitten dieser grauen Vorstadthölle. Im selben Gebäude betreibt Jesse Bronske auch die „Klaus Meine Bar“, die dem Frontmann von Hannovers bekanntestem Hardrock-Export gewidmet ist und für Jesses drei treue Stammkunden tagtäglich dieselbe Scorpions-CD rauf und runter spielt. Doch dann kriegt Jesse nicht nur eine Klage von der Rockband höchstselbst an den Hals, sondern muss auch an seinem Verstand zweifeln, als ein bedrohlicher Doppelgänger auf der anderen Straßenseite auftaucht, den außer ihm keiner zu sehen scheint. Und schon bald ist mehr los in Langenhagen, als Jesse und den

anderen eigentlich lieb gewesen wäre. Basierend auf Sven Amtsbergs gleichnamigem Roman erzählt Josef Brandl mit feinem Gespür für surreale Unbehaglichkeit eine skurrile Geschichte aus dem Norden Deutschlands, die voller Esprit und trockenem Humor der Paranoia als wahre Lebensphilosophie frönt. Und da Oliver Korittke in der Hauptrolle sowieso jenseits jeglicher Kritik steht, ist der Film ein Trip, den man einfach lieben muss!

Können Filme eine Waffe im politischen Kampf gegen Unterdrückung und Ausbeutung sein? Sind sie vielleicht sogar mächtiger und effektiver als terroristische Aktionen, wie sie die Forças Populares 25 de Abril, kurz FP-25, in den 1980er Jahren in Portugal durchgeführt hat? Diese beiden Fragen stehen im Zentrum von Edgar Pêras anarchischem Film-Essay und Manifest »Asphalt Guerrilla«. Ausgehend von Manuel Ricardo de Sousas gleichnamigen Roman erzählt der portugiesische Punk-Auteur nicht nur von Banküberfällen und anderen Aktionen einer ziemlich amateurhaft agierenden Zelle der FP-25. Er blickt auch auf seine eigenen, mehr als 30 Jahre währenden Bemühungen zurück, diesen Roman zu verfilmen. Fiktion, Dokumentation und Autobiographie vermischen sich ebenso wie 16-mm-Aufnahmen, Nachrichtenbilder und KI-generierte Sequenzen zu einem wüsten und berauschenden Trip. Die Freiheit, die Pêra sich nimmt, sprengt nicht nur die Konventionen des Kinos. Seine teils schwindelerregenden Filmbilder und -Szenen werden tatsächlich zu einer Waffe. Sie zielen direkt auf unsere eingefahrenen und viel zu engen Vorstellungen von Kunst und Macht, Politik und Gesellschaft und bringen sie nachhaltig ins Wanken.

Johannesburg, 1968: Khuthala will alles andere als der Erbe des väterlichen Waschsalons sein. Während er von einer Musikkarriere träumt, verschärft das Apartheid-Regime seinen Druck auf schwarze Unternehmer. Der Waschsalon der Familie, mitten in einem weißen Viertel gelegen, gerät zunehmend unter Beschuss. In ihrem Spielfilmdebüt erzählt die südafrikanisch-schweizerische Regisseurin Zamo Mkhwanazi eine leise, gefühlvolle Familiengeschichte, die sich vom historischen Setting aus zu größeren Fragen öffnet: Wie weit geht man, um die Existenz derer zu sichern, die man liebt? Was bedeutet Würde unter einem System, das jede eigenständige schwarze Existenz als Bedrohung behandelt?

Mkhwanazi, inspiriert von der Geschichte ihres eigenen Großvaters, interessiert sich weniger für große Gesten des Widerstands als vielmehr für die kleinen Dinge des Lebens. Zwischen dem Vater Enoch, der an Tradition und Pflicht festhält, und dem Sohn Khuthala, der ausbrechen und seinen Traum einer Musikerkarriere verfolgen will, entfaltet sich ein generationenübergreifendes Drama über Verantwortung und Freiheit. Ein bewegendes, mit sicherer Hand inszeniertes Debüt um ein immer aktuelles Thema.

