English version see below

Im Rahmen von…
Performance
Festsaal
Englisch
Ca. 70 Min.

In Unsex Me Here treffen trans Femmes auf Sage-Femmes, Bitches in der Perimenopause werden wahrhaft königlich und stimmlose Königinnen verschaffen sich Gehör in einem Kaleidoskop ritueller Akte von feministischer Solidarität. In der Tanz- und Drag-Performance erforschen Maria F. Scaroni und Olympia Bukkakis die Figuren von Königin und Hexe – sowohl in der westlichen historischen Vorstellung als auch im queeren Hier und Jetzt. Die ihnen oft humorvoll zugeschriebenen Titel der „Queen“ und der „Witch“ nehmen die beiden Protagonistinnen ernst und untersuchen, was es bedeutet, Monarchin, Heilerin, Dragqueen, weise Frau, trans Femme und (peri)menopausale Frau zu sein; was es bedeutet, kinderlos und dennoch fruchtbar zu sein. Die Fortpflanzung zu verweigern und dennoch mehr zu werden.

Konzept, Choreografie, Performance: Maria F. Scaroni, Olympia Bukkakis
Lichtdesign, technische Leitung: Hanna Kritten Tangsoo
Ton: Malu Peeters
Bühne: Camille Lacadee
Kostüm: Hungry, mit weiteren Stücken von Jay Barry Matthews und Alexis Mersmann
Produktion: Anna Chwialkowska
Produktionsassistenz, künstlerische Mitarbeit: Camila Malenchini

Eine Produktion von Olympia Bukkakis und Maria F. Scaroni in Koproduktion mit Sophiensæle. Gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz.
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As part of…
Performance
Festsaal
English
Approx. 70 Min.

In Unsex Me Here trans femmes meet sages-femmes, the perimenopausal become seriously regal bitches, and voiceless queens make themselves heard in a kaleidoscope of ritual acts of feminist solidarity. In a dance and drag performance, Maria F. Scaroni and Olympia Bukkakis explore the figures of the Queen and the Witch, both in the Western historical imagination and in the queer and now. For this piece they take these often humorously ascribed titles seriously, exploring what it means to be a monarch, healer, drag queen, crone, trans femme and (peri)menopausal woman; what it means to be childless and yet fruitful. To refuse reproduction, but still multiply.

Concept, choreography, performance: Maria F. Scaroni, Olympia Bukkakis
Lighting design, technical direction: Hanna Kritten Tangsoo
Sound: Malu Peeters
Set: Camille Lacadee
Costume: Hungry, with additional pieces by Jay Barry Matthews and Alexis Mersmann
Production: Anna Chwialkowska
Production assistance, artistic collaboration: Camila Malenchini

A production by Olympia Bukkakis and Maria F. Scaroni in coproduction with Sophiensæle. Funded by the Senate Department for Culture and Social Cohesion. Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Die Zukunft ist vorübergehend nicht erreichbar.
Eine Revue.

Haben Sie Probleme, die deutsche Politik zu verstehen? Oder die internationale? Trump? Putin? Fragen sich, was wird die Zukunft erst bringen? Wunderbar – dann kommen Sie in unsere große Revue! Wir haben für Sie schon mal die wichtigsten Entwicklungen hochgerechnet. Wir wissen vielleicht nicht alles besser, aber dafür sind unsere Prognosen witziger. Auf der Bühne noch mit echten Menschen, Spielfreude, exzellentem Sprachwitz und Musik. In Überschallgeschwindigkeit. Sowie der tröstlichen Botschaft: Es wird nicht besser, bloß weil es länger dauert. Denn – etwas Besseres als die Zukunft finden wir überall!

