Ist Euch wirklich ganz wohl, Deutschland? Nicolas Sidiropulos und Mark Tumba untersuchen Schillers Erstlingswerk aus einer postmigrantischen Perspektive.

Mit der Uraufführung von „Die Räuber“, in der er die Selbstzerstörung einer Familie thematisiert, sorgte Schiller im Jahr 1782 für Furore. Ein Zeitzeuge berichtete: „Das Theater glich einem Irrenhaus, rollende Augen, geballte Fäuste, heisere Aufschreie im Zuschauerraum. Fremde Menschen fielen einander schluchzend in die Arme.“ Schiller wurde mit Festungshaft bedroht und musste fliehen.

Ein Vierteljahrtausend später erzählen zwei Schauspieler vor dem Hintergrund ihrer eigenen Familienbiografien diese Geschichte über Geborgenheit, Liebe, Egoismus, Freiheit neu – eine Erzählung aus Deutschland, als es Deutschland noch nicht gab. Wieviel Sprengkraft steckt heute in diesem einst explosiven Stoff? Wie hat sich unsere Welt seit dem Entstehungsdatum der Räuber verändert? Was verändert sich, wenn aus dem Nachnamen „von Moor“ zu „von Deutsch-land“ verändert? Ist eine Figur wie Amalia heute noch spielbar und wenn ja, auch von zwei Männern?

"... über weite Strecken witzig, auch berührend, vor allem aber erhellend (...). Man blickt neu auf Schillers Text, der hier (...) radikal glänzt." Georg Kasch - Berliner Morgenpost

„Was einem aber zu Schillers Räubern alles einfallen kann, zeigen Tumba und Sidiropulos mit einer Mischung aus Energie und großer Zartheit, die zum Geist des von ihnen fast völlig überschriebenen Stücks sehr gut passt.“ Stefan Michalzik- Frankfurter Allgemeine Zeitung

„An Selbstironie – wie die ganze Unternehmung nicht unsympathisch – mangelt es nicht.“ – Frankfurter Rundschau

„…sehr versiert: höchst inspiriertes Handwerk.“ - Frankfurter Neue Presse

VON & MIT Nicolas Sidiropulos / Mark Tumba URAUFFÜHRUNG Spielraumprojekt der Studierenden des Studiengang Schauspiel der HMTM Hannover (2019) WEITERENTWICKLUNG Schauspiel Frankfurt (2025)

MARK TUMBA wurde 1995 auf Sansibar geboren und zog 1999 nach Hagen in Westfalen. Nach ersten Auftritten auf der Jungen Bühne des Stadttheaters Hagen und am Theater Rottstraße 5 in Bochum studierte er Schauspiel an der HMTM Hannover. Seit der Spielzeit 2021/22 ist er Ensemblemitglied am Schauspiel Frankfurt, wo er mit Regisseur*innen wie Claudia Bauer, Nuran David Calis, Christina Tscharyiski zusammenarbeitete.

NICOLAS SIDIROPULOS, geboren 1998 in Brüssel und Sohn griechischer Einwanderer, studierte Schauspiel an der HMTM Hannover und am Conservatoire national supérieur d’art dramatique Paris. Er ist als Liedermacher und Regisseur eigener Kurz- und Langfilme aktiv. Von 2021 bis 2023 war er Teil des Ensembles am Theater an der Parkaue. Ihn begleiten enge Zusammenarbeiten mit Ikkimel, Heiner Müller und Friedrich Schiller. Aktuell arbeitet er in Kassel am Theater.

Wien 1938. Lola Blau, eine junge Schauspielerin, sieht
voller Vorfreude ihrem ersten Engagement am
Landestheater Linz entgegen. Mit dem „Anschluss“ an
das Deutsche Reich wird dieser Traum abrupt
zerschlagen, denn Lola ist Jüdin. Sie flieht in die Schweiz,
ist aber bald darauf dort ebenso unerwünscht. Doch ihr
Ehrgeiz, Karriere zu machen und eine große Portion Glück
verhelfen ihr zu einer Überfahrt nach den USA und zur
kompletten Verdrängung der Geschehnisse. Ihr Wunsch
jedoch erfüllt sich: Sie wird ein vielumjubelter Star! Und
doch ist sie nicht glücklich damit. Nach dem Krieg kehrt
sie in ihre Heimat zurück und muss nun unausweichlich
der Wahrheit ins Gesicht sehen.
Georg Kreislers Musical, von eigenen Erfahrungen
gespeist, erzählt diese Geschichte in wunderbaren,
scharfzüngigen und melancholischen Liedern.



