Naomi und East sind „einsam“ verheiratet und in einer Midlife Crisis. Eines Morgens finden sie ein Baby vor ihrer Tür. Sie nehmen es als ihr eigenes an und schenken ihm ihre Liebe. Aber sie machen eine surreale Erfahrung, denn binnen zwei Stunden durchlebt Christopher den Verlauf eines ganzen Daseins: Er wächst vom Kleinkind zum pubertierenden Mann heran und entwickelt sich zu einem drogenabhängigen Gewalttäter, der seine Eltern terrorisiert. Als er am Ende als trauriger Greis voller Reue stirbt, haben es Naomi und East in der Hand, sich einander und dem Leben noch einmal bewusster zu stellen. Denn trotz existenzieller Erschütterungen dieser Eltern-Kind-Beziehung ist ihre Liebe stark genug, um einen Neuanfang zu wagen.

Der US-amerikanische Dramatiker und Drehbuchautor Noah Haidle, der vor allem durch seine grotesken schwarzen Komödien auf deutschsprachigen Bühnen bekannt ist, katapultiert hier drei Menschen auf extreme Weise in die Amplituden des Lebens

aus dem Amerikanischen von

Regie: Fanny Brunner
Bühne & Kostüme: Daniel Angermayr
Musik: Alex Konrad

Eventuell Restkarten a.d. Abendkasse

Das Auswärtige Amt soll 2015 den Auftrag erteilt haben, Informationsveranstaltungen in ganz Afrika durchzuführen, um Afrikaner davon abzuhalten, die Flucht nach Europa anzutreten. Das Konzept war, uns Europäer so darzustellen, dass den ein besseres Leben suchenden Menschen, die Lust an der Emigration vergeht. Diese Idee greift Philipp Löhle für seine groteske Satire auf.

Wie einst die „Völkerschau“ zur anthropologischen Zurschaustellung der kolonial unterworfenen Völker diente, und ganze Gruppen in Zoos, im Zirkus oder auf dem Jahrmarkt im wahrsten Sinne des Wortes vorgeführt und begafft wurden, soll hier nicht mehr der Afrikaner gezeigt werden, sondern der Deutsche.

Zur Schau stellen sich Andi Europäer und sein kleines, gut gemischtes Team aus unverwechselbaren Prototypen des Deutschseins. Dass sich zusätzlich auf der anstrengenden Tournee durch Afrika unter den Protagonisten diverse Konflikte aufgestaut haben, Konflikte zwischen Ost und West, Männern und Frauen, macht die Lehrstunde über Deutschland für die „Beworbenen“ im Publikum zu einer höchst erhellenden und komödiantischen Show. Eine ebenso amüsante wie abgründige Analyse eines Landes zwischen Zukunftsangst, innerer Zerrissenheit und postkolonialem Größenwahn.

Der Einlass beginnt 30 Minuten vor Vorstellungsbeginn.

Eventuell Restkarten a.d. Abendkasse

Die Ausstellung KÖRPERWELTEN in Berlin widmet sich dem Thema „Facetten des Lebens“.

Dr. Gunther von Hagens öffnet in seinen Körperwelten-Ausstellungen den menschlichen Körper und macht die fragilen, schützenswerten Strukturen des Lebens für medizinische Laien sichtbar. Gemeinsam mit Kuratorin Dr. Angelina Whalley zeigt er in der Ausstellung in Berlin-Mitte die Facetten des Lebens – zwischen Glück und Unglück, Druck und Ausgleich, Zufall und Fügung, Körperversessenheit und Körpervergessen sowie Maßlosigkeit und Bescheidenheit.

