Kassenöffnung 15:45 Uhr/ Saaleinlass 16:30 Uhr

Wayne Snows Musik hat eine unbestreitbare Wärme, die die sonnengeküssten, souligen Vibes seiner Heimat mit Neo-Soul, alternativem Pop, Soultronica und Jazz verbindet. Sein musikalisches Erbe und seine Erziehung in Nigeria, wo er Künstler wie Sade, King Sunny Ade, Marvin Gaye und Fela Kuti hörte, schimmert durch, ebenso wie sein tiefer Respekt und seine Liebe zum Afrofuturismus. Es ist ein integraler Bestandteil seiner musikalischen Reise, ein Streben, Klänge zu formen und seine Vision der Zukunft auszudrücken. Wie Sun Ra vor ihm ist es sein Ziel, seine Kunst auf einer ganz anderen Ebene anzusiedeln und zu erforschen, wie Musik den Geist beeinflussen kann.

Einlass: 19 Uhr

Einem Rätsel auf der Spur. Bei der aufregenden Suche nach der Lösung verliert die 14-jährige Ana beinahe die Menschen aus dem Blick, die sie lieben. Eines Tages spürt Ana in der Metallplatte, die sie seit einem Unfall im Arm hat, seltsame rhythmische Impulse. Verwundert fragt sich die 14-Jährige, was diese bedeuten könnten. Zuerst denkt sie an Musiktöne und komponiert daraus mit ihrer Freundin Lepa den „Heartbeat Song“. Dann aber erklärt ihr ein junger Soldat, dass die Impulse auch Morsezeichen sein könnten. Ana glaubt deshalb, über ihren Arm eine geheime Botschaft zu empfangen. Mit allen Mitteln versucht sie, diese Botschaft zu entschlüsseln, und gerät auf eine abenteuerliche Reise quer durch ihre Heimatstadt Buenos Aires. Und zugleich immer weiter weg von den Menschen, die sie lieben. Spannend.
Ingrid Pokropek, Jahrgang 1994, ist Regisseurin, Produzentin, Autorin und Lehrerin. Nach mehreren Kurzfilmen, u.a. ›Electric Boy‹ (2021) und ›Shendy Wu: A Diary‹ (2019), ist ›Tonspuren‹ ihr Langfilmdebüt. Es feierte seine Weltpremiere auf der diesjährigen Berlinale.

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Die 10er Karte ist nicht individualisiert und kann von mehreren Personen genutzt werden. Kommt also gern mit Euren Freund*innen!

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Vom Entdecken des eigenen Körpers und der Beziehung zweier Schwestern. Catherine Breillats so berührende wie verstörende Coming-of-age-Geschichte.
Die übergewichtige, 12-jährige Anaïs (Anaïs Reboux) verbringt die Sommerferien mit ihrer Familie in Italien. Als sie zu zweit unterwegs sind, registriert Anaïs, wie ihre hübsche, von ihr vergötterte Schwester Elena (Roxane Mesquida) mit einem italienischen Studenten anbandelt. Sie beobachtet den ersten Sex der beiden, der zu einem Akt männlicher Manipulation und Machtdemonstration verkommt. Das löst in Anaïs eine zunehmende Wut auf ihre Schwester und schließlich Gewaltfantasien aus.
Zwei Jahre nach ihrem skandalträchtigen ›Romance‹ (1999) schuf Catherine Breillat dieses, ihr wohl wichtigstes Werk. Sein schockierendes und provokatives Ende wird noch lange nachhallen.
Bereits ihre frühesten Werke Ende der 1970er-Jahre verschafften der Regisseurin und Autorin Catherine Breillat den Ruf eines Enfant terrible der französischen Kulturszene. In ihren Filmen, darunter z.B. ›Lolita ‘90‹ (1988) oder ›Anatomie de l’enfer‹ (2004), steht oft die Suche der weiblichen Hauptfiguren nach sexueller Identität im Zentrum.