MIT: Christine Detmers, Ella Schneider und Björn C. Kuhn

REGIE: Frank Lüdecke

TEXT: Frank Lüdecke & Sören Sieg

Einlass: 17:00

Jeder kennt sie: die Müdigkeit in der Beziehung. Wenn man nach zehn Jahren ratlos in das Gesicht des Partners schaut und sich klar wird: „Vor der Ehe wollte ich ewig leben“. Fast jeder hatte mal so seine Träume von einem glücklichen und erfüllten Dasein. Und was ist davon übrig? Mit 25 heiratet man den Menschen, der einem den Verstand wegbu… - und mit 50 stellt man fest: Es ist ihm gelungen.

Aber ist die Ehe trotz hoher Scheidungsraten wirklich überholt? Sind Single-Leben, Abendabschlussgefährten und Fremdgehportale im Netz eine tragfähige Alternative?
Kann man das alte Institut der Ehe nicht modernisieren? Für Männer ist es heute z.B. nicht wichtig, dass eine Frau kochen kann, sondern dass sie keinen guten Anwalt kennt. Der Mann weiß inzwischen ohnehin: Wer oben liegt, muss spülen. Wichtig ist heute nur noch, dass die Beziehung ausgeglichen ist:
Einer hat recht, der andere ist der Ehemann.

Ein Märchentheaterstück von Johannes Galli, inspiriert durch das gleichnamige französische Märchen

Ein reicher Kaufmann verirrt sich im Wald und entdeckt ein geheimnisvolles Schloss. Der Herr des Schlosses, ein abscheuliches Biest, gewährt dem armen Mann Einlass. Um den einzigen Wunsch seiner liebsten Tochter Bella zu erfüllen, stiehlt der Kaufmann eine Rose, die er im Schlossgarten findet. Das Biest erwischt ihn dabei und fordert von ihm als Strafe, dass er für immer bei ihm bleiben muss.
Um ihren Vater zu retten, beschließt die schöne Bella, die Strafe anstelle des Vaters anzutreten und macht sich auf den Weg zum Biest. Schnell erkennt sie, dass das Biest ein tiefes Geheimnis in sich trägt. Wird sie es schaffen mit der Kraft der Liebe den Fluch des verzauberten Prinzen zu brechen und ihn zu erlösen?

Es spielen Acelya Han, William Schellenberg, Tommy Matuszewski, Sina Haarmann

Spielend Englisch lernen (ab 4 Jahren)

Die Prinzessin verliert ihre goldene Kugel. Der Frosch fordert ein Versprechen, um ihr die Kugel wieder zu holen. Sie muss lernen, ihr Versprechen zu halten und ihre Angst zu überwinden. Am Ende kann sie den ekligen Frosch tatsächlich in einen Prinzen verwandeln.

Erleben Sie das beliebte Märchen der Gebrüder Grimm in einer lustigen Fassung von Johannes Galli. In englischer Sprache

The princess loses her golden ball. The frog demands a promise in order to retrieve it for her. She must learn to keep her promise and overcome her fear. In the end, she actually manages to turn the disgusting frog into a prince.

Ein traumhaft schönes Märchen über die wunderschöne Prinzessin, die tief eingeschlafen ist hinter einer Dornenhecke. Viele Prinzen versuchen, sie zu erlösen, aber nur der Prinz, der zur richtigen Zeit kommt, kann die Dornenhecke durchdringen und erlöst Dornröschen.

Es spielt Sina Haarmann

Das Mitspieltheater ist eine besondere Form des Theaterspielens, bei dem eine erfahrene Schauspielerin ein Märchen erzählt und dabei in die verschiedenen Märchencharaktere und Rollen schlüpft.
Die Kinder erleben beim Mitspieltheater die große Kunst des Schauspielens hautnah mit, nämlich den Rollenwechsel – den der Spieler vor ihren Augen auf der Bühne vollzieht. Dabei dürfen sie dem Märchen nicht nur gespannt zuhören, sondern aktiv mitwirken. Sie können ihre Gedanken und Ideen der Schauspielerin auf der Bühne zurufen, die diese Impulse spontan mit in die Geschichte integriert.