Das Museum öffnete 2015 seine Pforten in Berlin. Es ist am Alexanderplatz direkt vor dem Berliner Fernsehturm beheimatet. Seitdem haben die Besucherinnen und Besucher die Möglichkeit eine Vielzahl einzigartiger Plastinate zu bestaunen. Diese geben einen tiefen Einblick in das hochkomplexe Innere des menschlichen Körpers. So erhalten Interessierte ein detailliertes Wissen über Organfunktionen und häufige Krankheiten, all das leicht verständlich vermittelt. Durch die lebensnahen Posen wird ein unmittelbarer Bezug zu den Betrachtenden hergestellt.

Was verbindet uns, was hält uns aufrecht und in Bewegung, was lässt uns lachen und lieben? Bei den KÖRPERWELTEN erhalten Sie Antworten auf diese und viele weitere Fragen. Machen Sie sich auf eine tief berührende und inspirierende Begegnung mit dem Leben bereit. Lassen Sie sich einen Besuch nicht entgehen und erleben Sie die Faszination der Plastination.
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The first BODY WORLDS museum presents unique plastinates that show the function of individual organs as well as common diseases. It gives insights into the highly complex and structures of the human bod and shows what connects us, keeps us upright and in motion and what makes us laugh and love.

Moreover, the Museum opens the visitors´ eyes to various facets that determine our existence: Gluttony & Restraint | Excess & Moderation | Chance & Fate | Pressure & Balance | Happiness & Unhappiness

Letzter Einlass 18:00 Uhr

Von den Straßen Berlins bouncen MAKE A MOVE auf die dicken Bühnen! Hier gibt es Bläser in Tutus, Bass und Gitarre pumpen den Groove, und das alles wird angeschoben von einem rappenden Drummer im Badeanzug. Klingt drüber? Ist es auch.

Im Herbst 2023 erscheinen die ersten Songs von MAKE A MOVE in vergrößerter Besetzung. In einer waghalsigen Live-Show werden mit radikalster softness die Konzerthallen auseinandergenommen. Groovehungrige werden mit tighten Raps und fetten Beats bis zum Platzen gefüllt. Egal ob Techno Club oder große Festivalwiese: bei MAKE A MOVE wird getanzt und gesungen, gesprungen und geschwitzt. Der Vibe ist positiv, das Tempo hoch und der Sound fließt vom Ohr straight in die Beine. Bouncen? Bidde Bidde!

Support: Busy Dreams
Ein pumpender Groove, ausschweifende Sounds und verträumt-eingängige Melodien: Das kombinieren Busy Dreams zu ihrem Funky Indie Pop. Mit ihrer energiegeladenen Musik und freundlich-warmen Art verführen sie die Ohren und Herzen des Publikums. Bestehend aus Drums, Bass, Gitarre, Keyboard und Gesang ruft die Potsdamer Band seit Mitte 2023 die Tanznotwendigkeit aus.

Einlass: 19:00

Anfang September 2024 eröffnet im Gropius Bau die Ausstellung DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG des Künstlers Rirkrit Tiravanija, der mit seiner Praxis den konventionellen Kunstbegriff erweitert hat und Situationen schafft, in denen soziale Interaktionen und sinnliche Erfahrungen verhandelt werden. Seit den frühen 1990er Jahren lebt Tiravanija teilweise in Deutschland und hat immer wieder künstlerische Arbeiten entwickelt, die sich mit kulturellen Eigentümlichkeiten, Migration und der politischen Gegenwart des Landes beschäftigen. DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG versammelt erstmals diese Werke, die auch die Bedeutung von Berlin und Deutschland als Ort künstlerischer Produktion für Tiravanija zeigen. Der Titel der Ausstellung ist dem Vorspann von Rainer Werner Fassbinders Film Angst essen Seele auf von 1974 entliehen, dessen Schilderung von anti-arabischem Rassismus gegen den sogenannten Gastarbeiter Ali heute, 50 Jahre später, erschreckend aktuell ist. Die umfangreiche Ausstellung umfasst Arbeiten auf Papier, Skulpturen, Fotografien, Multiples und eine Auswahl selten gezeigter Super-8-Filme sowie regelmäßige Aktivierungen zentraler ephemerer und partizipatorischer Arbeiten des Künstlers von den 1980er Jahren bis heute. Dabei steht die Sprengkraft seiner Praxis immer im Mittelpunkt: Institutionelle Grenzen und Kategorien werden ausgetestet; es wird laut, es wird gekocht, gegessen und gespielt.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Yasmil Raymond und Christopher Wierling

