In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

Zwischen Rahmen und Realität: Der Blick aus dem Fenster – Workshop um 18.00 Uhr im Stadtmuseum, Burgstr. 11 Preis: 16 € inkl. Material

Werden Sie selbst zu einer Schülerin oder einem Schüler Max Beckmanns! In diesem Workshop lassen wir uns von Beckmanns Aufgabenstellung – dem Motiv des Fensterblicks – inspirieren und gestalten in der Technik des Linolschnitts einen eigenen „Blick aus dem Fenster“. Bunt, schwarz-weiß oder einfarbig, Ihrer Kreativität sind keine Grenzen gesetzt!

Der Maler und Grafiker Max Beckmann (1884 – 1950) zählt zu den bedeutendsten deutschen Künstlern in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Der Kreis seiner Schülerinnen und Schüler hingegen ist nahezu unbekannt. Obwohl Beckmann mehrere Jahre – von 1925 bis 1933 – an der Städelschule in Frankfurt am Main eine Meisterklasse unterrichtete, gibt es keine „Beckmann-Schule“. 1933 wurde Beckmann von den Nationalsozialisten aus dem Lehramt entlassen – der Kreis seiner Schülerinnen und Schüler löste sich auf, bevor sich aus der Klasse eine maßgeblich durch Beckmann geprägte „Schule“ entwickeln konnte.

Die Ausstellung beleuchtet die künstlerische Entwicklung von Theo Garve, Georg Heck, Walter Hergenhahn, Inge Hergenhahn-Dinand, Leo Maillet, Friedrich Wilhelm Meyer und Karl Tratt. Die Ausstellung geht der Frage nach, inwieweit ihre künstlerische Entwicklung eingeschränkt und ihre Bekanntheit durch die Zeitumstände behindert wurde.

Für den Besuch von Führungen und Veranstaltungen bittet das Stadtmuseum um vorherige Anmeldung unter Telefon 06192 202540 oder per Mail an: stadtmuseum@hofheim.de.

Einlass ab 18:30 Uhr

ausverkauft

Ein Theaterstück nach historischen Berichten, Biographien und Verhörprotokollen des „Peinlichen Verhör Amts der Freien Stadt Frankfurt am Main“.

Im September 1848 bricht der Sturm los in Frankfurt. Fast gelingt es den Aufständischen, die Paulskirchenversammlung zu sprengen. Beim Barrikadenkampf auf der Töngesgasse wird Simon verhaftet und jetzt sitzt er im "Peinlichen Verhör-Amt" und wird von Heinrich in die Mangel genommen. Wer hat die Pläne für den Umsturz geschmiedet? Wer ist schuld am Tod von zwei Abgeordneten? Was hat Annette aus Ginnheim mit all dem zu tun? Und wer ist Friederike, die Frau mit dem Regenschirm? Es treten auf: Revoluzzer, Reaktionäre, besorgte Schoppepetzer und drei freche Musikanten. Heinrich beißt sich die Zähne aus an diesem Fall. Am Ende kommt mehr heraus, als allen lieb ist – mit überraschenden Folgen.

Mit Andreas Jahncke, Ulrike Kinbach, Randi Rettel, Gabriel Spagna und Michael Quast
Akkordeon und Musikalische Leitung Nina Wurmann Klarinette Dirk Rumig Kontrabass Jens Weiß
Regie und Bühne Michael Quast Kostüm Salima Abardouch Maske Katja Reich Assistenz Susanne Hemmerling Soufflage Daniela Fonda

Eine Koproduktion mit dem Institut für Stadtgeschichte Frankfurt am Main

Einlass eine Stunde vor Vorstellungsbeginn.
Stückdauer ca. 2 Stunden und 10 Minuten, inklusive Pause

F.A.Z.: »Ein Geniestreich, ein Triumph des Mundarttheaters.«
Frankfurter Rundschau: »Wunderbar die Lieder (…), eine fröhlich-kluge alte Volksmusik in Marsch- und Wiegerhythmen.«
Frankfurter Neue Presse: »Historisches und Ausgedachtes vermischen sich zu einem riesengroßen Spaß, und etwas lernen über die Vergangenheit kann das Publikum auch.«

