Der Poetry Slam Vize-Meister Berlins Jesko Habert bringt nicht nur fein gefeilte Lyrik und Wortspielereien in Poetry Slam-Manier auf die Bühne. Mit dem Roman "Von den zwei Arten des Vergessens" verzaubert er die Leser und Hörer mit einer Wanderung durch Traum und Realität. Magischer Realismus trifft Alltagsidealismus.

Einlass: 18:00

Sie buchen mit Ihrer Eintrittskarte eine TAGESKARTE für den Besuch in der Dauerausstellung des museum FLUXUS+. Letzter Einlass ist 17:30 Uhr. Für einen entspannten Besuch planen Sie bitte mindestens eine Stunde ein.

Nach dem Einlass haben Sie genügend Zeit, dass Museum zu besichtigen.
Öffnungszeiten Mi - So 13:00 - 18:00 Uhr

Das museum FLUXUS+ in Potsdam zeigt moderne Kunst mit den Schwerpunkten Fluxus, Wolf Vostell und vier zeitgenössischen Künstlern. Die Sammlung umfasst neben Wolf Vostell unter anderem Werke von Emmett Williams, Ben Patterson, Yoko Ono, Nam June Paik, Mary Bauermeister und Niki de Saint-Phalle.

Die eintrittsfreien Ausstellungen im atrium, ein museumscafé mit Terrasse und der attraktive museumsshop machen das museum FLUXUS+ zu einem beliebten kulturellen Treffpunkt an der Havel.

letzter Einlaß 16:00 Uhr

„Sterben heißt besser zu leben.“

STARDUST ist eine partizipative Installation mit Performances. Sterben wird als einen Akt der Ermächtigung, Selbsttransformation und radikalen Fürsorge betrachtet, um mit den sozialen, politischen und ökologischen Krisen umzugehen, mit denen wir derzeit konfrontiert sind. STARDUST ist eine künstlerische Meditation über das Sterben und das Leben. Es möchte einen Einblick geben, wie eng Menschen miteinander und der ganzen Natur verbunden sind. Indem wir sterben, lassen wir auch die uns eingeschriebenen Machtstrukturen sterben. Dies könnte den Raum für eine Zukunft, die fürsorglicher, sowie sozial und ökologisch gerechter ist, öffnen.

Über einen Zeitraum von 8 Tagen entfaltet sich STARDUST als eine interaktive, sensorische und lebendige Installation. Die Besucher*innen sind eingeladen, Trauerreden über sich selbst zu schreiben, einem Audioguide („Instructions for Dying“) anzuhören oder sich an einem intimen Gespräch über das Sterben zu beteiligen. Die übergreifende Erzählung folgt den 8 Stadien der Transformation des Todes im tibetischen Buddhismus: Erde, Wasser, Feuer, Luft, weißes Licht, rotes Licht, schwarzes Licht und klares Licht. Als Teil der Installation werden 7 Performer*innen (zwischen 30 - 64 Jahre alt) ihre individuellen Sterberituale vorführen. Ihre Themen reichen von kollektiver Bestattung, Loslassen und Verschwinden bis hin zu Heilung, Erinnerung und Verbundenheit. Am letzten Tag führen sie ein Gruppenritual durch, bei dem alle entstandenen Trauerreden zu Staub werden - eine Erinnerung daran, dass wir alle aus Sternenstaub gemacht sind.

Dauer:
30 Minuten

ENGLISCH:
“To die means to live better.”

STARDUST is a participatory installation-cum-performance. It looks at dying as an act of empowerment, self-transformation and radical care to address the social, political and ecological crises that we are currently facing. STARDUST is as much an artistic meditation on dying as it is on living. It hopes to give a glimpse of how closely interconnected we are to each other, as well as to the natural world. By dying, we also let the power structures inscribed in us die, opening up the space for a future that is more caring and socially and ecologically just.

Over a period of 8 days, STARDUST unfolds as an interactive, sensorial and living installation. Visitors are invited to write their own eulogies, listen to an audio guide (“Instructions for Dying”) or join in an intimate conversation about dying. The overarching narrative follows the 8 stages of death transformation in Tibetan Buddhism: Earth, Water, Fire, Air, White Light, Red Light, Black Light and Clear Light. As part of the installation, 7 performers (30 - 64 years old) will perform their individual dying rituals. Their themes range from collective burial, letting go and disappearance to healing, remembering and connectedness. On the final day, they perform a group ritual, in which all the eulogies created are turned into dust – a reminder that we are all made of stardust.