Genau wie Nina, der Hauptfigur in diesem cineastischen Coup, bleibt auch uns Zuschauer*innen fast der Atem weg. Aus ungläubigem Staunen über seine hemmungslose feministische Radikalität und Schönheit. Nina ist Geburtshelferin in einer kleinen Klinik irgendwo im Osten Georgiens in der Nähe des Kaukasus. Immer wieder ringt sie mit den Zumutungen des Lebens. Nur ihr Beruf gibt ihr Halt und Sinn, ihm ordnet sie bis zur Selbstaufopferung alles andere unter. Doch nach einem tragischen Todesfall wird nicht nur ihr Wirken im Krankenhaus untersucht, sondern auch ihr Handeln in den umliegenden Bauerndörfern. Durch die Ermittlungen gerät ihre berufliche Zukunft, ja ihre ganze Existenz in Gefahr. Aber Nina hat etwas geschworen, und sie will auf keinen Fall dagegen verstoßen. Um nichts in der Welt.
›April‹s emotionale Intensität und kinematografische Schönheit entziehen sich fast jeder Beschreibung. Die extrem dichte Atmosphäre, die beeindruckenden Bilder, sinnlichen Texturen und eindrücklichen Klänge machen Dea Kulumbegashvilis zweite Regiearbeit zu einem unvergesslichen Gesamtkunstwerk. Es ist schon jetzt ein kraftvolles, sein Publikum in Grenzbereiche führendes Monument der Kinogeschichte.
Die georgische Regisseurin Dea Kulumbegashvili studierte Film an der Columbia University. Nach zwei erfolgreichen Kurzfilmen setzte sie 2021 mit ›Beginning‹, ihrem Langfilmdebüt, ein erstes großes Ausrufezeichen. Beim Filmfestival in San Sebastian erhielt der Film neben dem Hauptpreis noch drei weitere Auszeichnungen, wurde für den Europäischen Filmpreis nominiert und im selben Jahr beim IFFMH gezeigt. ›April‹ ist ihr zweiter Film und gewann dieses Jahr den Spezialpreis der Jury beim Filmfestival in Venedig.

Farben, Licht, Töne! Im Glitzer Monte Carlos überwindet Virgil Vernier die Oberfläche und schenkt uns ein tief humanes Erlebnis. Ein Weihnachtswunder! Monte Carlo an den Feiertagen. Glitzer, Oberflächen, Banalitäten mag man hier erahnen. Doch Virgil Vernier gelingt es auf beinahe magische Weise, aus dieser Konstellation Poesie zu schöpfen. Eingefangen von einer betörenden Kamera, versammelt er dazu ein ungewöhnliches Trio: einen Call Boy, eine Freundin von ihm, die vor dem beruflichen Neuanfang steht, und die Tochter superreicher Eltern, die von der Freundin gebabysittet wird. Gemeinsam durchleben die drei eine intensive, aber unwirkliche Zeit, wie losgelöst von der Welt. Wir erhalten intime Einblicke in die Psyche dieser Personen. Und für mindestens eine unter ihnen ist plötzlich nichts mehr wie es war.
Die Filme des französischen Regisseurs Virgil Vernier sind bekannt für ihre hybride Form aus Fiktion und Dokumentation. Sie wurden auf großen internationalen Festivals wie Cannes, Berlin und Locarno gezeigt. Zuletzt gewann er 2022 den renommierten Prix Jean Vigo für den Kurzfilm ›Kindertotenlieder‹.