Veranstaltungsbild:
Geißler, Peter Carl, Aufstand in Frankfurt den 18ten Septbr 1848., Historie, profan, Druckgrafik, Frankfurt am Main, 1848, Federlithographie; Papier, kolor. Federlithografie; Papier
© Historisches Museum Frankfurt C10169. Geißler, Peter Carl: Barrikadenkampf

Einlass ab 18:30 Uhr

Über den Wolken muss die Freiheit wohl grenzenlos sein… seine Lieder sind Legende. Sie erzählen längst nicht nur von Sehnsucht, Benzinpfützen und Kaffeeduft. Reinhard Mey ist wohl der populärste Liedermacher Deutschlands. Seine Texte sind nachdenklich, gesellschaftskritisch sowie politisch, doch vor allem: persönlich. Lustig, traurig - und manchmal alles gleichzeitig.

Meys Lieder sind seit fünf Jahrzehnten aktuell, brisante Botschaften an die Welt oder Liebeserklärungen ans Herz. Melodien und Texte, in denen sich jeder entdeckt. „Wenn sich alles gut ergänzt, wird aus einem Lied ein U-Boot, das durch alle Kanäle und alle geschlossenen Schleusen im Körper direkt durch die Seele dringt“, bringt es der Künstler auf den Punkt.

Der Wiesbadener Sänger und Gitarrist Gerhard Weiß präsentiert eine ausgewählte Mischung aus dem vertonten Leben Reinhard Meys, dessen Stimme, noch immer ganz viel zu sagen hat. Gerhard Weiß gelingt es, die charismatische Wärme, das Timbre und die Reduzierung auf das Wesentliche Reinhard Meys einzufangen. Für das Publikum heißt das: Augen schließen und genießen.

Der Maler und Grafiker Max Beckmann (1884 – 1950) zählt zu den bedeutendsten deutschen Künstlern in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Der Kreis seiner Schülerinnen und Schüler hingegen ist nahezu unbekannt. Obwohl Beckmann mehrere Jahre – von 1925 bis 1933 – an der Städelschule in Frankfurt am Main eine Meisterklasse unterrichtete, gibt es keine „Beckmann-Schule“. 1933 wurde Beckmann von den Nationalsozialisten aus dem Lehramt entlassen – der Kreis seiner Schülerinnen und Schüler löste sich auf, bevor sich aus der Klasse eine maßgeblich durch Beckmann geprägte „Schule“ entwickeln konnte.

Die Ausstellung beleuchtet die künstlerische Entwicklung von Theo Garve, Georg Heck, Walter Hergenhahn, Inge Hergenhahn-Dinand, Leo Maillet, Friedrich Wilhelm Meyer und Karl Tratt. Die Ausstellung geht der Frage nach, inwieweit ihre künstlerische Entwicklung eingeschränkt und ihre Bekanntheit durch die Zeitumstände behindert wurde.

Publikation
Marion Victor: Der gesprengte Kreis. Max Beckmanns Schüler zwischen Realismus und Abstraktion.
Wiesbaden 2023.
ISBN 978-3-7520-0756-5,
Preis 39,90 €

DI 10-13 Uhr DI-FR 14-17 Uhr SA+SO 11-18 Uhr

Einlass ab 21:30 Uhr

„Improvisation ist der Knopf, der verhindert, dass uns der Kragen platzt.“

Ein Workshop für Wiederholungstäter*innen, die gar nicht anders können, als mittels Improvisation auf der Bühne zu experimentieren.

Einlass: 19 Uhr / Stehplatz

Willkommen auf der Intensivstation – Jetzt auch wieder live.
Vor dreissig Jahren: Die Debut-CD erscheint, Willkommen auf der Intensivstation. Die Welt war noch nicht ganz bereit und nach ein paar Jahren mit einigen Konzertversuchen ging jeder der Drei wieder seiner eigenen Wege.
Roman D. Metzner vertrieb sich die freie Zeit mit Stadien-Tourneen weltweit und solchen Sachen. Bis er zurück in die Heimat fand und dort jetzt lebt, eigentlich zufrieden mit der Leitung des Akkordeonorchesters der AOK in Brilon zum Beispiel; jetzt aber noch zufriedener zur Rechten Fabians.
Carsten J. Hormes verdiente in den Jahren vor allem Geld mit allen anderen Künstlerinnen, Diversen und Künstlern, wollte jetzt gerne wieder selbst mehr Kunst machen - entschied sich dann aber doch für Fabian und die Detektive, zur linken Hand Fabians.
Fabian Maria Lau machte noch eine Weile lang Kunst, hochkarätige Literatur, sehr schöne Musik und sowas, dann aber nur noch nebenberuflich, um hauptberuflich auf hessischen Intensivstationen neue Inspiration zu finden. Jetzt ist er wieder vor allem Rhythmusgitarrist und die 1. Stimme der Detektive.
Und endlich sind die Lieder von damals auch aktuell geworden. Kriege, Katastrophen, neue Krankheiten: Die Welt ist bereit: Willkommen auf der Intensivstation. Jetzt auch wieder live und in der Urbesetzung.