Victoria, eine Autorin, die unter Zeitdruck ihren ersten Hollywood-Thriller fertigstellt, sucht Zuflucht in ihrem Zuhause – nur um festzustellen, dass ihr eigenes Leben zunehmend der Geschichte ähnelt, an der sie gerade schreibt. Als sie davon überzeugt ist, dass ihr Nachbar einen Mord an ihr plant, verschwimmen die Grenzen zwischen Paranoia, Fantasie und Realität. Oder sind die immer wiederkehrenden und immer obskurer werdenden Hollywood-Meetings zur Drehbuchbesprechung der eigentliche Alptraum in ihrem Leben? Neben so wunderbaren Darstellern wie Mena Suvari, Mario Van Peebles und Keith Carradine übernimmt die Autorin Jacqueline Singer die Hauptrolle in ihrer eigenen Story und gibt so dem neuesten Film der Indie-Ikone Michael Polish eine weitere Ebene zwischen Realität und Fantasie. Ein düster-verspielter Thriller über die Geschichten, die wir uns selbst erzählen – und darüber, was geschieht, wenn diese sich plötzlich gefährlich real anfühlen.

Ein Film wie aus einer anderen Zeit. Mit seinen pointierten Dialogen, seinem fast schon klaustrophobischen Kammerspiel-Setting und seinen extrem genau gezeichneten Figuren, deren vielfältige Facetten sich nur nach und nach offenbaren, steht Neil LaButes bitterböser Psychothriller in einer Filmtradition, die eigentlich schon lange abgerissen ist. Er selbst führt Filme wie Joseph L. Mankiewicz‘ »Sleuth« (1972) und Alfred Hitchocks Krimi-Kammerspiele »Rope« (1948) und »Dial M for Murder« (1954) als Vorbilder für »Murderous« an. Das sind ambitionierte Referenzen, hinter denen sich dieser leise und psychologisch überaus präzise Thriller aber nicht verstecken muss. Marian, eine aufstrebende Drehbuchautorin und Regisseurin, hat mit ihrem Debüt für Furore gesorgt. Doch nun steckt sie in einer Krise, die sich noch verstärkt, als ihr früherer Studienkollege Norman bei ihr auftaucht. Er behauptet, dass ihr Film auf seinen Ideen beruht, die sie ihm gestohlen hat. Daraufhin verstricken sie sich einem verbalen Duell, das auf eindrucksvolle Weise neben dem verminten Territorium komplexer Beziehungen auch offenlegt, wie Erfolg oder

Alex und sein Bruder Dillon sind nach ein paar Konflikten mit dem Gesetz gerade raus aus dem Knast und stolpern nach einem Gespräch mit ihrem Bewährungshelfer nicht nur über eine verdächtig günstige Wohnung, sondern können sogar ein Vorstellungsgespräch für einen ehrlichen Job klarmachen. Doch dann verschwindet Dillon nach einer ausschweifenden Party im örtlichen Drogenclub, und Alex begibt sich auf eine gefährliche Suche durch Südfloridas exzentrische Subkultur, die vor Gaunern, Spinnern und Echsenmenschen nur so wimmelt. Etwas stimmt hier ganz und gar nicht. Menschen verschwinden. Verdächtige Gestalten lauern in dunklen Schatten. Und die Spur führt direkt zu der ominösen Seniorenwohnanlage am Ende der Straße. „Jit“ ist eine Liebeserklärung an das Florida der Durchgeknallten. Ethan Gathman und Jorge

Rodriguez haben mit minimalem Budget eine umwerfend originelle Stoner-Odyssee auf die Beine gestellt, die sämtliche Südstaaten-Klischees bestätigt, sich aber niemals dafür entschuldigt. Visuell beeindruckende Sequenzen wechseln sich ab mit Lo-Fi-Inserts in VHS-Ästhetik und der Score setzt einen Rhythmus aus Dissonanzen, Underground-Rap und lokalen Dialekten. Ein wilder, elektrisierender Ritt!

Ein kleines Missgeschick beim Speed Dating und zu viel billiger Pinot schicken Singlefrau Kathy nach einem Stolperer zuerst auf die Bretter und dann direkt auf die Intensivstation. Als sie aus dem Koma erwacht, fehlt ihr körperlich nichts, aber ihr früher so schlagfertiger Redefluss hat sich über Nacht einen satten bosnischen Akzent zugelegt. Ob Restaurant oder Supermarkt, sobald Kathy den Mund aufmacht, reagiert die Mehrheit mit Gelächter oder Vorurteil. Nur Visnja, die im Krankenhaus als Putzfrau arbeitet, zeigt Verständnis für die Situation und nimmt Kathy mit in eine Welt, die ihr nicht nur die Augen öffnet, sondern unerwartete Freundschaften bereithält und ihrem Leben endlich den lang vermissten Sinn gibt. Zumindest, bis Kathy plötzlich wieder zu genesen scheint.