Ein Kind verschwindet spurlos. Vielschichtiger, wendungsreicher Überwachungsthriller mit Anklängen an Michael Haneke, Brian De Palma und Alfred Hitchcock.
Es gehört zum Schlimmsten, was Eltern sich vorstellen können: Das eigene Kind verschwindet spurlos. Doch nicht nur das. Denn plötzlich werden dem betroffenen Paar merkwürdige Videoaufnahmen zugestellt. Jemand hat ihr Alltagsleben gefilmt, selbst die intimsten Momente. Ist der Voyeur auch der Entführer ihrer Tochter? Um das herauszufinden, setzt die Polizei nun ihrerseits Überwachungskameras ein. Auch der Vater greift schließlich selbst zur Kamera. Und plötzlich scheint es, als blickten alle durch die Linse direkt in menschliche Abgründe.
Hochspannendes Paranoia-Kino über die Macht des Sehens und die Ausweglosigkeit des Gesehenwerdens.
Yeo Siew Hua stammt aus Singapur, wo er Abschlüsse in Film und Philosophie gemacht hat. Er hat zahlreiche Kurzfilme geschrieben und gedreht. Sein zweiter Spielfilm, ›A Land Imagined‹ (2018), war der erste Film eines Singapurers, der den Goldenen Leoparden in Locarno gewann. Zudem wurde der Film für die Oscars vorgeschlagen.

Mehr Lebendigkeit geht nicht: Ensemble-Drama über den nahenden Tod und zugleich zeitgenössisches Tanzmusical, das nach dem unbändigen Kern des Lebens greift. Claudia (Ángela Molina) und ihr Partner Flavio leben in einer Wohnung voller Pflanzen und Bücher, im Hof blühen Rosen. Doch die Idylle ist getrübt, denn Claudia hat einen Hirntumor. Deshalb haben die beiden den Entschluss gefasst, ihren betagten Leben in der Schweiz ein selbstbestimmtes Ende zu setzen. Davor wird aber noch geheiratet und die ganze Familie reist an. In diesem skurrilen Wirrwarr aus Liebe, Leben und Leid versucht die erwachsene Tochter Violeta ihren Platz zu finden. - Getragen von spektakulären Choreografien spielt sich vor unseren Augen ein wunderschöner, temperamentvoller Tanz in den Tod ab. Eine cineastische Feier des Lebens!
Carlos Marqués-Marcet, Jahrgang 1983, ist ein spanischer Regisseur, Drehbuchautor und Editor. Sein Debütfilm ›10,000 km‹ (2014) wurde vielfach ausgezeichnet, u.a. mit einem Goya für die beste Nachwuchsregie. ›They will be Dust‹ ist bereits sein sechster fiktionaler Langfilm.

Ohne Götter: Uberto Pasolinis Adaption der “Odyssee” nimmt den Menschen und seine Emotionen in den Blick. Mit Ralph Fiennes und Juliette Binoche in Höchstform.
Penelope (Binoche) ist in ihrem Haus gefangen, von Freiern belagert, die zum neuen König erkoren werden wollen. Als ihr Mann Odysseus (Fiennes) nach Jahrzehnten des Krieges und der Irrfahrt heimkehrt, bleibt er im Verborgenen, seinen Untertanen und seiner Familie ein Fremder. Odysseus leidet an PTSD. Ein gebrochener, mit seinen inneren Dämonen ringender Mann. - Pasolini psychologisiert den Mythos, liest den Halbgott als vormodernen Rambo. Dafür vereint er die beiden Stars aus ›Der englische Patient‹. Großes Schauspielkino, das die “Odyssee” auf ihren Kern reduziert und so zum Gleichnis über den Krieg mit seinen
irreversiblen Folgen macht.
Uberto Pasolini begann seine berufliche Karriere als Investmentbanker, bevor er in die Filmproduktion wechselte. 1997 produzierte er den oscarnominierten Kinohit ›Ganz oder gar nicht‹. Sein Regiedebüt gab er 2008 mit ›Machan‹, der auf zahlreichen internationalen Festivals ausgezeichnet wurde. ›The Return‹ ist seine vierte Regiearbeit.

