Nach 900 Aufführungen der Asyl-Monologe, Asyl-Dialoge, NSU-Monologe und Mittelmeer-Monologe, nun das neue Theaterstück von Autor und Regisseur Michael Ruf.

Dürren, Überschwemmungen, Stürme. Unbewohnbare Zonen und Verteilungskämpfe breiten sich aus. Das Zeitfenster, das noch zum Handeln bleibt, wird immer kleiner. Die Klima-Monologe erzählen von den weltweiten Kämpfen verschiedenster Menschen gegen den Klimawandel. Sie geben Einblick, wie Menschen in unterschiedlichen Regionen der Welt ganz konkret die Folgen des Klimawandels in ihren eigenen Biografien spüren.

Die Akteur*innen müssen immer wieder existenzielle Entscheidungen treffen: zwischen zu Hause bleiben oder weggehen, zwischen Ernteausfällen auf dem Land oder dem Leben als Tagelöhner in der Stadt, zwischen Sicherheit und Identität, zwischen Hunger und Risiko.

Die Klima-Monologe sind dokumentarisches Theater. Michael Ruf führt Interviews, die mehrere Stunden, teils mehrere Tage dauern. Diese Interviews werden dann lediglich gekürzt und verdichtet. Es wird dabei nichts hinzu erfunden und die sprachliche Ausdrucksweise wird beibehalten. Wortgetreues, menschennahes Theater.

Im Anschluss an jede Vorführung finden Publikumsgespräche statt.

Studio kein Nacheinlass / nicht barrierefrei

Szenisches Kabarett mit Musik

Beim Versuch die Welt zu verbessern geht es den Kabarettisten, ja wie den Meteorologen mit dem Wetter; sie können nichts daran ändern, aber im Kabarett können wir wenigstens zusammen lachen.
Es spielen Dagmar Jaeger und Michael Nitzel
Beide Darsteller verbindet ein über 30 Jahre schauspielerische Tätigkeit als Kabarettisten in der Distel, bei uns haben sie sich wiedergefunden.
Es spielen Dagmar Jaeger und Michael Nitzel
Beide Darsteller verbindet ein über 30 Jahre schauspielerische Tätigkeit als Kabarettisten in der Distel, bei uns haben sie sich wiedergefunden.
Musik Bernd Wefelmeyer
Regie Bernd Wefelmeyer
Texte: Inge Ristock - Peter Ensikat

Einlass ab 18.00 Uhr

Hier keine Tickets verfügbar

Ein Psychothriller von Sebastian Fitzek
Regie: Thomas Wingrich

23 sind es jedes Jahr weltweit, die während einer Reise mit einem Kreuzfahrtschiff verschwinden. 23, bei denen man nie erfährt, was passiert ist. Noch nie ist jemand zurückgekommen. Bis jetzt, bis auf Anouk, einem Mädchen, das vor einem halben Jahr mit seiner Mutter verschwand. Anouk, die wieder auftaucht. In ihrem Arm hält sie einen Teddybär. Und es ist nicht ihr eigener. Der mysteriöse Anruf kommt mitten während eines Einsatzes. Der Polizeipsychologe Martin Schwartz muss sofort nach England reisen und an Bord des Kreuzfahrtschiffs „Sultan of the Seas” kommen. Nie wieder wollte er ein Schiff betreten, nie wieder seine zerstörte Seele den Qualen der Erinnerung aussetzen. Vor fünf Jahren ist sein Sohn mit seiner Frau auf eben diesem Kreuzfahrtschiff verschwunden, niemand hat etwas gesehen, die Polizei ging von Selbstmord aus. Doch nun soll es Hinweise darauf geben, was seiner Familie zugestoßen ist: Kein Zweifel, es ist der Teddy seines Sohnes. Für ihn bricht erneut eine Welt zusammen, der Alptraum, von dem er dachte, er könnte nicht schlimmer werden, fängt erst an. Das Schiff legt ab, begibt sich auf den Weg nach New York. 3.000 Passagiere, ein traumatisiertes Mädchen, ein zutiefst verstörter Polizeipsychologe – und ein Mörder auf der Jagd.