Regie: Wolfgang Seppelt
Co Regie: Cora Chilcott
Musik. Leitung: Tobias Schwencke
Ton- und Bildcollagen: Axel Martin
Foto: © Michael Joch

Komödie von Yasmina Reza
aus dem Französischen von Eugen Helmlé

Serge hat sich ein monochromes Ölgemälde gekauft, weiß mit weißen Streifen. Und teuer, richtig teuer. An diesem Bild entzündet sich der Streit zwischen drei Freunden. Serge ist begeistert von dem Gemälde, sein Freund Marc findet es einfach „Scheiße“, Yvan will keine Stellung beziehen, um es sich mit seinen Freunden nicht zu verderben.
Zwischen den Männern tun sich tiefe Gräben auf und die langjährige, enge Beziehung steht auf einmal zur Disposition.

Das Bild dient als Katalysator, mit dessen Hilfe die Autorin auf sehr subtile und psychologisch fein gezeichnete Weise wortgewandt und komisch eine Situation analysiert, die drei Männer, ihre Gefühle, ihre Befindlichkeit, ihre Freundschaft und ihr bisheriges Dasein auf den Prüfstand und infrage stellt.

In einer Inszenierung von Carl-Hermann Risse bringt das Theater Poetenpack die Erfolgskomödie der wohl meistgespielten zeitgenössischen Theaterautorin auf die Bühne.

Der Einlass beginnt 30 Minuten vor Vorstellungsbeginn.

Dichten, bis ich Dresche kriege
Lapsuslieder & verdichtete Komik

Marco Tschirpke findet seine Pointen in Gegenwart und Geschichte. Was er aus vergangenen Epochen ans Tageslicht zieht, erhellt manchen Aspekt der Jetztzeit. Er stellt infrage, was andere voraussetzen. Und spürt mit seinen Kurzliedern und manchmal gar rauflustigen Reimen das Allgemeine im Besonderen auf. Historische Personen und lebende Artgenossen kommen da ebenso vor wie Schiffsverkehr und Raumfahrt, Freund und Feind. Er spottet, urteilt und kredenzt überraschende Einsichten in die Zeitläufte. Ein Lichtstrahl der Komik leuchtet jene Ecken des Daseins aus, denen die öffentliche Debatte keine Aufmerksamkeit widmet.

Marco Tschirpke veröffentlicht seit 2008 Gedichte mit Pointen und Musikalben. Auf den Bühnen der Republik zeigt er sich zugleich als gewiefter Pianist und Interpret seiner Verse. Etliche Preise schmücken seine Vita, darunter der Deutsche Kleinkunstpreis (2018).

Sechs Lehrer. Ein wütender Vater. Eine verschlossene Tür. Und eine Zeugniskonferenz, die völlig außer Kontrolle gerät.

Freitagnachmittag im Lehrerzimmer eines städtischen Gymnasiums. Während sich die meisten längst ins Wochenende verabschiedet haben, sitzen sechs Lehrerinnen und Lehrer noch immer zwischen Kaffeetassen, Klausuren und ihren ganz persönlichen Befindlichkeiten fest. Viel verbindet sie nicht. Bis ein aufgebrachter Vater auftaucht und verlangt, dass sie über die gefährdete Abiturzulassung seines Sohnes sprechen.

Als die Lehrkräfte das Gespräch verweigern, greift der Vater zu drastischen Mitteln: Er schließt die Gruppe im Lehrerzimmer ein und zwingt sie zu einer äußerst ungewöhnlichen Zeugniskonferenz. Was zunächst wie eine klare Auseinandersetzung zwischen einem verzweifelten Vater und einem scheinbar pflichtbewussten Kollegium beginnt, entwickelt sich schnell zu einer schonungslosen Abrechnung.

Im abgeschlossenen Raum geraten Gewissheiten ins Wanken. Alte Konflikte brechen auf, persönliche Eitelkeiten kommen ans Licht und die bürgerlichen Fassaden des Lehrkörpers beginnen zu bröckeln. Je länger die unfreiwillige Konferenz dauert, desto dringlicher stellt sich die Frage: Sind diese Menschen tatsächlich dazu berechtigt, über die Zukunft eines jungen Menschen zu entscheiden?

Doch auch der Vater muss sich verantworten. Wie weit darf er gehen, um seinem Sohn zu helfen? Und rechtfertigt sein Anliegen wirklich die Mittel, zu denen er greift?

