Rotkäppchen kommt vom Wege ab und begegnet dem Wolf. Er plant listig, die Großmutter und das Rotkäppchen zu fressen...- es gelingt ihm, doch am Ende werden die beiden vom tatkräftigen Jäger befreit.

Es spielen Willi Schellenberg, Acelya Han, Heidi Jahn

Einlass u. Kassenöffnung eine halbe Std. vor Vorstellungsbeginn

Jeden Morgen gehen sie zur Arbeit. Das Gehen selbst ist Arbeit. Sie alle gehen – irgendwohin: in Nairobi zum Matatu (Sammeltaxi), in Berlin zur U-Bahn-Station. Es sind Ströme von Menschen, dichte Bewegungen, die sich Tag für Tag ihren Weg durch den Dschungel der Stadt bahnen.

Viele versuchen, das Gehen zu vermeiden, verlegen ihren Arbeitsplatz näher an den Wohnort oder schaffen sich neue Arbeitsformen, um den täglichen Weg zu verkürzen oder zu umgehen.

Die kenianisch-deutsche Tanzproduktion Jua Kali von Jared Onyango und Lea Pischke untersucht die alltäglichen Wege von Menschen in Nairobi und Berlin. Sie fragt, wie politische und urbane Bedingungen eine so grundlegende menschliche Bewegung prägen und verändern können.

In Jua Kali wird Fortbewegung zum universellen Motiv – als Spannungsfeld zwischen Gemeinsamkeit und Einsamkeit inmitten der Masse.

Dauer: 45 Minuten

ENGLISCH:
Every morning, they go to work. Walking itself is work. They all walk—some-where: in Nairobi to the matatu bus (shared minibus taxi), in Berlin to the subway station. Streams of people, dense flows of movement, carving their way through the urban jungle day after day.

Many try to avoid walking altogether, relocating their workplaces closer to home or creating new working arrangements in order to shorten or escape the daily commute.

The Kenyan-German dance production Jua Kali by Jared Onyango and Lea Pischke explores the everyday journeys of people in Nairobi and Berlin. It asks how political and urban conditions shape and transform such a fundamental human movement.

In Jua Kali, locomotion becomes a universal motif—caught between togetherness and solitude within the crowd.

Duration: 45 mins

Choreografie: Jared Onyango, Lea Pischke
Tanz: Jack Bryton, David Pallant, Lea Pischke, Antonio Carta (Mali)
Sounddesign: Lea Pischke, Ron Bracht
Lichtdesign: Reinier Martínez Badilla
Kostüme: Alice Fassina
Schneiderei: N.N.

Jared Onyango ist ein Künstler aus Nairobi, Kenia, der an der Schnittstelle von Choreografie, Schreiben, Fotografie und Klang arbeitet. Er studierte zwischen 2010 und 2019 an der P.A.R.T.S in Brüssel, Belgien, sowie an der École des Sables in Toubab Dialaw, Senegal. Er ist Preisträger des Prince Claus Mentorship Award (2022) und Fellow der Pina Bausch Foundation (2016) für Tanz und Choreografie. Seine aktuelle künstlerische Forschung beschäftigt sich damit, wie von kolonialen Strukturen geprägte gebaute Umgebungen Bewegung und menschliches Verhalten beeinflussen.

Lea Pischke ist in den Bildenden Künsten, experimenteller Musik, Tanz und Choreografie ausgebildet und arbeitet an der Schnittstelle von somatischer Praxis, Bewegungsästhetik und der Politik des Raums. Als Performerin und Choreografin ist sie international tätig und tourt weltweit. Ihr aktueller Film MmOTHERS, eine Zusammenarbeit mit dem russisch-französischen Komponisten Evgenii Lebedev, wurde 2025 bei Radio France präsentiert. Sie ist Mitglied des Mobile Ensemble und Autorin im STREAM-Kollektiv.

Eine Veranstaltung im Rahmen der KUYUM Tanzplattform 2026, gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt.