Duration:
30 mins


Künstlerische Leitung & Choreografie: Ming Poon
Performance: Veronika Heisig, Lee Mun Wai, Birte Opitz, Vera Shchelkina, Hilla Steinert, Lisa Stertz, hugo-huga x tibiriçá
Choreographische Assistenz: Nora Tormann
Bühnenbild: Sichi Li
Bühnenbildassistenz: Sangyeon Lee
Kostüme: Tin Wang
Lichtdesign: Raquel Rosildete
Lichtdesign-Assistenz: Alexandra Úhlarová
Video & Projektiondesign: Harshini J. KarunaratneSounddesign: Haesoo Jung
Stimme (Audioguide): AngieM (EN), Sandra Hetzl (DE)
Technische Leitung: Frieder Miller
Betreuungsperson & Sterbegefährtin: Alessa Rhode
Audiodeskription: Irene Baumann
Audiodeskription Co-Autorin: Johanna Krins
Relaxed Performance: Agnieszka Habraschka
Grafikdesign: Hung Kieu
Videodokumentation: Isabelle Schmitz
Fotodokumentation: Olivia Kwok
Öffentlichkeitsarbeit: Marcelo Vilela da Silva
Pressearbeit: Tom Müller-Heuser
Produktionsleitung: MIFRUSH Production (Micaela Trigo & Urszula Heuwinkel)
Produktionsassistenz: Nur Bildik

Produktion: Ming Poon
Koproduktion: MIFRUSH Production
Gefördert durch: Hauptstadtkulturfonds

Der Audioguide „Instructions for Dying“ wurde von Tanz im August / HAU Hebbel am Ufer (2023) beauftragt.

Besonderen Dank an Dandan Liu und SOEX Textil-Verwertungsgesellschaft m.b.H. für die großzügige Unterstützung.

Ticket gültig für Installation + Performance

Psychothriller von Sebastian Fitzek

Psychologin Emma wird nach einem Fachkongress in ihrem Hotelzimmer betäubt und vergewaltigt. Als Trophäe nimmt ihr Peiniger ihre Haare mit – genau so wie der berüchtigte Serienmörder, den die Polizei seit Wochen mit Hochdruck sucht. „Der Friseur“ hinterlässt seine Opfer stets geschoren – aber auch tot. Doch wieso hat Emma überlebt? Und warum schenkt ihr niemand Glauben? Selbst ihr Mann Phillip scheint Zweifel zu haben. Emma verschanzt sich in ihrem Haus am Berliner Stadtrand; als der Postbote sie eines Tages bittet, ein Paket für einen unbekannten Nachbarn anzunehmen, läuft ihre Paranoia gefährlich aus dem Ruder ...

Agnes Mann und Johannes Winde besingen in einer Bachmann-Adaption die Liebe und das Meer.
Sie greifen den alle Künste umfassenden Topos szenisch auf und vermählen ihn mit Liedern von Freddy Quinn und Rio Reiser über France Gall und Nina Hagen, Element of Crime und Hans Albers. Barfüssig begegnet die in diesem Fall aus der Havel heraus an Land gegangene Undine einem Seemann – bitter vor Sehnsucht, herb und lockend, fordernd und kapitulierend, voller Hoffnung und ironischer Überzeichnung. „Wie weit ist es zu dir? Weit ist es, weit. Und weit ist es zu mir.“

Agnes Mann, ausgebildet an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ war zuletzt in „König Lear“ am Staatsschauspiel Dresden, am Deutschen Theater Berlin in „Am Strand der weiten Welt“ und in der ZDF-Serie „Hotel Mondial“ zu sehen.
Johannes Winde arbeitet als Livemusiker, Theater- und Filmkomponist und schrieb Orchesterarrangements für Clueso und Alin Coen.

Abendkasse geöffnet ab 18:30 Uhr

Individuen sind eingebunden in komplexe gesellschaftliche Entwicklungen und suchen darin nach Sinn, Orientierung, konkretem Verhalten und Handeln. Polarisierung und Empathie sind dabei mögliche Umgangsweisen gesellschaftliche Wirklichkeit zu verarbeiten.

In beiden Begriffen stecken positive und negative Seiten. Polarisierung entfaltet eine negative Kraft, wenn sie dazu führt, dass kein Dialog, kein Diskurs mehr möglich ist. Polarisierung kann aber auch als kreatives Mittel dafür eingesetzt werden, eine offene Auseinandersetzung zu führen, um neue Lösungen zu finden.

Die Fähigkeit zur Empathie ist sehr wahrscheinlich eine natürliche Anlage des Menschen und bildet die Grundlage, auf der Wissen über sich selbst und andere erzeugt wird. Empathie kann allerdings auch für Menschen gehegt werden, die reaktionäre, intolerante oder sehr egoistische Ziele verfolgen. Exponierte Beispiele wären Jair Bolsonaro oder Donald Trump.

