Erleben Sie im neuen Programm von Doris Reichenauer „Jetzt isst er sogar Brokkoli“ einen Abend voller Lachen und Lebensfreude.

Lachen, bis die Tränen fließen – das ist die Spezialität von Doris Reichenauer, Preisträgerin des Kleinkunstpreises BadenWürttembergs. Ihre Geschichten sind direkt aus dem Leben gegriffen, zum Brüllen komisch und gleichzeitig herrlich authentisch.

Die Zeiten ändern sich – und Doris Reichenauer ist mittendrin: Die Kinder aus dem Haus, der Sohn plötzlich verheiratet und... er isst jetzt sogar Brokkoli! Ein echtes Zeichen für einen neuen Lebensabschnitt. Zwischen ganz normalem Ehe-Wahnsinn, turbulenten Familienfeiern, neuen Schwiegerkindern, den ersten Enkeln und der aufregenden neu gewonnenen Freiheit entdeckt Doris die unglaublich lustigen Seiten dieser Lebensphase.

Doris Reichenauer beobachtet scharf, spricht offen aus, was andere nur denken, und trifft damit mitten ins Lachzentrum.

Ehrlich, frech, lebensnah – Doris Reichenauer zeigt einmal mehr, wie köstlich komisch das Leben sein kann, wenn man es mit Humor nimmt.
Lachen, wiedererkennen, loslassen – das ist „Jetzt isst er sogar Brokkoli“.

Ein Abend voller Humor, Herz und herrlicher Ehrlichkeit – ganz typisch Doris Reichenauer!

Einlass: 19:00 Uhr

Piotr Iljitsch Tschaikowski

Ballett
Spieldauer: 130 Min. inklusive Pause

PRODUKTIONSTEAM
Puppenbau: Bernhard Leismüller / Bernhard Morgenstern
Puppenköpfe: Sebastian Demmel
Kostümschneiderei: Bernhard Leismüller / Amand Pérez
Bühnenbild: Bettina Hummitzsch
Choreografie & Einstudierung: Jutta Mähr

CHOREOGRAFIE
Anknüpfend an die Choreografie von Petipa entwickelte das Ensemble der Marionettenoper unter der Leitung der Münchner Choreografin Jutta Mähr eine ganz eigene Interpretation des Ballettklassikers. Doch auch wenn eine Marionette scheinbar mühelos jede körperliche Herausforderung meistern kann, galt es, die Anstrengungen dennoch sichtbar zu machen. Die Illusion, dass sich die Muskulatur bis zur äußersten Schmerzgrenze anspannt, dass die Tänzer wirklich schwitzen, dass sie um ihr Gleichgewicht immer wieder ringen müssen, war das große Ziel dieser Produktion.

BÜHNENGESCHICHTE
"Schwanensee" ist wohl das berühmteste Ballett überhaupt - alle klassischen Kompanien haben es in ihrem Repertoire. Piotr Iljitsch Tschaikovsky benötigte ein halbes Jahr (August 1875 bis April 1876), um sein erstes Ballett fertig zu stellen, das am 20. Februar 1877 im Moskauer Bolschoi-Theater uraufgeführt wurde. Die erste russische Gastspielaufführung im Westen erfolgte 1969 durch das Kirow-Ballett. Unter den neueren Interpretationen wurden neben der Choreographie des Startänzers Rudolf Nurejev vor allem jene von George Balanchine (New York 1951), Vladimir Bourmeister (Moskau 1956), John Cranko (Stuttgart 1963), John Neumeier (Hamburg 2002) und die rein männlich besetzte Neufassung "Matthew Bourne´s Swan Lake" (London 1995) populär.