In seiner bissigen Komödie „Eingeschlossene Gesellschaft“ lässt Jan Weiler sechs sehr unterschiedliche Lehrkräfte und einen entschlossenen Vater auf engstem Raum aufeinandertreffen. Mit pointierten Dialogen, scharfem Blick und viel schwarzem Humor erzählt das Stück von Macht, Verantwortung, Vorurteilen und einem Bildungssystem, in dem längst nicht nur die Schülerinnen und Schüler geprüft werden.

Inszenierung: Wolfgang Rumpf

Ausstattung: Erwin Bode

Theaterschiff an Land, zu Gast in der Französischen Kirche Potsdam

Ulugbek Palvanov gehört zu den herausragendsten Klaviertalenten und zu den großen Virtuosen unserer Zeit. Er stellt seine Virtuosität nie in den Vordergrund. Sie ist für ihn das Mittel, die Musik mit allen Nuancen und Feinheiten zu gestalten, mit Kopf und Herz. Sein Schwerpunkt liegt auf der Klavierliteratur des 19. und 20. Jahrhunderts. Meistens sind es die hochvirtuosen Werke, die fast schon als unspielbar gelten, die ihn interessieren.
Es ist dem Theaterschiff gelungen, Ulugbek Palvanov, für ein weiteres, neues Konzert seiner Reihe „Die Stimme des Lichts“ in der Französischen Kirche zu binden. Die Musikfolge wird noch bekannt gegeben.
Als Ausblick können sich alle seine Fans schon freuen: Am 26.3.2027 wird Ulugbek Palvanov Tag genau am 200.Todestag von Ludwig van Beethoven die sechste Sinfonie des großen Meisters in einem Solokonzert in der Französischen Kirche spielen.

Ulugbek Palvanov wurde 1974 in Usbekistan geboren. Er erhielt dort mit fünf Jahren die erste Hochbegabtenförderung am Klavier, studierte später am Tschaikowsky- Konservatorium in Moskau und später an der Hochschule für Musik „Hanns Eisler“ und an der UdK Berlin. Er ist der Gewinner der Internationalen Piano Competition, der Internationalen Piano Competition in Portugal, des Ferruccio Busoni Wettbewerbes, des Steinway-Wettbewerbes Berlin, des Robert- Schumann-Wettbewerbes, der Arthur Rubinstein international Piano Competition in Tel Aviv, sowie des Arthur-Schnabel-Wettbewerbes der UdK Berlin. Er erhielt den Kulturpreis des Deutschen Johanniter Ordens für seine herausragenden Leistungen in der Bundesrepublik Deutschland, gewann die Silbermedaille bei den Global Music Awards in den USA.
Er konzertierte in Europa, den USA und Japan. Unter anderem mit dem Moskauer Philharmonischen Orchester, dem Kammerorchester Bolzano, dem Philharmonischen Orchester Tbilisi und dem Israelischen Philharmonischen Orchester. Er lebt seit zwanzig Jahren in Berlin.

Einlass: 19:00 Uhr

PRINZESS ROSINE
Große Operette mit Luftballett frei nach Paul Lincke

Besetzung:
STEFANIE DIETRICH (Spiel, Gesang)
MEIK VAN SEVEREN (Spiel, Gesang)
MARKUS ZUGEHÖR / INSA BERNDS alternierend (Klavier)
Idee und Konzept: STEFANIE DIETRICH
Fassung: FABIAN GERHARDT, STEFANIE DIETRICH
Regie: FABIAN GERHARDT
Musikalische Leitung: MARKUS ZUGEHÖR
Kostümbild, Bühne: STEPHAN BOLZ
Kostümbildassistenz: TATJANA HAJDUKOVA
Lichtdesign: LUCAS MÜLLER, LORENZ REIMANN

PREMIERE war am 01.03.2025, 19:30 Uhr, THEATER IM PALAIS BERLIN

Dauer: ca. 120 Min (Teil I: 55 MIn. / Pause: 20 Min. / Teil II: 45 Min.)

In unserer jüngsten Produktion geht es – ganz im Sinne der so genannten „Berliner Operette“ – richtig albern, frivol und herrlich bunt zu.
Paul Linckes großartige Musik, die extravaganten Kostüme und nicht zuletzt zwei fantastische Darstellenden, die sonst auf den großen Operettenbühnen zu Hause sind, sorgen für jede Menge Spaß.
In der Tat werden sämtliche Haupt- und Nebenrollen von der Prinzessin Rosine über die Gäste und Bewohner eines ominösen Schlaraffenlandes bis hin zu den Mitgliedern des königlichen Hofes, aber auch das komplette Orchester und das Corps de Ballet von zwei Personen gespielt und gesungen: Stefanie Dietrich, bekannt als Mizzi Meier und aus unserer Hausproduktion über Kurt Tucholsky und Meik van Severen, der sich auch als Dragqueen einen Namen gemacht hat und den Sie erstmalig auf unserer Bühne erleben dürfen!

