Anfang September 2024 eröffnet im Gropius Bau die Ausstellung DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG des Künstlers Rirkrit Tiravanija, der mit seiner Praxis den konventionellen Kunstbegriff erweitert hat und Situationen schafft, in denen soziale Interaktionen und sinnliche Erfahrungen verhandelt werden. Seit den frühen 1990er Jahren lebt Tiravanija teilweise in Deutschland und hat immer wieder künstlerische Arbeiten entwickelt, die sich mit kulturellen Eigentümlichkeiten, Migration und der politischen Gegenwart des Landes beschäftigen. DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG versammelt erstmals diese Werke, die auch die Bedeutung von Berlin und Deutschland als Ort künstlerischer Produktion für Tiravanija zeigen. Der Titel der Ausstellung ist dem Vorspann von Rainer Werner Fassbinders Film Angst essen Seele auf von 1974 entliehen, dessen Schilderung von anti-arabischem Rassismus gegen den sogenannten Gastarbeiter Ali heute, 50 Jahre später, erschreckend aktuell ist. Die umfangreiche Ausstellung umfasst Arbeiten auf Papier, Skulpturen, Fotografien, Multiples und eine Auswahl selten gezeigter Super-8-Filme sowie regelmäßige Aktivierungen zentraler ephemerer und partizipatorischer Arbeiten des Künstlers von den 1980er Jahren bis heute. Dabei steht die Sprengkraft seiner Praxis immer im Mittelpunkt: Institutionelle Grenzen und Kategorien werden ausgetestet; es wird laut, es wird gekocht, gegessen und gespielt.

Kuratiert von Jenny Schlenzka, Yasmil Raymond und Christopher Wierling

Montag 12:00–18:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 12:00–18:00 Uhr Donnerstag 12:00–18:00 Uhr Freitag 12:00–18:00 Uhr Samstag 12:00–18:00 Uhr Sonntag 12:00–18:00 Uhr

Krimi-Klassiker von Agatha Christie
Regie: Wolfgang Rumpf
Ausstattung: Erwin Bode

Leonard Vole wird am Mord an einer reichen Witwe beschuldigt. Sein Motiv scheint eindeutig: Die ältere Dame hatte ihm ihr ganzes Vermögen vermacht. Sein Anwalt Sir Wilfried Robarts ist fest von Voles Unschuld überzeugt und kämpft mit allen Mitteln, seinen Mandaten vor einer Verurteilung zu bewahren. Die Wendungen nehmen Fahrt auf, als Voles Ehefrau Christin, eine überraschende Aussage trifft. Dieser unerwartete Schritt scheint das Schicksal von Leonard Vole zu besiegeln.

Sir Wilfrid, der an Voles Unschuld festhält, steht vor einer scheinbar unüberwindbaren Herausforderung. Doch dann, als alles verloren scheint, bringt eine unbekannte Frau eine schockierende Wende in den Fall.

Tanz/Performance, Englisch/Deutsch/Koreanisch (Keine Sprachkenntnis notwendig), Festsaal

Im Jahr 2023 jährte sich die erste transnationale Adoption aus Südkorea zum 70. Mal. „Be thankful, they said“ ist eine multidisziplinäre künstlerische Auseinandersetzung mit (pop-)kulturellen und medialen Bildern einer wenig beachteten Geschichte globaler Verstrickungen. Anhand von queer-futuristischen Ansätzen und humorvollen Rückeroberungen allzu klischeehafter Adoptionsnarrative drehen Olivia Hyunsin Kim/ddanddarakim die Blickrichtung um, stellen sich der Ausradierung von Identitäten entgegen und zeigen, wie Betroffene ihre eigenen Geschichten neu besetzen.

Eine Produktion von Olivia Hyunsin Kim/ddanddarakim in Koproduktion mit Sophiensæle. Gefördert durch die Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt und aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds. Dank an Uferstudios, dem PSR Kollektiv und Theaterhaus Berlin. Medienpartner: Berlin Art Link, Missy Magazine, Siegessäule, taz.

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Dance/Performance, English/German/Korean (no language skills necessary), Festsaal

2023 marked the 70th anniversary of the first transnational adoption from South Korea. “Be thankful, they said” is a multidisciplinary artistic exploration of (pop) cultural and media images of a history of global entanglements that still receives little attention. Using queer-futuristic approaches and humorous recaptures of overly clichéd adoption narratives, Olivia Hyunsin Kim/ddanddarakim turn the perspective around, confront the erasure of their identities and recast their own stories.