Teile des Programms könnten empfindliche Gemüter verstören. Sollten Sie oder einer Ihrer Lieben von einem schweren Schicksalsschlag betroffen sein, sollte eventuell von einem Konzertbesuch abgesehen werden.

Musiker
Roman D. Metzner - Akkordeon und Chor, Arrangements.
Fabian Maria Lau - Texte, Musik, Gesang, Gitarre und Ukulele.
Carsten Hormes - Kontrabass, Chor und Arrangements.

Einlass: 18:30

Deutschlandtour - Auf der Suche nach dem, was unser Land zusammenhält — Ein politischer Reisebericht
Soirée am Dom, Buchvorstellung
Do 16. Januar 2025, 19:30–21:30 Uhr

Hasnain Kazim erkundet sein Land. Was eint die Menschen, was trennt sie? Kazim radelt entlang von Elbe, Ruhr, Rhein, Oder/Neiße, Neckar und Donau, lässt dem Zufall Raum. Er spricht mit unterschiedlichen
Menschen über ihr Leben in Deutschland. Was ist Heimat? Eine Selbstverortung.

· Hasnain Kazim, Autor, Wien

7 €/5 €

ALEGRIA FRIZZ SENSOR MERKURIST.DE JOURNAL LOKAL präsentieren KLIMTS KUSS:

Das immersive Kunsterlebnis „KLIMTS KUSS – Spiel mit dem Feuer“ zeigt eine berührende Multimedia-Show über das Leben und Werk des Jugendstilpioniers Gustav Klimt (1862–1918). Neben seinen Frauenporträts, weiblichen Allegorien und Landschaftsmalereien erlangte der Wiener Maler vor allem mit seinem Gemälde «Der Kuss» Weltruhm. KLIMTS KUSS erzählt den Lebensweg des Künstlergenies – ein Spiel mit dem Feuer - als immersive Show. Bevor die Show beginnt, wird der Besucher mit den wichtigsten Stationen im Leben des Malers vertraut gemacht. Man kann dank digitaler Effekte mit Klimts Kunst interagieren und sogar selbst Teil seiner meisterhaften Gemälde werden. Auch beim anschließenden Showerlebnis in drei Akten taucht der Besucher ganz in die Welt des Künstlers ein, Illusion verwandelt sich in Realität: Animationen und Projektionen erzeugen in Verbindung mit Musik und akustischen Effekten berauschende, ornamentale Farbwelten und lassen Klimt und sein Werk lebendig und spürbar werden.

Dabei lauscht man den Stimmen einer jungen Studentin von heute und Emilie Flöges (1874–1952), damals engste Vertraute und Muse Klimts. In einem fiktiven Dialog führen die Frauen durch die einzigartige Show und nehmen den Besucher mit auf eine bewegende Zeitreise in das Wien um die Jahrhundertwende. Sie erzählen und kommentieren Klimts Erfolge und Skandale, seine Tragödien und Liebschaften. Und sie werfen aus weiblicher Perspektive einen kritischen Blick auf den „Maler der Frauen“: Handelt es sich bei seinen Werken um zeitlose Darstellungen femininer Schönheit oder zeigt er die Frau als Objekt der Begierde?

Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit. (Klimt)
Den Einstieg in die multimediale Erzählung macht der Prolog. Ein imposantes Zusammenspiel aus Visualisierung und Sound transportiert den Besucher nach Schloss Immendorf, wo bei einem Brand gegen Ende des Zweiten Weltkriegs zehn Hauptwerke des Künstlers zerstört wurden. Feuer, das zentrale Element der Show, setzt hier den ganzen Raum visuell in Flammen und steht als Symbol für Ausbruch, Zerstörung, Transformation und Neuanfang. Hier werden auch die junge, von Klimts Werken begeisterte Studentin und seine Lebenspartnerin Emilie Flöge als Narrative der Show eingeführt. Der Besucher nimmt die Frauen als fiktive Stimmen aus dem Off wahr und taucht im ersten Akt mit ihnen gemeinsam in die ersten Schaffensphasen des Künstlers ein: Die fotografischen Porträts berühmter Zeitgenossen wie Wittgenstein und Freud sowie Aufnahmen des Wiens um die Jahrhundertwende bilden die Kulisse für die Zeitreise in eine

Gesellschaft im Wandel. Mit Visualisierungen von Ausstellungskatalogen und Magazinen der berühmten Wiener Secession wird die Epoche im Spannungsfeld zwischen Tradition und Moderne für den Besucher nahbar.

Alle Kunst ist erotisch. (Klimt)
Die Geschichte nimmt ihren Lauf und widmet sich im zweiten Akt den Schlüsselwerken des Künstlers, die der Besucher intensiv und aus ganz neuen Perspektiven erlebt. Kunstvoll animierte Slide-Shows zeigen auf hochauflösenden Displays mit den Fakultätsbildern, dem Beethovenfries, den weltberühmten Frauenporträts seiner „Goldenen Periode“ und erotischen Aktzeichnungen die vielen Facetten des Künstlergenies. Mittendrin entfacht auf den Projektionsflächen im Raum ein loderndes Feuer mit knisternden Soundeffekten, das den dramatischen Höhepunkt seiner Krise und den Wendepunkt seines künstlerischen Schaffens eindrucksvoll inszeniert: Klimt wird vom akademischen Maler zum Vordenker und Revolutionär.
Nun begibt sich der Zuschauer gemeinsam mit Emilie und der Studentin an den Attersee, eine Region, die für den Künstler Sehnsuchtsort und Quelle der Inspiration zugleich war. Es ist auch für die Modeschöpferin Emilie eine besondere Station auf der Reise, denn sie verbrachte hier jeden Sommer ungestörte Zeit mit Klimt. Natursounds untermalen die Projektionen von Schwarz-Weiß-Aufnahmen des kreativen Paares und seinen unverwechselbaren Landschaftsgemälden. Hier begegnet man auch den Arbeiten seiner letzten Schaffensphase: Die Wände erstrahlen in den leuchtenden Farben seiner Werke, Mythologie und Symbolismus treffen aufeinander. Ihren Höhepunkt findet die Erzählung dann im ergreifenden Finale der Show, die den „Der Kuss“ als Zeugnis einer außergewöhnlichen Liebesgeschichte inszeniert. Als Besucher wird man förmlich in das weltberühmte Gemälde gesogen, das sich sowohl im Ganzen als auch in unzähligen Details an den Wänden des Showrooms darstellt. Mit all seinen Feinheiten wird der Betrachter eingeladen, das Meisterwerk immer wieder neu zu entdecken. Die außergewöhnliche Komposition der beiden Liebenden in ewiger Umarmung ist als visuelles Spektakel ein emotional berührendes Erlebnis.
Mit dem Epilog, dem letzten Akt der Show, wird der Besucher wieder ins Jetzt zurückgeführt. Die beiden Frauen diskutieren über Klimts komplexe Auseinandersetzung mit Emanzipation, weiblicher Lust und einem sich wandelnden Frauenbild. Eindrucksvoll schlagen sie damit eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Auch visuell wird das Werk des österreichischen Künstlers in die heutige Zeit transportiert: Die vom Feuer zerstörten Fakultätsbilder, die nur als Schwarz-Weiß-Überlieferungen erhalten sind, werden vor den Augen des Zuschauers in brillante Farben getaucht – und können so auf den Bildschirmen dank modernster Technik wieder aufleben.
Kunst trifft modernste Technik – Was bedeutet der Begriff „immersiv“?

„Immersiv“ beschreibt einen Effekt, bei dem der Betrachter in eine multimediale Illusion aus Bild und Ton eintaucht und diese als absolut real empfindet. Durch ein 3D-Mapping-Projektionssystem können Inhalte wie Grafiken, Animationen, Bilder oder Videos auf dreidimensionale Objekte projiziert werden, sodass eine einzigartige Atmosphäre entsteht.