Prinzess Rosine, 1905 in Berlin uraufgeführt, ist ein echtes musikalisches Juwel, das wir aus der Vergessenheit holen und erneut auf Hochglanz polieren. So kehrt Paul Linckes Musik dorthin zurück, wo sie hingehört: ins Herz der Hauptstadt.

Freuen Sie sich auf unseren musikalischen Ausstattungsspaß im Taschenformat!

Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Er wollte nie Schauspieler werden und auch nicht in Hollywood landen. Was Henry Hübchen dagegen wollte: „Spaß an der Arbeit haben". Und für diese Spielfreude liebt ihn sein Publikum.

Mit Moderator Robert Rauh spricht der bekannte Schauspieler Henry Hübchen über seine bewegende Karriere - über Theater, Film und Musik. Musikalisch umrahmt wird der Abend von dem Sänger, Musiker und Komponisten, Günther Fischer, der u.a. zahlreiche Filmmusiken für Produktionen mit Marlene Dietrich, Armin Mueller-Stahl, Manfred Krug, Robert Mitchum und Tony Curtis komponierte.
In Talkshows ist Henry Hübchen eher selten zu sehen, doch hier stellt er sich den Fragen des Gastgebers, Moderators und Autors Robert Rauh, der zuletzt die beiden Bücher „Fontanes Fünf Schlösser" und "Fontanes Frauen" veröffentlichte.


Das Publikum kann sich auf einen äußerst amüsanten und kurzweiligen Abend mit überraschenden Einblicken und spannenden Ansichten aus dem bewegten Leben von Henry Hübchen freuen.

Einlass: 18:30 Uhr

Madre ®
Es ist nie zu spät für eine glückliche Kindheit

Deutsche Uraufführung aus dem Spanischen (übersetzt von Birgit Kirberg). Die Aufführungsrechte der Autorin werden vertreten durch Marta Fluvià Agency.Anna ist eine erfolgreiche Werbemanagerin und weiß nur zu gut, wie man Bilder von einem glücklichen Leben entwirft. Eine harmonische Familie darf dabei nicht fehlen. Die aber hat sie selbst nie gehabt. Da stößt sie zufällig auf eine Anzeige: »Ich könnte die Mutter sein, von der sie immer geträumt haben.« Keine schlechte Idee, denkt sie, denn schließlich kann sie es sich leisten. Sie hat sehr genaue Vorstellungen von der neuen Verbindung - und dann kommt alles vollkommen anders als geplant.Das Stück MADRE® untersucht, wie Menschen sich selbst aufmachen und sich eine Familie suchen - abseits von Verwandtschaftsverhältnissen. Die wahre Familie kann man sich schließlich aussuchen, unsere chosen family! Gleichzeitig ist es aber auch ein Stück über die unerwarteten Auswirkungen kapitalistischer Logik, das Geschäft mit der Liebe und die Erfindung neuer Formeln für persönliche Beziehungen.

Einlass ab 18:45 Uhr (Studio)

Evtl. Restkarten an der Abendkasse

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

So ist es manchmal: Erst sehnt sich die Frau nach einem Mann. Dann ist er da. Dann sehnt sie sich danach, ihn wieder loszuwerden. Aber wie?
Fragen über Fragen. „Mein Mann – und tschüss!“ gibt die Antwort. Einfach, klar und witzig. Gisela von Bock sucht in einem Coaching Rat bei der erfahrenen Frau Senfstößl. Und wirklich, durch geschickte Fragen und lebensnahes Spiel hilft ihr die Coachin aus der Lebenskrise.
Eine brillante Komödie!

„Mein Mann – und tschüss“ ist die Fortsetzung der Theaterstücke „Männerschlussverkauf“ und „Die Männerfalle“.

Es spielen Sina Haarmann, Marion Martinez

Monika Ertl schließt sich 1969 der von Che Guevara gegründeten Guerilla in Bolivien an und radikalisiert sich aus ihrem deutschen Umfeld im Kampf gegen die Diktatur zu einer politischen Attentäterin, um schließlich den Nazi-Kriegsverbrecher Klaus Barbie zu konfrontieren. In »Eine Frage des Widerstands« entwerfen vier Schauspieler*innen aus Deutschland, Frankreich und Bolivien mit filmischen Sequenzen, Zeitzeug*innen-Interviews und Archivmaterial ein Stück über das Leben von Monika Ertl im Spannungsfeld von Widerstand, Gewalt und Revolution.

Was ist Fakt und was ist Fake? Laut "Bild" wurde jetzt eine KI
im Fitnessstudio gesehen, sie trainierte ihre Algorithmen.
Was versteht man unter "Gelegenheitsverkehr"? Hat es mit Sex
zu tun, oder mit Taxis und Mietwagen? Fragen über Fragen
denen sich BELLA LIERE und ANDREAS ZIEGER in ihrem neuen
Programm des Potsdamer Kabaretts stellen. Und sie kommen
zu folgender Erkenntnis: Würden Fakes, Halbwahrheiten und
Politikerlügen leuchten, wäre die Erde heller als die Sonne.
Positiv gesehen, wäre damit das Energieproblem gelöst!
Kommen Sie und denken Sie mit, in der Zweier WG von
Liere und Zieger ist auch noch ein Platz für Sie frei!

Tanzperformance zu „Music for 18 Musicians“ von Steve Reich

Eine raumfüllende, weiße Treppenkonstruktion – riesige Zahlenprojektionen als chronografisches Zählwerk – Dopplungen, Verschiebungen, Überlagerungen: Zu den Bewegungen von elf TänzerInnen und zur Musik von Steve Reich entstehen auf den Treppenstufen Muster und Formen. Eine theatrale Meditation, als ob sich wie im Zeitraffer die Uhrwerkartigkeit des Lebens offenbart. „META“ ist eine Tanzinstallation, die sich keinem bestehenden Konzept zuordnen lässt. An der Schnittstelle von bildender und darstellender Kunst angesiedelt, hinterfragt die Performance metaphysische Vorstellungen – Vorstellungen von Zeit, von Moment und Ewigkeit, von Gegenwart und Zukunft, von Leben und Tod.

Die französische ORIANTHEATRE Dance Company, 2011 von dem französisch-iranischen Choreografen Mehdi Farajpour gegründet, verbindet Tanz, Theater und Performance. Das Wort „ORIAN“ verweist in der persischen Sprache auf den Begriff der Nacktheit und bezieht sich beim ORIANTHEATRE auf Ehrlichkeit als zentrales Leitmotiv im künstlerischen Schaffensprozess. Getreu diesem Grundsatz wird in seinen Produktionen auf theatralische Effekte verzichtet und dadurch nähern sie sich dem Konzept der Performancekunst an. Als internationales Netzwerk von KünstlerInnen unterschiedlicher kreativer Hintergründe konzipiert, ist die Kompanie regelmäßig auf Tournee in Asien, Lateinamerika und Europa.


Foto: Marko Hajdarovic

Musikperformance

Ein leeres Bühnenquadrat mit integriertem Kreidekreis. Allmählich entfaltet sich darin eine konzertante Tanzperformance mit vier AkteurInnen – ein kathartisches Ritual, ein wildes Oszillieren zwischen Elektrogitarre, Schlagwerk, der stimmlichen Kraft einer Sopranistin und den tranceartigen Bewegungen eines Tänzers. Mal perkussiv, mal repetitiv, immer mitreißend, leicht und energetisch – die vielschichtigen Klanglandschaften von „Spring Is Possible“ sind gleichermaßen inspiriert von Anna Meredith, David Byrne und Igor Strawinsky. Oper, Techno und Pop – elektrisierende, pulsierende Klänge verschmelzen zu einem Ganzen.

Die Kompanie bodybody um Dag Taeldeman und Andrew Van Ostade steht für eine energetische Symbiose aus Konzert, Tanz und physischem Theater. Das Duo, das bereits Musik für diverse Theaterinszenierungen und Filme kreiert hat, erschafft in seinen Produktionen interdisziplinäre Klanglandschaften, die von Technobeats bis hin zu opernhaften Arien reichen. In enger Zusammenarbeit mit dem Choreografen Matteo Sedda und der Sopranistin Lies Vandewege entwickelt das Kollektiv rituelle Performances mit kathartischer Wirkung. In ihren international anerkannten Arbeiten verwandeln sie die Bühne in einen Raum für außergewöhnliche performative Konzerte.


Foto: Robin Stevens