Vier frische, freche, fesche Schauspiel-Absolvent*innen des Max Reinhardt Seminars in Wien haben sich zusammengetan und einen knackigen Schubert-Abend entwickelt. Der wäre wahrscheinlich sauer, wenn er wüsste, dass er unrasiert präsentiert wird. Der Boden bleibt immer Schubert, sein Dreitagebart – auf dem sie tanzen – besteht aus Jazz und Folk, geht über zu Rock und schließlich in die Genre- äh Grenzenlosigkeit.

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

Team Slam gilt in der deutschsprachigen Poetry Slam Szene als die Königsdisziplin.
Zwei (oder mehr) Slam Poet*innen performen hier einen gemeinsamen Text, ergänzen einander und wechseln sich ab.
Das kann theatralischer, interaktiver, lustiger und energetischer sein als alles, was man auf normalen Slambühnen zu sehen bekommt!
Dazu sozialistische Kampfpreise an der Theke und rustikales Barpersonal der alten Schule - quasi ein Kneipenslam ohne Kneipe in Karlshorst.
Was will man mehr am frühen Sonntagabend?
Die deutschsprachigen Meister im Team-Slam von 2021 & 2022, Ortwin Bader-Iskraut und Samson („Wortwin & Slamson“), moderieren die Show.

18:30 Uhr

Eine weit verbreitete Betrugsmasche, bei der Kriminelle ältere Menschen kontaktieren und sich als ihre Enkel oder nahe Verwandte ausgeben. Die Täter täuschen vor dringend finanzielle Unterstützung zu benötigen und betrügen ihre Opfer.

Doch was passiert, wenn der Spieß umgedreht wird?

Ganz nach dem Motto „die Alten schlagen zurück“ gerät die Geschichte zwischen der schlagfertigen Veronica und ihrem zerstreuten Enkel Manfred völlig außer Kontrolle. Als Manfred nach 16 Jahren Kontaktpause seine Großmutter Veronica besucht, erwartet ihn alles, nur nicht das, was folgt. Zunächst teilt ihm die ältere Dame mit, dass sie ihn zum Alleinerben machen möchte, dass jedoch nicht ohne bestimmte Bedingungen.

Was Manfred dann im Keller entdeckt, weckt seinen Fluchtinstinkt blitzschnell. Doch die Haustür ist verschlossen, und sein Handy verschwunden. Und für Veronica ist die Unterhaltung noch lange nicht beendet.

„Der Enkeltrick“ ist eine unterhaltsame, zugleich absurde und vielschichtige Inszenierung, die auf amüsante Weise ein äußerst aktuelles Thema behandelt.


Wir freuen uns auf Ihren Besuch bei uns im Berliner Kriminal Theater.

Einlass: 19:30

im Rahmen von MONO:MONO
Englisch

Kumar Muniandy zeigt eine berührende Solo-Performance über einen queeren Mann, der seinen alternden Vater pflegt und gleichzeitig versucht, die Gewalt seiner Kindheit nicht zu wiederholen. Hin- und hergerissen zwischen Pflicht und Erschöpfung, Liebe und Wut tauchen ungelöste Fragen auf und alltägliche Momente kippen ins Unerwartete: ein Workshop darüber, wie man jemandem an einer dunklen Straßenecke ein Gefühl der Geborgenheit vermitteln kann. Ein Mordplan, der schiefgeht. Ein guter Geist, der sich weigert zu gehorchen. Der plötzliche Trost eines alten Popsongs.

Storytelling Artist Kumar Muniandy entführt uns in ein Leben, das emotional auf dem Spiel steht und nach Erlösung sucht. Doch Fürsorge ist nicht sanft, und Überleben ist nicht sauber. I’M COMING FOR YOU ANYWAY bewegt sich zwischen schwarzem Humor, schonungsloser Ehrlichkeit und unerwarteter Zärtlichkeit; fragt, was es bedeutet, sich zu kümmern, ohne zu verschwinden; wie vererbte Muster uns prägen und ob es möglich ist, Empathie zu wählen, ohne sich selbst zu verlieren: eine einfühlsame Reise voller Bedeutung und Absurdität.