Einlass ab 18:00 Uhr

In kürzester Zeit entwickelte sich die Bühnen-Inszenierung REGEN von und mit Ferdinand von Schirach zu einem der meistbesuchten neuen Stücke im deutschsprachigen Raum. Der Zuspruch und die Nachfrage verbleiben seit der Uraufführung ungebrochen, weshalb der Bestseller-Autor im Anschluss an seine fast vollständig ausverkaufte Premieren-Tournee nun mit zahlreichen Zusatzterminen für 2024 und 2025 nachlegt.

2023 erschien Ferdinand von Schirachs neues Buch REGEN – und stieg direkt auf Platz 1 der Bestsellerliste ein. Eine Erzählung, die Ferdinand von Schirach seit Oktober 2023 als Monolog auf der Bühne präsentiert: Ein Mann kommt durchnässt aus dem Regen in eine Bar - auf die Bühne – und erzählt über das Großartige und das Schreckliche unserer Zeit, über die Würde des Menschen, die Einsamkeit, die Liebe, den Verlust und das Scheitern.

REGEN ist ein ebenso mutiges wie sehr persönliches Stück, ein Spiel an der Grenze zwischen Bühnenfigur und Autor. Die Regie führt Elmar Goerden.

Der Spiegel nannte Ferdinand von Schirach einen »großartigen Erzähler«, die New York Times einen »außergewöhnlichen Stilisten«, der Independent verglich ihn mit Kafka und Kleist, die Financial Times mit Raymond Carver, und der Daily Telegraph schrieb, er sei »eine der markantesten Stimmen der europäischen Literatur«. Seine Bücher wurden vielfach verfilmt und zu millionenfach verkauften internationalen Bestsellern. Sie erschienen in mehr als vierzig Ländern. Seine Theaterstücke Terror und Gott zählen weltweit zu den erfolgreichsten und meistdiskutierten Dramen der Gegenwart.

"Gäbe es das Wort ,kultiviert‘ nicht, müsste man es für Ferdinand von Schirach erfinden."

(Hannoversche Allgemeine Zeitung)

Einlass: 19:00 Uhr

Einlass: 19:00 Uhr

Online-Vorverkauf geschlossen, es gibt vsl. noch Restkarten an der Abendkasse

2024 feiert Thomas Quasthoff sein 50-jähriges Bühnenjubiläum.

Seit fünf Jahrzehnten hat er auf internationalen Bühnen Maßstäbe gesetzt und unzählige
Menschen mit seiner Kunst erreicht und bewegt. Im Laufe seiner Karriere trat er mit allen
führenden Orchestern auf und war auf allen wichtigen Konzertpodien sowie bei großen
Festivals als Lied- und Konzertsänger zu Haus. Eine enge Zusammenarbeitet verband ihn
mit Dirigenten wie Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Christoph Eschenbach, Bernard
Haitink, Mariss Jansons, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Seiji Ozawa, Sir Simon Rattle,
Helmuth Rilling, Christian Thielemann und Franz Welser-Möst.

Thomas Quasthoff war „Artist in Residence“ im Wiener Musikverein, im Concertgebouw
Amsterdam, in der Carnegie Hall, beim Lucerne Festival sowie in Baden-Baden, Hamburg,
in der Londoner Wigmore Hall und im Barbican Centre. Er erhielt zahlreiche nationale und
internationale Auszeichnungen, wie den Verdienstorden der Bundesrepublik Deutschland.
Drei seiner Aufnahmen erhielten einen Grammy und sechs wurden mit dem Echo-Preis
ausgezeichnet.

Wenn Thomas Quasthoff sein neues Programm „FOR YOU“ zum Klingen bringt, dann ist er
vor allem eines – absolut authentisch. Quasthoff hat ein schlafwanderlisch sicheres Gespür
für die angemessene Stilistik dessen, was er singt. Dies gilt für Opernarien, Kunst- und
Volkslieder ebenso wie für Jazz, Pop und Soul. Längst hat er bewiesen, dass er als
eigentlich klassischer Sänger mit einem enorm wandelbaren Bassbariton auch Genres
beherrscht, die in der afroamerikanischen Musiktradition wurzeln.

