Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN öffnete 2015 seine Pforten in Berlin. Es ist am Alexanderplatz direkt im Berliner Fernsehturm beheimatet. Seitdem haben die Besucherinnen und Besucher die Möglichkeit eine Vielzahl einzigartiger Plastinate zu bestaunen. Diese geben einen tiefen Einblick in das hochkomplexe Innere des menschlichen Körpers. So erhalten Interessierte ein detailliertes Wissen über Organfunktionen und häufige Krankheiten, all das leicht verständlich vermittelt. Durch die lebensnahen Posen wird ein unmittelbarer Bezug zu den Betrachtenden hergestellt.

Was verbindet uns, was hält uns aufrecht und in Bewegung, was lässt uns lachen und lieben? Bei den KÖRPERWELTEN erhalten Sie Antworten auf diese und viele weitere Fragen. Machen Sie sich auf eine tief berührende und inspirierende Begegnung mit dem Leben bereit. Lassen Sie sich einen Besuch nicht entgehen und erleben Sie die Faszination der Plastination.
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The world´s first BODY WORLDS museum opened its doors in Berlin in 2015. It is located on Alexanderplatz directly in the Berlin TV tower. Since then, visitors have had the opportunity to marvel at a large number of unique plastinates. These provide a deep insight into the highly complex interior of the human body. Interested visitors gain detailed knowledge about organ functions and common diseases, all presented in an easily understandable way. The lifelike poses create a direct connection to the viewer.

What connects us, what keeps us upright and moving, what makes us laugh and love? KÖRPERWELTEN will provide you with answers to these and many other questions. Get ready for a deeply touching and inspiring encounter with life. Don´t miss out on a visit and experience the fascination of plastination.

Letzter Einlass 18:00 Uhr

Anfang September 2024 eröffnet im Gropius Bau die Ausstellung DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG des Künstlers Rirkrit Tiravanija, der mit seiner Praxis den konventionellen Kunstbegriff erweitert hat und Situationen schafft, in denen soziale Interaktionen und sinnliche Erfahrungen verhandelt werden. Seit den frühen 1990er Jahren lebt Tiravanija teilweise in Deutschland und hat immer wieder künstlerische Arbeiten entwickelt, die sich mit kulturellen Eigentümlichkeiten, Migration und der politischen Gegenwart des Landes beschäftigen. DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG versammelt erstmals diese Werke, die auch die Bedeutung von Berlin und Deutschland als Ort künstlerischer Produktion für Tiravanija zeigen. Der Titel der Ausstellung ist dem Vorspann von Rainer Werner Fassbinders Film Angst essen Seele auf von 1974 entliehen, dessen Schilderung von anti-arabischem Rassismus gegen den sogenannten Gastarbeiter Ali heute, 50 Jahre später, erschreckend aktuell ist. Die umfangreiche Ausstellung umfasst Arbeiten auf Papier, Skulpturen, Fotografien, Multiples und eine Auswahl selten gezeigter Super-8-Filme sowie regelmäßige Aktivierungen zentraler ephemerer und partizipatorischer Arbeiten des Künstlers von den 1980er Jahren bis heute. Dabei steht die Sprengkraft seiner Praxis immer im Mittelpunkt: Institutionelle Grenzen und Kategorien werden ausgetestet; es wird laut, es wird gekocht, gegessen und gespielt.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Yasmil Raymond und Christopher Wierling

Montag 12:00–18:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 12:00–18:00 Uhr Donnerstag 12:00–18:00 Uhr Freitag 12:00–18:00 Uhr Samstag 12:00–18:00 Uhr Sonntag 12:00–18:00 Uhr