SO 25.04.2027 19.30 Uhr
Kultur- und Kongresszentrum
19 Uhr / Einführung Rainer Hepp

MARTIN FRÖST & Swedish Chamber Orchestra

LUDWIG VAN BEETHOVEN Coriolan-Ouvertüre
WOLFGANG AMADEUS MOZART Klarinettenkonzert A-Dur
LUDWIG VAN BEETHOVEN 8. Sinfonie F-Dur

MARTIN FRÖST Klarinette und Leitung & Artist in Residence

Der international erfolgreiche Klarinettist Martin Fröst und das Swedish Chamber Orchestra kommen mit einem Meisterkonzert nach Weingarten, das ganz im Zeichen der Klassik steht.
Zu den bedeutendsten Bläserkonzerten überhaupt zählt zweifellos das Klarinettenkonzert A-Dur von Wolfgang Amadeus Mozart. Es ist zugleich sein letztes Solokonzert und insofern ein würdiger Höhepunkt der Gattung. Mozart hegte eine besondere Vorliebe für die Klarinette. In diesem dreisätzigen Werk befinden sich alle Ansprüche an ein Solokonzert in perfekter Balance: Der Solist darf immer wieder brillieren und sein Instrument vorführen, ohne dass dies zum Selbstzweck verkommt.

Einen spannenden Kontrast dazu bildet die Sinfonie Nr. 8 F-Dur von Ludwig van Beethoven. Auf den ersten Blick scheint sie sich noch einmal der klassischen Tradition Mozarts anzunähern. Doch Beethovens Verhältnis zur Tradition ist ein reflektiertes: Er orientiert sich nicht einfach an ihr, sondern setzt sich kreativ mit ihr auseinander. Normverstöße, Parodieverfahren, Übertreibung und derbe Späße kennzeichnen dieses Werk. Charakteristisch für die Achte sind Witz, Komik und Humor auf vielen Ebenen. Also ein für Beethoven außergewöhnliches Werk, verbindet man mit ihm doch eher künstlerischen Ernst, wofür die Coriolan-Ouvertüre ein gutes Beispiel liefert.

Mit Martin Fröst und dem Swedish Chamber Orchestra ist ein Ensemble zu erleben, das mit genau diesem Repertoire weltweit große Erfolge feiert – und damit einen besonderen Höhepunkt im Konzertleben der Region setzt.


Foto: Mats Bäcker, Sony Music Entertainment

Das Kriminaldinner ‘Sherlock Holmes und die vergiftete Grießnockerlsupp‘ – das ist ein köstliches Gänge-Menü in stilvollem Ambiente umrahmt von einem spannenden Kriminalfall, das im Hotel Landgasthof Köchlin in Lindau stattfinden wird.

Sherlock Holmes, der weltberühmte Meisterdetektiv, verschlägt es von London ins weiß-blaue Bayern – und das nicht ganz freiwillig. Doch die Einladung der Baronin von Zuckerberg zu einem Galadinner konnte er nicht erneut ausschlagen. Während er dem Geplapper der Baronin entflieht, wird der Gastgeber, Baron von Zuckerberg, tot in seine Grießnockerlsuppe stürzend aufgefunden.

Ein Unfall? Kaum! Doch obwohl Gift als Ursache ausgeschlossen scheint, ist Holmes in seinem Element. Verdächtige gibt es genug, und mit seinen brillanten Schlussfolgerungen entlarvt er den Täter – vielleicht schneller, als Sie es schaffen? Denn heute Abend haben auch Sie ein Wörtchen mitzureden!

Das Gänge-Menü wird serviert vom Gastroteam des Hotel Landgasthof Köchlin, das Kitzel für Nerven und Gaumen garantieren wird. Einlass ist um 16:30 Uhr – 17:00 Uhr beginnt die Veranstaltung.

Einlass: 16:30 Uhr / Gänge Menü und Theaterstück sind im Preis inbegriffen / Tisch- und Sitzplätze werden vor Ort zugewiesen

Mo., 26.04.2027, 10:15 – 11:15, Kiesel im k42
Der Workshop findet im Anschluss an die Vorstellung TRASHEDY (26.04., 09:00) statt.

performing:group, Leitung

Wie erzählt man ein Stück über Nachhaltigkeit und ökologische Verantwortung, das nachdenklich stimmt, aber einen dennoch nicht frustriert zurücklässt? Und darüber hinaus leicht zugänglich ist?
Im Workshop zum vorangegangenen Stück laden die Performer und Performerinnen des Ensembles dazu ein, sich mit Improvisation und Bewegung an das Thema ökologische Verantwortung heranzutasten. So wie es das künstlerische Ensemble selbst zu Beginn seiner Stückentwicklung getan hat!
Dabei können Schülerinnen und Schüler nicht nur erfahren, wie man sich künstlerisch ein Thema erarbeitet, sondern dürfen zudem ihre eigene Version des Stücks in einer choreografischen Sequenz entwickeln.