Wir freuen uns auf Ihren Besuch bei uns im Berliner Kriminal Theater.

Einlass: 19:30

Schauspiel nach Stefan Zweig

Europa stand schon für vieles im Laufe seiner Geschichte. Die Wiege der Demokratie, Kolonialismus, das Christentum, Aufklärung, Industrialisierung, Kriege. Heute ist es vor allem die Europäische Union, der Versuch einer abgegrenzten, grenzenlosen Gemeinschaft, für die der Kontinent steht.

Lars Georg Vogel befragt ausgehend von Stefan Zweigs “Die Welt von Gestern” die europäische Idee und Identität. Was bedeutet uns Europa in Zeiten, in denen unsere Gesellschaften nach Rechts rücken? Welche historischen Kontinuitäten lassen sich anhand der vergangenen Jahre nachzeichnen?

Neben Stefan Zweigs Texten werden auch andere Stimmen zu Wort kommen. Auf humorvolle Weise, aber auch mit klarer Haltung versucht der Abend Antworten auf die Frage zu finden: Quo vadis Europa?

Paris, den 28.2.1886 – der Komponist Camille Saint-Saëns (Andreas Peer Kähler) begrüßt die Gäste seines Hauskonzerts und kündigt schmunzelnd die Uraufführung eines der berühmtesten Familienkonzertprogramme der nächsten 200 Jahre an… Zuvor aber müssen noch einige Instrumente vorgestellt und Tiere vom Publikum erraten werden! Ein ebenso kurzweiliges wie humorvolles Bühnenstück über den KARNEVAL DER TIERE, der am Ende von 50 jungen Tänzer*innen, dem jungen Pianisten-Duo Helena Zehender und Johannes Storch und dem Kammerorchester Unter den Linden komplett und szenisch aufgeführt wird. In Kooperation mit der Musikschule „Leo Borchard“ Steglitz-Zehlendorf und dem Ballett- und Tanzstudio Zehlendorf, Leitung Franziska Rengger.

Ab 5 Jahren – 70 min

In jedem Konzert können drei Kinder ein Musikalisches Bilderbuch des Annette-Betz-Verlages gewinnen!

Und im Anschluss an das Konzert können im Foyer die Musikinstrumente des Klingenden Museums unter fachkundiger Anleitung ausprobiert werden.

Für weitere Infos zu unseren Familienkonzerten (Konzertvorschau, Sonderveranstaltungen, neue Termine und Programme, Rabattaktionen u.v.m.) empfehlen wir, sich für unseren Newsletter zu registrieren! Schreiben Sie einfach an info@kudl-berlin.de.

Illustration © Doris Eisenburger (Annette Betz Verlag)

Einlass: 14:30 Uhr

„Zu Anfang war das Blau des Meeres noch weit weg. Es sammelte sich in den Senken des Hinterlands, fern der Grenzen der Stadt. Und die Menschen freuten sich über das Wasser: Es war Sommer, die Sonne glitzerte in den Wellen und das Salz schmeckte nach Abenteuer.“

Ein Märchen über politische Schieflagen und sinkende Gewissheiten: auf der Suche nach dem verlorenen Gleichgewicht.

In „Aufrecht in die Schräglage“ erzählt das Musiktheater-Kollektiv mehrblick&ton ein politisches Märchen über den Zustand unserer Gegenwart: Während das Wasser steigt und die Gewissheiten sinken, führen drei Performer*innen eine Wesentlichkeitsanalyse durch. Sie vermessen sich selbst, das Publikum, den eigenen Müll, die unsichtbaren Emissionen ihrer Existenz und erzählen dabei die Geschichte einer ertrinkenden Welt. Aufrecht in der Schräglage bilanzieren sie balancierend zwischen alten Sicherheiten und dynamischen Ungleichgewichten ihre Systemgrenzen und geraten dabei zunehmend in Erfassunglosigkeit. 

Zwischen Marschmusik und Melancholie gibt die ZENTRALKAPELLE BERLIN den Ton an: mit Pauken und Trompeten bläst sie gegen den Sturm und schaut von Leuchttürmen der Weit- und Zuversicht.

„Aufrecht in die Schräglage“ wird durch den Fonds Zero der Bundeskulturstiftung gefördert, einem Programm für klimaneutrales Produzieren im Theater. Die Produktion setzt daher konsequent auf:
- Arbeiten nach dem Dreischritt Vermeiden – Reduzieren – Kompensieren
- Bilanzierung nicht nur der Klimabilanz der Produktion, sondern auch des eigenen Klima- und Gefühlshaushalts
- Übertragung von Transformationsprozessen auf individuelle und künstlerische Bewegungen
- Auch die Ausstattung folgt diesem Prinzip: Bühne und Kostüme entstehen durch Re- und Upcycling, wodurch eine ressourcenschonende Ästhetik der Nachhaltigkeit entsteht.

Einlass ca. 19:15 Uhr

Heutzutage scheint der Sport allgegenwärtig. Kein Tag vergeht, ohne dass Sportereignisse, Akteure, Funktionäre oder Verbände Gegenstand medialer Berichterstattung werden. Die Jagd nach Rekorden, der Gewinn oder Verlust von Wettkämpfen addieren sich zu einer Ideologie, die an das Bild eines optimierten, leistungsfähigen Körpers gebunden ist. Der Sport stellt damit einen Stoff dar, der geradezu prädestiniert für ein Inklusionstheater wie das RambaZamba ist.
EIN SPORTSTÜCK, so der Titel der Vorlage für die Bühne von Nobelpreisträgerin Elfriede Jelinek, erzählt von diesen Körpern, die immer weiter über sich hinauswachsen sollen und dafür gefeiert werden. Der 1998 publizierte Text berichtet von der Transformationsgeschichte des menschlichen Körpers, von den Wünschen, die auf ihn projiziert werden. Als würde ausgerechnet der Sport die Brücke zum Idol des Übermenschen stiften.
Die Inszenierung rückt einschneidende Stationen dieser Körpergeschichte ins Licht der Scheinwerfer. Sie setzt in der Zeit der Antike an, als alle vier Jahre die zu Ehren der Götter abgehaltene Olympiade das Licht der Welt erblickte. Es folgt das von Leni Riefenstahls filmisch inszenierte Fest des heroisch codierten (weißen) Körpers mit Olympia 1936, in dem der Sieg des Einzelnen als Erfolg der verzückten Volksgemeinschaft verbucht wurde. Der Dritte Teil Andi – Ach Andi springt in die 1980er Jahre, als der Typus des Bodybuilders – stets ein Fässchen mit anabolen Stereoiden unter dem Arm – die Bühne der Welt betrat. Um sich seinem Idol Arnold Schwarzenegger äußerlich anzugleichen, puscht sein empirischer Doppelgänger Andi in Österreich seinen Körper mit allerlei muskelfördernden Mitteln. Seine wohlgeformte Hülle, so der reale Fall, schleppte sich noch mehr als ein Jahrzehnt als lebender Toter zu Body Building Events all over Austria. Danach setzt die digitale Revolution ein, die Arme, Beine, Muskeln und Blutbahnen in der Sprache des Codes auflöst, um den Leib in Form von Avataren neu zusammengesetzt auferstehen zu lassen. Der alte Körper ist tot, lang lebe der virtuelle Körper!
Die einzelnen Episoden werden von Szenen gerahmt, in denen sich der Funktionär als eigentlicher Protagonist hinter den Kulissen aus Rasen, Rennbahnen, Hürden, Netzen usw. zu erkennen gibt. Final bekommt Jelineks Prämisse, dass ein genuiner Zusammenhang zwischen Sport und Krieg existiert, beklemmende Aktualität.
Die Inszenierung findet im Rahmen des Kulturprogrammes der Special Olympics 2023 in Berlin statt. Hier treten Sportler*innen mit geistiger und mehrfacher Behinderung vom 17. bis 25. Juni im Berliner Olympiastadion in 26 Disziplinen gegeneinander an.
Im Rahmen dieser Inszenierung kooperiert das RambaZamba Theater mit Regiestudierenden der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch. Letztere setzt sich im Rahmen des Projektes Inklusion in der Lehre der Theaterkünste seit 2023 verstärkt mit der Bühnenkunst von Theaterschaffenden und Schauspielenden mit kognitiven Behinderungen in Theaterbetrieb und Ausbildung auseinander. Neben dem Regisseur Jacob Höhne inszenieren die Regiestudierenden Linda Glanz, Lily Kuhlmann, Rosa Rieck, Marten Straßenberg und Josephine Witt die verschiedenen Teilstücke, die ein gemeinsames Regieprojekt bilden.

Über fünf Millionen Menschen in Deutschland leben in Armut - und bleiben im öffentlichen Diskurs dennoch weitgehend unsichtbar. In einer Gesellschaft, in der sich viele wirtschaftlich bedroht fühlen geht unter, was tatsächliche Armut bedeutet: strukturell, existenziell, zwischenmenschlich.

Diese Inszenierung spricht nicht über Armut– sondern aus ihr heraus. Sie zeichnet ein vielstimmiges und widerständiges Bild einer ausgegrenzten Gruppe, die nicht länger schweigen will: Aktivist*innen der Bewegung #IchBinArmutsbetroffen haben in Kooperation mit der Universität Duisburg-Essen Erfahrungsberichte verfasst, die von Alltag und Isolation aber auch von Selbstbehauptung und politischem Bewusstsein erzählen.

Der für seine investigativen Theaterarbeiten ausgezeichnete Regisseur Helge Schmidt inszeniert das zum dramatischen Text gewobene Panoptikum aus Stimmen, Geschichten, Tweets und Emotionen. #ARMUTSBETROFFEN bietet eine Bühne für Solidarität und Auseinandersetzung mit einem Phänomen, das in einer reichen Gesellschaft eine zynische Funktion erfüllt: Prekäre Armut legitimiert und begründet den übergroßen Reichtum.

„Eine Bühne für Menschen ohne Lobby“ – Barbara Behrendt in der tagesschau

„Es sind unisono existentielle Texte, die berühren und im Kopf bleiben. Und die die Frage aufwerfen, warum es so sein muss, wie es ist – im Großen wie im Kleinen.“
– Katja Kollmann in der taz

IM ANSCHLUSS AN ALLE AUFFÜHRUNGEN (AUßER SONNTAG) FINDEN NACHGESPRÄCHE STATT.

MIT Agnes Decker / Ruth Marie Kröger / Laura Uhlig AUTOR*INNEN Monja Ben Messaoud, Janne Groß, Hansen! Watt, Else?, Stefan Hübner, Karen, Janina Lütt, Malina, Mera O., Jenny Pricken sowie zahlreiche #IchBinArmutsbetroffen-Twitter-User REGIE Helge Schmidt BÜHNE Lea Kissing KOSTÜME Sina Brüggemann MUSIK Frieder Hepting LICHTDESIGN Sönke C. Herm OUTSIDE EYE Verena Brakonier / David Heiligers PRODUKTIONSLEITUNG Kaja Jakstat (Zwei Eulen) PRODUKTION Helge Schmidt und Team KOPRODUKTION TD Berlin / LICHTHOF Theater Hamburg FÖRDERUNG Hauptstadtkulturfonds / Freie und Hansestadt Hamburg. Behörde für Kultur und Medien / ZEIT-Stiftung Ebelin und Gerd Bucerius / Ilse und Dr. Horst Rusch-Stiftung / Rudolf Augstein Stiftung KOOPERATION MIT Projekt Alltägliche Armutserfahrungen – „Erzählen als politisches Sprechen“ der Arbeitsgruppe Theorie und Methoden der Sozialen Arbeit an der Universität Duisburg-Essen. Das Projekt wird von Helen Dambach / Lena-Maria Nägle und Prof. Dr. Holger Schoneville geleitet und von der Bundeszentrale für politische Bildung gefördert WIEDERAUFNAHMEFÖRDERUNG BERLIN Hauptstadtkulturfonds

HELGE SCHMIDT UND TEAM arbeiten bereits seit 2013 an der Frage der politischen und gesellschaftlichen Funktion des Theaters. Dabei zeichnet ihre gemeinsamen Produktionen nicht nur der immer präzise recherchierte Faktenreichtum aus, sondern auch die Lust, die theatralen Mittel für dessen Erzählung zu erweitern. Die gemeinsamen Arbeiten wurden zu verschiedenen Festivals eingeladen und ausgezeichnet. Vom TD wurden u.a. die Cum-Ex Papers aufgeführt und zuletzt Wem gehört das Land koproduziert.

Der Klassiker des deutschen Kabaretts

Kein anderes Volk der Welt hat wie wir Deutschen eine derartige Fülle an Gesetzen und Paragrafen hervorgebracht. Wir regeln einfach alles: die Eheschließung bei Bewusstlosigkeit (§1314 BGB) und das vorschriftsmäßige Anbringen von Warndreiecken bei Trauer-Prozessionen (§27 StVO). Und das packt der Gesetzgeber dann in eine Sprache, die selbst Juristen kaum noch verstehen. Dagegen gibt es nur eine Notwehr: Lachen!Das Programm setzt in der Pointendichte neue Maßstäbe, ist grandios schwarzhumorig, intelligent und dabei höchst unterhaltsam.

"Am achten Tag..." bedeutet: zwei Stunden erfrischender Humor.

Buch: Werner Koczwara
Foto: Dirk Dehmel / Foto Urbschat

15:00 Uhr

Die britische Journalistin Sophy Roberts folgte den Spuren alter Klaviere, die einst in die entlegensten Winkel Sibiriens gelangten. Ihre Erkundungen führen tief in das Herz der Geschichte des Landes und eröffnen dabei auch einen Blick auf unsere Gegenwart. Ihr 2020 erschienenes Buch The Lost Pianos of Siberia bezeugt die große Sehnsucht nach kulturellem Erleben und Menschlichkeit auf einer herausfordernden Reise.

Die Schauspielerin Kerstin Schweers und die Pianistin und Tänzerin Annalisa Derossi bringen diese verblüffenden und berührenden Berichte und Geschichten in einer szenisch-musikalischen Lesung auf die Bühne. Sie erzählen von der Kraft der Musik, der Widerstandsfähigkeit der Menschen und dem tiefen Wunsch nach Schönheit und Sinn, selbst in lebensfeindlicher Umgebung. Die Bewahrung von Kultur, die Menschen mithilfe ihrer Klaviere unter den extremen Bedingungen Sibiriens wie auch in den grausamen Systemen von Gefangenenlagern ermöglicht haben, belegt eindrucksvoll die Relevanz von Kultur für das menschliche Überleben. In einer Welt, die sich heute vielerorts ebenso herausfordernd und zerbrechlich zeigt, wirkt dieser Bericht aktueller denn je.


KLAVIER UND PERFORMANCE Annalisa Derossi LESUNG / PERFORMANCE Kerstin Schweers VERLAG Zsolnay Verlag MIT FREUNDLICHER UNTERSTÜTZUNG Bezirk Tempelhof-Schöneberg / Dezentrale Kulturarbeit / TD Berlin


ANNALISA DEROSSI ist ausgebildete Pianistin und Tänzerin und arbeitet seit über 30 Jahren in Berlin an interdisziplinären Projekten. Im zeitgenössischen Musiktheater kollaborierte sie mit Ruedi Häusermann (Volksbühne, Theater Basel, Bayerische Staatsoper, HAU) und Thom Luz (Theater Basel, Residenztheater München, Staatsoper Unter den Linden). Ihre Kompositionen verbinden experimentelle Klavierarbeit mit Stimme und Geräuschen, ihre Projekte erforschen die Schnittstelle von Klang und Bewegung.

KERSTIN SCHWEERS absolvierte ihr Schauspielstudium in Saarbrücken. Engagements führten sie nach Wilhelmshaven, Dortmund, Zürich und Darmstadt, Nürnberg. Seit 2006 arbeitet sie in Berlin als freischaffende Schauspielerin und Theatermacherin u.a. an Akademie der Künste, Radialsystem V, Renaissance Theater, Staatsoper Unter den Linden und TD Berlin. Daneben engagiert sie sich für Kulturprojekte an Berliner Schulen und leitet Theaterprojekte mit Jugendlichen. Stationen außerhalb Berlins: Staatstheater Braunschweig, Staatsoper Hannover, Ruhrfestspiele Recklinghausen, Festspielhaus Hellerau.

English version below

Theater, Performance
Hochzeitssaal
Englisch, Deutsch, Chilenisches Spanisch, Schweizerdeutsch. Mit englischen, deutschen und spanischen Übertiteln
Die Produktion ist verständlich für Menschen, die Deutsch oder Spanisch sprechen.
Ca. 1h 10 Min.

In sie wachen über dich bringt das Kollektiv what about: fuego ihre verstorbenen Großmütter mit auf die Bühne, um durch ihre Vergangenheit in die Zukunft zu schauen. Gemeinsam erproben sie Strategien des Widerstands gegen digitale Überwachungsökonomien. Die multimediale Performance untersucht, wie Konzerne aus unseren Daten Profit schlagen, unser (Konsum-)Verhalten vorhersagen und beeinflussen. Zusammen mit cyberfeministischen Sounds von ultramorbidi wirft die Performance die Frage auf: Wie können wir uns Technologien wieder aneignen, um dem Überwachungskapitalismus zu entkommen?

Künstlerische Leitung, Performance: what about: fuego (María F. Giacaman Hasbún, Friedel Hänsel, Linda Mira Bühlmann)
Bühne, Kostüm: Andreina Vieira dos Santos
Sound: ultramorbidi (Nate Wessalowski, Kenji Solano Arevalo)
Interaktives Design: Friedel Hänsel
Dramaturgie: Ignacia González Torres
Licht: Nicolás Russi Andretta
Produktionsleitung: Christina Lutz, Daniela Guse
Presse- & Öffentlichkeitsarbeit: Miriam Bini Schmidt

Eine Produktion von what about: fuego in Koproduktion mit Sophiensæle. Gefördert durch den Fonds Darstellende Künste aus Mitteln des Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien, die Projektförderung des Kulturbüros der Landeshauptstadt Hannover und die Stiftung Niedersachsen. Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz.
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English version below

Tanz
Festsaal
Englisch
Ca. 45 Min.

Release the Hounds zeigt einen Tanz durch die Krise. Auf der Bühne schlängelt sich der Performer durch eine Reihe von Gesangs- und Tanznummern in Form eines offenen körperlichen Gedichts. Inspiriert von den Tanzmarathons der 1920er/1930er Jahre während der Großen Depression in den USA und der Rave-Kultur, sowohl der heutigen als auch der aus der Thatcher-Ära, ist Release the Hounds eine Ballade über den Tänzer aus der Arbeiterklasse. Die Performance untersucht die sinnliche und poetische Erfahrung, die letzte Person auf der Tanzfläche zu sein; eine abstrakte Darstellung des Tanzes als Flucht aus der Realität, aber auch als Mittel, um sie zu überleben. Release The Hounds feierte im Januar 2025 im Rahmen der Tanztage Berlin Premiere.

Choreografie, Performance: Adam Russell-Jones
Sounddesign: Moritz Haas
Lichtdesign: Emilio Cordero

Eine Produktion von Adam Russell-Jones in Koproduktion mit Sophiensæle. Die Premiere fand statt im Rahmen der 34. Tanztage Berlin, einem Festival der Sophiensæle, gefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz.
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Dance
Festsaal
English
Ca. 45 Min.

Release The Hounds is a depiction of dancing through times of crisis. Inspired by the dance marathons of the 1920s and 1930s during the Great Depression in the US and rave culture of both contemporary and Thatcher-eras, Release The Hounds is a ballad of the working-class dancer. The performance explores the sensual and poetic experience of being the last person on the dance floor; an abstract representation of dance as an escape from reality, but also as a means of surviving it. Release The Hounds premiered during Tanztage Berlin at Sophiensæle in January 2025.

Choreography, performance: Adam Russell-Jones
Sound design: Moritz Haas
Lighting design: Emilio Cordero

A production by Adam Russell-Jones in co-production with Sophiensæle. The premiere took place as part of the 34th Tanztage Berlin, a festival organized by Sophiensæle and sponsored by the Senate Department for Culture and Social Cohesion. Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Haben Sie schon mal gesehen wie die Realität auf den Kopf gestellt wird? Nein?

Dann wird es Zeit für einen Besuch in Ben Blu’s Illusionstheater! Kommen Sie mit Ihrer Familie vorbei und lassen Sie sich in die Welt der Magie entführen. Kinder ab 4 Jahren beobachten mit staunenden Augen und offenen Mündern wie sich Gegenstände verwandeln oder schweben. Auch die Erwachsenen staunen und lachen, wenn Ben das Publikum verzaubert.

Ben Blu’s einzigartiges Illusionstheatater hat sich auf die Zauberkunst spezialisiert. In einem intimen Rahmen erleben Sie und Ihre Familie eine interaktive und unterhaltsame Show. Teilweise entstehen Effekte mitten im Publikum. Egal, ob Sie in Berlin wohnen oder zu Besuch in der Stadt sind: Diese Show wird sie begeistern! Einige Kunststücke gibt es weltweit nur hier zu sehen.

Der Sympathische Zauberkünstler Ben Blu führt Sie und die anderen Gäste ca. 60 Minuten lang ohne Pause durchs Programm. Dieses passt er dem jeweiligen Publikum leicht an, zum Beispiel in Bezug auf die Altersgruppen.

Einlass 30 min vor der Show

Die Zukunft ist vorübergehend nicht erreichbar.
Eine Revue.

Haben Sie Probleme, die deutsche Politik zu verstehen? Oder die internationale? Trump? Putin? Fragen sich, was wird die Zukunft erst bringen? Wunderbar – dann kommen Sie in unsere große Revue! Wir haben für Sie schon mal die wichtigsten Entwicklungen hochgerechnet. Wir wissen vielleicht nicht alles besser, aber dafür sind unsere Prognosen witziger. Auf der Bühne noch mit echten Menschen, Spielfreude, exzellentem Sprachwitz und Musik. In Überschallgeschwindigkeit. Sowie der tröstlichen Botschaft: Es wird nicht besser, bloß weil es länger dauert. Denn – etwas Besseres als die Zukunft finden wir überall!


MIT: Christine Detmers, Ella Schneider und Florian Gerteis

REGIE: Frank Lüdecke

TEXT: Frank Lüdecke & Sören Sieg

Einlass: 17:00

"Fame Fatale“ ist die Live-Podcast-Show, die queere Perspektiven mit Humor, Scharfsinn und politischer Relevanz auf die Bühne bringt. Michael Schweisser und Lukas von Horbatschewsky, beide erfahrene Künstler aus Berlin, werfen einen ungeschönten Blick auf Machtmissbrauch, Sexismus, Rassismus und die unsichtbaren Kämpfe in der Unterhaltungsbranche. Durch geschichtliche Zusammenhänge, persönliche Erzählungen und musikalische Einlagen entsteht eine Show, die berührt und aufrüttelt. Dabei schlagen sie einen Bogen zwischen den Bedrohungen für queere Kultur damals und heute. „Fame Fatale“ ist jung, laut und relevant – ein Abend, der bleibt.