Montag 12:00–18:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 12:00–18:00 Uhr Donnerstag 12:00–18:00 Uhr Freitag 12:00–18:00 Uhr Samstag 12:00–18:00 Uhr Sonntag 12:00–18:00 Uhr

Performance 16.-19.10.2024
Flight of the Canaries
von Bishop Black

(englisch mit deutschen ÜT)

Dort, wo die eine Welt aufhört, beginnt die nächste. Unablässig bewegen wir uns zwischen den Welten – als Kundschafter*innen und Verkünder*innen.

Der Hauptcharakter in Flight of the Canaries ist mit all dem Wahnsinn konfrontiert, der unser Alltag ist. Hin- und hergerissen zwischen Unsichtbarkeit und Hypersichtbarkeit sieht sich they als Schwarze Person zu Männlichkeit und Hochleistungen gedrängt: besonders sein, außergewöhnlich. Für so manchen avantgardistischen Schritt, für Styles und Haltungen erfährt they Bewunderung und ist doch gleichzeitig von Enteignung und Entrechtung bedroht. Rückzug? Wohin? In die Einsamkeit? In der Stille warten schillernde Gestalten: Wächter*innen und Mittler*innen zwischen den Welten. Sie kennen die Winde, ihre Klänge und die möglichen Flugbahnen.

Flight of the Canaries ist Bishop Blacks vierte Arbeit am Ballhaus Naunynstraße und die Fortführung des künstlerischen Unterfangens, der Alltagserfahrung widerständige und selbstbestimmte Bewegungen entgegenzustellen: Aus Drag und Burlesque kommend entwickelt they Performances, um der zwingenden Härte kolonialisierender Zuschreibungen von sexual identity und racial identity etwas entgegenzusetzen und einen Raum jenseits eurozentrischer Kosmologie und Epistemologie zu kreieren. Und doch ist es Bishop Blacks Debüt – als Regisseur*in. Vorausgegangen waren die Performance Permanente Beunruhigung (2017) bzw. die überarbeitete Fassung unter dem Titel Your Devices (2018) und die Soloarbeit Becoming my Body, die seit 2019 zahlreiche Wiederaufnahmen erfuhr. Zuletzt agierte Bishop Black als Spielleiter*in der akademie der autodidakten Produktion re-searching joy (2022).

Foto: Zé de Paiva

Eine Produktion von Kultursprünge im Ballhaus Naunynstraße gemeinnützige GmbH. Die Erstproduktion wurde aus Mitteln der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt des Landes Berlin gefördert.

Performance, Deutsch, Kantine, Ca. 1 h 25 Min.

Der „König der Löwen“ verspricht: Mit einer vollen Mähne wird alles anders oder besser noch: Alles kommt an seinen Platz. Hendrik Quast nimmt das Versprechen ernst und interpretiert es neu. Er unterzieht sich einer Haartransplantation, um seinen Milieuwechsel aus der ländlichen Arbeiter*innenklasse in die Kunstwelt zu markieren und seinen Platz auf der Klassenreise zu behaupten. Eine blutige Adaption. Hendrik Quast würdigt sie in einer abgründigen Stand-Up-Comedyshow und fragt, wo seine queere Klassenreise beginnt und ob sie je zu Ende ist.

Eine Produktion von Hendrik Quast in Koproduktion mit Sophiensæle, Künstler*innenhaus Mousonturm Frankfurt/Main, Forum Freies Theater Düsseldorf, Kampnagel Hamburg und Theater RAMPE Stuttgart. Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt des Landes Berlin und durch den Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien. Medienpartner: Berlin Art Link, Missy Magazine, Siegessäule, taz.