Der Workshop ist für bis zu 2 Klassen buchbar.

Dauer: 60 Minuten
Kosten: zusätzlich 4 € p. P. zum Eintritt, Begleitpersonen frei

Anmeldung bitte schriftlich über kuk@friedrichshafen.de

Eine Performance über Nachhaltigkeit, Klimawandel und selbstbestimmtes Handeln
Für Jugendliche ab 11 Jahren

Spiel: Marcela Ruiz Quintero und Daniel Mathéus
Leandro Kees, Idee und Regie

Produziert von performing:group und tanzhaus nrw

Wie viele Plastikbecher verbraucht man im Laufe eines Lebens? Zwei Darsteller gehen der Geschichte unserer merkwürdigen Evolution nach und wühlen sich durch die Komplexität des Themas „ökologische Intelligenz“. Auf ihrem Weg stoßen sie auf immer neue Fragen und einen stets wachsenden Müllberg.

Mit Hilfe von animierten Zeichnungen, Tanz und Klangcollagen wirft TRASHedy einen unverstellten, humorvollen Blick auf unsere Entscheidungsfreiheit und das eigene Konsumverhalten. Denn alles, was wir tun, hat eine Auswirkung. Irgendwo.

Ausgezeichnet mit dem Fachjurypreis und dem Jugendjury-Publikumspreis beim Westwind Festival 2013. Ausgewählt für das Augenblick mal! Festival 2015.

Dauer: 50 Minuten
Schulklassen: 4 € p. P. (mit Workshop: 8 € p. P.)
Empfehlung: Unter- und Mittelstufe

Programm:
Salomone Rossi, Sinfonia 11 „in Eco“ für Blockflöte,Violine und B.c.
Dario Castello, Sonata Quarta a 2 Soprani für Blockflöte, Violine und B.c.
Nicola Matteis, Fantasia a-Moll für Violine solo
Nicola Matteis, Diverse bizzarrie Sopra la Vecchia Sarabanda o pur Ciaccona für Blockflöte und B.c.
Georg Philipp Telemann, Triosonate a-Moll TWV 42:a4 aus „Essercizii Musici“ für Blockflöte, Violine und B.c.
Heinrich Ignaz Franz Biber, Passacaglia g-Moll für Violine solo
Luciano Berio, „Gesti“ für Blockflöte solo
György Ligeti, Continuum (1968) für Cembalo solo
Henry Purcell, Ground für Blockflöte, Violine und B.c.
Georg Philipp Telemann, Sonatine a-Moll TWV 41:a4 für Blockflöte und B.c.
Luciano Berio, Sequenza VIII per Violino solo
Johann Sebastian Bach, Triosonate G-Dur BWV 1038 für Flöte, Violine und B.c.
Antonio Soler, Fandango für Cembalo solo
Antonio Vivaldi, La Follia RV 63 für Blockflöte, Violine und B.c.

Mit dem Programm „Repeat it“ lädt das Trio Dorothee Oberlinger (Blockflöte), Franziska Hölscher (Violine | Artist in Residence) und Florian Birsak (Cembalo) zu einer faszinierenden musikalischen Reise ein: von der italienischen und deutschen Barockmusik bis zur Avantgarde des 20. Jahrhunderts.
Im Zentrum stehen Formen, die mit Wiederholung, Variation und Echo spielen. Werke von Salomone Rossi und Dario Castello eröffnen den Abend mit klangvollen barocken Dialogen, während die „bizzarrie“ von Nicola Matteis mit überraschenden Wendungen aufhorchen lassen. Telemanns kunstvolle Triosonaten sowie Purcells charakteristische Grounds führen das Spiel mit Wiederholungsformen weiter. Solistische Höhepunkte setzen Biber mit virtuoser barocker Expressivität, Ligeti mit motorischem Klangrausch und Berio mit radikaler klanglicher Forschung. Den funkelnden Schlusspunkt bildet Vivaldis „La Follia“ – ein Meisterwerk barocker Variationskunst.