A production by Olivia Hyunsin Kim/ddanddarakim in co-production with Sophiensæle. Supported by the Berlin Senate Department for Culture and Social Cohesion and with funds from the Capital Cultural Fund. Thanks to Uferstudios, PSR Kollektiv and Theaterhaus Berlin. Media partners: Berlin Art Link, Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Bild/Photo: © Gedvile Tamosiunaite

Duo Zamengomercier
Am Anfang steht ein sonniger Tag, begleitet von Vogelgezwitscher und reichlich Nahrung. Im Zentrum dieser perfekten Existenz thront ein großes Klavier. Über dem makellosen, schwarz-glänzenden Instrument schwebt allerdings eine göttliche Regel, ein heiliges Dekret: Seine Tasten dürfen niemals berührt werden. Inspiriert von Filmen, Fernsehserien der 60er Jahre und Ritualen, schwankt „Lux aeterna" zwischen Feierlichkeit und Leichtigkeit und macht den Klang zum Protagonisten. Diese Totenmesse mit ihren klassischen Sätzen (Kyrie, Sanctus, Agnus Dei) und Texten der Trauer und des Gedenkens wirft tiefe Fragen auf: Wie kann man der Schallmauer Klang verleihen?

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Ludmilla Mercier und Andrea Zamengo sind ein zeitgenössisches Musikduo mit einem starken Fokus auf Musiktheater. Beeinflusst werden sie von zeitgenössischer Musik, aber vor allem von anderen Kunstformen wie Theater, Mouvement und Film. Das Ziel des Duos ist es, über den rein klanglichen Aspekt hinauszugehen und dem visuellen Aspekt die gleiche Bedeutung zu geben. Die beiden Künstler:innen haben sich 2019 an der Hochschule der Künste Bern kennengelernt, seitdem arbeiten sie zusammen und nehmen an verschiedenen Projekten an der HKB teil. Im Jahr 2023 gewannen sie den Preis des Nicati-De Luze Wettbewerb.

LUDMILLA MERCIER Konzeption, Kompositionen und Interpretation | ANDREA ZAMENGO Konzeption, Kompositionen und Interpretation | Erwin Fonseca, Toningenieur / Technik | Emma Madita Mösch: Kostüme | Rahel Jenny Egger: Make-up Artist, Backstage-Verantwortliche | Amanda Collaud: Grafikerin

Eines Nachts trifft Goljadkin auf einen Fremden, der ihm sehr bekannt vorkommt: Er ist sein Doppelgänger. Als ihm dieser am nächsten Tag als neuer Sitznachbar im Büro zu geteilt wird, scheint außer ihm keiner die Ähnlichkeiten zwischen den beiden zu erkennen. Vielmehr ist es so, dass sich der Doppelgänger sofort einer Beliebtheit bei Kollegen und Vorgesetzten erfreut, von der Goljadkin jahrelang geträumt hat. Die Angst, vollständig von seiner Kopie ersetzt zu werden, frisst sich von Tag zu Tag tiefer in Goljadkins Gedanken. Seine Identität verwischt immer mehr – Ist er Goljadkin oder der Andere? – bis einer der beiden in die Psychiatrie gebracht wird. Das Original oder die Nachahmung?
Bisher kennt man hauptsächlich die Fassung des "Doppelgängers", die Dostojewskij 20 Jahre nach Erscheinen gekürzt und geglättet hat. Wie surreal und komisch der junge Dostojewskij die Geschichte ursprünglich erzählt, bemerkt man in der Neuübersetzung Nitzbergs von 2021, die die Grundlage der Stückfassung des Theaterautors Clemens Mädge bildet. Dieser stellt mit DER DOPPELGÄNGER nun das "ungenügende" Individuum und den gekränkten Narzissmus des Einzelnen ins Zentrum. Ein Motiv, das so zeitlos wie aktuell ist. Besonders in unserer durchdigitalisierten Welt haben wir ständig die Möglichkeit, durch Weglassen oder Hinzufügen von Details, eine andere Version unseres Selbst zu erzeugen. Aber wann wird die Jagd auf unser "besseres" Ich zu einer Flucht vor uns selbst?