GASTSPIEL

MAMA SINGT SCHON WIEDER!
Ein musikalischer Theaterabend über die Kunst, alles zugleich zu sein

Mit: Katharina Löwe (Spiel, Gesang), Matthias Kleinert (Spiel, Gesang)
Am Klavier: Insa Bernds / Sooki Choi (alternierend am Klavier)
Konzept, Idee: Katharina Löwe
Text und Dramaturgie: Robert von Wroblewsky
Regie: Sebastian Tylle

GASTSPIEL-Premiere am Samstag, 19.09.2026, 19:30 Uhr, THEATER IM PALAIS Berlin
Weitere Termine: Sonntag, 20.09.2026, 16:00 Uhr

Dauer:

Was bedeutet es, gleichzeitig Künstlerin und Mutter zu sein?
Sängerin und Schauspielerin Katharina Löwe erzählt in diesem unterhaltsamen Musiktheaterabend von einem Alltag zwischen Probenplan und Kinderzimmer, künstlerischem Anspruch und familiärer Fürsorge.
Dabei treffen Oper, Operette und Chanson aufeinander. Die Musik kommentiert, bricht und verdichtet die Erfahrungen einer Frau im Spannungsfeld zwischen Mutterschaft und der Laufbahn als Sängerin – einer Laufbahn, die ohnehin die eine oder andere Herausforderung mit sich bringt.

Ein musikalischer Theaterabend über das Aushalten von Widersprüchen und über die Kunst, darin eine eigene Stimme zu finden.

Fotocredit: © Robert von Wroblewsky

Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

von Yatri Niehaus

(in Deutsch mit englischen ÜT)

– Bitte beachten Sie, dass während der Vorstellungen Stroboskoplicht verwendet wird!


Weil ich hier aufgewachsen bin, träume ich. Wessen Traum?

Nur weil man in dieser Ordnung aufgewachsen ist, heißt es ja nicht, dass man sich in ihr wohlfühlt, dass man sie mitträgt. Oder? Nur weil man die Gesellschaft im eigenen Körper hat, heißt es ja nicht, dass man dieselben Träume träumt. Oder?

Der afrodeutsche Protagonist von Abdruckkörper navigiert seinen Körper mit und gegen die vorgegebene Richtung. Denn die Richtung ist markiert. Die deutsche Gesellschaft ist ein Labyrinth: Wände produzieren Sichtbarkeit und Ausschlüsse, von Anderen ausgetretene Wege bilden Beziehungsnetze und Kapitalklumpen. Whiteness ist der gesellschaftlichen Anlage eingeschrieben. Der Protagonist, das Ich, schlingert.

Der eigene Körper ist der Einsatz auf der Bahn nach oben. Es geht nach oben, oder? Er wird auf der Bahn bewegt, nicht freiwillig, nicht immer bewusst; er verfolgt die Bahn und spürt gleichzeitig die Fliehkräfte, das Risiko des Ausbrechens. Der eigene Körper ist der Einsatz, schließlich ist er formbar, von innen, von außen. Und die Gesellschaft, ist sie formbar? Mit welchem Einsatz?

Abdruckkörper ist das Theaterdebüt des Filmregisseurs Yatri Niehaus. Die dramatische Textvorlage entstand im Rahmen der Schreibwerkstatt Unconventional Signs am Ballhaus Naunynstraße in der Spielzeit 2020/21. Die Uraufführung dieses Textes markiert eine einzigartige Kontinuität: Nach Schwarz Tragen (Elizabeth Blonzen, 2013), Mais in Deutschland und anderen Galaxien (Olivia Wenzel, 2015), Jung, giftig und Schwarz (Amina Eisner und Thandi Sebe, 2015), Walking Large (Toks Körner, 2017), Call me Queen (Thandi Sebe, 2017), Aesthetics of Color (Toks Körner, 2019), Courageux! Furchtlos! (Amina Eisner und Atif Mohammed Nor Hussein, 2021) ist es das achte im Haus entstandene und zur Aufführung gebrachte afrodeutsche Drama.


Foto: Yoel Diaz

Kein Nacheinlass

Haben Sie schon mal gesehen wie die Realität auf den Kopf gestellt wird? Nein?

Dann wird es Zeit für einen Besuch in Ben Blu’s Illusionstheater! Kommen Sie mit Ihrer Familie vorbei und lassen Sie sich in die Welt der Magie entführen. Kinder ab 4 Jahren beobachten mit staunenden Augen und offenen Mündern wie sich Gegenstände verwandeln oder schweben. Auch die Erwachsenen staunen und lachen, wenn Ben das Publikum verzaubert.