Irgendwo zwischen launiger Romcom und bissiger Sozialsatire navigiert sich Boris Mojsovskis Was-wäre-wenn-Szenario durch scheinbar unüberwindliche kulturelle Unterschiede, die sich dann doch nur als Grenzen im eigenen Kopf ad absurdum führen. Ein wundervoll entspanntes Plädoyer für

Toleranz und Verständnis und dank glänzend aufgelegter Darsteller eine komödiantische Offenbarung der wirklich intelligenten Art!

Ed Brubaker hat das Drehbuch zu »Angel of Death« von Anfang an für Zoë Bell konzipiert
und geschrieben. Und das ist wirklich in jeder Szene und jedem Augenblick, in dem sie auf
der Leinwand präsent ist, zu spüren. Die von ihr verkörperte Profikillerin Eve ist nicht nur
eine typische Genrefigur, wie wir sie aus unzähligen Filmen und Serien kennen. Sie strahlt
eine ganz eigene Kraft aus, die sich natürlich vor allem in den Actionszenen offenbart, in
denen Bell sich eben nicht doubeln lässt. Aber da ist noch etwas anderes, eine faszinierende
Unschuld und Verletzlichkeit, wie sie nur Bell mitbringt. Wie in vielen seiner legendären
Graphic Novels hat Ed Brubaker für diesen vermeintlich kleinen, mit einem begrenzten
Budget gedrehten Actionfilm eine wunderbar stilisierte Noir-Welt erschaffen. Nach einem
Job, der komplett aus dem Ruder gelaufen ist, wird Eve von den Gespenstern ihrer
Vergangenheit eingeholt. Die Erinnerung an eine Teenagerin, die erschossen hat, bringt
alles hervor, was sie bis dahin verdrängt hat. Aus der eiskalten Killerin wird eine unerbittliche
und doch mitfühlende Kämpferin für Gerechtigkeit in einer Welt, in der Ehre und
Menschlichkeit eigentlich keinen Platz haben.

Nachdem ein äußerst pikantes Video des Ministerpräsidenten, das potentiell seine Karriere beenden und das Land in Aufruhr stürzen könnte, seinen Weg auf einen digitalen Datenträger findet, verkauft der Kleinkriminelle Deki das belastende Beweisstück meistbietend an die Presse. Das Rennen macht der Enthüllungsjournalist Bodan, der seine eigenen Pläne mit der Datei hat, dabei aber im Laufe einer einzigen langen Nacht nicht nur mit einem undurchsichtigen Auftraggeber aneinandergerät, sondern auch mit der Reporterin Sophia, die aus persönlichen Gründen fest dazu entschlossen ist, das derzeitige politische System zu Fall zu bringen. Das Ringen um den Wert der Wahrheit wird schnell zu einem riskanten Spiel mit dem Feuer, aus dem nicht jeder unbeschadet entkommen wird.

Ein bitterböser Enthüllungsthriller, der sich keinen Illusionen über Moral, Gesellschaft und den Zustand der Welt hingibt. Der Film bewegt sich durch eine politische Landschaft, in der jeder etwas zu verbergen hat und enthüllt in raffiniert verschachtelten Zeitebenen eine leidenschaftliche Anklage gegen ein völlig aus den Fugen geratenes, moralisch verrottetes System.

Jeannie Epper gehört einer legendären Dynastie von Stuntfrauen und -Männern an und hat
sich mit ihrer Arbeit in Serien wie »Wonder Woman« und zahllosen Filmen einen eigenen
Platz Geschichte Hollywoods erobert. Einen Platz, der lange Zeit kaum beachtet wurde.
Gegen diese Unsichtbarkeit, vor allem der Frauen in diesem Arbeitsfeld, hat sie fortwährend
angekämpft und so den Weg für jüngere Stuntfrauen wie Zoë Bell geebnet. Davon zeugt auf
eindringliche Weise Amanda Michelis Dokumentarfilm »Double Dare«. Dieses Doppelporträt
von Bell und Epper, die in den frühen 2000er Jahren für die aus Neuseeland stammende Bell
zur Mentorin in Los Angeles geworden ist, erzählt eindringlich von den Herausforderungen
und Strapazen des Stunt-Business‘. Aufnahmen von den Dreharbeiten zu der Serie »Xena:
Warrior Princess«, in der Bell über mehrere Staffeln das Stuntdouble von Lucy Lawless war,
und zu Quentin Tarantinos »Kill Bill«, Bells Durchbruch in Hollywood, gewähren einen
einzigartigen Blick hinter die Kulissen. Aber es sind die Momente, in denen Michelis überaus
einfühlsam die Solidarität unter den Stuntfrauen einfängt, die »Double Dare« zu einem
unschätzbaren Dokument der Filmgeschichte machen.