Mit POST. KAFKA verbinden NICO AND THE NAVIGATORS einen Brief und einen Lied-Zyklus. Die Kafka-Fragmente von György Kurtág sind eine Zumutung im besten Sinne: Vierzig Miniaturen – vom sekundenschnell verfliegenden Ausbruch bis zur minutenlang überdehnten Meditation – hat der Komponist aus den Notizen von Franz Kafka geformt und zu einem Ganzen verbunden, das zugleich fragil und fraktal wirkt. Beiläufige Beobachtungen wechseln hier mit moralischen Maximen, die Perspektiven variieren mit den Tonfällen: Die Bagatelle „Es zupfte mich jemand am Kleid, aber ich schüttelte ihn ab“ steht neben dem Befehl „Im Kampf zwischen dir und der Welt, sekundiere der Welt“, die Impression „Die Weißnäherinnen in den Regengüssen“ neben der Tröstung „Verstecke sind unzählige, Rettung nur eine, aber Möglichkeiten der Rettung wieder so viele wie Verstecke“. Dass Kurtág dieses Treibgut aus dem Strom des Bewusstseins in Sopran-Höhen gehoben und mit einer Solo-Violine sekundiert hat, weist NICO AND THE NAVIGATORS in Zusammenarbeit mit dem LITERATURHAUS BERLIN im 100. Todesjahr des Dichters nun den Weg zu ihrer eigenen Lesart: Für POST. KAFKA fügen sie dem Zyklus ein weiteres berühmtes Werk hinzu, das als Einladung zu einem Dialog selbst unvollendet, weil unbeantwortet geblieben ist.

Die Performance besteht aus einer Inszenierung aus Musik, Gesang und Sprache in Kombination mit Projektion und Bewegung – eine Fortschreibung der Methode, die NICO AND THE NAVIGATORS in in ihrer Auseinandersetzung mit T. S. Eliots „The Waste Land“ erstmals erfolgreich erprobt haben.

Mitwirkende:
NICO AND THE NAVIGATORS
Herdis Anna Jónasdóttir - Sopran; Elfa Rún Kristinsdóttir - Violine; Annedore Kleist - Darstellerin, Nicola Hümpel - Künstlerische Leitung, Regie & Kostüm; Oliver Proske - Technische Leitung; Andreas Hillger - Dramaturgie; Leroy Nikolas von Bergen - Licht; Orli Baruch - Regieassistenz & Kostüm

Aufgeführte Werke:
Franz Kafka „Brief an den Vater“ / György Kurtag „Kafka-Fragmente

Tickets: 15 €, erm. 10 €
Für Donnerstag 21.11. 20:00 online oder an der Abendkasse. 
Für Freitag 22.11. 20:00 online oder an der Abendkasse. 
Für Samstag 23.11. 20:00 online oder an der Abendkasse. 

Veranstalter:
Eine Produktion von Nico and the Navigators, gefördert von der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. In Koproduktion mit dem Literaturhaus Berlin. In Kooperation mit den Kasseler Musiktagen und dem Kultur Büro Elisabeth.

»Post Daddies« ist ein humorvoller und radikaler Selbsterkundungsabend mit den israelischen queeren Performer*innen und Pionieren Noam Meiri und Ariel Nil Levy. Ein Dialog über gelebtes Leben als intimes Porträt einer Freundschaft, die in den 1990ern in Tel Aviv begann. Unterstützt von dem Musiker Henri Maximilian Jakobs und unter der Regie des Deutsch-Jemeniten Konstantin Achmed Bürger wird die Bühne zu einer Sauna.

Die Körper der Daddies sind nicht nur ein wunderschöner Tempel und geistiger Ort, sondern auch ein Vergnügungspark, und zwar für alle! Auf den schwulen Dating-Apps jedenfalls sind die drei noch heiß begehrt! Doch wie ist es mit dem Älterwerden, der Einsamkeit? Wo verortet man sich als ältere queere Person in den aktuellen Debatten der queeren Community, ihrem Aktivismus und ihren Lebensansprüchen?

Und gibt es so etwas wie eine kollektive Weisheit älterer Queers? Erfahrungen, die für die junge queere Generation von Nutzen sein könnten? Die drei jüdisch, deutsch-arabischen Daddies aus Berlin denken eindeutig: JA!

Hinweis: Die Performance findet größtenteils in englischer Sprache statt.

Mit dem Crossover Slam wird das Prinzip des Poetry Slams weitergedacht: hier treten verschieden Disziplinen gegeneinander an, um die Gunst des Publikums zu gewinnen. Das Publikum darf also nicht nur Poetry sondern auch Musik und eine dritte, freie Disziplin (z.B. Artistik, Malerei, Yoga, Schauspiel, Origami, Zauberei, Comedy, Karate…?) bewundern und mit Applaus bewerten. Dabei geht es weniger um Wettbewerb als vielmehr um den Spaß sich und seine Kunst zu präsentieren, den anderen zuzuschauen und gemeinsam einen großartigen Abend zu haben.
Seit nunmehr sechs Jahren entstehen so regelmäßig sehr abwechslungsreiche und unvorhersehbare Abende, bei denen sich Profis, Debütant*innen, und manchmal sogar echte Stars das Mikro in die Hand geben. Kuratiert, moderiert und zusammengehalten wird der Abend von Felix Römer.