Und so wird das, was man an Quasthoff als Liedsänger so schätzt, auch zur goldenen
Regel für alles andere: „Er stellt seine eigene Persönlichkeit ganz in den Dienst von Musik
und Text. Das Artifizielle will er ausklammern, seine Zuhörer*innen durch Wahrhaftigkeit
erreichen“, um eine Kritikermeinung zu zitieren. Wie der Bassbariton seinem Anspruch,
Menschen mit seiner Stimme wirklich zu berühren, gerecht wird, machen die
Publikumsreaktionen deutlich und die Lobeshymnen der Presse dokumentieren noch
immer die Faszination und Begeisterung, die er mit seiner Ausnahmestimme bei seinen
Zuhörer*innen auszulösen vermag. Nun möchte er etwas zurückgeben an sein Publikum,
das ihm über all die Jahre die Treue gehalten hat – mit „FOR YOU“!

Ihm zur Seite stehen drei exzellente Jazz-Musiker: Dieter Ilg ist so etwas wie der Doyen des
deutschen Jazz. Seine elektrisierende Vitalität, intelligente Neugier, technische Brillanz und
totale Hingabe an den Moment zeichnen ihn aus. Wolfgang Haffner ist Deutschlands
bekanntester Schlagzeuger – mit einer beispiellosen Karriere, die weit über den Jazz
hinausreicht. Haffner hat diese schwebende Leichtigkeit – zugleich ist sein Spiel dicht,
kompakt – er swingt hinreißend, und er rockt. Auch wenn er richtig zulangt, hat er dabei
ein immenses Fingerspitzengefühl und nimmt mit Sicherheit jeden noch so leisen Ton der
anderen Musiker wahr. Simon Oslender ist das jüngste Mitglied der Band – einst als
„Wunderkind an der Hammond-Orgel“ in die Szene eingestiegen, gilt der nun 24-jährige
Simon Oslender als einer der „Rising Stars“ der deutschen Musikszene an Klavier, Orgel
und Keyboards.

Besetzung:
Thomas Quasthoff (vocals)
Simon Oslender (keys)
Dieter Ilg (double bass)
Wolfgang Haffner (drums)

Einlass ab 19:00

One Of These Pink Floyd Tributes – 50 Jahre Wish You Were Here

Nach dem riesengroßen Erfolg der Dark Side Of The Moon hatten Pink Floyd erhebliche Mühe, sich neu zu motivieren und Musik zu schreiben, die nicht nach „Dark Side II – The Lunatic Returns“ – so Drummer Nick Mason – klingt. Letztendlich hat es die Band trotzdem geschafft, mit der Wish You Were Here ein weiteres Meisterwerk aufzunehmen.

50 Jahre nach Erscheinen dieses Albums widmen sich One Of These Pink Floyd Tributes auf ihrer Tour 2025 diesem Album. Neben dem kompletten Album werden weitere Schätze der Band gespielt, wobei nicht nur die großen und bekannten Songs aufgeführt werden, es wird auch die ein oder andere eher selten gespielte Überraschung dabei sein.

One Of These begeistern mit der Liebe zur Musik von Pink Floyd bis hin zu den kleinen Details. Die Band spielt die Musik von Pink Floyd mit einer musikalischen Hingabe, die man bei jedem Ton sieht und hört. Jedes Konzert ist für die Band ein Fest, auf dem die Musik von Pink Floyd gefeiert wird, aber eben auch das gemeinsame Erlebnis, diese wunderbare Musik zusammen mit dem Publikum teilen und genießen zu dürfen. Und das merkt man von der ersten Note bis zum Meet and Greet nach dem Konzert.

One Of These gelten hier zu Lande als die vielseitigste Pink Floyd Tribute Band, die die Musik der britischen Band in verschiedensten interessanten Facetten präsentiert. Mit der Tribute-Besetzung werden komplette Alben gespielt (Dark Side The Moon / Wish You Where Here / Animals / The Wall), und es gibt ein History-Programm. Daneben gibt es ein Unplugged-Programm mit einer um Streicher, Klarinette und Percussion erweiterten Besetzung sowie ein Programm mit komplettem Orchester. Unter dem Zusatz Early Years spielt die Band in reduzierter Besetzung die frühen Floyd vor dem großen Erfolg mit der Dark Side Of The Moon, aktuell wird die Musk des Konzertfilm „Live At Pompeii“ gespielt.

Einlass: 19:00 Uhr