Ben Blu’s einzigartiges Illusionstheatater hat sich auf die Zauberkunst spezialisiert. In einem intimen Rahmen erleben Sie und Ihre Familie eine interaktive und unterhaltsame Show. Teilweise entstehen Effekte mitten im Publikum. Egal, ob Sie in Berlin wohnen oder zu Besuch in der Stadt sind: Diese Show wird sie begeistern! Einige Kunststücke gibt es weltweit nur hier zu sehen.

Der Sympathische Zauberkünstler Ben Blu führt Sie und die anderen Gäste ca. 60 Minuten lang ohne Pause durchs Programm. Dieses passt er dem jeweiligen Publikum leicht an, zum Beispiel in Bezug auf die Altersgruppen.

Einlass 30 min vor der Show

A science fiction drag ritual and an experimental invocation for a constant distribution of desires based on visions and fantasies Shlomi Moto Wagner has experienced since he was three years old.

It explores transformations, mutations and remanifestations of the idea of being, the sensuality of being a body, the politics of having a body and the poetics of sharing a bodily experience.

This solo music theater piece is a mythological and poetic reading of current pop culture and its academic discourse. The music of ancient Jewish texts and invocations together with visionary tunes of composer Hildegard von Bingen from the 12th century is newly arranged with pop hits, techno compositions and contemporary feminist texts. All of this makes the opera performance a ritual of transformation.

These four performances mark the tenth anniversary of this solo.

Foyer opens at 7pm

Was trägt der Körper, wenn Worte fehlen?

The Net We Carry – Wavu Tuliobeba ist eine kraftvolle multidisziplinäre Tanzperformance über Erinnerung, Verlust und das, was in uns weiterlebt. Zwischen Bewegung, Atem und Stille tauchen Erfahrungen auf, die nie ganz verschwunden sind – Spuren von Freude, Wunden und unausgesprochenem Schmerz.

Was nicht gehalten oder losgelassen werden kann, kehrt zurück: als Schrei, als Wut, als Echo im Körper.

Auf der Bühne entfaltet sich ein dichtes Geflecht aus Tanz, Stimmen, Text, Farbe und Musik. Ein großes Netz schwebt über den Performern – als Bild für das, was uns verbindet und zugleich belastet. Ihre Körper erzählen Geschichten, für die es keine Worte gibt, und machen Erinnerung als etwas Gemeinsames, Lebendiges und zutiefst Physisches erfahrbar.

Eine eindringliche Einladung, sich den unsichtbaren Lasten zu stellen, die wir tragen – individuell und kollektiv.

Dauer: 50 Minuten

ENGLISCH:
What does the body carry when words fail?

This powerful multidisciplinary dance performance explores memory, loss and the things that continue to live within us. Through movement, breath and stillness, experiences that have never fully disappeared emerge — traces of joy, wounds and unspoken pain.

That which cannot be held or released returns, manifesting as a scream, anger or an echo in the body.

On stage, a dense web is woven through dance, voice, text, colour and music. A large net hovers above the performers — an image of what connects us and weighs upon us simultaneously. Their bodies tell stories that words cannot capture, making memory tangible as something shared, alive and deeply physical.

This is an urgent invitation to confront the invisible burdens we carry, both individually and collectively.

Duration: 50 mins

Konzept, Choreografie, Performance: Tadhi Alawi, Samwel Japhet
Musikkomposition: Shabani Mugado
Kostümdesign: Esama Afro Culture
Produktion: Nantea Dance Company

Tadhi Alawi ist ein tansanischer Künstler, Choreograf und Leiter der Nantea Dance Company. Seine visuell starken Werke thematisieren das tansanische Gesellschaftsleben und die Kolonialgeschichte. Als Kurator leitet er Plattformen wie Kiota cha Dansi (A Nest of Dance) und kooperierte 2024 mit dem Goethe-Institut für das Haba na Haba International Dance Festival. Alawi, der 2022 ein internationales Förderstipendium von artlink.ch erhielt, ist zudem als Filmemacher aktiv; seine Tanzfilme liefen bereits bei BBC News.

Samwel Japhet ist ein tansanischer Tanzkünstler, Choreograf und Mitbegründer der Nantea Dance Company. Nach einer von Obdachlosigkeit und Missbrauch geprägten Kindheit nutzt er den Körper, um soziale und politische Realitäten zu reflektieren. 2021 erhielt er den niederländischen Prince Claus Seed Award. Von 2021 bis 2022 leitete er zudem UMOJA, ein künstlerisches Austauschprogramm zwischen Ostafrika und Europa.