So entsteht ein Programm voller Energie, Kontraste und Überraschungen, in dem Alte Musik und Moderne in einen lebendigen Dialog treten. Drei herausragende Solisten machen hörbar, wie Komponisten über Jahrhunderte hinweg immer wieder neue Inspiration in der Wiederholung gefunden haben – mal verspielt, mal virtuos, mal forsch.

Eine Veranstaltung im Rahmen des 39. Bodenseefestivals.

Im Konzerteintritt ist der Eintritt der Ausstellung „Volldampf! Die Schwäbische Eisenbahn in der Kunst“ am Veranstaltungstag von 17.30 Uhr bis 18.45 Uhr inbegriffen.

Einlass: 18:45 Uhr

Johann Strauss

Operette in drei Akten
Libretto: Richard Genée
Übersetzung: Kurt Honolka
Spieldauer: 140 Min. inklusive Pause

+In deutscher Sprache · Mit Übertiteln in deutscher und englischer Sprache.

PRODUKTIONSTEAM
Puppenbau: Bernhard Leismüller
Puppenköpfe: Sebastian Demmel
Kostümschneiderei: Bernhard Leismüller & Katrin Keuthmann
Bühnenbild: Hans Wünsch
Regie, Dramaturgie: Bernhard Leismüller

INSZENIERUNG
Wie bei allen Inszenierungen der Marionettenoper wurde auch bei der "Fledermaus" größter Wert auf die Umsetzung von Musik in choreographierte Bewegung gelegt. Man kann vielleicht sogar sagen, dass dieses Prinzip hier auf die Spitze getrieben wurde. Wann eine Figur sich setzt, wieder aufsteht, einen Schritt macht, wird durch die Musik bestimmt. Otto Schenk, der die Fledermaus auf der ganzen Welt inszeniert hat und wahrscheinlich einer der größten Kenner dieses musikalischen Geniestreiches ist, sagte: "Keine Note ist zufällig." Und dies gilt nicht nur für Strauss. Bei allen großen Opernkomponisten kann man diesen Zusammenhang entdecken.

BÜHNENGESCHICHTE
Die "Fledermaus" entstand zwischen September 1873 und März 1874. Das Libretto schrieb Richard Genée nach einem Bühnenstück des überaus erfolgreichen Autorenduos Henri Meilhac und Ludovic Halévy, die zwei Jahre zuvor die Vorlage für "Carmen", die bis heute meistgespielte Oper der Welt, schufen. Genée lieferte übrigens nicht nur die Textvorlage. Er hat auch an der musikalischen Umsetzung großen Anteil. Nach neuesten Forschungsergebnissen stammt sogar der größte Teil des Notenmaterials aus seiner Feder. An den Tantiemen, welche "Die Fledermaus" einspielte, war er ungerechterweise nicht beteiligt. "Die Fledermaus" gilt als die Königin der Operette und eroberte sich nach der Wiener Uraufführung die Welt. Sie gehört zu den wenigen Operetten, die auch an den bedeutenden Opernhäusern wie der Metropolian Opera, der Mailänder Scala, der Wiener Staatsoper und auch am Royal Opera House Convent Garden in London regelmäßig gespielt werden.

Zwei der bedeutendsten Bands des europäischen Power Metal vereinen ihre Kräfte für ein außergewöhnliches Live-Erlebnis: SONATA ARCTICA und RAGE gehen im April und Mai 2027 gemeinsam auf die CO-HEADLINER TOUR durch Europa.