Die Wiederaufführung des Jahres. John Woos Klassiker des Hongkong Kinos ist das Nonplusultra des Actionkinos. Mit seinen kunstvoll choreografierten "Bullet Ballets" definierte der Film das moderne Actionkino und beeinflusste Regisseure wie Quentin Tarantino nachhaltig. „The Killer“ ist der Auftragskiller Jeff, der bei einem seiner Hits die Nachtclubsängerin Jennie verletzt. Um ihr zu helfen, lässt er sich auf einen riskanten Job ein und gerät dabei zwischen die Fronten der Triaden und den ihm auf den Fersen bleibenden, unbeugsamen Polizisten Li Ying. Aus anfänglichem Misstrauen entwickelt sich zwischen den Männern eine ungewöhnliche Freundschaft - aus Gegnern werden, zunächst widerwillig, Verbündete. Chow Yun-Fat und Danny Lee liefern sich als Killer und Cop ein Duell voller Respekt, Ehre und blutiger Konsequenz. Als die Bedrohung immer größer wird, bleibt ihnen schließlich nur eine Wahl: Gemeinsam stellen sie sich der Triade und nehmen den Kampf gegen die mächtige Unterweltorganisation auf.

In seiner nun aufwendig restaurierten Fassung, mit satten Farben und neu gewonnener Bildschärfe, entfaltet "The Killer" seine ikonischen Feuergefechte in bislang ungekannter Brillanz.

„Das Werk eines Filmemachers auf der Höhe seines künstlerischen Schaffens.“

Moskito, das neue Bühnenprogramm von die feisten

Das 2MannSongComedy-Duo erzählt Geschichten, die das Leben schreiben würde, hätte es einen Stift.

„Moskito“: Gute Vorsätze, vom Flügelschlag eines Kleinstinsekten verweht…
„Als ich begann zu rauchen“, der nächste gute Vorsatz. In die Tat umgesetzt durch Unterstützung, die man beim besten Willen nicht haben wollte…
In „Untätowiert“ profitieren C. und Rainer von der Gnade der frühen Geburt.
Als sogenannte Babyboomer haben sie es unterlassen, sich ein Tattoo zu verpassen. Gab es damals nämlich nur im Knast oder auf hoher See.

Ausgerüstet mit kleinen Saiteninstrumenten, Gitarren und viel Percussion schlagen die beiden Sänger einen geradlinigen Zickzackkurs durch ihre musikalischen Lieblingsgenres ein.
So wie die Flugbahn eines Moskitos.

Einlass: 19:30h

Dylan hat genug: von seinem trostlosen Job, von Smalltalk, von der ganzen leeren Choreografie eines durchgetakteten westlichen Lebens. Innerhalb einer einzigen Woche wirft der junge Glasgower Job und falsche Freunde über Bord, alles was ihn zurückhält. Er stürzt sich kopfüber in eine Welt ohne doppelten Boden und sucht nach allem, was sich real anfühlt und ihn wirklich spüren lässt – Lärm, Fremde, Geschwindigkeit, Kunst, Natur. Nur die die fragile Beziehung zu seiner Schwester Claire scheint Dylan einen Antrieb zu geben, der seiner Sehnsucht nach Selbstauflösung und Schmerz entgegensteht. Paul Wright, der mit seinem umwerfend intensiven Hauptdarsteller George MacKay bereits seinen Erstling »For Those in Peril« drehte, fängt all das als eindringliche, unter die Haut gehende Erfahrung ein. Ein immersives, expressionistisches Werk mit frenetischem Tempo und elektrisierender Bildsprache.

Johnny steuert militärische Todesdrohnen. Die Gewalt findet tausende Meilen entfernt statt, wenn er abends nach der Arbeit nach Hause kommt, dringt sie dennoch unerbittlich in sein Zimmer vor. Er lebt zurückgezogen gemeinsam mit seiner Schwester Mary, beide unterstützen sich und bald wird klar, dass sie ohne einander nicht existieren können. Mary taumelt von einer scheiternden Beziehung in die nächste und findet nirgends halt. Johnny wird von Albträumen geplagt, die seine Fähigkeit, sich in der Realität des Hier und Jetzt zurechtzufinden, vollends aushöhlt.

