Täglicher Loop
absurde Koch- und Kleidungsrituale
Erinnerungs-Monologe
Routinen, die kippen
Eine Küche ohne Boden
düstere Angst
Hoffnung.

50 Prozent aller Geflüchteten weltweit sind weiblich! Die Performance basiert auf realen Stimmen von weiblichen Geflüchteten. Sie wurden 2018 über acht Monate von drei Schauspielerinnen der Compagnie in ihrer Unterkunft besucht. Sie gaben die Zustimmung zur Dramatisierung ihrer Geschichten. Daraus bildet sich ein Gerüst, inspiriert vom Text von Beckett. Ulrike Düregger, künstlerische Leiterin, hat daraus einen eigenständigen Text entworfen, der diese weiblichen Perspektiven ins Zentrum rückt und somit sichtbar macht. 2026, 10 Jahre nach dem "Fluchtsommer", erfolgt eine Bestandsaufnahme. Was passiert, wenn das Leben weitergehen soll – aber niemand „Go“ sagt? Eine Sprache dir nie gehört? Dies beleuchtet die Inszenierung, ein dichter, körperlicher Abend, gendersensibel mit den Performerinnen Mira Sanjana Sharma, Andrea Magogi Förster und Ulrike Düregger. Zwischen Herkunft und Zukunft werden Gewaltstationen entlang weiblicher Fluchtrouten spürbar.

Dauer:
70 min + 30 min Q&A nach jeder Vorstellung

ENGLISCH:
Daily Loop
absurd cooking and dressing rituals
monologues of memory
routines that unravel
A kitchen without a floor
gloomy fear
hope.

50 percent of all refugees worldwide are women! The performance is based on real voices of female refugees. Over the course of eight months in 2018, three actresses from the company visited them at their accommodations. They gave their consent to the dramatization of their stories. This forms a framework inspired by Beckett’s text. Ulrike Düregger, the artistic director, has developed an original text that brings these female perspectives to the forefront, thereby making them visible. In 2026, 10 years after the “summer of flight,” a stock-taking takes place. What happens when life is supposed to go on—but no one says “Go”? What if a language never belongs to you? These are questions explored in this production—a dense, physical performance that is gender-sensitive, featuring the performers Mira Sanjana Sharma, Andrea Magogi Förster, and Ulrike Düregger. Between origin and future, instances of violence along women’s flight routes become palpable.

Duration:
70 mins + 30 mins Q&A after every performance

Performers: Mira Sanjana Sharma, Andrea Magogi Förster und Ulrike Düregger
Art direction: Ulrike Düregger
Project assistant: Kalsoumy Balde

Gefördert durch Engagement Global mit Mitteln des Bundesministeriums für wirtschaftliche Zusammenarbeit und Entwicklung (BMZ) und der Landesstelle für Entwicklungszusammenarbeit Berlin (LEZ).

Auf Englisch mit deutschen ÜT

„Sie war so attraktiv! Viele fühlten sich unausweichlich zu ihr hingezogen, manchmal zu ihrem Untergang, manchmal zu ihrer eigenen Befreiung.“

Sie kamen aus Neugier, denn die Stadt war ein Versprechen. Einige suchten hier Zuflucht vor der Gewalt patriarchaler Gesellschaften, denn Berlin versprach ihnen Freiheit, die Möglichkeit des freien Selbstentwurfs. Oder schufen die, die da kamen, dieses vielversprechende Berlin?