Eine Veranstaltung im Rahmen der KUYUM Tanzplattform 2026, gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt. Mit freundlicher Unterstützung der internationalen Künstlerresidenz Frankfurt Moves!, einem Stipendienprogramm der KfW Stiftung in Kooperation mit dem Frankfurt LAB.

Ist Euch wirklich ganz wohl, Deutschland? Nicolas Sidiropulos und Mark Tumba untersuchen Schillers Erstlingswerk aus einer postmigrantischen Perspektive.

Mit der Uraufführung von „Die Räuber“, in der er die Selbstzerstörung einer Familie thematisiert, sorgte Schiller im Jahr 1782 für Furore. Ein Zeitzeuge berichtete: „Das Theater glich einem Irrenhaus, rollende Augen, geballte Fäuste, heisere Aufschreie im Zuschauerraum. Fremde Menschen fielen einander schluchzend in die Arme.“ Schiller wurde mit Festungshaft bedroht und musste fliehen.

Ein Vierteljahrtausend später erzählen zwei Schauspieler vor dem Hintergrund ihrer eigenen Familienbiografien diese Geschichte über Geborgenheit, Liebe, Egoismus, Freiheit neu – eine Erzählung aus Deutschland, als es Deutschland noch nicht gab. Wieviel Sprengkraft steckt heute in diesem einst explosiven Stoff? Wie hat sich unsere Welt seit dem Entstehungsdatum der Räuber verändert? Was verändert sich, wenn aus dem Nachnamen „von Moor“ zu „von Deutsch-land“ verändert? Ist eine Figur wie Amalia heute noch spielbar und wenn ja, auch von zwei Männern?

„Was einem aber zu Schillers Räubern alles einfallen kann, zeigen Tumba und Sidiropulos mit einer Mischung aus Energie und großer Zartheit, die zum Geist des von ihnen fast völlig überschriebenen Stücks sehr gut passt.“ Stefan Michalzik- Frankfurter Allgemeine Zeitung

„An Selbstironie – wie die ganze Unternehmung nicht unsympathisch – mangelt es nicht.“ – Frankfurter Rundschau

„…sehr versiert: höchst inspiriertes Handwerk.“ - Frankfurter Neue Presse

VON & MIT Nicolas Sidiropulos / Mark Tumba URAUFFÜHRUNG Spielraumprojekt der Studierenden des Studiengang Schauspiel der HMTM Hannover (2019) WEITERENTWICKLUNG Schauspiel Frankfurt (2025)

MARK TUMBA wurde 1995 auf Sansibar geboren und zog 1999 nach Hagen in Westfalen. Nach ersten Auftritten auf der Jungen Bühne des Stadttheaters Hagen und am Theater Rottstraße 5 in Bochum studierte er Schauspiel an der HMTM Hannover. Seit der Spielzeit 2021/22 ist er Ensemblemitglied am Schauspiel Frankfurt, wo er mit Regisseur*innen wie Claudia Bauer, Nuran David Calis, Christina Tscharyiski zusammenarbeitete.

NICOLAS SIDIROPULOS, geboren 1998 in Brüssel und Sohn griechischer Einwanderer, studierte Schauspiel an der HMTM Hannover und am Conservatoire national supérieur d’art dramatique Paris. Er ist als Liedermacher und Regisseur eigener Kurz- und Langfilme aktiv. Von 2021 bis 2023 war er Teil des Ensembles am Theater an der Parkaue. Ihn begleiten enge Zusammenarbeiten mit Ikkimel, Heiner Müller und Friedrich Schiller. Aktuell arbeitet er in Kassel am Theater.

Als Lohn für sieben Jahre dienen erhält Hans vom Meister einen großen Klumpen Gold. Für Hans heißt es nun: Hinaus in die Welt, hinaus ins Leben, hinaus in die Freiheit. Auf seinem Weg macht Hans viele Tauschgeschäfte: Den Klumpen Gold tauscht er gegen ein Pferd ein, das gegen eine Kuh, die gegen ein Schwein, das gegen eine Gans und die gegen einen Schleifstein, den er aber in einen Brunnen fallen lässt, bis er am Ende nichts mehr hat und begreift: Freiheit ist das höchste Glück.