Zachary Nichols hatte das Projekt als Kunstinstallation angelegt, aber bald wurde klar, dass nur eine größere Erzählform diesem Thema gerecht werden konnte. Dennoch, das Narrative seines Films löst sich zusehends auf, so wie sich Johnnys Realität auflöst. Die Filmerzählung findet immer neue Wege, tiefer hinein in diese Welt aus Schmerz und ohne Ausweg, und doch gibt es Momente von großer Schönheit und Empathie, die den Zuschauer nachhaltig begleiten. Wenn wir uns die Menschlichkeit bewahren wollen, muss es solche Filme geben.

aratron präsentiert ihr Debütalbum Aitia live in Oldenburg, ein energiegeladenes Album-Release, das Metalcore, Groove Metal und Thrash in einen kraftvollen, melodischen Sound gießt. Die fünfköpfige Band überzeugt mit zwei harmonierenden Gitarren, einprägsamen Soli und krachenden Riffs, die zwischen roher Energie und eingängigen Melodien balancieren.

Nach erfolgreichen Festivalauftritten, unter anderem beim Wochenende an der Jade und dem Kultursommer Oldenburg, sowie der Single „Find Me“ und der EP Arkhē, setzt Baratron mit Aitia einen weiteren Meilenstein ihrer Karriere. Freut euch auf ein intensives Live-Erlebnis, das die neuen Songs im Zentrum hat.

Als Support stehen Biased und GØRED auf der Bühne.

Einlass: 19:30

Vor vier Jahren hat Fred seine damalige Geliebte Velvet verlassen. Nun steht er plötzlich mit
mehreren Koffern und Taschen vor ihrer Tür. Sie hat mit dieser Episode ihres Lebens längst
abgeschlossen. Dennoch offnet sie Tur und lasst ihn in ihr Haus. Damit beginnt ein so
seltsames wie verstörendes Katz-und-Maus-Spiel, ein Kampf der Geschlechter, der mit
Worten ausgetragen wird, aber jederzeit auch in physische Gewalt münden kann. Mit »Some
Velvet Morning« hat Neil LeBute ein klassisches, an einige Stücke von August Strindberg
erinnerndes Kammerspiel geschaffen, in dem der Druck von Wortwechsel zu Wortwechsel
mehr und mehr steigt, bis eine Explosion unvermeidlich erscheint. Dabei geht von dem Alice
Eves und Stanley Tuccis intensivem Spiel ein unwiderstehlicher Sog aus. In jedem ihrer
Dialoge schwingt so viel Unausgesprochenes und Angedeutetes mit, dass einem
schwindelig werden kann. Sie ziehen einen immer tiefer in ihre offensichtlich ungesunde und
unterschwellig von Hass und Verachtung erfullte Beziehung hinein, bis sich alles in einer
bizarren Schlusswendung auflost. Doch gerade dieses vermeintliche happy ending wirft
Fragen auf, die einen nicht mehr loslassen.

Bryan Bruton hält sich und seine Familie als kleiner Drogendealer im Norden Floridas über Wasser. Eigentlich hat er sich mit seinem Leben arrangiert, denkt sogar darüber nach, bald mit ehrlicher Arbeit sein Geld zu verdienen, doch dann läuft ein Streit aus dem Ruder, ein Unfall passiert und zurück bleibt ein Toter. Zehn Jahre bekommt Bruton dafür. Zehn Jahre, in denen er kaum seine Frau und seine Tochter sehen wird. Zehn Jahre zwischen Schwerverbrechern und korrupten Wärtern im unmenschlichsten Justizsystem der Vereinigten Staaten. Doch Bruton arrangiert sich. Er findet Verbündete hinter Gittern und macht Geschäfte, schmuggelt Telefone in den Knast und betreibt einen beliebten Piratensender im Keller. Als sich die einsame Gefängniswärterin Maura in ihn verliebt, plant er schon bald die Flucht. Doch, wie immer, hat das Leben andere Pläne. Nach »Bang Bang« und dem letztjährigen Spirit of Cinema-Gewinner »Keep Quiet« gibt sich Vincent Grashaw mit dem filmischen Schelmenroman »Bruton« nun schon zum dritten Mal in Folge in Oldenburg die Ehre. Unter seiner inspirierten Regie wird sein auf einer wahren Geschichte beruhendes Gefängnisdrama zu einer tragikomischen Ode an Liebe, Freundschaft und das Leben.