Die Tour steht ganz im Zeichen großer Melodien, kraftvoller Riffs und monumentaler Orchesterarrangements. Für SONATA ARCTICA markiert sie einen besonderen Meilenstein:

Die finnischen Power-Metal-Pioniere werden erstmals auf einer kompletten Tour von einem Orchester begleitet. Songs wie „FullMoon“, „Replica“ und „Tallulah“ erhalten dadurch eine völlig neue, epische Dimension und unterstreichen die melodische Stärke der Band.

RAGE hingegen werden erneut gemeinsam mit ihrem LINGUA MORTIS ORCHESTRA auftreten.

Gleichzeitig feiern die deutschen Metal-Veteranen das 30-jährige Jubiläum ihres Albums XIII und Lingua Mortis, welche bis heute zu den wichtigsten Veröffentlichungen ihrer Karriere zählen. Fans dürfen sich unter anderem auf Klassiker wie „Alive But Dead“, „From The Cradle To The Grave“ und „Days Of December“ freuen.

Mit ihrer Kombination aus langjähriger Metal-Tradition, symphonischer Klanggewalt und unvergesslichen Hymnen verspricht die CO-HEADLINER TOUR 2027 ein Konzerterlebnis, das Fans beider Bands und Liebhaber orchestraler Metal-Produktionen gleichermaßen begeistern wird.

Einlass: 18:00 Uhr

Virginie Brunelle, Choreografie
DANCERS | Sophie Breton, Yelda del Carmen, Sabrina Dupuis, Milan Panet-Gigon, Lou-Anne Rousseau, Yoherlandy Tejeiro Garcia, Émile de Vasconcelos-Taillefer
MUSICIANS* | Molinari Quartet - In residence at the Conservatoire de musique de Montréal - Olga Ranzenhofer / violin, Antoine Bareil / violin, Lyne Allard / viola, Pierre-Alain Bouvrette / cello
Molinari Quartet: Musik von Philip Glass, Henryk Górecki, Max Richter, Samuel Barber & Dmitri Schostakowitsch

Was bleibt von Nähe, wenn sie brüchig wird? „Les corps avalés“ stellt sich dieser Frage – nicht theoretisch, sondern körperlich. Sieben Tänzerinnen und Tänzer geraten in Situationen, die kippen: Umarmungen werden hart, Begegnungen prallen ab, Nähe schlägt in Distanz um. Und doch ist da immer wieder der Versuch, Verbindung herzustellen. Denn was wären wir Menschen ohne sie?
Die kanadische Choreografin Virginie Brunelle beklagt in dieser Choreografie den Verlust von Bindung und Empathie in der Gesellschaft. „Die Menschheit wird zerbrechlich“, sagt sie und zeigt in ihrer nuancierten Sprache aus Rhythmus, Blicken, Gesten und Atmung die Dynamik der Macht – im Privaten, wie in der Gesellschaft. Getragen wird das Stück von live gespielter Musik des Molinari Quartett. Die Musik erfüllt hier nicht nur eine begleitende Funktion. Vielmehr greift sie in die Bewegung ein und treibt sie voran.
Für Virginie Brunelle wohnt in aller klassischen Musik eine dramatische Spannung; zehn Jahre lang lernte die Choreografin Geige, bis die Musik gewissermaßen auf ihren Körper überging und sie Tanz studierte. Nun fragt sie zu Streicher-Musik wie unsere Körper mittels Tanz der sich ausbreitenden Gleichgültigkeit mit Werten wie Solidarität oder Liebe entgegentreten können.

Dauer: 65 Minuten ohne Pause
Karten: 76 / 64 / 50 / 34 €
Abonnement: Ballett

Diese Veranstaltung findet im Rahmen des Bodenseefestivals statt.

Das Leichte ist am schwersten – Geige, Steirische Harmonika, Gitarre und Tuba – vier
virtuose Musiker weben ein dynamisches, kammermusikalisches Geflecht, das in einer
Eleganz und Leichtigkeit aufblüht, die man im Zusammenhang mit Volksmusik so nicht
erwartet hätte.