Es spielen: Willi Schellenberg, Tom O'Sullivan

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

Ein Cocktail der guten Laune mit vielen beliebten Schlagern
CINDY BERGER
(ehemals Cindy & Bert) präsentiert neue, aber auch Erfolgstitel aus den 70igerJahren, und zwar aus der Zeit der ZDF Hitparade, wie z.B.
"Immer wieder Sonntags..." oder "Spaniens Gitarren erklingen .. "
KLAUS BERGER
begeistert Sie mit internationalen Titeln, aber auch mit seinen eigenen Kompositionen. Seine zweite Leidenschaft gehört dem Country, mit Titeln,
welche den Schlagercocktail bereichern werden.
Wir wünschen Ihnen gute Unterhaltung!

Einlass ab 15.00 Uhr

Was trägt der Körper, wenn er den Ozean durchmisst?
Welche Strömungen hat er gesehen?
Welche Stürme überlebt?

In Between the Oceans begegnen sich Tiffani Achilleas und Raphael Moussa Hillebrand auf einem Terrain, das so persönlich wie politisch ist. Ihre Schritte tragen die Rhythmen von Salvador da Bahia, die Tiefen von Benin und Mali, die Resonanzen aus Sri Lanka. Was entsteht, ist kein bloßes Stück, sondern ein getanztes Zwiegespräch – über Solidarität, Gemeinschaft und die Frage, wer für wen einsteht, wenn die Brandung steigt.

Der Körper vergisst nicht. Er ist ein Archiv aus Bewegung.

Tiffani Achilleas verbindet zeitgenössische, urbane und traditionelle Tanzformen mit Fragen von sozialer Gerechtigkeit. Raphael Moussa Hillebrand bringt jahrzehntelange Arbeit an den Schnittstellen von Hip-Hop, urbaner Choreographie und dekolonialem Denken ein. Gemeinsam fragen sie: Wie wird Erinnerung zu Fleisch? Wie wird Wissen zum Körperwissen?

Hier wird Theorie flüssig. Dekolonisierung, Intersektionalität und Panafrikanismus verlassen die Lehrbücher. Sie werden zu Muskeltonus, zu Schweiß, zu Klang. Ein radikales Einstehen füreinander – greifbar im gemeinsamen Atem, unzähmbar in der Bewegung.

ENGLISCH:
What does the body carry as it traverses the ocean?
What currents has it witnessed?
What storms has it survived?

In Between the Oceans, Tiffani Achilleas and Raphael Moussa Hillebrand meet on terrain that is as deeply personal as it is political. Their steps carry the rhythms of Salvador da Bahia, the depths of Benin and Mali, and the resonances of Sri Lanka. What emerges is not merely a piece, but a danced dialogue—delving into solidarity, community, and the question of who stands up for whom when the tide rises.

The body does not forget. It is an archive of movement.

Tiffani Achilleas blends contemporary, urban, and traditional dance forms with questions of social justice. Raphael Moussa Hillebrand brings decades of work at the intersections of Hip-Hop, urban choreography, and decolonial thought. Together, they ask: How does memory become flesh? How does knowledge transform into bodily wisdom?

Here, theory becomes fluid. Decolonization, intersectionality, and Pan-Africanism leave the pages of textbooks behind. They transform into muscle tone, sweat, and sound. A radical standing up for one another—tangible in collective breath, untamable in movement.


Konzept, Choreografie, Performance: Tiffani Achilleas, Raphael Moussa Hillebrand
Dramaturgie: Nora Amin
Audiodeskription: Emmilou Roessling
Co-Autorin: Silja Korn

Tiffani Achilleas ist Tänzerin, Choreografin und Schauspielerin. Sie war unter anderem bei den Berliner Festspielen, dem Dekoloniale Festival sowie am HAU Hebbel am Ufer zu sehen und arbeitet regelmäßig am Ballhaus Naunynstraße. Als Choreografin und Tänzerin wirkte sie an internationalen Filmproduktionen mit, darunter Die Tribute von Panem. In ihrer künstlerischen Praxis verbindet sie zeitgenössische, urbane und traditionelle Tanzformen und setzt sich mit Identität, sozialer Gerechtigkeit und diasporischen Perspektiven auseinander.

Raphael Moussa Hillebrand ist Choreograf, Tänzer, Regisseur, Kurator und Aktivist. Geprägt von den kulturellen Einflüssen Deutschlands und Malis entwickelt er künstlerische Arbeiten an der Schnittstelle von Hip-Hop, Dekolonialisierung und gesellsc haftlichem Wandel. Als Mitbegründer der Hip-Hop-Partei „Die Urbane“ engagiert er sich für kulturelle Vielfalt und Empowerment. 2020 wurde er als erster Vertreter der urbanen Tanzszene mit dem Deutschen Tanzpreis ausgezeichnet.