TEXT / PERFORMANCE Kumar Muniandy DRAMATURGIE So Young H. Kim Set BERATUNG BÜHNENBILD Soojin Oh KOPRODUKTION Monologfestival 2025 / TD Berlin

KUMAR MUNIANDY ist ein tamilisch-malaysischer Schauspieler, Autor und Theatermacher, der zwischen London und Berlin lebt. Als Absolvent der Guildhall School of Music & Drama London umfasst sein Werk Theater, Film und Live-Performance, wobei er sich häufig mit Themen wie Identität, Migration und Queerness auseinandersetzt. Er hat in zahlreichen Bühnenproduktionen und Kurzfilmen mitgewirkt. Sein autobiografischer Dokumentarfilm Sunny Boy und sein Debüt-Solo-Stück Second Class Queer wurden zu internationalen Festivals eingeladen.

TRIGGER Suizid / Depression / sexualisierte Gewalt

Konzert & Social Dance (jede:r kann tanzen)

Swing ist die Musik der 30er und 40er Jahre, als Jazz noch Pop, als der Film schwarz-weiß und das Leben bunt war. Und der Savoy Ballroom bleibt das Symbol der Swing-Ära, ein Ort, an dem Menschen zusammen tanzen und feiern konnten - unabhängig ihrer Herkunft.

Seit 2012 sind die Savoy Satellites unterwegs - meist im Quartett oder als All Stars im Oktett. Mit energetischen Rhythmen für Lindy Hop-Liebhaber:innen sorgen sie für gute Laune. Im Theater im Delphi spielen sie als Oktett um die Sängerin Siri Svegler auf und lassen die Songs von Count Basie, Duke Ellington und Benny Goodman wieder lebendig werden. Vor- und Nach-Heizer ist DJ Stephan Wuthe.

Geboten werden Swing vom Feinsten und die ausgiebige Gelegenheit, selbst eine heiße Sohle aufs Parkett zu legen!

Martin Auer (tp)
Fox (cl)
Patrick Braun (ts)
Kenneth Berkel (p)
Fredi Gebhardt (g)
Heiko Grumpelt (b)
Tilman Person (dr)
Siri Svegler (voc)

Einlass: 18:00 Uhr

Angesiedelt in einer nahen Zukunftsdystopie, geprägt von Hyperkapitalismus, Automatisierung und der Konzentration von Macht, entwirft NO FIXED ADDRESS (NFA) eine Welt, in der menschliches Leben darauf ausgerichtet ist, Systeme aufrechtzuerhalten, die ihm längst nicht mehr dienen. Gemeinschaft ist nur noch Infrastruktur. Arbeit ist Zwang. Präsenz wird nur geduldet, solange sie performt.

Fünf Performer*innen bewohnen eine rigide, überwachte Ordnung, hyper-sichtbar und doch ungesehen. Die Arbeit reproduziert keine Bilder von Obdachlosigkeit oder Krieg; sondern abstrahiert deren psychologische Nachwirkungen.

Im Kern untersucht NFA, was geschieht, wenn Anerkennung systematisch entzogen wird. Wenn Gleichgültigkeit strukturell wird. Das Stück erforscht die Erosion von Beziehungen und die Auflösung der onkologischen Verankerung, die langsame Destabilisierung des Selbst, die aus anhaltender sozialer Ausgrenzung entstehen kann. Wiederholt unsichtbar gemacht zu werden ist nicht neutral. Es zerrüttet die Wahrnehmung. Es verändert die Grundbedingungen der Existenz.

Verwurzelt in persönlichen Erfahrungen von Wohnungsunsicherheit und entwickelt durch eine forschungsbasierte Zusammenarbeit mit marginalisierten Communities in Berlin, versteht das Projekt Ausgrenzung als verkörpertes Wissen. NFA fungiert als Warnung: Wenn wir weiterhin Isolation über Solidarität, Effizienz über Fürsorge und technologische Entwicklung über kollektive Verantwortung stellen, welche Arten zu Leben sind dann noch möglich?