Beide Begriffe handeln von Beziehungen zwischen Menschen und gesellschaftlichen Gruppen. Wahrnehmung, Bewegung und aktives Handeln sind Essenziel für die Entstehung von Empathie. Gesellschaftliche Polarisierung wird über Körper ausgetragen, die selbst in ihren Körpersystemen aus polaren Strukturen bestehen. Über den Körper, die Interaktion der Tänzer*innen, die Choreografie und über die Livemusik entstehen mit dieser Performance Bilder, Atmosphären, Energien, in denen sowohl Polarisierung als auch Empathie als vielschichtiges Spannungsfeld thematisiert wird, das Nützliches und Gefährliches, Utopisches und Rückwärtsgewandtes in sich trägt.

Dauer:
70 min ohne Pause


ENGLISCH
Individuals are involved in complex social developments and search for meaning, orientation, concrete behavior and action. Polarization and empathy are possible ways of dealing with social reality. There are positive and negative sides to both terms.

Polarization develops a negative force when it leads to dialogue and discourse no longer being possible. But polarization can also be used as a creative means of conducting an open debate in order to find new solutions.

The ability to empathize is very likely a natural human trait and forms the basis on which knowledge about oneself and others is generated. However, empathy can also be nurtured for people who pursue reactionary, intolerant or very selfish goals. Prominent examples would be Jair Bolsonaro or Donald Trump.

Both terms deal with relationships between people and social groups. Perception, movement and active action are essential for the development of empathy. Social polarization is carried out through bodies, which themselves consist of polar structures in their body systems. Through the body, the interaction of the dancers, the choreography and the live music, images, atmospheres and energies are created in which both polarization and empathy are addressed as a complex field of tension that contains both useful and dangerous, utopian and backward-looking elements.

Duration:
70 mins without break


Konzept und Raum: Dieter Baumann, Jutta Hell
Choreografie, Inszenierung: Jutta Hell
Tanz, Kreation: Zoé Alibert, Liza Alpizar Aguilar, Dieter Baumann, Carlos Osatinsky, Fernando Pelliccioli, Anja Sielaff, Xuan Shi,
Komposition und Live Musik: Alexander Nickmann
Licht: Fabian Bleisch
Kostüm: Jutta Hell
Kommunikation: k3 Heike Diehm


Produktion: Tanzcompagnie Rubato, gefördert vom Hauptstadtkulturfonds, in Kooperation mit den Uferstudios Berlin. Projektrecherchegefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien im Programm NEUSTART KULTUR.

»Post Daddies« ist ein humorvoller und radikaler Selbsterkundungsabend mit den israelischen queeren Performer*innen und Pionieren Noam Meiri und Ariel Nil Levy. Ein Dialog über gelebtes Leben als intimes Porträt einer Freundschaft, die in den 1990ern in Tel Aviv begann. Unterstützt von dem Musiker Henri Maximilian Jakobs und unter der Regie des Deutsch-Jemeniten Konstantin Achmed Bürger wird die Bühne zu einer Sauna.

Die Körper der Daddies sind nicht nur ein wunderschöner Tempel und geistiger Ort, sondern auch ein Vergnügungspark, und zwar für alle! Auf den schwulen Dating-Apps jedenfalls sind die drei noch heiß begehrt! Doch wie ist es mit dem Älterwerden, der Einsamkeit? Wo verortet man sich als ältere queere Person in den aktuellen Debatten der queeren Community, ihrem Aktivismus und ihren Lebensansprüchen?

Und gibt es so etwas wie eine kollektive Weisheit älterer Queers? Erfahrungen, die für die junge queere Generation von Nutzen sein könnten? Die drei jüdisch, deutsch-arabischen Daddies aus Berlin denken eindeutig: JA!

Herzlich willkommen zu meinem Live-Retreat „Yoga gegen Rechts“. Wie gewohnt gibt es eine solide Mischung aus Stand-Up-Comedy und lustigen Kurzgeschichten. Im Grunde zwei Stunden Superfun! Eigentlich wollte ich Bratsche spielen und gehobene Weltliteratur vortragen, aber ich möchte nicht angeben.