Felix Römer war Poetry Slammer der ersten Stunde. Er ist kreuz und quer durch die gesamte Republik gefahren und bei unzähligen Slams aufgetreten, kennt die Szene seit Beginn und hat sie mitgeprägt. Er ist aber auch Autor, Deutscher-Kleinkunstpreisträger (mit Luksan Wunder), Moderator, Veranstalter, Musiker und einer der Menschen zusammenbringt – auf, hinter und vor der Bühne.

Moderation: Felix Römer

Foto: Marvin Ruppert

Kassenöffnung um 19:00 Uhr

Gletscher schmelzen, Arbeitswelten verschwinden, Ordnungen zerfallen. Verluste bedrängen die westlichen Gegenwartsgesellschaften in großer Zahl und Vielfalt. Sie treiben die Menschen auf die Straße, in die Praxen der Therapeuten und in die Arme von Populisten. Sie setzen den Ton unserer Zeit. Während sich die Formen ihrer Bearbeitung tiefgreifend verändern, scheinen Verlusterfahrungen und Verlustängste immer weiter zu eskalieren. Wie ist das zu erklären? Und was bedeutet es für die Zukunft?

Andreas Reckwitz leistet Pionierarbeit und präsentiert mit "Verlust. Ein Grundproblem der Moderne" (Suhrkamp 2024) die erste umfassende Analyse der sozialen und kulturellen Strukturen, die unser Verhältnis zum Verlust prägen. Unter dem Banner des Fortschritts, so legt er dar, wird die westliche Moderne schon immer von einer Verlustparadoxie angetrieben: Sie will (und kann) Verlusterfahrungen reduzieren – und potenziert sie zugleich. Dieses fragile Arrangement hatte lange Bestand, doch in der verletzlichen Spätmoderne kollabiert es. Das Fortschrittsnarrativ büßt massiv an Glaubwürdigkeit ein, Verluste lassen sich nicht mehr unsichtbar machen. Das führt zu einer der existenziellen Fragen des 21. Jahrhunderts: Können Gesellschaften modern bleiben und sich zugleich produktiv mit Verlusten auseinandersetzen? Ein wegweisendes Buch, das Andreas Reckwitz im Gespräch mit Jens Bisky vorstellt.

Foto: Jürgen Bauer/Suhrkamp Verlag

Die Lesebühne der großen Unterhaltung in prachtvoller Atmosphäre.
Mit: Christian Ritter, Eva Mirasol, Michael Bittner, Noah Klaus, Piet Weber und Tilman Birr.
Hier treffen sich einmal im Monat die sechs Autorinnen und Autoren und präsentieren ihre neuesten Texte, Satiren, Kurzgeschichten, Dialoge und andere Amüsierbarkeiten. Zwischendurch greift auch jemand zu einem Musikinstrument und spielt ein Lied.
Ein Abend, an dem alles passieren kann, aber niemand traurig nach Hause geht.

Seit 30 Jahren gibt es in Berlin die Veranstaltungsform Lesebühne, sie ist elementarer Bestandteil der Subkultur dieser Stadt.
Die sechs Autor:innen von Prunk & Prosa sind mit ihren Texten und Liedern seit vielen Jahren auf den kleinen und großen Bühnen in ganz Deutschland unterwegs und wurden bereits mit verschiedenen Preisen in Kabarett und Kleinkunst ausgezeichnet.

Kassenöffnung um 19:00 Uhr

Swing, Swing, Swing: Die Musik-Show präsentiert die unvergesslichen Hits und das faszinierende Leben des legendären Sängers, den man anerkennend „The Voice“ nannte. Im Soloprogramm von Johannes Hallervorden erklingen u.a. Songs wie „My Way“, „Strangers In The Night“ und „New York, New York“, mit denen Sinatra Weltruhm erlangte. Hallervorden begibt sich auf eine Zeitreise, in welcher die bekannten und die weniger bekannten Aspekte seines leidenschaftlichen Lebens zwischen Musik, Frauen und Politik beleuchtet werden. Gemeinsam mit der begeisternden Live-Swing-Musik der vier Instrumentalisten nähert sich der Schauspieler Johannes Hallervorden der widersprüchlichen und glamourösen Persönlichkeit Frank Sinatras.

