Mit Harfenklängen startet die französische Harfenistin, mit südafrikanischen Wurzeln Héloïse Carlean-Jones ins neue Jahr.

Die Künstlerin arbeitet als Solistin, Kammer- und Orchestermusikerin.

Zahlreiche Wettbewerbspreise zeugen von ihrer künstlerischen Qualität.

Bei ihrem Konzert im Haus der Begegnung präsentiert sie einen Strauß der schönsten Melodien aus der Klassik und Romantik, wie z.B. Faurés Impromptu op. 86, Spohrs Fantasie op. 35 und eine Bearbeitung von Debussys Clair de lune aus der Suite bergamasque.

Einlass: 16:00 Uhr

Einem fleißigen Mädchen fällt die Spule in den Brunnen und sie springt hinterher. Da kommt sie ins Reich der Frau Holle und findet viel Arbeit: Das Brot muss aus dem Ofen, die Äpfel müssen vom Baum und Frau Holles Kissen geschüttelt werden, damit es auf der Welt schneit. Sie wird von Frau Holle für ihre gute Arbeit reich belohnt. Ihre nicht so fleißige Schwester macht sich nun auch auf ins Reich der Frau Holle. Da sie aber dort nichts arbeitet, wird sie am Ende mit Pech belohnt.

Weise Texte, stimmungsvolle Musik und ein verrückter Hahn als Publikumsliebling zaubern ein ebenso tiefes wie fröhliches Märchen auf die Bühne. Ein Märchen über den Erfolg guter, freudvoller Arbeit.

Einlass ab 10.30 Uhr

Theatersport in 18 Szenen

Wann haben Sie das letzte Mal aus vollem Herzen gelacht? Oder vor Lachen Tränen vergossen? Randi, Daniela und Julius haben sich genau das zum Ziel gesetzt: Sie zum Lachen zu bringen! Aber wird es ihnen gelingen, oder scheitern sie kläglich? Und falls sie scheitern – wie fühlt sich das eigentlich an? Eine Theatersport-Show über Erfolg und Misserfolg, über Druck und Höchstleistungen, menschliches Versagen und die Magie des Humors. Selbstironie garantiert!

Mit Daniela Fonda, Randi Rettel und Julius Ohlemann

Regie: Sarah Kortmann
Fotos: Salar Baygan
Assistenz: Marina Fischer
In Kooperation mit dem Stalburg Theater

Mit freundlicher Unterstützung des Kulturamtes der Stadt Frankfurt, der Stiftung kulturelle Erneuerung, der Naspa Stiftung, der Sparda Bank Hessen und dem Hessischen Ministerium für Wissenschaft und Kunst.

Einlass 19 Uhr

Wenn dir der Atem stockt, weil du nicht glauben kannst, welche Farben und raue Schönheit sich offenbaren, dann liegt es an Island! Bewaffnet mit Foto- und Filmkamera durchstreift National Geographic Fotograf Dirk Bleyer seit Jahren diese abgelegene Vulkaninsel und sammelt beeindruckende Aufnahmen, voller Zauber und Magie. Mit dem Motorschlitten bei minus 20 Grad über Eisfelder zum speienden Vulkan Eyjafjallajökull, im Konvoi von drei Superjeeps durchs Hochland und auf dem größten Gletscher Europas unterwegs, mit Pferden im Tölt durch Sand und Meer, im Flugzeug über berauschende Berge, etliche Male zu den Highlights der berühmten Ringstraße und zu Fuß 50 km entlang der schönsten Wanderstrecke der Welt.
Bleyers bildgewaltige Island-Multivision ist eine Hommage an diese Insel am Rande der bewohnbaren Welt.

Hier keine Tickets verfügbar

Wolfgang Deichsel (1939 - 2011) ist der einzige zeitgenössische hessische Mundartdramatiker von Rang und ein "Erneuerer des Volkstheaters", wie die Presse schrieb. Seine Szenenfolge "Bleiwe losse" (insgesamt sechs Szenen) spielt im kleinbürgerlichen Milieu der 60er und 70er Jahre und handelt von Alltagssituationen, die, komisch und beklemmend zugleich, in Katastrophen münden. „Becketts Endspiele ereignen sich bei den Hesselbachs“, kommentierte der Theaterkritiker Georg Hensel.
Die einfache Reparatur einer Steckdose stürzt das alte Ehepaar Kress in größte Verwirrung und bringt den Elektriker Bubi Menger an den Rand des Wahnsinns. Vom Anruf ihrer Tochter Monika aus Amerika ist Frau Körner so überfordert, daß sie nicht mehr sprechen und nur noch in den Hörer heulen kann. Der laute Ton eines Fernsehers aus der Nachbarwohnung löst bei Familie Koch eine schreckliche Ehekrise aus. Der Streit zweier Damen, die im Zoo die "Äffcher" heimlich mit Kohl füttern, gerät zum Kampf bis aufs Messer.
Deichsels Hessisch ist kein beliebiges Gebabbel, sondern von literarischer Qualität. Seine Texte spiegeln den Ausdrucksreichtum und die Musikalität der südhessischen Mundart und sind von unerreichter Komik.
Die Inszenierung der Volksbühne ist ein komödiantisches Feuerwerk, bei dem sämtliche 17 Rollen von nur vier Schauspielern gespielt werden.
Regie Sarah Groß; Bühne Ilse Träbing; Kostüme Ilse Träbing und Salima Abardouch; Maske Katja Reich; Requisite Christian Abendroth; Technik Daniel Groß
Es spielen: Ulrike Kinbach, Susanne Schäfer, Alexander J. Beck, Michael Quast
Dauer: ca. 2 Stunden, inklusive Pause