Hier ein willkürlicher Pressetext, den mir die seelenlose künstliche Intelligenz von ChatGPT ausgespuckt hat: „Patrick Salmen seziert urbane Selbstoptimierer im scheinbar widersprüchlichen Konflikt von wirksamer Politisierung und der stillen Sehnsucht nach Eskapismus. (Das klingt klug) „Yoga gegen Rechts“ vereint Kurzgeschichten mit trockenem Humor, bissigen Dialogen und messerscharfen Beobachtungen. Mit satirischem Scharfsinn und viel Selbstironie entlarvt Patrick Salmen die pathologischen Züge achtsamkeitsbesessener Stadtneurotiker, denn niemand weiß so gut wie der Dortmunder Comedian, dass einem das Gegenüber oft nur deshalb so schräg vorkommt, weil man gerade in einen Spiegel schaut. (Dieser Satz ergibt eindeutig keinen Sinn!)

Eilen Sie herbei und bringen Sie ihre innere Korkmatte mit. Im Anschluss gibt´s gemeinsame Asanas, psychedelische Atemübungen und melodischen Deep-House. Küsschen, ihr Patrick Salmen.

Foto: Fabian Stürtz

Kassenöffnung um 19:00 Uhr

Das Auswärtige Amt soll 2015 den Auftrag erteilt haben, Informationsveranstaltungen in ganz Afrika durchzuführen, um Afrikaner davon abzuhalten, die Flucht nach Europa anzutreten. Das Konzept war, uns Europäer so darzustellen, dass den ein besseres Leben suchenden Menschen, die Lust an der Emigration vergeht. Diese Idee greift Philipp Löhle für seine groteske Satire auf.

Wie einst die „Völkerschau“ zur anthropologischen Zurschaustellung der kolonial unterworfenen Völker diente, und ganze Gruppen in Zoos, im Zirkus oder auf dem Jahrmarkt im wahrsten Sinne des Wortes vorgeführt und begafft wurden, soll hier nicht mehr der Afrikaner gezeigt werden, sondern der Deutsche.

Zur Schau stellen sich Andi Europäer und sein kleines, gut gemischtes Team aus unverwechselbaren Prototypen des Deutschseins. Dass sich zusätzlich auf der anstrengenden Tournee durch Afrika unter den Protagonisten diverse Konflikte aufgestaut haben, Konflikte zwischen Ost und West, Männern und Frauen, macht die Lehrstunde über Deutschland für die „Beworbenen“ im Publikum zu einer höchst erhellenden und komödiantischen Show. Eine ebenso amüsante wie abgründige Analyse eines Landes zwischen Zukunftsangst, innerer Zerrissenheit und postkolonialem Größenwahn.

Das weltweit erste Heavy Metal Hörspiel kommt passend zum Serienstart auch mit einer fulminanten Live-Show auf die Bühne. „L.B. STEEL und der Heilige Taucher“ begeistert Metalfans und Theaterbesucher gleichermaßen. Mit den deutschen Stimmen von Al Pacino, Arnold Schwarzenegger und Willem Dafoe wird das L.B. STEEL Abenteuer zum Hörspiel Blockbuster. Messerscharfe Gitarrenriffs und Doublebassgewitter dürfen bei einem Abend voller Schwermetall nicht fehlen! Die Liveband verbindet alle Metalgenres und schlägt sowohl harte als auch emotionale Klänge an. Wattstark und eindrucksvoll reicht der Soundtrack von SAVATAGE über DOKKEN bis zu DIO, AC/DC und IN FLAMES. Mit Bühnenkulissen, Video-Installationen und grafischen Elementen wird das Hörspiel-Abenteuer im Saal auch visuell zu einem einzigartigen Erlebnis.

Einlass: 19:00 Uhr

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Montag 11:00–19:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 11:00–19:00 Uhr Donnerstag 11:00–19:00 Uhr Freitag 11:00–19:00 Uhr Samstag 10:00–19:00 Uhr Sonntag 10:00–19:00 Uhr

Die demo station von Rirkrit Tiravanija ist eine bühnenähnliche Skulptur und lädt Menschen dazu ein, etwas zu „demonstrieren“. Tiravanija versteht den Begriff dabei im doppelten Sinn – als politischen Protest oder als Vorführung von etwas, das jemand besonders gut kann oder gerne mag. Über die Laufzeit der Ausstellung bietet die demo station täglich Raum für öffentliche Auftritte.

Bei der Veranstaltung werden ggfs. Foto- und Videoaufnahmen entstehen, auf denen Sie zu erkennen sein könnten. Mit Ihrem Besuch willigen Sie ein, dass diese Aufnahmen zur Kommunikation der Veranstaltung bzw. Ausstellung verwendet werden.

In kürzester Zeit entwickelte sich die Bühnen-Inszenierung REGEN von und mit Ferdinand von Schirach zu einem der meistbesuchten neuen Stücke im deutschsprachigen Raum. Der Zuspruch und die Nachfrage verbleiben seit der Uraufführung ungebrochen, weshalb der Bestseller-Autor im Anschluss an seine fast vollständig ausverkaufte Premieren-Tournee nun mit zahlreichen Zusatzterminen für 2024 und 2025 nachlegt.