Buch: Wolfgang Seppelt
Musikalische Leitung: Carly Quiroz
Regie: Peter Fabers


Foto: Dirk Dehmel / Foto Urbschat

19.00 Uhr

Hier keine Tickets verfügbar

Krimi-Klassiker von Agatha Christie
Regie: Wolfgang Rumpf
Ausstattung: Erwin Bode

Leonard Vole wird am Mord an einer reichen Witwe beschuldigt. Sein Motiv scheint eindeutig: Die ältere Dame hatte ihm ihr ganzes Vermögen vermacht. Sein Anwalt Sir Wilfried Robarts ist fest von Voles Unschuld überzeugt und kämpft mit allen Mitteln, seinen Mandaten vor einer Verurteilung zu bewahren. Die Wendungen nehmen Fahrt auf, als Voles Ehefrau Christin, eine überraschende Aussage trifft. Dieser unerwartete Schritt scheint das Schicksal von Leonard Vole zu besiegeln.

Sir Wilfrid, der an Voles Unschuld festhält, steht vor einer scheinbar unüberwindbaren Herausforderung. Doch dann, als alles verloren scheint, bringt eine unbekannte Frau eine schockierende Wende in den Fall.

NO LIMITS Disability & Performing Arts Festival Berlin

"Mein Name ist Oskar Spatz. Ich bin Tänzer, ich tanze seit 2007. Meine Schuhgröße ist 40/41. Ich wiege 70 Kilo und am liebsten esse ich Reis mit Hack. Normalerweise tanze ich mit meinen Kolleginnen und Kollegen, aber heute bin ich allein auf der Bühne. Ich freue mich, mit euch gemeinsam diesen Abend zu verbringen. Denn Gemeinsamkeit ist Wärme."

Oskar Spatz entordnet gemeinsam mit Tim Gerhards sein bisheriges Leben in einem choreografischen Abend. Dabei geht es um Durchbrüche und Rückschläge, Künstlerisches, Menschliches und Privates. Einst hat er selbst entschieden, als Tänzer arbeiten zu wollen. Da wusste er noch nicht genau, was das bedeutet. Aber er wusste, was er wollte. Er weiß fast immer, was er will. Und er hat selbst entschieden, allein auf die Bühne zu gehen. In einer einstündigen Solo-Performance über Selbstbestimmung, Leben und Arbeit in Gemeinschaft lädt er als Gastgeber alle ein, seine Gäste zu sein.

Dauer 60 Minuten

In deutscher Lautsprache

Konzept & Tanz: Oskar Spatz Choreografie: Tim Gerhards Musik: Björn Jentsch Film: Lars Mindt Dramaturgische Begleitung: Jenny Ecke Produktionsleitung: Corinna Mindt Produktion: tanzbar_bremen

Gefördert durch die Waldemar Koch Stiftung und die Karin und Uwe Hollweg Stiftung

Ausverkauft (evtl. Restkarten an der Abendkasse erhältlich)

„Steglitz, wir haben ein Problem!“
Wie Berlin zum Mars flog

Von Frank Lüdecke und Sören Sieg

Wie sagte ein Nachfolger Willy Brandts, ein Mann namens Kai Wegner: „Berlin gehört in die Top 3 der Welt!“. Daher:
Lokale Visionäre aus Berlin planen jetzt den großen Coup!
Woran bislang Amerikaner und Russen scheiterten, auch Chinesen und Inder sowie zuletzt Elon Musk:
Unter der Leitung eines ehemaligen BVG-Koordinators soll der Mars besiedelt werden!
Die Berlinonauten: Per Los ausgewählt. Die Rakete: Mit Wärmepumpe. Das Ziel: Eine Marskommune 1 ohne Diskriminierung, ohne Ausbeutung und endlich bezahlbarer Wohnraum! Ein kühnes Projekt. Bei dem am Ende hoch ambitionierte Politiker auf Berliner Klimaschützer, extrovertierte Künstler und philosophierende Kleingärtner treffen. Aber auch ausländische Geheimdienste werden auf den Plan gerufen. Wird Mastermind Dr. Franziska Giffey in die Geschichte eingehen? Und wie reagieren die Bayern auf Überlegungen des Berliner Senats, die 50 Milliarden Projektkosten über den Länderfinanzausgleich zu finanzieren?
Das brandneue Kabarett-Programm der STACHELSCHWEINE: Hintersinnig, gemein, pointiert, rasant und mit Musik.