Eine Veranstaltung im Rahmen der KUYUM Tanzplattform 2026, gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt.

Jigraraki is a concert by Berlin-based trio Elèni Mik, Nafsika Gkotzamani, and Hanik Soleimani. As emerging FLINTA+ artists, they create a space where diverse traditions meet experimental performance. Centered on the voice, Jigraraki draws from Balkan, Eastern Mediterranean, Anatolian, Byzantine, Makam, and Dastgah traditions, treating them as living material to fragment and reimagine through contemporary composition, storytelling, and politically engaged performance. Their concept of “fake folk music” invents a folklore that feels familiar yet never existed, using fictional rituals and multilingual lyrics to question authenticity, ownership, and identity. Rejecting both pop aesthetics and strict preservation, they approach musical systems as open vocabularies for transformation and dialogue. Inspired by the Meykhane, they create inclusive, participatory performances that challenge its historically exclusionary nature. Jigraraki asks what contemporary folk can be beyond pop and tradition, offering a new sonic language rooted in both heritage and invention.

On 18.+19.9. will be shows of Hanik Soleimani and Marianna Wicha’s piece »Zai el Lila«.

GASTSPIEL

MAMA SINGT SCHON WIEDER!
Ein musikalischer Theaterabend über die Kunst, alles zugleich zu sein

Mit: Katharina Löwe (Spiel, Gesang), Matthias Kleinert (Spiel, Gesang)
Am Klavier: Insa Bernds / Sooki Choi (alternierend am Klavier)
Konzept, Idee: Katharina Löwe
Text und Dramaturgie: Robert von Wroblewsky
Regie: Sebastian Tylle

GASTSPIEL-Premiere am Samstag, 19.09.2026, 19:30 Uhr, THEATER IM PALAIS Berlin
Weitere Termine: Sonntag, 20.09.2026, 16:00 Uhr

Dauer:

Was bedeutet es, gleichzeitig Künstlerin und Mutter zu sein?
Sängerin und Schauspielerin Katharina Löwe erzählt in diesem unterhaltsamen Musiktheaterabend von einem Alltag zwischen Probenplan und Kinderzimmer, künstlerischem Anspruch und familiärer Fürsorge.
Dabei treffen Oper, Operette und Chanson aufeinander. Die Musik kommentiert, bricht und verdichtet die Erfahrungen einer Frau im Spannungsfeld zwischen Mutterschaft und der Laufbahn als Sängerin – einer Laufbahn, die ohnehin die eine oder andere Herausforderung mit sich bringt.

Ein musikalischer Theaterabend über das Aushalten von Widersprüchen und über die Kunst, darin eine eigene Stimme zu finden.

Fotocredit: © Robert von Wroblewsky

Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Ein traumhaft schönes Märchen über die wunderschöne Prinzessin, die tief eingeschlafen ist hinter einer Dornenhecke. Viele Prinzen versuchen, sie zu erlösen, aber nur der Prinz, der zur richtigen Zeit kommt, kann die Dornenhecke durchdringen und erlöst Dornröschen.

Es spielt Sina Haarmann

Das Mitspieltheater ist eine besondere Form des Theaterspielens, bei dem eine erfahrene Schauspielerin ein Märchen erzählt und dabei in die verschiedenen Märchencharaktere und Rollen schlüpft.
Die Kinder erleben beim Mitspieltheater die große Kunst des Schauspielens hautnah mit, nämlich den Rollenwechsel – den der Spieler vor ihren Augen auf der Bühne vollzieht. Dabei dürfen sie dem Märchen nicht nur gespannt zuhören, sondern aktiv mitwirken. Sie können ihre Gedanken und Ideen der Schauspielerin auf der Bühne zurufen, die diese Impulse spontan mit in die Geschichte integriert.

A science fiction drag ritual and an experimental invocation for a constant distribution of desires based on visions and fantasies Shlomi Moto Wagner has experienced since he was three years old.

It explores transformations, mutations and remanifestations of the idea of being, the sensuality of being a body, the politics of having a body and the poetics of sharing a bodily experience.