In den Improvisationen schimmert der Jazz, im makellosen Zusammenspiel die klassische
Schulung und in den mannigfaltigen Anklängen der weite Horizont von vier Weltbürgern, die
gleichzeitig ganz natürlich in ihrer Heimat verwurzelt sind. Diese Musik verweigert sich jeder
einfachen Zuordnung und stiftet eine beglückende Hörverwirrung.

Maxjosephs Musik ist nicht nur eine Synthese von E- und U-Musik, von alt und neu, von
Volksmusik und Klassik – sie ist eine Einladung in einen Dialog, in dem Grenzen
verschwimmen und dennoch bleibt man stets geerdet, verwurzelt in der Heimat.

„Lagom“ heißt das neue Album und Programm von Maxjoseph – Musik, die Tradition und
Gegenwart mit feinem Gespür für Balance verbindet. Inspiriert vom schwedischen Begriff für
das genau richtige Maß entsteht ein unverwechselbarer Klang zwischen Festhalten und
Loslassen: leichtfüßig, elegant und voller Charakter. Jazzige Offenheit, klassische Präzision
und ein weiter musikalischer Horizont verbinden sich mit tiefer Verwurzelung in der Heimat
zu einer zeitgenössischen Volksmusik jenseits aller Schubladen.

Maxjoseph sind:
Georg Unterholzner - Gitarre
Andreas Winkler - Steirische Harmonika
Nathanael Turban - Geige
Florian Mayrhofer - Tuba

BIld: Jessica Elsner

--------------------------------------------
Einlass und Öffnung der Abendkasse ab 19 Uhr. Abendkassenpreis: 24€

Einlass ab 19 Uhr. Verkaufte Karten können nicht zurückgenommen werden.

Angriff der Frühblüher
Comedy für Allergiker. Und alle, die es werden wollen.
Wenn die ersten Sonnenstrahlen den Winter vertreiben, blühen nicht nur die Pflanzen auf – sondern auch die Allergien. Während andere voller Lebensfreude in die Biergärten stürmen, kämpft Michael Krebs mit tränenden Augen, triefender Nase, Atemnot und einem inneren Juckreiz, der ihn an den Rand der Gesellschaft katapultiert. Doch statt sich im dunklen Schlafzimmer zu verkriechen, stellt er sich der gnadenlosen Wirklichkeit: mit Humor, Musik – und einer Nasendusche Backstage.
„Angriff der Frühblüher“ ist Comedy für alle, die wissen, dass der Frühling nicht nur Glitzer und Schmetterlinge bedeutet, sondern auch Antihistaminika und das Gefühl, von einer Pollenapokalypse überrollt zu werden.
Michael Krebs, mehrfach preisgekrönter Musikkabarettist, liefert ein allergisches Feuerwerk aus Wortwitz, Live-Musik und messerscharfer Beobachtungsgabe. In seinem unverwechselbaren Stil zerlegt er den ganz normalen Wahnsinn des Alltags – von Heuschnupfen-Symptomen über
Apotheken-Smalltalk bis hin zu absurden Ratschlägen von Leuten, die raten „das mit dem Immunsystem als Chance zu sehen“.

Einlass: 19:30 Uhr

Ein Spektakel mit Musik, Akrobatik und Schauspiel nach Henry Miller

Ein inspirierender Abend zum Staunen, Schmunzeln und Nachdenken. Dieser Abend balanciert, musikalisch zart untermalt, zwischen der Lust am Lachen und der Erkenntnis, dass wir selbst die Protagonisten dieser tragikomischen Geschichte sein könnten, die es für einen vergnüglichen Abend voller Lebensfreude und Heiterkeit mit Tiefgang braucht.