Es spielen: Santina Maria Schrader, Heike Ostendorp, Robert F. Martin

Regie: Marcus Kaloff

Fotograf: Dirk Dehmel

Einlass eine Stunde vor Veranstaltungsbeginn.

Prof. Dr. Langbock hält einen Vortrag über 7 verschiedene menschliche Typen, doch seine Assistentin Susie Stör kommt ihm immer wieder charmant in die Quere. Schließlich wagen sie den gemeinsamen Sprung ins Spiel und lassen jene Typen lebendig werden, die jeder kennt, gerne verdrängt und nach diesem Abend einfach lieben wird! Es erwartet Sie ein herrlich komisches Duo mit viel Spaß und der einen oder anderen Inspiration für mehr Lebensfreude.

Es spielen: Marion Martinez & Rainer Eckhardt

von Zé de Paiva

Das Auge des Zyklopen ist rund – wie ein Kamera-Objektiv. Wer das Auge lenkt, herrscht!

Zé de Paiva lässt in seinem Regiedebut am Ballhaus Naunynstraße seine Erfahrungen als Schauspieler, Tänzer, Fotograf und Videokünstler zusammenfließen: In einer intermedialen Performance sucht er – gemeinsam mit der Tänzerin Nasheeka Nedsreal – die postkoloniale Bildordnung zu verzerren.

Bilder legen sich auf Körper. Sie gleiten über Wände, Menschen und Dinge. Die Bilder lasten, überlagern, transformieren Körper. Was wir Wirklichkeit nennen, ist eine Collage von Bild und Materie. Wer produziert die Bilder? Für wen? Für welchen Zweck? Mit Cyclops stellt der Performer Zé de Paiva die Kamera als omnipräsente, allmächtige Bilderproduzentin ins Zentrum – als Widerpart, als Instrument der Herrschaft und der Ermächtigung. Wer führt die Kamera, bestimmt den Ausschnitt, wer bedient den Auslöser?

Kameras machen sichtbar, geben Gestalt. Wer über den Apparat verfügt, entscheidet über die Art des Sehens und Gesehenwerdens. Die fotografische Praxis schafft die Hierarchie der Betrachtenden und Betrachteten. Sie ist Teil des späten Kolonialismus: Instrument der Überwachung, Kategorisierung, Verwaltung, der Objektivierung von Körpern und Menschen. Zwar spricht man vom „Protagonisten“, wenn man die Person vor der Kamera meint. Aber ist die eigentliche Protagonistin nicht die Person mit der Kamera, dieser artifizielle Zyklop? Ist der Rollentausch möglich? Was siehst du? Wer bist du, mein Gegenüber mit diesem Blick auf die Welt? Wie siehst du mich? Ist die Welt auf deine Perspektive eingestellt? Und wenn ich dich auf meinem Bildschirm sehe, wer bist du dann? Wer führt den Blick, wer verführt?

Cyclops ist ein Tanz mit Kabeln und Augen; ein Kampf um Bewegungsmöglichkeiten. In der Performance suchen Zé de Paiva und Nasheeka Nedsreal die Aneignung, die Licht-Brechung im Dienst ihrer Perspektiven als Schwarze Protagonist*innen.

Foto: Zé de Paiva

Tanz
Ca. 1h 20 Min.
Keine Sprache

Mit einem fesselnden, von dröhnendem Progressive Rock getriebenen, Solo kommt die*der norwegisch-jamaikanische Choreograf*in Harald Beharie zum ersten Mal nach Berlin.

Ausgehend von der Wiederaneignung des jamaikanischen Slang-Begriffs „Batty Bwoy“ (wörtlich: Butt Boy) für eine queere Person, beleuchtet die Arbeit Mythen um den Schwarzen queeren Körper. Aus einer Perspektive von Spiel und Begehren nimmt Harald Beharie die Absurdität queerer Monstrosität unter die Lupe und beschwört mit Batty Bwoy ein ambivalentes Wesen an der Schwelle zwischen Freude, prekärem Körper und befreiter Kraft. Inspiriert von Mythologien, ekelhaften Stereotypen, Gefühlen, Fantasien über queere Körper und Identitäten, homophoben Dancehall-Texten, italienischen Giallo-Filmen der 1970er Jahre, unverwüstlichen „Gully Queens“ und queeren Stimmen in Norwegen und Jamaika, erschafft Harald Beharie eine ambivalente und spannungsreiche Arbeit zwischen Zärtlichkeit und Grausamkeit.