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Performance, German, Kantine, ca. 1 h 25 min.

“The Lion King” promises: With a full mane, everything will be different, or even better: everything will fall into place. Hendrik Quast takes this promise seriously and reinterprets it. He undergoes a hair transplant to mark his change of milieu from the rural working class to the art world and to assert his place on the class journey. A bloody adaptation. Hendrik Quast pays tribute to it in an abysmal stand-up comedy show and asks where his queer class journey begins and whether it ever ends.

A production by Hendrik Quast in co-production with Sophiensæle, Künstler*innenhaus Mousonturm Frankfurt/Main, Forum Freies Theater Düsseldorf, Kampnagel Hamburg and Theater RAMPE Stuttgart. Supported by the Senate Department for Culture and Social Cohesion of the State of Berlin and the Fonds Darstellende Künste with funds from the Federal Government Commissioner for Culture and the Media. Media partners: Berlin Art Link, Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Bild/Photo: © Mayra Wallraff

Visuelles Theater

Die meisten Märchen sind sehr alt und reichen weiter als alle anderen literarischen Formen in der Menschheitsgeschichte zurück. Sie wurden von Generation zu Generation weitererzählt und sind bei aller Schlichtheit gleichzeitig reich an Fantasie, Wundern und auch Mahnungen. Im Rückblick ist die Kindheit oft mit Märchen verbunden und fast alle Menschen kennen das beruhigende Vergnügen, immer wieder dieselbe märchenhafte Geschichte zu hören, in der alles auf magische Weise zu einem guten Ende führt. So erinnert sich Heinrich Heine in „Deutschland. Ein Wintermärchen“ an seine Amme, die von der Gänsemagd und dem sprechenden Pferdekopf erzählte. Das international besetzte Ensemble von Ton und Kirschen erweckt den speziellen Zauber, der den Märchen innewohnt, zum Leben, um fantastische Geschichten zu erzählen. Und so verwandeln sie klassische Märchenerzählungen mit Marionetten, Masken, Tanz, Schauspiel und Livemusik in äußerst lebendiges, aktuelles Theater, bei dem auch die gleichnishaften Warnungen, die in den Märchen liegen, nicht übergangen werden.

Das Ton und Kirschen Wandertheater wurde 1992 in Glindow in Potsdam-Mittelmark von Margarete Biereye und David Johnston nach 20-jähriger Theatererfahrung mit dem englischen „Footsbarn Travelling Theatre“ gegründet. Heute gehören zur Kompanie neun SchauspielerInnen und MusikerInnen aus Deutschland, England, Frankreich, Wales, Italien und Kolumbien. Ton und Kirschen spielt viel in Deutschland, insbesondere im Land Brandenburg, ist aber auch oft zu internationalen Festivals eingeladen, z. B. in Frankreich, Polen, Indien, Kolumbien, Korea und Marokko.

Als Nathan von einer Geschäftsreise zurückkommt, erfährt er, dass es in seiner Abwesenheit einen Brandanschlag auf sein Haus gab und seine Tochter Recha es nur mit Hilfe eines Tempelherren aus den Flammen geschafft hat. Ein großes Glück und gleichzeitig unglaublich, einerseits weil der Tempelherr als Christ freiwillig eine Jüdin gerettet hat, andererseits weil er selbst erst kurz zuvor vom muslimischen Sultan als einziger Kreuzritter nicht hingerichtet wurde.

Auf der Suche nach diesem Tempelherrn wird Nathan bald auch mit seiner eigenen Vergangenheit konfrontiert und es entspinnt sich eine dichte Handlung rund um die Frage nach dem Miteinander der drei monotheistischen Religionen, nach Toleranz und ihrer Brüchigkeit, nach Zugehörigkeit, Gemeinschaft, Gleichheit, die schlussendlich in der berühmten "Ringparabel" endet.