Gefördert vom Kulturfonds RheinMain

Einlass ab 16:00 Uhr

Der Maler und Grafiker Max Beckmann (1884 – 1950) zählt zu den bedeutendsten deutschen Künstlern in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Der Kreis seiner Schülerinnen und Schüler hingegen ist nahezu unbekannt. Obwohl Beckmann mehrere Jahre – von 1925 bis 1933 – an der Städelschule in Frankfurt am Main eine Meisterklasse unterrichtete, gibt es keine „Beckmann-Schule“. 1933 wurde Beckmann von den Nationalsozialisten aus dem Lehramt entlassen – der Kreis seiner Schülerinnen und Schüler löste sich auf, bevor sich aus der Klasse eine maßgeblich durch Beckmann geprägte „Schule“ entwickeln konnte.

Die Ausstellung beleuchtet die künstlerische Entwicklung von Theo Garve, Georg Heck, Walter Hergenhahn, Inge Hergenhahn-Dinand, Leo Maillet, Friedrich Wilhelm Meyer und Karl Tratt. Die Ausstellung geht der Frage nach, inwieweit ihre künstlerische Entwicklung eingeschränkt und ihre Bekanntheit durch die Zeitumstände behindert wurde.

Publikation
Marion Victor: Der gesprengte Kreis. Max Beckmanns Schüler zwischen Realismus und Abstraktion.
Wiesbaden 2023.
ISBN 978-3-7520-0756-5,
Preis 39,90 €

DI 10-13 Uhr DI-FR 14-17 Uhr SA+SO 11-18 Uhr

Isay Rottenbergs
Zigarrenfabrik – Wie ein niederländisch-jüdischer Unternehmer in Sachsen den Nazis die Stirn bot
Buchvorstellung
Mo 27. Januar 2025, 19:00–21:00 Uhr

Niemand in der Familie hatte je etwas von der Fabrik ihres Großvaters erzählt. Die beiden begeben sich auf eine intensive Suche und decken auf, wie der niederländisch-jüdische Unternehmer Isay Rottenberg furchtlos dafür kämpfte, sein Unternehmen in Nazi-Deutschland zu halten. Eine fesselnde, außergewöhnliche Familiengeschichte und ein neues Gesicht des Widerstands gegen den Nationalsozialismus.

· Hella Rottenberg, Journalistin und Autorin, Amsterdam
· Sandra Rottenberg, Programmmacherin und Moderatorin, Amsterdam

7 €/5 €

Ein galaktisches Ereignis erreicht Deutschland: "The Fans Strike Back®" - Die weltweit größte STAR WARS Fan-Ausstellung findet erstmals in Frankfurt am Main statt.

Nach dem großen Erfolg in internationalen Metropolen wie New York, Las Vegas, London und Wien kommt „The Fans Strike Back®“, die weltweit größte Fan-Ausstellung der legendären STAR WARS Saga, nun erstmals in die Main Metropole. Vom 20. Dezember 2024 bis 23. März 2025 öffnet die Raumfabrik in Frankfurt seine Tore für dieses außergewöhnliche Event.
Diese von Fans kuratierte Ausstellung ist mehr als nur eine Sammlung von Erinnerungsstücken – es ist eine Hommage an über vier Jahrzehnte Kreativität, Leidenschaft und Hingabe der STAR WARS Fan-Gemeinde. Die Ausstellung zelebriert das kulturelle Phänomen STAR WARS mit mehr als 1.000 einzigartigen, nostalgischen Sammelobjekten, darunter lebensgroße Figuren, mehr als 50 Skulpturen, Fotos, Poster, Kostüme und vieles mehr.

Die Ausstellung bietet nicht nur eine Schau von Exponaten, sondern auch ein interaktives Erlebnis, das Besucher in die Tiefe der Saga eintauchen lässt. Eine besonders intergalaktische Immersion bietet eine einzigartige Virtual-Reality-Erfahrung, die alle Sinne in die Welt der ikonischen Saga entführt. Mit Fotomotiven, die direkt aus der Saga entnommen scheinen, bietet die Ausstellung die perfekte Gelegenheit, um unvergessliche Momente festzuhalten.