In Amigues Adios von Bishop Black begeben sich fünf Performer*innen auf die Suche nach denen, die das queere Berlin über Jahre mitprägten und zum Ort für ein Leben jenseits der konservativen Grenzen von sexual identity und racial identity machten. Für diejenigen, die damals kamen, war Berlin eine Art Hafen. Hier konnten sie an Land gehen, weil die Mieten günstig waren und das Woher weniger eine Rolle spielte als das Hier und Jetzt. Beim Gang über den Landungssteg konnte jede*r sich ein neues Ich erfinden, und niemand wusste, welcher Schmerz in der Vergangenheit lag. Hier konnte man überkommene Rollen abstreifen und neue Formen des Zusammenlebens aushandeln. Widerstände gab es; Prekarität war Teil der Freiheit; einige brachen unter Gewalt und Kälte zusammen. Aber für einen Moment in der Geschichte – so unerwartet und unwahrscheinlich angesichts der deutschen Vergangenheiten – machten sie Berlin zur offenen Stadt.
Doch die Angst nimmt wieder zu. Und so verneigen sich die Protagonist*innen von Amigues Adios vor den Schwarzen queeren Berliner*innen, die damals den Mut hatten, die Stadt zu einem Versprechen zu machen. Sie würdigen sie, um in diesem surrealen und burlesken Tanz durch die Zeiten die Kraft zu finden, weiterzumachen. Sie feiern, um den Geschmack von Angstfreiheit und Selbstbestimmung wieder auf der Zunge zu spüren.

Amigues Adios ist Bishop Blacks vierte Arbeit am Ballhaus Naunynstraße nach der Soloperformance Becoming My Body (2019), Re-Searching Joy (2022) im Rahmen der akademie der autodidakten und their Regiedebüt Flight of the Canaries (2023).


Foto: Zé de Paiva

Kein Nacheinlass

Derzeit keine Tickets mehr verfügbar

Vier Jahre nach „Wir rufen dich, Galaktika“ veröffentlicht DOTA mit „Springbrunnen“ ein neues Album mit eigenen deutschen Texten

Dota ist wieder da, mit neuen Songs, ein neues Kapitel, das sich perfekt in die Reihe ihrer bisherigen Alben einreiht, aber eben doch neu, als wäre eine bisher unbekannte Zutat im Songlabor aufgetaucht.
Schön ist: Es könnte genauso die erste DOTA-Platte ever sein. Man vermisst nichts, was man an Dota mag, aber die Musik ist noch minimalistischer, hüpfiger – die Erwachsenen würden sagen: kontrastreicher. Die Texte gehen noch direkter ins Herz der Finsternis, sind noch hingebungsvoller suchend, auch im Unklaren noch klarer. Vielleicht ist es auch ein Produkt ihrer Beschäftigung mit der Lyrik Mascha Kalékos, deren musikalischer Umsetzung sie in den letzten drei Jahren zwei Alben gewidmet hat.

DOTA – nicht umsonst in Großbuchstaben, weil der Name mehr als das lyrische Ich von Dota Kehr abbildet, sondern auch die Community um sie herum, in der schon seit einigen Jahren die Musik entsteht: Gitarrist Jan Rohrbach, Schlagzeuger Janis Görlich, Keyboarder Patrick Reising und Bassist Alexander Binder. Gemeinsam mit dieser Band arrangiert Dota Kehr die Songs und nimmt sie auf. Gemeinsam schreiben sie die DOTA-Formel an die Tafel: Jedes Wort bedeutet mindestens auch sein Gegenteil, überall Frage-, kaum Ausrufezeichen.

Die erste Single Einfach zu abgelenkt spielt das DOTA-Spiel in Perfektion. Die Gitarre sitzt im Sommer am See, der Synthie flimmert. Das Schlagzeug tanzt Stop-and-Go, Dota singt, als müsste sie gleich weg – darüber, dass sie sich nicht committen kann und auch sonst niemand. Also ADHS als Gesellschaftsdiagnose.