Eine Produktion von Harald Beharie. Gefördert durch Kulturrådet, Fond for lyd og bilde, FFUK, Sandnes Kommune. Unterstützt von der Stadtverwaltung Oslo und TOU. Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz.
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Norwegian-Jamaican choreographer Harald Beharie comes to Berlin for the first time with a captivating solo driven by booming progressive rock. Through a reappropriation of the Jamaican slang term for a queer person “Batty Bwoy” (literally, butt boy), the performance twists and turns the myths of the black queer body. From a perspective of play and desire, Harald Beharie scrutinizes the absurdity of queer monstrosity and evokes with Batty Bwoy an ambivalent being that exists in the threshold of joy, the precarious body and liberated power. Inspired by mythologies, disgusting stereotypes, feelings, fantasies of the queer body and identities, homophobic dancehall lyrics, 1970s Giallo films from Italy, resilient “gully queens,” and queer voices in Norway and Jamaica, Harald Beharie creates an ambivalent and tense work between tenderness and cruelty.

A production by Harald Beharie. Supported by Kulturrådet, Fond for lyd og bilde, FFUK, Sandnes Municipality, Oslo Municipality and TOU. Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Foto: Julie Hrncirova

Derzeit keine Tickets online verfügbar, ggf. verfügbare Restkarten ab 2 Stunden vor Vorstellungsbeginn an der Abendkasse.

Die demo station von Rirkrit Tiravanija ist eine bühnenähnliche Skulptur und lädt Menschen dazu ein, etwas zu „demonstrieren“. Tiravanija versteht den Begriff dabei im doppelten Sinn – als politischen Protest oder als Vorführung von etwas, das jemand besonders gut kann oder gerne mag. Über die Laufzeit der Ausstellung bietet die demo station täglich Raum für öffentliche Auftritte.

Bei der Veranstaltung werden ggfs. Foto- und Videoaufnahmen entstehen, auf denen Sie zu erkennen sein könnten. Mit Ihrem Besuch willigen Sie ein, dass diese Aufnahmen zur Kommunikation der Veranstaltung bzw. Ausstellung verwendet werden.

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Montag 11:00–19:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 11:00–19:00 Uhr Donnerstag 11:00–19:00 Uhr Freitag 11:00–19:00 Uhr Samstag 10:00–19:00 Uhr Sonntag 10:00–19:00 Uhr

Die magische Show ganz ohne Kartentricks.

Wollten Sie schon immer einmal die zauberhafte Seite der deutschen Hauptstadt kennenlernen?

Der Zauberer Ben Blu gibt Ihnen dazu die Gelegenheit. In seiner Show erhalten Sie einen etwas anderen Blick auf das alltägliche Berlin.

Die „Hauptstadt-Zaubershow“ lädt Sie dazu ein, das Leben in Berlin auf magische Weise zu betrachten. Berliner Erfindungen und Geschichten, berühmte Sehenswürdigkeiten der Hauptstadt und die Berliner selbst sind ebenso Gegenstand der Show wie die U- und S-Bahn und das Bürgeramt. Sind Sie dabei, wenn das Leben in der Hauptstadt unerwartete Wendungen nimmt und erleben Sie einzigartige Kunststücke, die es teilweise nirgends sonst auf der Welt gibt!

Staunen Sie, amüsieren Sie sich und lassen Sie sich begeistern in der Welt der Illusionen. Die Show dauert einschließlich einer 20-minütigen Pause etwa 120 Minuten.

In seinem Illusionstheater in der nähe des Ku’damm lässt Ben Blu Sie in der Zaubershow, die speziell für dieses Theater konzipiert wurde, Momente der Faszination erleben, die Sie so schnell nicht vergessen werden. Er führt humorvoll, kurzweilig und sympathisch durch das Programm. Die einzigartige Zaubershow in seinem intimen Theater wird für Zuschauer ab 8 Jahren empfohlen.

Einlass 30 min vor der Show