„The Fans Strike Back®“ ist ein Fest für die Sinne und verspricht unvergessliche Erinnerungen für Fans aller Altersgruppen. Es ist eine einzigartige Gelegenheit, die Magie und das Erbe der STAR WARS Saga hautnah zu erleben und gleichzeitig eine Brücke zwischen den Generationen zu schlagen.
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Bitte planen Sie für Ihren Besuch etwa 75 Minuten ein.

Antimatter, gegründet im Jahr 1998 von Duncan Patterson und Mick Moss, ist bekannt für ihren
melancholischen und atmosphärischen Sound. Nach der Trennung von Patterson und Moss von ihrer
vorherigen Band, Anathema, begannen sie mit der Zusammenarbeit an introspektiver Musik. Mit
Alben wie "Saviour", "Lights Out" und "Fear of a Unique Identity" hat die Band Themen wie
Entfremdung und menschliche Emotion erforscht. Mick Moss, der Sänger und Gitarrist, fügt der
Musik melodische Texturen hinzu, während seine tiefe Stimme zur introspektiven Atmosphäre
beiträgt. Antimatter hat eine engagierte Fangemeinde gewonnen und tritt weiterhin aktiv auf und
veröffentlicht neue Musik. Zum Gedenken an ihr 25-jähriges Jubiläum kündigt die Band eine spezielle
Theater-Tournee an, bei der sie ihre Entwicklung als Künstler feiern werden. Mit Moss an der Spitze
verspricht diese Tournee ein unvergessliches Erlebnis für sowohl treue Fans als auch Neueinsteiger zu
werden.

Einlass: 19 Uhr

Acht Klassische Konzert

Eventuell sind noch Karten an den örtlichen Vorverkaufsstellen oder der Abendkasse erhältlich.

ALEGRIA FRIZZ SENSOR MERKURIST.DE JOURNAL LOKAL präsentieren KLIMTS KUSS:

Das immersive Kunsterlebnis „KLIMTS KUSS – Spiel mit dem Feuer“ zeigt eine berührende Multimedia-Show über das Leben und Werk des Jugendstilpioniers Gustav Klimt (1862–1918). Neben seinen Frauenporträts, weiblichen Allegorien und Landschaftsmalereien erlangte der Wiener Maler vor allem mit seinem Gemälde «Der Kuss» Weltruhm. KLIMTS KUSS erzählt den Lebensweg des Künstlergenies – ein Spiel mit dem Feuer - als immersive Show. Bevor die Show beginnt, wird der Besucher mit den wichtigsten Stationen im Leben des Malers vertraut gemacht. Man kann dank digitaler Effekte mit Klimts Kunst interagieren und sogar selbst Teil seiner meisterhaften Gemälde werden. Auch beim anschließenden Showerlebnis in drei Akten taucht der Besucher ganz in die Welt des Künstlers ein, Illusion verwandelt sich in Realität: Animationen und Projektionen erzeugen in Verbindung mit Musik und akustischen Effekten berauschende, ornamentale Farbwelten und lassen Klimt und sein Werk lebendig und spürbar werden.

Dabei lauscht man den Stimmen einer jungen Studentin von heute und Emilie Flöges (1874–1952), damals engste Vertraute und Muse Klimts. In einem fiktiven Dialog führen die Frauen durch die einzigartige Show und nehmen den Besucher mit auf eine bewegende Zeitreise in das Wien um die Jahrhundertwende. Sie erzählen und kommentieren Klimts Erfolge und Skandale, seine Tragödien und Liebschaften. Und sie werfen aus weiblicher Perspektive einen kritischen Blick auf den „Maler der Frauen“: Handelt es sich bei seinen Werken um zeitlose Darstellungen femininer Schönheit oder zeigt er die Frau als Objekt der Begierde?

Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit. (Klimt)
Den Einstieg in die multimediale Erzählung macht der Prolog. Ein imposantes Zusammenspiel aus Visualisierung und Sound transportiert den Besucher nach Schloss Immendorf, wo bei einem Brand gegen Ende des Zweiten Weltkriegs zehn Hauptwerke des Künstlers zerstört wurden. Feuer, das zentrale Element der Show, setzt hier den ganzen Raum visuell in Flammen und steht als Symbol für Ausbruch, Zerstörung, Transformation und Neuanfang. Hier werden auch die junge, von Klimts Werken begeisterte Studentin und seine Lebenspartnerin Emilie Flöge als Narrative der Show eingeführt. Der Besucher nimmt die Frauen als fiktive Stimmen aus dem Off wahr und taucht im ersten Akt mit ihnen gemeinsam in die ersten Schaffensphasen des Künstlers ein: Die fotografischen Porträts berühmter Zeitgenossen wie Wittgenstein und Freud sowie Aufnahmen des Wiens um die Jahrhundertwende bilden die Kulisse für die Zeitreise in eine

Gesellschaft im Wandel. Mit Visualisierungen von Ausstellungskatalogen und Magazinen der berühmten Wiener Secession wird die Epoche im Spannungsfeld zwischen Tradition und Moderne für den Besucher nahbar.