Aus der Reihe "Berliner Geschichten"

DIVA BERLIN
Die Hauptstadt in Songs und Geschichten

Mit: Alina Lieske (Spiel, Gesang, Klavier) und Martino Dessi (Gitarre); Text, Musik: Alina Lieske; Szenische Mitarbeit: Dagmar Hoffmann; Lichtdesign: Markus Bönzli; Konzeption Bühnenbild, Kostümbild: Jakob Knapp; Filme: Julius Gause

PREMIERE war am Freitag, 02.09.2022, 19:30 Uhr

Dauer: ca. 1h 50 Min. (inkl. Pause nach ca. 50 Min)

Intendantin Alina Gause präsentiert sich mit der Neuinszenierung von Diva Berlin dem Publikum als Autorin und Songwriterin Alina Lieske.
Die Berlinerin wirft in ihrem Solo-Musiktheaterabend einen Blick auf ihre Heimatstadt: kritisch, humorvoll und zärtlich zugleich. Worin ist die tiefe Liebe der Berliner:innen zu sich selbst und ihrer Heimatstadt begründet? Wie sieht das der Rest der Welt? Wie war das Leben mit der Mauer? Und was geschah wirklich am 9.11.1989?

In ihren autofiktionalen Geschichten und Songs, die den Witz, die Gewalt(igkeit) und den Pulsschlag dieser Stadt widerspiegeln, ist Berlin keine schillernde Metropole, kein Sujet pittoresker Zillestuben-Lieder, sondern ein Zustand, eine Überzeugung, ein Lebensgefühl. Ein amüsantes und bewegendes Stück, über das die Presse nach der Uraufführung schrieb: „Ein unbedingt empfehlenswerter Abend mit wirklich guter Unterhaltung.“ (Die Welt)

Abendkasse / Einlass ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

PLEASE NOTE: As these performances are being offered with absolutely no financing, all artists involved can only be paid a percentage of the box office. If you are able, please consider purchasing the €25 supporter ticket to ensure maximum payment for Shlomi and his team.

A science fiction drag ritual and an experimental invocation for a constant distribution of desires based on visions and fantasies Shlomi Moto Wagner has experienced since he was three years old.

It explores transformations, mutations and remanifestations of the idea of being, the sensuality of being a body, the politics of having
a body and the poetics of sharing a bodily experience.

This solo music theater piece is a mythological and poetic reading of current pop culture and its academic discourse. The music of ancient
Jewish texts and invocations together with visionary tunes of composer Hildegard von Bingen from the 12th century is newly arranged with pop hits, techno compositions and contemporary feminist texts. All of this makes the opera performance a ritual of transformation.

Shlomi Moto Wagner is Mazy Mazeltov, is Wendy Williams, is Wisława Szymborska, is Fran Drescher, is Hélène Cixous and her Medusa is David Copperfield and Claudia Schiffer IN ONE BODY! And much, much more.

So, what is reality here and what is fiction? In times where a part of society wants to return to the gender roles of the 1950s, or even the 1940s, it is that much more critical to celebrate a festival of the imagination. Let’s make magic. And what comes out at the end? A concert, a drag queen musical, a monologue slam, a magic show, a bar mitzvah or simply a party with the people? Are the props ready? Powder, lipstick and glitter? All right!

Sie buchen mit Ihrer Eintrittskarte eine TAGESKARTE für den Besuch in der Dauerausstellung des museum FLUXUS+. Letzter Einlass ist 17:30 Uhr. Für einen entspannten Besuch planen Sie bitte mindestens eine Stunde ein.

Nach dem Einlass haben Sie genügend Zeit, dass Museum zu besichtigen.
Öffnungszeiten Mi - So 13:00 - 18:00 Uhr

Das museum FLUXUS+ in Potsdam zeigt moderne Kunst mit den Schwerpunkten Fluxus, Wolf Vostell und vier zeitgenössischen Künstlern. Die Sammlung umfasst neben Wolf Vostell unter anderem Werke von Emmett Williams, Ben Patterson, Yoko Ono, Nam June Paik, Mary Bauermeister und Niki de Saint-Phalle.

Die eintrittsfreien Ausstellungen im atrium, ein museumscafé mit Terrasse und der attraktive museumsshop machen das museum FLUXUS+ zu einem beliebten kulturellen Treffpunkt an der Havel.

letzter Einlaß 16:00 Uhr

Freitag, 4. Oktober - Der Circolo Sardo di Berlino freut sich, das Sardinian Festival Berlin 2024 anzukündigen, ein unverzichtbares Ereignis, das in der historischen ufaFabrik stattfinden wird.