Clowns im Zirkus sind immer fröhlich. Doch manchmal verlieren auch sie ihr Lächeln, wenn sich das Herz mit Tränen füllt. Und was passiert dann, wenn der Clown nicht mehr lacht? Diese Inszenierung blickt hinter die Maske und schaut dem Menschen ins Gesicht. Poetisch, staunend, berührend, heiter, tragisch. voller Mitgefühl. Clown August bricht auf, tritt, an seinem eigenen Anspruch gescheitert, aus dem Rund der Manege und begibt sich auf die Suche nach tief empfundener Glückseligkeit – unterwegs zu sich selbst. Ohne Applaus und Rampenlicht schutzlos und schon fast nackt, empfindet er sich wieder viel näher bei der Natur – in auf ursprüngliche Wahrheiten reduzierten, essenziellen Bühnenmomenten wie diesen, sind wir uns alle ähnlich. Publikum und Clown sind Eins. In einer Welt, in der Schwäche als Bedrohung gilt und die Leistung als Erwartungshaltung im Vordergrund steht, symbolisiert der Clown das zutiefst Menschliche: Unsicherheit, Sehnsucht nach Wahrhaftigkeit, Verbundenheit und Liebe.

Ralf Bauer gibt in „Das Lächeln am Fuße der Leiter“ den Clown August. Als komische Figur bringt er die dunkle Seite zum Vorschein. Die Rückseite des tröstlichen Silbermondes. Über das Lachen hat der Clown die Erlaubnis, Wahrheiten auszusprechen. Er ist ein fantastisches Mischwesen aus einer anderen Welt. Das Lachen, aus Trauer und Wut über den Tod geboren, den eigenen oder den von Nahestehenden, kann unsere Endlichkeit nicht ändern: Doch wir dürfen unseren Frieden damit machen. Und sobald wir darüber lächeln können, sind wir schon eine Stufe weiter auf der Leiter … “

Ralf Bauer, als zweite Leidenschaft und Lebenswelt in die tibetische Philosophie eingetauchter Yoga-Meister, wirft die Zuschauer mit dieser seelenvollen Inszenierung unterhaltsam auf sich selbst zurück.

„Das Lächeln am Fuße der Leiter“ ist eine poetische Fabel von obsessiver Leidenschaft auf der Suche nach sich selbst, die passionierte Erzählung eines Künstlers, der seiner Bestimmung folgt.