Ein ungleiches Paar auf einer lebensverändernden Reise. Jesse Eisenberg lässt uns lachen und weinen zugleich. David (Jesse Eisenberg) ist unbeholfen und verschlossen, Benji (Kieran Culkin) ausgelassen und Everybody´s Darling. Um ihrer verstorbenen Großmutter zu gedenken, machen sich die ungleichen Cousins auf eine Gruppenfahrt durch Polen. Die beiden haben sich lange nicht gesehen, fühlen sich aber durch ihre gemeinsame Jugend eng verbunden. Ihre Reise konfrontiert sie mit dem dunkelsten Kapitel der Menschheitsgeschichte und befördert bei beiden tiefe Verletzungen sowie ungelöste Konflikte an die Oberfläche. - Tragisch und hinreißend komisch zugleich ergründet ›A real Pain‹ das Rätsel der menschlichen Psyche. Spätestens seit seinem oscarnominierten Porträt von Mark Zuckerberg in ›The Social Network‹ muss Jesse Eisenberg als Schauspieler nicht mehr vorgestellt werden. 2022 ist er mit ›When you finish saving the World‹ ins Regiefach gewechselt. In seiner zweiten Regiearbeit ›A Real Pain‹ erkundet er seine eigenen polnisch-jüdischen Wurzeln.

Für ihre sensible Bearbeitung der Erinnerungen von Salomon Perel erhielt Holland 1992 eine Oscar-Nominierung in der Kategorie Bestes Adaptiertes Drehbuch. Der 14jährige Salomon (Marco Hofschneider) wird bei Kriegsbeginn 1939 während eines Pogroms von seiner Familie getrennt. Damit beginnt für den jüdischen Jungen eine Odyssee mit wechselnden Identitäten. Als russisches Waisenkind, deutscher Soldat an der Ostfront und schließlich als Hitlerjunge hat er nur ein Ziel: irgendwie den Krieg zu überleben. - Im Team mit dem legendären Produzenten Artur Brauner, dem Kameramann ihrer drei frühen polnischen Filme, Jacek Petrycki, dem Szenenbildner Allan Starski (1994 Oscar für „Schindlers Liste“) und einem internationalen Cast gelang Agnieszka Holland einer der größten Kinoerfolge der frühen 1990er-Jahre.

Eine romantische Aussteigergeschichte zwischen Realismus und Idyll. Ausgezeichnet als bester kanadischer Film beim Toronto International Filmfestival.
Nach einem stressbedingten Zusammenbruch lässt der Werbetexter Mathyas (Félix-Antoine Duval) aus Montréal sein bisheriges Leben hinter sich, um völlig neu zu beginnen: als Schafhirte in der Provence. Zwar hat er davon keine Ahnung, und die ersten Erfahrungen sind ernüchternd. Doch dann trifft Mathyas auf Élise (Solène Rigot), die in der Stadtverwaltung arbeitet. Gemeinsam versuchen sie, mitten in den Alpen eine Schafherde über den Sommer zu bringen. Erfüllt sich der Traum vom naturnahen, bodenständigen Leben am Ende doch?
›Shepherds‹ basiert auf realen Erlebnissen. Und das spürt man. Aber es geht um mehr als das: Von französischen Schafhirten gefragt, warum er aus Quebec zu ihnen kommt, beschreibt Mathyas die Provence als „Wiege der Pastorale“. Hier wird die Utopie, das Schäferidyll mit seiner reichen Tradition in der europäischen Kunst, überzeugend in die Gegenwart überführt. Wie ihre Figuren stammt Sophie Deraspe aus Quebec, einem vitalen Zentrum des Gegenwartskinos. Seit ihrem Debüt, der Mockumentary ›Missing Victor Pellerin‹(2006), verwischen ihre filmischen Arbeiten, die sie mehrfach auch selbst fotografiert hat, die Grenze zwischen Dokumentarischem und Fiktion.