Diese besondere Ausgabe des Festivals fällt mit dem 25-jährigen Jubiläum des Circolo zusammen, ein Meilenstein, den wir mit der gesamten Gemeinschaft feiern möchten, indem wir ein Stück Sardinien ins Herz der deutschen Hauptstadt bringen.

Das Sardinian Festival wird eine lebendige Feier der sardischen Kultur sein, mit einem reichen Programm, das gastronomische Verkostungen, die Aufführung der Künstlerin Maria Jole Serreli und die Konzerte der Musiker Daniele Ledda und der Tenores di Bitti mit Enzo Favata umfasst.

Es wird eine einzigartige Gelegenheit sein, in die Traditionen, Geschmäcker und Klänge Sardiniens einzutauchen und die Lebendigkeit und Kreativität unseres Landes zu entdecken.

Hervorgehobene Künstler:

Maria Jole Serreli
Eine multidisziplinäre Künstlerin, die ihre künstlerische Vision durch eine Vielzahl von Ausdrucksformen umsetzt, die von Malerei und Skulptur bis hin zu Installationen und Performance-Kunst reichen. Ihre Werke, die eng mit den verwendeten Materialien verbunden sind, werden oft aus Stoffen und antiken Gegenständen gefertigt und basieren auf der Neuinterpretation von Texten und Worten in einer neuen, intimen Form visueller Poesie.

Daniele Ledda
Sardischer Musiker und Komponist, eröffnet das Festival mit seinem Projekt „Clavius“ und selbstgebauten elektroakustischen Instrumenten. Seine Musik, reich an Experimenten und Innovation, bietet ein einzigartiges Klangerlebnis zwischen Tradition und Moderne, das das Publikum auf eine Reise durch die Eindrücke Sardiniens mitnimmt.

Tenores di Bitti mit Enzo Favata
Die Tenores di Bitti, eine der emblematischsten Gruppen der sardischen Musiktradition, werden in einer aufregenden Aufführung zusammen mit dem Musiker Enzo Favata auftreten. Dieses Zusammentreffen der Tenorengesänge mit den zeitgenössischen Klängen von Favata bildet eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart und bietet ein musikalisches Erlebnis, das sowohl verwurzelt als auch innovativ ist.

Auf der Veranstaltung werden drei gastronomische Unternehmen anwesend sein, die uns mit ihren erlesenen Produkten direkt aus Sardinien verwöhnen werden, die bereits in Europa und der Welt geschätzt werden.

Wir haben die Ehre, die Unternehmen Sa Marigosa, Quarto Moro di Sardegna und Monte Arci bei uns zu haben.

Für weitere Informationen: circolosardodiberlino@gmail.com

Clara Immerwahr, eine hochbegabte Wissenschaftlerin, scheitert an ihrer Zeit und einer unglücklichen Ehe mit dem berühmten Nobelpreisträger im Fachbereich Chemie Fritz Haber. Clara Immerwahr hat im Jahr 1900 an der Universität Breslau als erste Deutsche im neuen Feld der physikalischen Chemie promoviert. Ihr Ehemann entwickelte als Chemiker das Giftgas für den ersten Weltkrieg. Sie war eine überzeugte Pazifistin und insbesondere für rüstungskritische Gruppen und Feministinnen ein besonderes Vorbild. Ihre Ehe und ihr Leben endeten tragisch.

Ein Theaterabend über Liebe und Verzicht, Pflicht und Leidenschaft, fatalen wissenschaftlichen Ehrgeiz und falsch verstandene Vaterlandsliebe.
Sabine Friedrich, geboren 1958 ist deutsche Autorin von Romanen und Theaterstücken. „Immerwahr“ erschien 2007 als Roman.
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Regie: Marcel Pomplun
Schauspiel: Karen Schneeweiß-Voigt in zwölf Rollen
Ausstattung: Thomas Gabriel

Die Aufführungsrechte liegen bei dem Theaterverlag Hofman-Paul, Berlin.