In Kettenkarussell, einem dieser Songs, wie sie nur DOTA hinkriegt – entspannt und angespannt zugleich, wie ein nachdenklicher Flummi –, singt sie: „Zeit, sich um was anderes zu drehen / Ist schon recht, ich kann Alltag nicht ausstehen.“ Und dazu groovt die Band, treibt die Sängerin, als wollte sie sagen: „Eine Runde noch.“

Frage: Worüber sollen Songwriter*innen in diesen Zeiten singen?
Nächste Frage: Was sind überhaupt „diese Zeiten“?
Dota hat sich diese Fragen auch in Vorbereitung auf ihr neues Album gestellt. Die Antworten liegen auf ihrem Weg wie Schilder auf der Straße, sobald sie ernsthaft zu arbeiten beginnt.
Es brauchte schon immer nur wache Augen, eine Stimme, die die eigene ist, und ein Herz, in das mehr als die eigene Altersvorsorge reinpasst. Dota weiß, wer sie ist, und sieht die Dinge, die sie mit der Welt, in der sie lebt, verbinden und von ihr trennen. Dinge, die ihr Hoffnung geben und die sie abstoßen – denen sie in ihren Songs mit Ehrlichkeit (Das wogende Meer) oder beißender Ironie (Milliardäre) begegnet.

Text: Francesco Wilking

Foto: Annika Weinthal

Einlass: 19:00 Uhr

Hier keine Tickets verfügbar

Jeder kennt sie: die Müdigkeit in der Beziehung. Wenn man nach zehn Jahren ratlos in das Gesicht des Partners schaut und sich klar wird: „Vor der Ehe wollte ich ewig leben“. Fast jeder hatte mal so seine Träume von einem glücklichen und erfüllten Dasein. Und was ist davon übrig? Mit 25 heiratet man den Menschen, der einem den Verstand wegbu… - und mit 50 stellt man fest: Es ist ihm gelungen.

Aber ist die Ehe trotz hoher Scheidungsraten wirklich überholt? Sind Single-Leben, Abendabschlussgefährten und Fremdgehportale im Netz eine tragfähige Alternative?
Kann man das alte Institut der Ehe nicht modernisieren? Für Männer ist es heute z.B. nicht wichtig, dass eine Frau kochen kann, sondern dass sie keinen guten Anwalt kennt. Der Mann weiß inzwischen ohnehin: Wer oben liegt, muss spülen. Wichtig ist heute nur noch, dass die Beziehung ausgeglichen ist:
Einer hat recht, der andere ist der Ehemann.

Ein alter Esel, ein müder Hund, eine verbitterte Katze und ein zäher Hahn leisten für den Menschen nicht mehr genug und werden von ihren Herren fortgejagt. Aber die verjagten Tiere treffen sich rein zufällig und beschließen, zusammen zu bleiben. Ihr Wahlspruch lautet: "Was besseres als den Tod finden wir überall". Sie fassen einen Plan und wollen Stadtmusikanten in Bremen werden. Aber es kommt alles anders als geplant, und nachdem sie sehr geschickt die Räuber aus einem Waldhaus vertrieben haben, ziehen sie selbst dort ein. Als ein Räuber zurückkehrt, um die Lage zu erforschen, verpassen die Tiere dem Räuber in genialer Zusammenarbeit einen ordentlichen Denkzettel und keiner der Räuber traut sich jemals mehr zurück. Die Tiere aber leben nun in froher Eintracht und singen für ihr Leben gern.

Das Mitspieltheater ist eine besondere Form des Theaterspielens, bei dem eine erfahrene Schauspielerin ein Märchen erzählt und dabei in die verschiedenen Märchencharaktere und Rollen schlüpft.
Die Kinder erleben beim Mitspieltheater die große Kunst des Schauspielens hautnah mit, nämlich den Rollenwechsel – den der Spieler vor ihren Augen auf der Bühne vollzieht. Dabei dürfen sie dem Märchen nicht nur gespannt zuhören, sondern aktiv mitwirken. Sie können ihre Gedanken und Ideen der Schauspielerin auf der Bühne zurufen, die diese Impulse spontan mit in die Geschichte integriert.


Es spielt: Marion Martinez

Dieses Tanzstück beginnt noch vor der Geburt – mit dem ersten Impuls des Lebens im Mutterleib. Es ist eine Hommage an das Leben, an die Freude zu existieren, den eigenen Körper zu bewohnen und das tiefe Gefühl, lebendig zu sein.