Zwei Frauenschicksale in Indien: Poetischer, atmosphärisch dichter und einfühlsamer Film über Liebe, Freundschaft, Sehnsucht und weibliche Selbstbestimmung. Krankenschwester Prabha lebt gemeinsam mit ihrer Kollegin Anu in Mumbai. Prabhas Mann ist nach Deutschland ausgewandert und lässt kaum noch von sich hören. Dennoch fühlt sie sich ihm gegenüber verpflichtet. Als sich die beiden Frauen auf einen Road-Trip an die Küste begeben, eröffnen sich ihnen neue Horizonte. - Regisseurin Payal Kapadia erforscht die
Grenzen der Freiheit für Frauen im patriarchalen Indien. Mit ihrem Debüt ›A Night of Knowing Nothing‹, das 2021 auf dem IFFMH lief, gewann sie in Cannes den Preis als bester Dokumentarfilm. ›All we imagine as Light‹ wurde in diesem Jahr in Cannes mit dem Großen Preis der Jury ausgezeichnet.
2021 gewann Payal Kapadias Langfilmdebüt ›A Night of Knowing Nothing‹ in Cannes den Preis als bester Dokumentarfilm und lief auf dem IFFMH. ›All we imagine as Light‹ ist ihr erster Spielfilm und erhielt in diesem Jahr bei den Filmfestspielen von Cannes den Großen Preis der Jury.

Nach dem Tod der Eltern getrennt, hoffen die Zwillinge Grace und Gilbert inständig auf ein Wiedersehen. Bittersüßes, virtuoses Knetfiguren-Drama für Erwachsene.
Grace blickt melancholisch zurück. Nach dem Verlust der Mutter beim zwar liebevollen, aber querschnittgelähmten und alkoholkranken Vater aufgewachsen. Nach dessen frühem Tod vom geliebten Zwillingsbruder getrennt. Aus Trauer und Einsamkeit hat Grace sich wie eine Schnecke in eine harte Schale zurückgezogen. Irgendwann jedoch lernt sie eine hinreißend exzentrische ältere Dame namens Pinky kennen. Die beiden werden Freunde. Und plötzlich scheint sogar Liebe für Grace möglich.
Überbordend einfallsreiches, eigenwilliges Animationskino von Oscarpreisträger Adam Eliot mit den Stimmen von Nick Cave, Eric Bana und Sarah Snook (Succesion).
Die Filme des australischen Oscarpreisträgers Adam Eliot wurden in den mehr als drei
J ahrzehnten Karriere schon auf über tausend Festivals gezeigt. Für seine Animationsfilme sprachen Schauspielstars wie Philip Seymour Hoffman und Toni Colette ein. ›Memoir of a Snail‹ ist sein erster Langfilm seit 15 Jahren.

Zwei queere Menschen auf der Suche nach einem Platz für sich in einer Welt, die sie verachtet. Berührender Film über Gemeinschaft als wahren Sinn des Lebens vom ersten offen schwulen arabischen Autor.
Voller Hoffnung kommen der schwule Jafaar und seine lesbische Freundin Soundouss ins marokkanische Cabo Negro. Sie freuen sich auf einen sorgenfreien Sommer in der luxuriösen Ferienunterkunft von Jafaars Liebhaber Jonathan. Nach außen müssen sie sich als dessen Mitarbeiter ausgeben. Obwohl Jonathan nicht erscheint, wollen die beiden bleiben. Aber nach und nach rückt ihnen der Verwalter der Ferienvilla auf den Leib. Er droht damit, Jafaar und Soundouss aus dem Haus zu werfen. Und da ihnen sogar das Geld zum Essen ausgeht, sehen sie nur noch eine Möglichkeit, sich durchzuschlagen. Auch in dieser prekären Lage vergessen Jafaar und Soundouss nicht, dass es Menschen gibt, die ihre Hilfe und Unterstützung brauchen.
Davon erzählt ›Cabo Negro‹ in herrlich klaren Bildern mit wunderbar zärtlicher Selbstverständlichkeit. Das ist so beeindruckend wie berührend.
Abdellah Taïa ist ein marokkanischer Autor und Filmemacher, der in Paris lebt. Mit seinem 2006 erschienenen autobiographischen Roman “L’armée du Salut” war er der erste arabische Autor, der sich als schwul outete. 2014 adaptierte er das Buch für sein Spielfilmdebüt. ›Cabo Negro‹ ist sein zweiter Film.