This solo music theater piece is a mythological and poetic reading of current pop culture and its academic discourse. The music of ancient Jewish texts and invocations together with visionary tunes of composer Hildegard von Bingen from the 12th century is newly arranged with pop hits, techno compositions and contemporary feminist texts. All of this makes the opera performance a ritual of transformation.

These four performances mark the tenth anniversary of this solo.

Foyer opens at 7pm

Während der Klimawandel das Eis schwinden lässt – und damit ihre Existenz ebenso bedroht wie unsere – wird der Kaiserpinguin (Aptenodytes forsteri) zu einem Spiegel unserer Gegenwart. In einer der unwirtlichsten Regionen der Erde überleben sie nicht durch Konkurrenz, sondern durch Kooperation: Sie formieren sich zu dichten Gruppen, teilen Wärme in stetiger Bewegung. Keine Hierarchien, keine Reviere – nur Nähe und gegenseitige Abhängigkeit.

Wo menschliche Gesellschaften unter Druck oft auseinanderbrechen, bestehen sie, indem sie zusammenbleiben. Ihr „Huddle“ verkörpert eine Form kollektiver Resilienz, die in unserer individualisierten Welt zunehmend selten erscheint – und wirft die Frage auf: Was haben wir in unserem Streben nach individuellem Erfolg von unserer Fähigkeit verloren, einander zu tragen?

In einem engen Zusammenspiel von Tanz, Live-Musik und Szenografie übersetzt Tous sur la banquise (Alle auf der Eisscholle) dieses Phänomen in eine körperliche Sprache. Körper verdichten sich, verschieben sich, organisieren sich neu – zwischen Mensch und Tier, Struktur und Instinkt.

Eine visuell eindrückliche Arbeit über die Fragilität unserer Existenz – und darüber, wie der menschliche Körper im Miteinander den Herausforderungen unserer Zeit begegnet.

Dauer: 60 Minuten

ENGLISCH:
As climate change thins the ice—threatening both their existence and our own—Emperor penguins (Aptenodytes forsteri) become a mirror to our modern world. In one of the harshest climates on Earth, they survive not through competition, but through cooperation: gathering in dense formations, sharing warmth in continuous movement. No hierarchy, no territory—only proximity and mutual dependence.

Where human societies often fragment under pressure, they endure by staying together. Their huddle embodies a form of collective resilience that feels increasingly rare, prompting a question: in our pursuit of individual gain, what have we lost of our ability to sustain one another?

Through a close interplay of dance, live music, and scenography, Tous sur la banquise (All on the Ice Floe) translates this phenomenon into a physical language. Bodies cluster, shift, and reorganize—hovering between human and animal, structure and instinct. The stage becomes a site of negotiation: of space, of warmth, of survival.

A visually striking work that reflects on the fragility of our existence—and asks how the human body, in relation to others, meets the conditions of our time.

Duration: 60 mins

Konzept: Matthias Dengler
Ko-Konzeption, Choreografie, Performance: Yahi Nestor Gahe
Ko-Konzeption, Produktionsleitung: Lilly Dengler
Performance: Martina Gunkel, Lilly Dengler, Yahi Nestor Gahe
Musik: Hugo Rannou
Kostüm: Johana Gomez
Bühne: Ikheyon Park
Dramaturgie, Texte: Magda Agudelo
Wissenschaftliche Begleitung: Stefan Christmann
In Zusammenarbeit mit dem Bildhauer Thomas Putze
Fotografie; Matthias Dengle
Audiodeskription: Jutta Endes
Co-Autorin Audiodeskription: Silja Korn

Yahi Nestor Gahe ist Choreograf, Tänzer und Tanzpädagoge aus der Elfenbeinküste und lebt in Deutschland. Er studierte an der École Nationale de Théâtre et de Danse in Abidjan, der Universität Straßburg sowie der Off-Theater Akademie Düsseldorf. Gahe unterrichtet an der HMDK Stuttgart und der ADK Ludwigsburg und ist international tätig. Seine Arbeiten verbinden unterschiedliche Tanzsprachen mit gesellschaftsrelevanten Fragestellungen. Zu seinen jüngsten Werken zählen Bloa, InSensitivity (2024), Equi Libre (2023) und L-Movement (2022) – die beiden letzteren wurden bereits erfolgreich bei der KUYUM Tanzplattform gezeigt.

Lilly Dengler ist Tänzerin und Kulturmanagerin, ausgebildet an der Fontys Hochschule Tilburg. Sie arbeitet freischaffend im Theater sowie im öffentlichen Raum und kooperierte unter anderem mit Yahi Nestor Gahe, Grégory Darcy, Katja Erdmann-Rajski und dem Close-Act Theater. Zu ihren eigenen Choreografien, die oft im urbanen Raum entstehen, gehören das Solo unstable (Choreo Stuttgart, 2022) und Über den Rand (2021).

Martina Gunkel ist Performerin und Pädagogin, ausgebildet an der Fontys Hochschule in den Niederlanden. Sie arbeitet in der Freien Szene Stuttgarts, ist Co-Leiterin der Plattform SAAL FREI und unterrichtet Gyrokinesis an der ADK Ludwigsburg. Ihr künstlerischer Fokus liegt auf Improvisation, interdisziplinären Projekten und der Tanzvermittlung.

Hugo Rannou ist ein französischer Cellist, ausgebildet in Freiburg, Stuttgart und Bern. Er ist Gewinner mehrerer internationaler Wettbewerbe (unter anderem des Knopf-Wettbewerbs 2015). Seine Arbeit umfasst zeitgenössische Musik, Alte Musik, Jazz sowie Chanson. Er ist Mitglied mehrerer Ensembles, war Solocellist der Badischen Philharmonie Pforzheim und unterrichtet seit 2018 an der HMDK Stuttgart.

Ikhyeon Park is a South Korean artist and scenographer whose work operates at the intersection of installation, performance, and participatory art. Through his projects, he explores social relationships and societal dynamics while developing collaborative formats for exchange and interaction.

Eine Veranstaltung im Rahmen der KUYUM Tanzplattform 2026, gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt.

Ein musikalisch Spaziergang durch Zilles Berlin
Der Zeichner Heinrich Zille gehört zu Berlin wie die Hundehaufen auf dem Bürgersteig. Auch wenn er schon lange tot ist, kann man sich des Eindrucks nicht erwehren, dass er im Moment gerade in der Kneipe um die Ecke sitzt und uns beobachtet.

Dazu spielt die „Schwofkapelle“ in Gestalt des Pianisten, der gelegentlich mitsingt und mit agiert.Buch, Liedertexte, Inszenierung: Bernd KöllingerMusik: Klaus WüsthoffDiseuse: Susanne von Lonski / Natascha Petz„Orje“: Andreas Goebel / Jörg–Peter MalkeAm Klavier: Christoph Wagner

Nach zwei euphorisch gefeierten Konzerten in der Berliner Volksbühne kehrt Anja Huwe mit Xmal Deutschland noch einmal nach Berlin zurück. Am 20. September 2026 spielt sie eine exklusive Show im Silent Green, präsentiert im Rahmen der Konzertreihe Sonic Morgue
Xmal Deutschland zählen zu den einflussreichsten deutschen Bands der frühen 1980er-Jahre. Mit ihrer einzigartigen Mischung aus Post-Punk, Gothic und avantgardistischer Strenge prägten sie den internationalen Underground nachhaltig. Alben wie „Fetisch“ (1983) und „Tocsin“ (1984) erschienen auf dem legendären Label 4AD und machten die Band weit über Deutschland hinaus bekannt. Zentraler Fixpunkt war stets Anja Huwes markante Stimme – kühl, eindringlich und bis heute unverwechselbar.
Nach Jahrzehnten der Stille erlebte das Werk von Xmal Deutschland in den letzten Jahren eine bemerkenswerte Renaissance. Umfangreiche Reissues, darunter die vielbeachtete Box „Gift: The 4AD Years“, sowie Anja Huwes künstlerisches Comeback rückten die Band erneut ins internationale Rampenlicht. Mit ihrem 2024 veröffentlichten Soloalbum „CODES“ schlug Huwe eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart und bewies eindrucksvoll, wie zeitlos ihre Ästhetik geblieben ist.
Die jüngsten Berliner Konzerte in der Volksbühne bestätigten diese Relevanz eindrucksvoll: atmosphärisch dicht, emotional intensiv. Keine nostalgische Rückschau, sondern ein konzentriertes, zeitgemäßes Live-Erlebnis: klassische Stücke von Xmal Deutschland in neuem Kontext, verbunden mit Anja Huwes aktueller künstlerischer Arbeit und einer starken visuellen

Einlass: 19.00 Uhr