Der Theaterraum wird zu einem immersiven sensorischen Feld. Temperaturveränderungen, räumlicher Klang, dichte Bassfrequenzen und skulpturale Interventionen verschieben die Wahrnehmung. In enger Zusammenarbeit mit der Sound- und Multimedia-Künstlerin Daria Redkina entsteht eine elektronische Klangarchitektur, die das Publikum umgibt, physisch präsent, destabilisierend und unausweichlich. Skulpturale Installationen von Natalia Michailidou - rekonstruierte, zerschnittene, neu verschweißte und umgeformte Einkaufswagen - fungieren als Überlebensstrukturen und fragile häusliche Illusionen innerhalb einer kontrollierten Umgebung.

NFA hebt die Distanz zwischen Beobachter*in und System auf. Gleichgültigkeit kann einen Menschen genauso auflösen, wie Aufmerksamkeit den Raum zwischen uns neu formen kann. Diese Zukunft ist möglich. Erproben wir sie schon?

Dauer: 50 Minuten

ENGLISCH:
Set in a near-future dystopia shaped by hyper-capitalism, automation, and the consolidation of power, NFA imagines a world where human life is organized around maintaining systems that no longer serve it. Community has eroded into infrastructure. Labor is compulsory. Presence is tolerated only as long as it functions.

Five performers inhabit a rigid, surveilled order, hyper-visible yet unseen. Instead of reproducing images of homelessness or war, the work abstracts their psychological aftermath. Discipline fractures. Synchronization destabilizes. What remains when relational bonds collapse?

At its core, NFA examines what happens when recognition is systematically withdrawn. When indifference becomes structural. The piece explores the erosion of relational bonds and the dissolution of ontological grounding; the slow destabilization of self that can emerge from prolonged social abandonment. To be repeatedly unseen is not neutral. It fractures perception. It alters the basic conditions of being.

Rooted in lived experience of housing precarity and developed through research-based collaboration with marginalized communities in Berlin, the project approaches exclusion as embodied knowledge. NFA functions as a cautionary tale: if we continue to privilege isolation over solidarity, efficiency over care, and technological expansion over collective responsibility, what forms of life remain possible?

The theatre space becomes an immersive sensory field. Temperature shifts, spatial sound, dense sub-frequencies, and sculptural interventions reshape perception. In close collaboration with sound and multimedia artist Daria Redkina, an electronic sonic architecture surrounds the audience, physically present, destabilizing, inescapable. Sculptural installations by Natalia Michailidou, reconstructed shopping carts cut, re-soldered, and reconfigured, operate as survival structures and fragile domestic illusions within a controlled environment.

NFA collapses the distance between observer and system. Indifference can dissolve a person just as much as attention can reconstitute the space between us. This future is possible. Are we already rehearsing it?

Duration: 50 minutes

Regie, Konzept, Dramaturgie, Choreografie: Natalia Maria Michailidou
Musik: Daria Redkina
Bühnenbild: Natalia Maria Michailidou
Lichtdesign: Folgt
Tanz / Performance: Luna Di Gregorio Datamis Esfahani Katerina Markoulidaki Georgina Merkou Adiopi Stamopoulou