Doch von einem Tag auf den anderen verändert sich alles. Die Protagonistin fällt in ein tiefes Loch – einen Ort der Dunkelheit, an dem sie Schmerz, Trauer, Wut und Enttäuschung begegnet. Dort erkennt sie, dass sie die Liebe zum Leben, die einst in ihr lebte, wiederfinden muss.

So beginnt ein Prozess der Transformation. Schritt für Schritt hinterfragt sie die Regeln, Glaubenssätze und Prägungen, die sie von ihrer Familie, ihrem Umfeld und ihrer eigenen Geschichte übernommen hat. Sie lässt los, was nicht länger zu ihr gehört, und findet den Weg zurück zu ihrem innersten Wesen. Auf diesem Weg entdeckt sie eine Frau, die sich selbst erkennt, annimmt und sich bewusst für ein authentisches Leben entscheidet.

Die Welt des Techno begleitet und trägt diesen Weg. Mit ihrer Kraft und ihrer Fähigkeit, die Wahrnehmung zu erweitern, lässt sie verborgene Gefühle, Erinnerungen und Wunden an die Oberfläche treten. Die Bewegung wird zur Sprache, um diese Erfahrungen zu durchleben, zu verwandeln und einen neuen Raum der Freiheit zu eröffnen.

Dieses Tanzstück entspringt dem Wunsch, daran zu erinnern, dass es – zwischen Erwartungen, Regeln und den Prägungen, die wir mit uns tragen – immer möglich ist, wieder auf die eigene innere Stimme zu hören. Es ist eine Reise zurück zu sich selbst, zu der Freiheit, den eigenen Weg zu wählen, und zur Freude, lebendig zu sein.

Denn manchmal vergessen wir, wer wir wirklich sind, um den Erwartungen anderer zu entsprechen. Vielleicht beginnt genau dort der Weg zurück zu uns selbst.

Dauer: 40 Minuten

ENGLISCH:
This dance piece begins even before birth—with the first stirrings of life in the womb. It is a tribute to life, to the joy of existing, of inhabiting one’s own body, and to the profound feeling of being alive.

But from one day to the next, everything changes. The protagonist falls into a deep abyss—a place of darkness where she encounters pain, grief, anger, and disappointment. There, she realizes that she must rediscover the love of life that once lived within her.

Thus begins a process of transformation. Step by step, she questions the rules, beliefs, and conditioning she has inherited from her family, her environment, and her own history. She lets go of what no longer belongs to her and finds her way back to her innermost self. Along this path, she discovers a woman who recognizes and accepts herself and consciously chooses to live an authentic life.

The world of techno accompanies and sustains this journey. With its power and its ability to expand perception, it brings hidden feelings, memories, and wounds to the surface. Movement becomes a language for living through these experiences, transforming them, and opening up a new space of freedom.

This dance piece stems from the desire to remind us that—amidst expectations, rules, and the influences we carry with us—it is always possible to listen to our own inner voice again. It is a journey back to ourselves, to the freedom to choose our own path, and to the joy of being alive.

Because sometimes we forget who we really are in order to meet the expectations of others. Perhaps that is exactly where the path back to ourselves begins.

Duration: 40 mins

Direktorin/Choreographin: Ailyn Ulloa Andrade
Produktion: Valeria Oviedo
Choreographin: Pamela Moraga
Musik und Ton: Rodrigo Vence
Licht: Raquel Oliveira
Kostüm: Tobias Peiker
Tänzer*innen: Eva Robayo, Maria Paz Cortez, Carmen Rodriguez Castillo, Javiera Guerra, Guiliana Piel
Make up: Mirren Aitken

Credits
Fam. Brandmeier, KONTRASTFILM, Johann Fuchslocher Gomez

Die magische Show ganz ohne Kartentricks.

Wollten Sie schon immer einmal die zauberhafte Seite der deutschen Hauptstadt kennenlernen?

Der Zauberer Ben Blu gibt Ihnen dazu die Gelegenheit. In seiner Show erhalten Sie einen etwas anderen Blick auf das alltägliche Berlin.

Die „Hauptstadt-Zaubershow“ lädt Sie dazu ein, das Leben in Berlin auf magische Weise zu betrachten. Berliner Erfindungen und Geschichten, berühmte Sehenswürdigkeiten der Hauptstadt und die Berliner selbst sind ebenso Gegenstand der Show wie die U- und S-Bahn und das Bürgeramt. Sind Sie dabei, wenn das Leben in der Hauptstadt unerwartete Wendungen nimmt und erleben Sie einzigartige Kunststücke, die es teilweise nirgends sonst auf der Welt gibt!

Staunen Sie, amüsieren Sie sich und lassen Sie sich begeistern in der Welt der Illusionen. Die Show dauert einschließlich einer 20-minütigen Pause etwa 120 Minuten.

In seinem Illusionstheater in der nähe des Ku’damm lässt Ben Blu Sie in der Zaubershow, die speziell für dieses Theater konzipiert wurde, Momente der Faszination erleben, die Sie so schnell nicht vergessen werden. Er führt humorvoll, kurzweilig und sympathisch durch das Programm. Die einzigartige Zaubershow in seinem intimen Theater wird für Zuschauer ab 8 Jahren empfohlen.
Da die Show auf Deutsch stattfindet, sollten Sie ausreichende Deutschkenntnisse haben, um das Erlebnis vollständig genießen zu können.

Einlass 30 min vor der Show

Wenn du ein Melodie-Instrument spielst und deine kompositorischen Fähigkeiten und Improvisationen verbessern möchtest, bist du in diesem Workshop genau richtig. Tauche mit der in Berlin lebenden Jazz-Musikerin Ariel Bart ein in die faszinierende Welt der Improvisation und Komposition. Du wirst lernen, wie du spannende Motive aufbaust und entwickelst, Rhythmen transformierst und Phrasierungen so gestaltest, dass deine Melodien lebendiger und einprägsamer werden.


Teilnehmende:
fortgeschrittene Spielerinnen und Spieler mit und ohne Bühnenerfahrung, die ihr Verständnis für den Aufbau von Melodien vertiefen und einen persönlicheren, ausdrucksstärkeren Ansatz für die Improvisation entwickeln möchten – unabhängig von Musikstil und Instrument.

Instrumente:
alle Melodie-Instrumente (Mundharmonika, Flöten, Akkordeon, Geige etc)




über Ariel Bart
Ariel Bart spielt chromatische Mundharmonika mit einer großen Freude am Entdecken und Ausloten der musikalischen Möglichkeiten ihres Instruments. Im Mittelpunkt ihrer Arbeit steht der gefühlvolle Klang der chromatischen Mundharmonika. Sie kombiniert Elemente der westlichen klassischen Musik, Improvisation und Klänge aus dem Nahen Osten und schafft so eine Balance zwischen Intimität und emotionaler Tiefe einerseits und experimentellem Geist andererseits.

Im September erschien ihr drittes Album „After Silence“, das in der Jazz-Szene große Aufmerksamkeit erfährt.



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If you are playing a melody instrument, and want to improve your compositional skills and improvisation, this workshop is just right for you. Immerse yourself in the fascinating world of improvisation and composition with Berlin-based jazz musician Ariel Bart. You will learn how to build and develop exciting motifs, transform rhythms and shape phrasing in such a way that your melodies become more lively and memorable.


Participants:
advanced players with and without stage experience who want to deepen their understanding of melody construction and develop a more personal, expressive approach to improvisation – regardless of musical style and instrument.

Instruments:
all melody instruments (harmonica, flutes, accordion, violin, etc.)



about Ariel Bart
Ariel Bart plays the chromatic harmonica with a great joy in discovering and exploring the musical possibilities of her instrument. The focus of her work is the soulful sound of the chromatic harmonica. She combines elements of Western classical music, improvisation and sounds from the Middle East, creating a balance between intimacy and emotional depth on the one hand and an experimental spirit on the other.

Her third album, After Silence, was released in September and is receiving a lot of attention on the jazz scene.

Als Rag Doll sich 2012 gründet, sind sich Sängerin Käthe von T. und Pianistin Amy Protscher einig: Bessie Smith ist schuld daran, dass sie sich mit Rag Doll den 1920er Jahren und ihrer Musik verschrieben haben. Vom emotionalen Überschwang und dem derben, aber ehrlichen Humor der «Kaiserin des Blues» Bessie Smith und ihren Zeitgenossinnen von Ma Rainey und Ethel Waters bis Alberta Hunter lassen sich die Berliner Musikerinnen immer wieder gern in dieses goldene Musikzeitalter und seine Geschichte(n) entführen.

Mit von der Partie ist Tanja Becker, deren furiose Virtuosität an der Posaune die Besetzung des klassischen Bessie ­Smith­-Trios vervollständigt. Zusammen entführen die drei Berliner Musike­rinnen ihr Publikum mit Haut und Haar und Herz und nehmen es mit auf eine Reise in das goldene Zeitalter von Ragtime, Boo­gie Woogie, Harlem Stride und Barrelhouse. Der Funke springt sofort über, und sie verwandeln jede Bühne in einen großartigen, alten Juke Joint im amerikanische Süden der 1920er. Und wie das an Orten wie diesen nun mal ist: es darf gelauscht, geswingt und getanzt werden, bis die Luft brennt. Welcome to the Roaring Twenties!
Besetzung:

Käthe von T.: Gesang
Tanja Becker: Posaune/Gesang
Amy Protscher: Piano/Gesang/Percussion

Gisela Mang, eine Frau in den mittleren Jahren, ist auf der verzweifelten Suche nach ihrem Traummann. In Ihrer Not sucht sie die Psychologin Frau Möbenbach auf, die ihre ganz speziellen Methoden hat. In witzigen Dialogen und grotesken Bildern platzt – wie im wahren Leben – ein Traumbild nach dem anderen, bis Gisela sich schlussendlich fragt, wozu sie eigentlich einen Mann braucht. Frau Möbenbach hat die Antwort parat….

Es spielen: Marion Martinez, Sina Haarmann

Freuen Sie sich auf einen unvergesslichen musikalischen Abend unter freiem Himmel!

Im ersten Teil des Konzerts präsentiert Fahri Karaduman gemeinsam mit seinem Orchester ein stimmungsvolles Instrumentalprogramm und nimmt das Publikum mit auf eine musikalische Reise.

Im zweiten Teil erwartet Sie ein abwechslungsreiches Solistenprogramm mit besonderen Gesangsdarbietungen. Freuen Sie sich unter anderem auf die Auftritte von Sema Moritz und Emre Karaduman, die den Abend mit ihren Stimmen bereichern werden.

Erleben Sie Musik, Emotionen und einzigartige Momente in besonderer Open-Air-Atmosphäre. Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

Foto: PROMO

Kassenöffnung um 18:00 Uhr

Täglicher Loop
absurde Koch- und Kleidungsrituale
Erinnerungs-Monologe
Routinen, die kippen
Eine Küche ohne Boden
düstere Angst
Hoffnung.

50 Prozent aller Geflüchteten weltweit sind weiblich! Die Performance basiert auf realen Stimmen von weiblichen Geflüchteten. Sie wurden 2018 über acht Monate von drei Schauspielerinnen der Compagnie in ihrer Unterkunft besucht. Sie gaben die Zustimmung zur Dramatisierung ihrer Geschichten. Daraus bildet sich ein Gerüst, inspiriert vom Text von Beckett. Ulrike Düregger, künstlerische Leiterin, hat daraus einen eigenständigen Text entworfen, der diese weiblichen Perspektiven ins Zentrum rückt und somit sichtbar macht. 2026, 10 Jahre nach dem "Fluchtsommer", erfolgt eine Bestandsaufnahme. Was passiert, wenn das Leben weitergehen soll – aber niemand „Go“ sagt? Eine Sprache dir nie gehört? Dies beleuchtet die Inszenierung, ein dichter, körperlicher Abend, gendersensibel mit den Performerinnen Mira Sanjana Sharma, Andrea Magogi Förster und Ulrike Düregger. Zwischen Herkunft und Zukunft werden Gewaltstationen entlang weiblicher Fluchtrouten spürbar.

Dauer:
70 min + 30 min Q&A nach jeder Vorstellung

ENGLISCH:
Daily Loop
absurd cooking and dressing rituals
monologues of memory
routines that unravel
A kitchen without a floor
gloomy fear
hope.

50 percent of all refugees worldwide are women! The performance is based on real voices of female refugees. Over the course of eight months in 2018, three actresses from the company visited them at their accommodations. They gave their consent to the dramatization of their stories. This forms a framework inspired by Beckett’s text. Ulrike Düregger, the artistic director, has developed an original text that brings these female perspectives to the forefront, thereby making them visible. In 2026, 10 years after the “summer of flight,” a stock-taking takes place. What happens when life is supposed to go on—but no one says “Go”? What if a language never belongs to you? These are questions explored in this production—a dense, physical performance that is gender-sensitive, featuring the performers Mira Sanjana Sharma, Andrea Magogi Förster, and Ulrike Düregger. Between origin and future, instances of violence along women’s flight routes become palpable.

Duration:
70 mins + 30 mins Q&A after every performance

Performers: Mira Sanjana Sharma, Andrea Magogi Förster und Ulrike Düregger
Art direction: Ulrike Düregger
Project assistant: Kalsoumy Balde

Gefördert durch Engagement Global mit Mitteln des Bundesministeriums für wirtschaftliche Zusammenarbeit und Entwicklung (BMZ) und der Landesstelle für Entwicklungszusammenarbeit Berlin (LEZ).

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

Eine einzigartige Show, bei der die Künste Drag und Theater zum Musiktheater verschmelzen. 13 Drag Kings, 2 Nächte, 1 Bühne – und eine brandneue Geschichte voller Comedy, Drama, Burlesque, Drag, Zirkus, Choreografie und Campness!

Zum 5. Mal kehren die Kings nun ins Theater im Delphi zurück und sie sind stärker denn je zuvor. Nach einem 5-monatigen Workshop und Shows im Tipsy Bear Berlin, kommen 8 Nachwuchskünstler und 5 professionelle Drag Kings zusammen, um gemeinsam ein großartiges Spektakel auf die Bühne zu bringen!

Live on stage: Buba Sababa, Antina Christ, Connor Lingus, Ken Pollet, Oriana NYE, Magic Miguel, Taylor Thrust, Kevin Metropole, Seaman Cephalocock, Giddy Gay, Tito Mo, Melo de Rama, Little Simp.

In englischer Lautsprache.

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König ist ein Community Projekt, mit dem Ziel, einen starken und wachsenden Raum für Drag Kings, Transgender-Personen und nicht-binäre Drag-Performer:innen in Berlin zu schaffen; ein sicheres und kreatives Umfeld, in dem Menschen sich treffen, austauschen und gemeinsam wachsen können. Seit 2019 schafft König Räume, um Vielfalt auf der Bühne zu feiern, echte queere Geschichten zum Leben zu erwecken und hochkarätige Unterhaltung zu schaffen – aus der Community, für die Community und Freund:innen.

Einlass: 18:00 Uhr

Italo Night – Eine Nacht voller Dolce Vita und Disco-Gefühl!

Taucht ein in eine Nacht voller Charme, Rhythmus und purem italienischem Lebensgefühl – auf dem Wasser, unter dem Berliner Sternenhimmel!

Wir feiern mit euch die goldene Ära der Italo Disco – mit zeitlosen Beats, glitzernden Lichtern und einem Soundtrack, der Herz und Füße bewegt.
Von „Dolce Vita“ bis „Self Control“, von „Gloria“ bis „L’italiano“ – freut euch auf eine Nacht voller Leidenschaft, Nostalgie und unwiderstehlicher Energie.