2023 erschien Ferdinand von Schirachs neues Buch REGEN – und stieg direkt auf Platz 1 der Bestsellerliste ein. Eine Erzählung, die Ferdinand von Schirach seit Oktober 2023 als Monolog auf der Bühne präsentiert: Ein Mann kommt durchnässt aus dem Regen in eine Bar - auf die Bühne – und erzählt über das Großartige und das Schreckliche unserer Zeit, über die Würde des Menschen, die Einsamkeit, die Liebe, den Verlust und das Scheitern.

REGEN ist ein ebenso mutiges wie sehr persönliches Stück, ein Spiel an der Grenze zwischen Bühnenfigur und Autor. Die Regie führt Elmar Goerden.

Der Spiegel nannte Ferdinand von Schirach einen »großartigen Erzähler«, die New York Times einen »außergewöhnlichen Stilisten«, der Independent verglich ihn mit Kafka und Kleist, die Financial Times mit Raymond Carver, und der Daily Telegraph schrieb, er sei »eine der markantesten Stimmen der europäischen Literatur«. Seine Bücher wurden vielfach verfilmt und zu millionenfach verkauften internationalen Bestsellern. Sie erschienen in mehr als vierzig Ländern. Seine Theaterstücke Terror und Gott zählen weltweit zu den erfolgreichsten und meistdiskutierten Dramen der Gegenwart.

"Gäbe es das Wort ,kultiviert‘ nicht, müsste man es für Ferdinand von Schirach erfinden."

(Hannoversche Allgemeine Zeitung)

Einlass: 19:00 Uhr

AUSVERKAUFT

Wenn ABBA mit Boney M. auf der Bühne stehen, dann sind die 70er-Jahre zum Greifen nah! Die Party-Show nimmt das Publikum mit auf eine Zeitreise in das schrillste Jahrzehnt – in die Zeit der psychedelischen Tapeten, der Bonanza-Räder und mitreißenden Hits. Im ersten Teil werden die Hits von ABBA wie "Waterloo", "Mamma Mia", "Fernando" und "Take a Chance On Me" präsentiert – von einer Formation, die den Schweden nicht nur ähnlich sieht, sondern auch vom Gesang her mit ihren Vorbildern übereinstimmt. Im Anschluss präsentieren vier erstklassige Künstler die Hit-Gruppe "Boney M." mit einer ausgelassenen Bühnenshow. Erfolgshits wie "Rivers of Babylon" und "Daddy Cool“ garantieren beste Stimmung.

Einlass: 19:00 Uhr

Bei Leo Leike landen irrtümlich E-Mails einer ihm unbekannten Emmi Rothner. Aus Höflichkeit antwortet er ihr. Und weil sich Emmi von ihm verbal angezogen fühlt, schreibt sie zurück. Nach anfänglichem Geplänkel entwickelt sich echte Kommunikation und in weiterer Folge eine immer intimere Freundschaft. Es beginnt zu knistern in der Leitung. Und Leos E-Mails sind gut gegen den Nordwind, der Emmi nicht schlafen lässt, wenn er bläst. Die Versuchung eines persönlichen Treffens steigt. Doch werden die gesendeten, empfangenen und gespeicherten Liebesgefühle einer Begegnung standhalten? Und was, wenn ja?
mit Johannes Hallervorden und Johanna Marie Bourgeois
Autor: Daniel Glattauer Bühnenfassung: Ulrike Zemme
Regie: Irene Christ
Bühne: Tom Grasshof
Kostüm: Jasper Krafft

19.00 Uhr

1961 trennt der Bau der Berliner Mauer mehr als 13.000 Familien – auch die von Liane Kirchner. Dieter Hötger, der Ehemann ihrer Großmutter, gräbt zusammen mit einem Freund 1962 einen Tunnel vom Westen in den Osten Berlins. Sie wollen beide ihre Familien zu sich holen, doch ihr Plan wird verraten: Am Tunnelausgang erwartet sie eine Maschinengewehr-Salve der Stasi.
Der Freund ist sofort tot, Dieter Hötger überlebt schwer verletzt und landet schließlich im berüchtigten DDR-Gefängnis Bautzen II. Seine Frau Brigitte steckt man ins Frauengefängnis Hoheneck, ihr kleiner Sohn Axel wird in Arrest genommen. Nach jahrelanger Einzelhaft gelingt dem willensstarken Dieter als einzigem Insassen in der Geschichte von Bautzen II. die Flucht …