Alle Kunst ist erotisch. (Klimt)
Die Geschichte nimmt ihren Lauf und widmet sich im zweiten Akt den Schlüsselwerken des Künstlers, die der Besucher intensiv und aus ganz neuen Perspektiven erlebt. Kunstvoll animierte Slide-Shows zeigen auf hochauflösenden Displays mit den Fakultätsbildern, dem Beethovenfries, den weltberühmten Frauenporträts seiner „Goldenen Periode“ und erotischen Aktzeichnungen die vielen Facetten des Künstlergenies. Mittendrin entfacht auf den Projektionsflächen im Raum ein loderndes Feuer mit knisternden Soundeffekten, das den dramatischen Höhepunkt seiner Krise und den Wendepunkt seines künstlerischen Schaffens eindrucksvoll inszeniert: Klimt wird vom akademischen Maler zum Vordenker und Revolutionär.
Nun begibt sich der Zuschauer gemeinsam mit Emilie und der Studentin an den Attersee, eine Region, die für den Künstler Sehnsuchtsort und Quelle der Inspiration zugleich war. Es ist auch für die Modeschöpferin Emilie eine besondere Station auf der Reise, denn sie verbrachte hier jeden Sommer ungestörte Zeit mit Klimt. Natursounds untermalen die Projektionen von Schwarz-Weiß-Aufnahmen des kreativen Paares und seinen unverwechselbaren Landschaftsgemälden. Hier begegnet man auch den Arbeiten seiner letzten Schaffensphase: Die Wände erstrahlen in den leuchtenden Farben seiner Werke, Mythologie und Symbolismus treffen aufeinander. Ihren Höhepunkt findet die Erzählung dann im ergreifenden Finale der Show, die den „Der Kuss“ als Zeugnis einer außergewöhnlichen Liebesgeschichte inszeniert. Als Besucher wird man förmlich in das weltberühmte Gemälde gesogen, das sich sowohl im Ganzen als auch in unzähligen Details an den Wänden des Showrooms darstellt. Mit all seinen Feinheiten wird der Betrachter eingeladen, das Meisterwerk immer wieder neu zu entdecken. Die außergewöhnliche Komposition der beiden Liebenden in ewiger Umarmung ist als visuelles Spektakel ein emotional berührendes Erlebnis.
Mit dem Epilog, dem letzten Akt der Show, wird der Besucher wieder ins Jetzt zurückgeführt. Die beiden Frauen diskutieren über Klimts komplexe Auseinandersetzung mit Emanzipation, weiblicher Lust und einem sich wandelnden Frauenbild. Eindrucksvoll schlagen sie damit eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Auch visuell wird das Werk des österreichischen Künstlers in die heutige Zeit transportiert: Die vom Feuer zerstörten Fakultätsbilder, die nur als Schwarz-Weiß-Überlieferungen erhalten sind, werden vor den Augen des Zuschauers in brillante Farben getaucht – und können so auf den Bildschirmen dank modernster Technik wieder aufleben.
Kunst trifft modernste Technik – Was bedeutet der Begriff „immersiv“?

„Immersiv“ beschreibt einen Effekt, bei dem der Betrachter in eine multimediale Illusion aus Bild und Ton eintaucht und diese als absolut real empfindet. Durch ein 3D-Mapping-Projektionssystem können Inhalte wie Grafiken, Animationen, Bilder oder Videos auf dreidimensionale Objekte projiziert werden, sodass eine einzigartige Atmosphäre entsteht.

Einlass 19 Uhr

Der in Flörsheim geborene Autor Johannes Chwalek erzählt anhand von historischen Fakten und einer Erzählung die Geschichte Flörsheims, ihres Bürgermeisters Jakob Lauck, des Ersten Weltkrieges und wie sich Kriegspropaganda und Nationalismus entwickelten. Die Hoffnung auf Frieden, die aufkommende Ablehnung von Fremden, Einquartierungen und Mobilmachungen sowie die Gefühlswelten der Menschen in Kriegszeiten sollen beleuchtet werden.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

„Improvisation ist der Knopf, der verhindert, dass uns der Kragen platzt.“

Ein Workshop für Wiederholungstäter*innen, die gar nicht anders können, als mittels Improvisation auf der Bühne zu experimentieren.