CYANKALI
ein Theaterstück über Selbstbestimmung, Verlust und die Körper der Frauen
Entstanden in Kooperation mit der Bundestagsabgeordneten Katalin Gennburg. Eine Stückentwicklung von Anna Stiede in Zusammenarbeit mit Panzerkreuzer Rotkäppchen.
Idee, Recherche & Spiel: Anna Stiede
Regie & konzeptuelle Entwicklung: Susann Neuenfeldt
Musik: Hans Narva, Al Titzki
Mit CYANKALI kehrt Friedrich Wolfs Drama von 1929 auf Marzahner Bühnen zurück – wild, präzise, zeitlos. Das Stück zieht eine dringliche Linie von den Kämpfen arbeitender Frauen in der Weimarer Republik bis in unsere Gegenwart. Es beleuchtet, wie das Recht auf Schwangerschaftsabbruch und die Fortschrift politischer Verhältnisse spiegelt.
Im Zentrum stehen Erfahrungen von Frauen mit ostdeutscher Biografie – Frauen, die in der DDR unter einer liberaleren Gesetzgebung ein höheres Maß an körperlicher Selbstbestimmung kannten, und die mit dem Ende der DDR ein Recht verloren, das für sie selbstverständlich war.
CYANKALI bringt Generationen zusammen und braucht Marzahner Stimmen: Es lädt zum Lesen, Erkennen und Erschüttern, zum Fragen, Tanzen, Diskutieren, Fordern und Weiterdenken. Die Inszenierung richtet sich an Erwachsene und Schüler:innen – gleichermaßen – an alle, die verstehen wollen, wie eng persönliche Freiheit und politische Entscheidungen miteinander verknüpft sind.
CYANKALI
Ein Stück Osttheater, das bleibt.

Einlass eine Stunde vor Beginn

Drei Berliner Chöre machen gemeinsam die musikalische Vielfalt unserer Stadt erlebbar. Was sie verbindet, ist die Begeisterung für gemeinsames Singen und Offenheit für neue musikalische Wege.

Mit mitreißender Chormusik aus den Genres Klassik, Gospel und Pop spannen die Sänger*innen einen Bogen von den Anfängen des Berliner Chorverbands bis hin zum heutigen Chorleben. Jeder Chor bringt dabei durch eigene musikalische Akzente die Berliner Stadt- und Chorgeschichte zum Erklingen - von Johann Friedrich Fasch über Kirk Franklin bis David Bowie.

Freuen Sie sich auf ein abwechslungsreiches Konzerterlebnis, das die bunte und dynamische Chorlandschaft Berlins feiert.

Junges Ensemble Berlin - Leitung: Vinzenz Weissenburger
GOSPELCHOR inspired! - Leitung: Rebecca Tjimbawe
SPHEREGROOVE - Leitung: Florentine Faber


Die Ticketpreise setzen sich aus dem normalen Ticketpreis plus Gebühren, die direkt an Reservix abgeführt werden, zusammen. Hier finden sie die genaue Zusammensetzung:

18,00 € Normalpreis Block A,D,E | zzgl. 1,80 € VVK-Gebühr & 1,00 € Servicegebühr
15,00 € Ermäßigungspreis Block A,D,E | zzgl. 1,50 € VVK-Gebühr & 1,00 € Servicegebühr

13,00 € Normalpreis Block B,F,G,H | zzgl. 1,30 € VVK-Gebühr & 1,00 € Servicegebühr
10,00 € Ermäßigungspreis Block B,F,G,H | zzgl. 1,00 € VVK-Gebühr & 1,00 € Servicegebühr

Ermäßigt sind Ehrenamtskarteninhaber:innen, Senior:innen, Schüler- und Student:innen, sowie berlin-Pass-Inhaber:innen.

Preise an der Tageskasse sind höher.

21,00 € Normalpreis Block A,D,E
18,00 € Ermäßigungspreis Block A,D,E

16,00 € Normalpreis Block B,F,G,H
12,00 € Ermäßigungspreis Block B,F,G,H

English version see below

Im Rahmen von…
Performance
Hochzeitssaal
Englisch
Ca. 45 Min.

RAPEFLOWER ist eine verkörperte Geschichte über Vergewaltigung als Zustand und nicht als einmaliges Ereignis. In RAPEFLOWER greift Hana Umeda die Traditionen des klassischen japanischen Jiutamai-Tanzes auf, einer Kunstform aus dem 19. Jahrhundert, die in Japan ausschließlich von Frauen ausgeübt wurde. Für viele von ihnen war der Tanz mit Gewalterfahrungen verbunden. Ausgehend von ihrer persönlichen Geschichte und der Jiutamai-Tradition reflektiert Umeda darüber, ob Tanz oder Theater zu einem Raum der Emanzipation und Heilung werden können.