Abendkasse geöffnet ab 18:30 Uhr

Im Jubiläumsprogramm 75 Jahre Stachelschweine „Ich hab´ noch einen Tesla in Berlin“ von Frank Lüdecke und Sören Sieg wird eine Zukunftsvision des Jahres 2029 erzählt.
Die neue Bundeskanzlerin Sahra Wagenknecht gerät zunehmend unter Druck, weil die Staatsverschuldung unaufhaltsam voranschreitet.
Das Käsebrötchen kostet 14 Euro, BASF und Bayer sind nach Asien ausgewandert, VW und BMW gehören zu Tesla. Die Kreditwürdigkeit der Bundesrepublik wurde auf BB heruntergestuft, die Steuern gehen zur Hälfte für Zinszahlungen drauf.
Da hat die Bundeskanzlerin eine Idee. Mit einer einzigen Maßnahme, so rechnet sie vor, können alle ihre Wahlversprechen finanziert werden: Rente ab 55, kostenloser öffentlicher Verkehr und Mietendeckel auf dem Stand von 1989. Es ist der „Geheimplan Berlin“. Die Hauptstadt soll als Tafelsilber Deutschlands verkauft werden. Ein Elektroautohersteller, Betreiber von Sprachnachrichten-diensten, Mars-Raketen und Gehirnimplantaten schlägt sofort zu…

Zum 75. Jubiläum legen DIE STACHELSCHWEINE ein Programm vor, das schwarzen Humor elegant mit Berliner Gelassenheit verknüpft. Wenn alles in Panik gerät, wissen wir: Niemand hat die Absicht, Berlin zu verkaufen!

Mit Santina Maria Schrader, Mirja Henking, Sebastian Stert.

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Montag 11:00–19:00 Uhr Dienstag geschlossen Mittwoch 11:00–19:00 Uhr Donnerstag 11:00–19:00 Uhr Freitag 11:00–19:00 Uhr Samstag 10:00–19:00 Uhr Sonntag 10:00–19:00 Uhr

Gastspiel "Der kleine Prinz"
"Man sieht nur mit dem Herzen gut. Das Wesentliche ist für die Augen unsichtbar."
Diese berühmte Erkenntnis aus Antoine de Saint-Exupérys "Der kleine Prinz" berührt Groß und
Klein. Erwachsene lernen wieder mit Kinderaugen zu sehen - und Kinder verstehen die Welt der
Erwachsenen. Daher spielen wir unsere neu eingerichtete Bühnenfassung in zwei Versionen
- eine für Kinder ab 5 Jahre, und eine längere für alle Menschen ab 12.
Wie wunderbar die Reise des "Kleinen Prinzen" Witz und Poesie verbindet, das gilt es neu zu
entdecken. Neu für die Bühne eingerichtet Olaf Ostertag
Darsteller: Emil j. Ruderer, Markus Thiel, Nicola Darao, Jerome Winistädt, Jérome Mallow, Oliver W. Koch und
Olaf Michael Ostertag, Bühnenbau Jan Hofmann, Kostüme, Produktions- u. Regieassistenz Oliver W. Koch

Einlass 18.00 Uhr

In deutscher Sprache mit englischer Übertitelung

Tanztheater von Raphael Moussa Hillebrand

Dauer ca. 60 Minuten.

Konzept und Künstlerische Leitung Raphael Moussa Hillebrand
Choreografie, Performance und Text Joy Alpuerto Ritter und Raphael Moussa Hillebrand
Regie und choreografische Assistenz Kysy Fischer
Dramaturgie Amrit Walla und To Doan
Outside Eye Magda Korsinsky
Musik Eurico Ferreira Mathias und Djelifily Sako
Kostüm Marcus Barros Cardoso
Lichtdesign Jörg Bittner
Produktionsleitung Annett Hardegen
PR Jasmin Blümel-Hillebrand
Foto Denis „Koonè Kuhnert
Kostüm Fotos Kasapio


Eine Produktion von Raphael Moussa Hillebrand. Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds.
Medienpartnerschaften Radialsystem: tip Berlin, The Berliner, Rausgegangen, taz. die tageszeitung

Foto: 2050 (c) Denis Kooné Kuhnert

In den Titeln vieler ihrer Arbeiten wie auch in der Wahl der Spielorte spiegeln sich die Grundthemen der Wahl-Cottbusserin Golde Grunske. Immer wieder nutzt sie Tanz und Bewegung für Erkundungen zu unserer Vorstellung von Heimat. In Klänge der Lausitz bilden die ökologischen und politischen Veränderungen der letzten 40 Jahre in der Lausitz, Geräusche der Landschaften, Lieder und historische Werbefilme einen Echoraum für persönliche Erinnerungen, Träume, Hoffnungen und Emotionen der Bewohner*innen. Über gefilmte Landschaften erweitert sich der choreografische Raum und lässt uns in die besondere Weite Eintauchen – ein humorvolles choreografiertes Roadmovie.

Anschließend: Richard Koch´s Empowerment – Trio Jazzy Beats & Freestyle