Pink Floyd – Giganten des Progressive- und Art-Rock, Architekten gewaltiger magischer
Klanggebäude mit einzigartiger musikalischer Ästhetik, Zeremonienmeister bombastischer Live-
Shows - ein Monolith im Strom der Rockgeschichte, stilprägend für Generationen von Musikern
und Bands. Pink Floyd sind eine der größten Bands aller Zeiten und haben längst ihren Platz im
Rock-Olymp.
Die Geschichte der Originale ist allerdings mit dem letzten Album "The Endless River" von 2014
auserzählt. Es war der würdige Abschluss eines gigantischen musikalischen Gesamtwerks, welches ein
Erbe für Generationen darstellt.
Die Pink Floyd-Tributeband echoes trägt dieses legendäre Erbe weiter. Ab 2024 zudem in einer neuen,
frischen Besetzung - der inzwischen vierten seit der Bandgründung 1993. Für Konstanz und höchstes
Niveau garantieren weiterhin die beiden Bandgründer Paul Ahrens und Steffen Maier, die das Pink Floyd
Tribute-Flaggschiff echoes seit inzwischen drei Jahrzehnten (!) und über 500 Konzerten in zwölf Ländern
erfolgreich auf Kurs halten. Europaweit einzigartig.
Besonders spannend: Für den Gitarrenpart von David Gilmour konnte man keinen Geringeren als den
deutschen Ausnahme-Gitarristen Dennis Hormes gewinnen. Fans von echoes durften in den letzten
Jahren schon Kostproben seines fantastischen Könnens erleben, wenn er als Gastmusiker bei echoes
dabei war. Es ist absolut faszinierend, wie er sich das Werk von David Gilmour auf neue und höchst
virtuose Art zu eigen macht - ab sofort allerdings nicht mehr als Gast, sondern als neues Zentralgestirn in
den floydianischen Klangwelten von echoes. Dabei bringt Dennis Hormes Fähigkeiten mit ein, die Pink
Floyd ursprünglich ausgezeichnet haben und am Ende vielleicht etwas verloren gegangen bzw. zu kurz
gekommen sind: Einen offenen Geist, Kreativität und Improvisationsfreude - ohne dabei Komplexität,
Erhabenheit und Geist von Pink Floyd zu vernachlässigen.
echoes nehmen ihr Publikum mit auf eine höchst emotionale Reise zur dunklen Seite des Mondes, von
"Ummagumma" über "Meddle", "Dark Side of the Moon", "Wish You Were Here", "Animals" und "The
Wall", bis hin zur Post-Waters-Ära. Neben einem umfassenden "Best of Pink Floyd" kommen dabei auch
so manche fast schon in Vergessenheit geratene Werke wieder zu Gehör.
Und dennoch ist ein echoes-Konzert kein Nostalgie-Trip. Vielmehr zeigt die Band mit immenser
Spielfreude, Liebe zum Detail, druckvollem Sound und viel Respekt vor dem Original, dass die
komplexen Pink Floyd-Epen heute noch genauso faszinierend und aktuell sind wie zur Zeit ihrer
Entstehung - zeitlos eben.
echoes präsentieren ein eigens für sie entworfenes, knapp dreistündiges Spektakel, das auch dem
audiovisuellen Aspekt der gigantischen Konzerte von Pink Floyd gerecht wird. Perfekter, druckvoller und
transparenter Livesound, eine aufwändige Lightshow mit zahlreichen intelligenten Scheinwerfern,
computergesteuerte Videoprojektionen und zahlreiche weitere Elemente der Original-Shows von Pink
Floyd unterstützen die epische Musik und garantieren ein absolut außergewöhnliches und einzigartiges
Live-Erlebnis.
Die Presse-Echo(e)s fielen in den letzten Jahren dementsprechend aus: "Es ist ein Spektakel" schreibt
die Süddeutsche Zeitung. Ein "Monumentales Konzert" bescheinigt der Hanauer Anzeiger, "Einfach zu
schön" findet es die WAZ und sogar "Fast unheimlich" die Allgäuer Zeitung. "Echoes bewiesen, dass sie
auserwählt sind" bilanziert die GNZ, das Main Echo feiert "Die Kopie als Gesamtkunstwerk". Und
geradezu euphorisch fällt das Fazit der Rheinpfalz aus: "Das kann man kaum besser machen. Echoes
haben alle Erwartungen erfüllt und zollten ihren Helden einen Tribut, der nicht abwechslungsreicher,
wagemutiger und perfekter hätte sein können."
Ein Anspruch, den auch die neue Besetzung von echoes erfüllen wird. Das Publikum darf sich also auf
ein - im wahrsten Sinne des Wortes - stimmungsvolles und spektakuläres Konzertereignis in
floydianischer Atmosphäre freuen!

Einlass ab 19:00

Mit beeindruckender Virtuosität, klanglicher Feinfühligkeit und großer musikalischer Gestaltungskraft führt die Pianistin Olga Scheps in die emotionalen Tiefen und schwindelerregenden Höhen der Romantik. Robert Schumanns Sonate Nr. 1 in fis-Moll und der temperamentvolle „Faschingsschwank aus Wien“ treffen auf Franz Schuberts poetische Impromptus und die virtuose „Wanderer-Fantasie“. Zwischen inniger Versenkung, tänzerischem Übermut und pianistischer Brillanz entsteht ein Konzertabend voller Kontraste – und ein musikalischer Höhenflug, der tief berührt.

Eine Veranstaltung im Rahmen des Bodenseefestivals 2027.

R. Schumann Sonate Nr. 1 fis-moll op. 11
Faschingsschwank aus Wien op. 26

Schubert Impromptus op. 142 Nr. 1 & Nr. 2
Wanderer-Fantasie C-Dur op. 15 D 760


Im Konzerteintritt ist der Eintritt der Ausstellung „Volldampf! Die Schwäbische Eisenbahn in der Kunst“ am Veranstaltungstag von 14.00 Uhr bis 18.45 Uhr inbegriffen.

Einlass: 18:45 Uhr