Konzept, Choreografie, Tanz: Hana Umeda

Eine Produktion von Hana Umeda. Das Projekt wurde von KOMUNA WARSZAWA produziert und im Rahmen des Open Call for Performance 2024 ausgewählt. Die Recherchen für die Performance wurden im Rahmen des SoDA-M.A.-Programms vom HZT Berlin durchgeführt. Diese Arbeit wurde mit finanzieller Unterstützung der Europäischen Union produziert. Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz.
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As part of…
Performance
Hochzeitssaal
English
Approx. 45 Min.

RAPEFLOWER is an investigation conducted within one’s own body and a story about rape understood as a condition, not just a single event. In RAPEFLOWER, Hana Umeda evokes the traditions of the classic Japanese Jiutamai dance, a 19th-century art performed in Japan exclusively by women. For many of them, dance brought the experience of violence. Using her personal history and the jiutamai tradition, Umeda reflects on whether dance or theater can become a space for emancipation and healing.

Concept, choreography, dance: Hana Umeda

A production by Hana Umeda. The project was produced by KOMUNA WARSZAWA, selected as part of the Open Call for Performance 2024. Research for the performance was conducted as part of the SoDA MA program within the framework of HZT Berlin. This work was produced with the financial assistance of the European Union. Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Erleben Sie bekannte und schwungvolle Melodien live bei einem guten Frühstück.

Sie speisen im Varieté der Grünen Bühne bei Löffelmusik von Ilya Ananyin am Flügel.
Der Brunch startet um 11 Uhr, mit Pianomusik und der Buffeteröffnung und Endet ca. 14 Uhr, das Buffet ist die ganze Zeit geöffnet und verfügbar. Neben Brötchen und Aufschnitt gibt es auch weitere Köstlichkeiten, wie Salat, Ei, Suppe, Süßspeisen und mehr und natürlich auch Irischen Köstlichlkeiten.
Kommen Sie in das Schöne Theater „Grüne Bühne – KÜNSTLER HERZ“ und genießen Sie einen unterhaltsamen und entspannten Sonntagmorgen.

Einlass eine Stunde vor Beginn

Aus der Reihe "Berliner Persönlichkeiten"

DIE DIETRICH - EINE SCHÖPFUNGSGESCHICHTE
Von Paul Kaiser

Spiel, Gesang: Alina Gause
Klavier: Jürgen Beyer
Regie, Ausstattung: Alice Asper
Lichtdesign: Markus Bönzli
Kostümbildassistenz: Tatjana Hajdukova, Angelina Dashkevic

PREMIERE / URAUFFÜHRUNG war am Fr, 15.09.2023

Dauer: ca. 1h 35 Min. (inkl. Pause nach ca. 45 Min.)

Nein, keine Dietrich Gala! Der musikalische Theaterabend zeichnet das Phänomen Dietrich nach und zeigt die Beziehung zwischen Ikone und Mensch.
Der Spiegel, essentieller Gegenstand im Leben von Marlene Dietrich, ist präsent. Doch wen zeigt er, wenn Darstellerin Alina Gause hineinblickt? Die Diva, die Hollywood- und Stilikone der 30er Jahre oder vielmehr eine starke Frau von heute, eine Frau mit klaren Überzeugungen und der Bereitschaft, diese um jeden Preis zu verteidigen?

Die Dietrich – Frau und Künstlerin – ist Triebkraft für unser Stück, Ausgangspunkt und roter Faden.
Sie ist anwesend auf der Bühne: in ihrem Wesenskern, unabhängig von ihrer Zeit; mehr mit ihrer Kraft als ihrer Lebensgeschichte. So nähern wir uns einer faszinierenden Persönlichkeit, deren Haltung gerade im Hier und Jetzt wegweisend sein kann.

Aufführungsrechte: DREI MASKEN VERLAG GmbH München

Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn