Field Commander C. ist eine Hommage an den großen, kanadischen Singer-Songwriter Leonard Cohen und eine der eindrucksvollsten Cohen-Live-Shows, die Deutschland zu bieten hat.

Neben der großen Formation, die sich ausgiebig der legendären Tour von 1979 widmet und bundesweit in den renommierten Konzerthäusern für Gänsehaut und minutenlange Standing Ovations sorgt, geht Rolf Ableiters Field Commander C. nun mit intimerer Besetzung auf Spurensuche. „Leonard Cohen’s Early Works - the Roots of Hallelujah" ist Titel des neuen Programms.

Wer sich mit Leonard Cohen beschäftigt, kommt um den Song „Hallelujah" nicht herum. Wenn man aber verstehen möchte, wie dieser unglaubliche Song entstehen konnte, muss man sich mit dem Frühwerk Cohens auseinandersetzen. Songs wie „Suzanne“, „Bird on the Wire“, „So Long Marianne”, „Famous Blue Raincoat“ etc. sind neben Hallelujah mit die berühmtesten Werke Cohens und entstanden alle in der Schaffenszeit der ersten vier Alben.

Die Gäste erwartet ein Abend voller Melancholie, Poesie, virtuoser Spielfreude und Geschichten rund um sein grandioses Frühwerk: Leonard Cohen‘s Early Works und the Roots of Hallelujah - gefühlvoll interpretiert mit Gitarre, Violine, Cello, Orgel und Akkordeon.

Einlass: 18:30 Uhr

Egersdörfer, Schulz, Müller // Neues Programm

Selten waren in der Kabarettszene die Meinungen über ein Programm gespaltener. Mit der intelligenten Überschreitung aller Tabus tauchen Matthias Egersdörfer, seine Lebensabschnittsgefährtin Carmen (Claudia Schulz) und ihr schwuler Nachbar Rene Eichhorn (Andy Maurice Mueller) tief in menschliche Abgründe hinab und baden dort in seelischen Grausamkeiten.

Foto: Stephan Minx

Einlass: 19 Uhr

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

rein geschäftlich: Bilanz

Im März 2023 hatte das Programm „Rein geschäftlich” Premiere. Mittlerweile ist es griffig, schnell und rund. Obwohl Rebers Kabarett nie wirklich aktuell, aber in der Regel seiner Zeit weit voraus ist, sollten wir es immer im Auge behalten. Und bevor die nächste Premiere ansteht, schauen wir uns erst noch einmal die Bilanz an, denn die kann sich sehen lassen. Nach einer chaotischen Premiere in Wien, politischen Erdbeben, Rücktritten, einer Uraufführung in der Deutschen Oper Berlin und einer großartigen Tour durch Österreich und Deutschland, hat Rebers seine geschäftlichen Gedanken vollendet, upcycelt und spielerisch auf den Punkt gebracht. Und jetzt ist er wieder unterwegs in einer Republik, die nicht mehr weiß wohin mit sich. Dazu gibt es tanzbare Kapitalismuskritik, neue Parteien, nachhaltige Heiterkeit und eine klare Botschaft: „No pasaran!!!“ Den Rest erledigt die Tagespolitik.

Veranstaltungsort: Theater Rüsselsheim, Großes Haus | Veranstaltungsdauer: 150 Min. inkl. Pause

Eintritt: 37,10 Euro
Folgende Ermäßigungen sind verfügbar:
25 % Ermäßigungen für Schüler*innen, Auszubildende, Studierende, FSJler*innen, BfDler*innen, Inhaber*innen eines Berechtigungsausweises und JuLeiCa- & Ehrenamtscard-Besitzer*innen.
50 % Ermäßigung bei Schwerbehinderung ab 80% (Freikarte für die Begleitperson)
75 % Ermäßigungen für Inhaber*innen eines Rüsselsheim-Pass.
Freikarte für Student*innen der Hochschule RheinMain (drei Tage vor Veranstaltung)
Weitere Informationen, wie z.B. Ermäßigungen an der Abendkasse für Schüler*innen & Auszubildende, FSJler*innen, BfDler*innen & Inhaber eines Rüsselsheim-Pass, finden sie unter „Rabatte & Ermäßigungen“. Diese Ermäßigungen erhalten Sie nur an der Abendkasse.

Veranstalter: Theater Rüsselsheim

Foto: Susie Knoll

Einlass: ab 19 Uhr

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

Nach einem beinahe tödlichen Autounfall kommt ein weltberühmter Romanautor in einem ihm fremden Haus zu sich und befindet sich in der pflegerischen Obhut eines vernarrten Fans. Als aber ihre Liebe für seine Schriftstellerei zu einer gefährlichen Zwangsvorstellung wird, erkennt er, dass er seine größte Geschichte noch schreiben muss: Wie kann er nur lebend aus ihrer Fürsorge entkommen?

Diese Fassung wurde für den Broadway vom zweifachen Oscar®-Preisträger William Goldman adaptiert und basiert auf dem Klassiker von Stephen King. Sie ist die nunmehr einzige von Stephen King autorisierte Bühnenfassung.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

Die Komikerin, Sängerin und Bestseller-Autorin Martina Brandl ist jetzt Frauchen. Deswegen macht sie Frauchenkabarett. Das ist wie Frauenkabarett, bloß irrelevanter. Macht dafür aber irre Spaß. So viel, dass ihre Texte in der Frankfurter Rundschau erscheinen und sie eine eigene Hundekolumne hat.

Wenn Sie schon immer wissen wollten, was ein Fischbrötchen denkt, worüber eine Autobahnbrücke am liebsten spricht, warum vom Hund lernen, lügen lernen heißt und was Zecken auf ihre Protestschilder schreiben, dann gehen Sie in diese Show. Witzig ist das. Aber brav bei Fuß im Comedy-Mainstream gehen, hat sie in 30 Bühnenjahren nicht gelernt. Manchmal reißt sie sich los und versinkt hemmungslos in bittersüßer Melancholie, um gleich darauf wieder auf die Kacke zu hauen. Martin Rosengarten liefert dazu feine Arrangements für Klavier, Posaune, Ukulele und Thelevi und debutiert als Dialogpartner in schrägen Interviews, in denen u.a. eine Lebensmittelmotte und ein Leuchtturm zu Wort kommen. Kein Hundeprogramm, aber ein bisschen Pudel ist mit drin. Denn alles ist doch viel niedlicher mit einem süßen Hündchen auf dem Schoß. Außer es hat sich gerade in Kuhfladen gewälzt.

Martina Brandl: Lesung, Stand-Up, Gesang, Ukulele, Thelevi
Martin Rosengarten: Piano, Posaune, Ukulele, Sampler

Teresa Reichl // Bis jetzt

WIESBADEN PREMIERE

Teresa Reichl ist jetzt fast 30 und hat keines der Ziele erreicht, die sie sich mit 16 gesetzt hat. Kein Haus, kein Mann, keine Kinder. Dafür eine Freundin und einen dreibeinigen Kater. Und Bühne statt Lehramt. Woran soll man denn merken, dass man erwachsen ist, wenn man sein Geld mit Witzen verdient? Und wie soll man sein Geld mit Witzen verdienen, wenn man dann plötzlich eine
Depression hat?

Das Leben ist bunt, wenn man sich alle Meilensteine selber baut, von einem Auftritt in die Therapie fährt und keine Panik haben muss, aus versehen schwanger zu werden. Das Leben ist auch wild, wenn man zwischen Dorf und Großstadt unterwegs ist, zwischen Schweinsbraten und Iced Latte mit Hafermilch, zwischen klassischer Literatur und Tiktok-Trends. Und dann ist das Studium auf einmal zu Ende und man muss sich aussuchen, welche Versicherungen man haben will, dabei war man doch gefühlt gestern erst Volljährig. Da wundert es einen nicht, dass Teresa privat am liebsten gar nichts erlebt – und trotzdem genug zu erzählen hat.


Auszeichnungen
2025: Deutscher Kleinkunstpreis "Förderpreis"
2023: Bayerischer Kabarettpreis „Senkrechtstarter“
2022: Finalistin 20. Hamburger Comedy Pokal
2021: Jugendkulturpreis Dingolfing
2021: Kulturförderpreis Regensburg
2021: 3. Platz St. Prosper Kabarettwettbewerb
2021: 3. Platz Weißenhorner Wölfchen

Einlass: 19 Uhr

Rock-Legenden Doppelpack: Mit Letz Zep sowie The Doors in Concert stehen zwei der renommiertesten Tribute-Bands auf der Bühne und präsentieren mindestens 3 Stunden lang den Sound der 1960er und 1970er Jahre.

Wenn Robert Plant, der Original-Sänger von Led Zeppelin, nach einem Konzert von Letz Zep sagt: „I walked in, I saw me“, also „Ich kam rein und habe mich gesehen“, dann ist dies wie ein Ritterschlag für Billy Kulke, der Plant stimmlich und optisch mehr als nur gleicht. Und die anderen drei Musiker von Letz Zep stehen dem Original musikalisch keinen Deut nach. Zuschauer schließen die Augen und hören „Whole Lotta Love“, „Stairway To Heaven“ oder „Immigrant Song“ oder einen der vielen anderen unvergessenen Songs und sie fühlen sich akustisch um 40 oder gar 50 Jahre zurückversetzt. Letz Zep decken den gesamten Katalog von Led Zeppelin ab und erweitern ihr Repertoire fortwährend um zusätzliche Klassiker, beschränken sich also nicht nur auf die offensichtlichen Gassenhauer. Ihre Performance gibt somit einen umfassenden Eindruck des Schaffens der Rock-Ikonen und begeistert Unbedarfte wie Szene-Veteranen.

Die Band „The Doors in Concert“ reproduziert wie keine andere den Sound und das Aussehen des Originals in einer unglaublichen Authentizität. Welthits wie „Light My Fire“, Riders On The Storm“ oder „When The Music´s Over“ versprühen die Magie eines 1960er Jahre Doors-Konzertes. Sie sind eine absolut authentische DOORS-Tributband. Der Sänger hat das richtige Aussehen und die perfekte Stimme, um mit Jim Morrison verwechselt zu werden, der Keyboarder hat viele Ähnlichkeiten mit Ray Manzarek, der Gitarrist spielt und klingt wie Robby Krieger und schließlich kann sich der Schlagzeuger John Densmore´s feinsten Finessen nähern.

Nach einem beinahe tödlichen Autounfall kommt ein weltberühmter Romanautor in einem ihm fremden Haus zu sich und befindet sich in der pflegerischen Obhut eines vernarrten Fans. Als aber ihre Liebe für seine Schriftstellerei zu einer gefährlichen Zwangsvorstellung wird, erkennt er, dass er seine größte Geschichte noch schreiben muss: Wie kann er nur lebend aus ihrer Fürsorge entkommen?

Diese Fassung wurde für den Broadway vom zweifachen Oscar®-Preisträger William Goldman adaptiert und basiert auf dem Klassiker von Stephen King. Sie ist die nunmehr einzige von Stephen King autorisierte Bühnenfassung.

Die Fortsetzung der einzigartigen und erfolgreichen Akustik-Konzertreihe mit den ex-ECHOES-Musikern Oliver Hartmann, Martin Hofmann u.a. - unterstützt von einem exklusiven Streichquartett aus Prag!
Präsentiert von Rockantenne und den Magazinen Eclipsed, Good Times, Musix und Breakout.

PULSE ist das neu formierte Pink-Floyd-Tribute, gegründet von den ex-ECHOES Musikern Oliver Hartmann, Martin Hofmann und Markus Nanz. Unter neuem Namen führen Sie nun neben ihren elektrischen Shows auch die erfolgreiche Konzertreihe mit viel Liebe zum Detail und großer Leidenschaft fort: Die Musik von PINK FLOYD auf rein akustischen Instrumenten, neu arrangiert und unterstützt von einem Streichquartett aus Prag.

Dass es möglich ist, die Musik von PINK FLOYD akustisch im „Unplugged“-Stil auf die Bühne zu bringen und damit ihr Publikum zu begeistern, haben die Musiker seit 2014 mit ihren „Barefoot To The Moon“-Konzerten bereits eindrucksvoll bewiesen. Dabei zusätzlich ein Streichquartett einzubinden, arrangiert von Frontmann Oliver Hartmann, hat der fantastischen Musik des Originals eine besondere und einzigartige Note verliehen und macht die musikalische Neu-Interpretation zu einem eindrucksvollen audiovisuellen Hochgenuss.

Neben Klassikern wie „Shine on you crazy diamond“, „Another brick in the wall“ oder auch „Wish you were here“ werden selbst komplexere und im Original stark elektronisch getragene Songs wie „Welcome To The Machine“ oder „Money“ hierbei nicht ausgelassen, sondern mit neuen und kreativen Arrangements wirkungsvoll in Szene gesetzt.
Zu hören ist dies auf der erfolgreichen Live-Produktion „Barefoot To The Moon“ der ehemaligen Band ECHOES, die seit Erscheinen 2015 nicht nur auf Amazon in den höchsten Tönen gelobt wurde, sondern es sogar in die Media Control Charts auf Platz 20 schaffte - für eine Tributeband eine Art Ritterschlag.
Nach der ersten und teils ausverkauften Tour unter neuem Namen, welche die Band im Januar 2025 durch ganz Deutschland führte, setzen PULSE nun diese wunderbaren akustischen Konzerte auch 2026 fort und zeigen, was man bei den Live-Konzerten der neu formierten Band erwarten kann: Volle Häuser und frenetischer Applaus bei einer Reise zur ACOUSTIC SIDE OF THE MOON!

Einlass: 18:00 Uhr

Stephan Hippe // Die Knef Story

WIESBADEN PREMIERE
Zum 100. Geburtstag von Hildegard Knef

Rote Rosen, sämtliche Wunder und ne Prise Schnauze von und mit Stephan Hippe

„100 Jahre Hildegard Knef von und mit Stephan Hippe: Eine spannende Reise zwischen Original und Neuinterpretation“ bringt die unvergessliche Chanson-Legende auf moderne Weise zurück. Stephan Hippe interpretiert ihre Songs humorvoll und tiefgründig, ohne Travestie-Seligkeit. Mit multimedialen Elementen, wie Originalaufnahmen und Projektionen, verschmilzt die Vergangenheit mit der Gegenwart und , entführt das Publikum authentisch in Knefs Lebenswelt.

Hippe bringt die Texte mit einem leichten Zwinkern ins Hier und Jetzt: Ihre Texte humorvoll und tragikomisch, voller Wärme, Mut und die leichte Schräglage des Lebens treffen heute genauso ins Schwarze wie damals. Knef ist zeitlos relevant – und wieder mitten unter uns.

„Wer sich mit der Kunst verheiratet, bekommt die Kritik zur Schwiegermutter.“ Plötzlich steht sie wieder mitten im Raum: Hildegard Knef, deutscher Weltstar - rau, zerbrechlich, direkt. Ihre Songs, die sie mit ihrem unnachahmlich trockenen Ton selbst geschrieben hat, treffen immer noch ins Schwarze. Die Geschichten, die sie erzählt, sind humorvoll und tragikomisch, voller Wärme, Mut und einer leichten Schräglage des Lebens. Auf der Leinwand flimmern Filmszenen: Knef im schwarz-weißen Berlin, Knef auf der Kinoleinwand, Knef als Chanson-Sängerin mit Zigarette und tiefem Blick. Die Projektionen verändern sich, tauchen den Raum in Farben und Bilder, die die Atmosphäre der Lieder einfangen – mal regnet es rote Rosen, mal weht ein Hauch von Großstadtmelancholie durch den Saal.

„Während Stephan Hippe singt, scheint sie auf der Bühne zu atmen – jeder Ton, jede Zeile bringen Knefs Texte zurück ins Hier und Jetzt. Seine Stimme hilft, die feinen emotionalen Schichten dieser Lieder zu durchdringen und ermöglicht eine tiefe Verbindung zu ihren Geschichten.“ „Von einem bestimmten Alter an sollte man lernen, sich seine Feinde auszusuchen.“

Hildegard Knefs Texte sind mehr als nur zeitgenössische Chansons – sie sind poetische Reflektionen über das Leben, die Liebe, den Verlust und die Selbstbehauptung. Ihre Texte sprechen universelle Themen an, die heute genauso relevant sind wie damals. Eine Neuinterpretation der musikalischen Begleitung mit Elementen aus Jazz, elektronischer Musik oder akustischen Instrumentierungen, verleihen den Songs eine moderne Note, ohne den Kern der Botschaften zu verlieren. Diese Lieder sind keine Nostalgie-Nummern, sondern lebendige, witzige und manchmal bittere Reflexionen. Ein Mann hat gerade noch gefehlt ? Hippe verkörpert nicht die Knef, er spielt mit ihren Themen, lässt sie tanzen, ironisch und zugleich tief berührend. Der trockene Humor in ihren Texten, fein wie eine scharfe Klinge, durchzieht den Abend und hält die Balance zwischen Leichtigkeit und Ernsthaftigkeit. Hippe verleiht den Liedern eine moderne Note, ohne die Essenz zu verlieren. Dass ein Mann Hildegard Knef interpretiert, fernab von Travestie-Seligkeit oder Gender-Debatte, symbolisiert Knefs Kampf gegen Geschlechter- Klischees. Eine Referenz, wie Knef selbst immer Grenzen überschritt, sei es in der Kunst oder im Leben.

„Ich habe ein einfaches Rezept, um fit zu bleiben: Ich laufe jeden Tag Amok.“
Die lyrische Welt von Knef – live und greifbar Die Lyrik steht im Mittelpunkt und Stephan Hippe lässt die Worte wirken: Ihre Gedichte und Chansons erzählen von der Liebe, dem Scheitern, dem Wiederaufstehen als hätte Knef sie gerade erst geschrieben.

Ihre unverkennbare Stimme füllt den Raum, spricht mal ein Zitat, mal ein scharfes Wort, das immer noch ins Herz trifft, entführt das Publikum authentisch in Knefs Lebenswelt.
Am Ende der Show verschwimmen die Grenzen zwischen Damals und Heute, Vergangenheit und Gegenwart. Die Reise durch ihre Songs wird zur Brücke in die heutige Zeit und macht klar: Knef ist zeitlos relevant – und wieder mitten unter uns.

Einlass: 19 Uhr

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.