Kommt in Weiß, bringt eure besten Dance-Moves mit und lasst euch vom Rhythmus der la dolce vita mitreißen.
Mit funkelnder Stimmung, romantischen Melodien und dem unverwechselbaren Sound der 80er – diese Bootsparty ist pures italienisches Lebensgefühl.

Eine Nacht für Träumer, Tänzer und Liebhaber des Italo-Flairs. Stilvoll. Leidenschaftlich. Unvergesslich.

Einlass ca. 18:00 Uhr

Bitte beachte, dass der Kauf eines Tickets keinen Sitzplatzanspruch beinhaltet – schließlich geht es bei unserer Party darum, gemeinsam zu feiern und die Tanzfläche zu erobern! An Bord erwarten dich einige Sitzplätze, Stehtische und reichlich Platz zum Tanzen!

ab ca. 18:00 Uhr

Einlass: 12:00

GASTSPIEL

EMPFANGER UNBEKANNT
Schauspiel von Katherine Kressmann Taylor

Mit: Axel Pape als "Max Eisenstein" und Rainer Appel als "Martin Schulze"
Regie: Axel Pape
Kostüm: Gioia Raspé
Video: Henning Groß
Musik: Axel Pape
Produktion: axel pape gastspiele
Verlag: Per H. Lauke Verlag

GASTSPIEL / Berlin-Premiere (!) am 05.09.2026, 19:30 Uhr, THEATER IM PALAIS Berlin
Weitere Vorstellungen: Sonntag, 06.09.2026, 16:00 Uhr

Dauer: 1h 10 Min.
Mit anschließendem Publikumsgespräch!

Schauspieler und Regisseur Axel Pape, den sie bereits mehrfach bei uns erleben durften, bringt eine Produktion auf unsere Bühne, für die wir in Zukunft als feste Berliner Spielstätte fungieren werden.

„Ich habe nie auf weniger Seiten ein größeres Drama gelesen. Diese Geschichte ist meisterhaft, mit unübertrefflicher Spannung gebaut“, sagt Elke Heidenreich über die Geschichte der beiden Freunde Max und Martin, die in Amerika gemeinsam ein Geschäft betreiben, bis Martin 1932 in seine deutsche Heimat zurückkehrt.
In Amerika sorgt sich der Jude Max um seine Schwester, die als junge Schauspielerin in Berlin arbeitet. Währenddessen entwickelt sich Martin in Deutschland mehr und mehr zum Bekenner und Profiteur des aufkommenden Regimes. Die Dinge spitzen sich unaufhörlich zu und es kommt zur Katastrophe.
Da trifft Max eine überraschende Entscheidung, die der Geschichte eine völlig unerwartete Wendung gibt...

Die Inszenierung zeigt eine emotionale und mitreißende Geschichte, die ein ebenso brillantes wie zeitloses Zeichen gegen die Entstehung und Gefahren totalitärer Systeme setzt.

"Hochaktuell... Vor ausverkauftem Haus gab es minutenlang stehenden Applaus." (Vredener Anzeiger)
"...auf keinen Fall verpassen. Axel Pape und Rainer Appel brillieren." (Bonner General-Anzeiger)

Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Das Mitspieltheater ist eine besondere Form des Theaterspielens, bei dem eine erfahrene Schauspielerin ein Märchen erzählt und dabei in die verschiedenen Märchencharaktere und Rollen schlüpft.

Die Kinder erleben beim Mitspieltheater die große Kunst des Schauspielens hautnah mit, nämlich den Rollenwechsel – den der Spieler vor ihren Augen auf der Bühne vollzieht. Dabei dürfen sie dem Märchen nicht nur gespannt zuhören, sondern aktiv mitwirken. Sie können ihre Gedanken und Ideen der Schauspielerin auf der Bühne zurufen, die diese Impulse spontan mit in die Geschichte integriert. Außerdem können die Kinder an vielen Stellen selbst auf der Bühne mitspielen! So entsteht ein interaktives und lebendiges Theaterspiel zwischen der Erzählerin und den Kindern.

Es spielt: Marion Martinez