Lessings 1779 veröffentlichtes Werk NATHAN DER WEISE, das als eines der Hauptwerke der Aufklärung gilt, spielt 1192, nach der Wiedereroberung Jerusalems durch die Muslime unter Sultan Saladin (1187), zur Zeit des dritten Kreuzzuges.

Regisseur Max Radestock und sein Team überprüfen in einer destillierten Fassung den über 200 Jahre alten Stoff auf seine Heutigkeit. Wie weit ist der Gedanke der Aufklärung in den letzten 300 Jahre gekommen? Leben wir in einem toleranten, aufgeklärten Zeitalter? Und was würde Nathan zu den heutigen gesellschaftlichen Entwicklungen sagen?

Komödie von Daniel Glattauer

Der Spaß geht weiter!

Mit ALLE SIEBEN WELLEN findet „Gut gegen Nordwind“ die hinreißende Liebesgeschichte, eine Fortsetzung.
Emmi Rothner und Leo Leike schreiben sich nach langer Zeit wieder und die Spannung, das Knistern in der Leitung, ist stark wie nie zuvor.
Werden sich die beiden endlich treffen? Harmonieren sie von Angesicht zu Angesicht genau so gut wie virtuell? Ist ihre virtuelle Liebe stark genug, um bei einer reellen Begegnung zu bestehen?
Fragen über Fragen, aber sehen Sie selbst – wir freuen uns auf Ihren Besuch!

Mit ALLE SIEBEN WELLEN erfüllt Daniel Glattauer den Wunsch seiner Fans nach einer Fortsetzung der E-Mail-Romanze und überrascht erneut mit spritzigen, witzigen Dialogen und unerwarteten Wendungen. Gewohnt Tempo- und pointenreich, spannend und unterhaltsam.

mit Johanna Marie Bourgeois und Johannes Hallervorden
Regie: Irene Christ

Eventuell Restkarten a.d. Abendkasse

Eventuell Restkarten a.d. Abendkasse

Die demo station von Rirkrit Tiravanija ist eine bühnenähnliche Skulptur und lädt Menschen dazu ein, etwas zu „demonstrieren“. Tiravanija versteht den Begriff dabei im doppelten Sinn – als politischen Protest oder als Vorführung von etwas, das jemand besonders gut kann oder gerne mag. Über die Laufzeit der Ausstellung bietet die demo station täglich Raum für öffentliche Auftritte.

Bei der Veranstaltung werden ggfs. Foto- und Videoaufnahmen entstehen, auf denen Sie zu erkennen sein könnten. Mit Ihrem Besuch willigen Sie ein, dass diese Aufnahmen zur Kommunikation der Veranstaltung bzw. Ausstellung verwendet werden.

Madre ®
Es ist nie zu spät für eine glückliche Kindheit

Deutsche Uraufführung aus dem Spanischen (übersetzt von Birgit Kirberg). Die Aufführungsrechte der Autorin werden vertreten durch Marta Fluvià Agency.Anna ist eine erfolgreiche Werbemanagerin und weiß nur zu gut, wie man Bilder von einem glücklichen Leben entwirft. Eine harmonische Familie darf dabei nicht fehlen. Die aber hat sie selbst nie gehabt. Da stößt sie zufällig auf eine Anzeige: »Ich könnte die Mutter sein, von der sie immer geträumt haben.« Keine schlechte Idee, denkt sie, denn schließlich kann sie es sich leisten. Sie hat sehr genaue Vorstellungen von der neuen Verbindung - und dann kommt alles vollkommen anders als geplant.Das Stück MADRE® untersucht, wie Menschen sich selbst aufmachen und sich eine Familie suchen - abseits von Verwandtschaftsverhältnissen. Die wahre Familie kann man sich schließlich aussuchen, unsere chosen family! Gleichzeitig ist es aber auch ein Stück über die unerwarteten Auswirkungen kapitalistischer Logik, das Geschäft mit der Liebe und die Erfindung neuer Formeln für persönliche Beziehungen.

Hier wird Familiengeschichte neu geschrieben!Zum gegebenen Anlass bieten wir allen Menschen, die zusammen mit einem oder einer Angehörigen kommen (biologisch oder nicht) ein gemeinsames Ticket zum Preis von 15,00 € pro Person an.
Also, nehmt jemanden aus eurer echten oder chosen family an die Hand, ladet sie oder ihn ein und findet heraus, was eure ganz persönliche Familie so besonders macht!

Einlass: 18:45 / Kein Nacheinlass

Wer bist du, wenn alle mitreden? Die Geschichte der jüdischen Familie Rothschild wird seit Jahrhunderten von Verschwörungsmythen und Hetzpropaganda überschrieben. Basierend auf Recherchen und Autobiografien wird nun eine andere Facette auf die Bühne gebracht: Fiktiv aber nah an den Fakten erzählt der choreografierte Theaterabend von Verantwortung, Zerwürfnissen und Solidarität über Generationen hinweg: eine europäische Familiensaga.

Im Mittelpunkt stehen vier Geschwister, die sich alle auf ihre Weise nach einem Ausbruch aus den Erzählungen sehnen, die man sich von ihnen und ihrer Familie macht. Sie flüchten in die Natur, in die Kunst oder in den Jazz, betreiben Politik, leisten Widerstand und versuchen, eine innerlich zerrissene Familie zusammenzuhalten. Vergangenheit und Gegenwart werden in ihren Familiengeschichten verknüpft: von der Emanzipation aus dem Frankfurter Ghetto zu prosperierendem Wohlstand bis zum Überlebenskampf gegen den Vernichtungswillen von außen.

Als Spiel im Spiel greift der Abend in einer Art jüdischen Buddenbrooks-Variante die letzten 200 Jahre der Familie auf, reflektiert Verantwortung, Zerwürfnisse und Solidarität über Generationen hinweg, seziert aber auch den Blick einer Außenwelt, die sich ihre Meinung längst gebildet hat und hinter dem Namen Rothschild keine Individuen, sondern die eigenen Erklärungsmuster bestätigt sehen will.

MIT Mariann Yar / Lisa Heinrici / Mareike Hein / Markus Bernhard Börger REGIE/TEXT Carolin Millner KOSTÜM/BÜHNE/LICHT Maylin Habig / Nils Wildegans DRAMATURGIE Theresa Selter MUSIK Florian Hein FOTO/TEASER Arda Funda TRANSKRIPTION Jette Büshel KOPRODUKTION TD Berlin / Studio NAXOS Frankfurt am Main GEFÖRDERT VON Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien / Kulturfonds Frankfurt RheinMain / Kulturamt Frankfurt am Main / Hessisches Ministerium für Wissenschaft und Forschung, Kunst und Kultur / Ottilie Roederstein Hauptstipendium

ELEGANZ AUS REFLEX setzt sich in ihren Stückentwicklungen mit historisch-politischen Themenkomplexen deutsch-deutscher Geschichte und Erinnerungskultur auseinander. Die TD-Koproduktion MACHT ENDICH DAS LICHT AN! ist die sechste Arbeit der Künstler*innengruppe, in der sie sich mit jüdischem Leben im deutschsprachigen Raum auseinandersetzt. Im Modus des Rückerinnerns kombiniert Carolin Millner als schreibende Regisseurin fundierte Sachrecherchen mit sprachgenauen Fiktionalisierungen, die neue Blickwinkel und Perspektiven öffnen. Bislang entstanden 16 Produktionen, die überregional tourten. ELEGANZ AUS REFLEX wird mehrjährig vom Kulturamt der Stadt Frankfurt am Main gefördert und erhalten dreijährige Konzeptionsförderung des Fonds Darstellende Künste