Das heutige Programm spannt einen großen zeitlichen und emotionalen Bogen – vom Spätromantischen über das Persönlich-Persönliche bis hin zum Abschiedswerk eines der bedeutendsten Komponisten des 20. Jahrhunderts.

Den Beginn macht die Sonate op. 147 von Dmitri Schostakowitsch, sein letztes vollendetes Werk. Geschrieben 1975, wenige Monate vor seinem Tod, ist diese Sonate eine Art musikalisches Vermächtnis. Schostakowitsch wählte bewusst die Viola – ein Instrument mit dunkler, introvertierter Klangfarbe –, um Rückschau zu halten: auf sein Leben, seine Musik, aber auch auf die Musikgeschichte selbst.
Besonders im letzten Satz begegnen wir Zitaten und Anspielungen, unter anderem an Beethoven. Die Musik schwankt zwischen spröder Kargheit, bitterer Ironie und stiller Resignation – ohne Pathos, dafür mit großer Eindringlichkeit.

Darauf folgt die Romanze op. 85 von Max Bruch, ein Werk ganz anderer Klangwelt. Bruch, heute vor allem durch sein erstes Violinkonzert bekannt, hatte eine besondere Vorliebe für kantable, gesangliche Linien. Die Romanze ist ein lyrisches Charakterstück, warm, weit ausschwingend und von großer Innigkeit geprägt.
Hier zeigt sich die Viola von ihrer sanglichen Seite – als erzählende Stimme, die weniger dramatisch als vielmehr menschlich und tröstend wirkt. Nach der existenziellen Schwere Schostakowitschs öffnet dieses Werk einen Raum der Ruhe und des Atemholens.

Den Abschluss bildet die Sonate Es-Dur op. 120 Nr. 2 von Johannes Brahms. Ursprünglich für Klarinette geschrieben, gehören diese späten Sonaten zu Brahms’ letzten Kammermusikwerken und werden heute ebenso selbstverständlich auf der Viola gespielt.
Die Musik ist geprägt von Altersweisheit, Gelassenheit und innerer Balance. Große Kontraste treten zugunsten feiner Nuancen zurück, Melancholie und Wärme liegen oft ganz nah beieinander. Besonders bemerkenswert ist die enge, gleichberechtigte Verbindung zwischen Klavier und Soloinstrument – ein musikalischer Dialog auf Augenhöhe.

So vereint dieses Programm drei sehr unterschiedliche Blickwinkel auf Abschied, Erinnerung und Innerlichkeit – und zeigt zugleich die außergewöhnliche Ausdrucksvielfalt der Viola.

Felix Schwartz, dem zwei Preise beim Internationalen Musikwettbewerb Genf den Weg in ein künstlerisch vielseitiges Konzertleben ebneten, wurde noch während des Studiums als 1. Solo-Bratschist an die Staatskapelle Berlin engagiert und verfolgte gleichzeitig zielstrebig seine künstlerische Karriere als Solist und Kammermusiker. Er arbeitete mit Künstler:innen wie Daniel Barenboim, Elena Bashkirova, Guy Braunstein, Yefim Bronfman, Giora Feidman, Michael Gielen, Lawrence Foster, Boris Pergamenshikov, Nikolaj Znaider und Pinchas Zukerman zusammen und wurde von renommierten europäischen Orchestern sowie zu zahlreichen internationalen Festivals eingeladen. Als engagierter Kammermusiker gründete er u. a. das Trio Apollon, mit dem er zahlreiche CDs einspielte. Gemeinsam mit Daniel Barenboim und Matthias Glander spielte Schwartz 2006 Mozarts „Kegelstatt-Trio“ ein. Der Bratschist ist Professor an der Rostocker Hochschule für Musik und Gründer der Winterakademie Schloss Kröchlendorff. Sein Engagement für die qualifizierte Ausbildung junger Instrumentalisten stellt er auch als Mentor beim „West-Eastern Divan Workshop for Orchestra and Chamber Music“ (unter Leitung von Daniel Barenboim) und als Leiter einer Bratschenklasse an der von Daniel Barenboim ins Leben gerufenen Akademie für junge Musiker:innen in Sevilla unter Beweis.

Frank-Immo Zichner ist ein Pianist mit einem außerordentlich breiten Repertoire. Sein künstlerisches Interesse gilt dabei nicht nur den Hauptwerken der Solo- und Kammermusikliteratur. Viele seiner CD- und Konzertprogramme enthalten Werke oft zu Unrecht vergessener Komponisten. Für einige seiner zahlreichen CD-Einspielungen wurde Frank-Immo Zichner mit dem Preis der Deutschen Schallplattenkritik, dem Supersonic Award und dem Diapason Découverte ausgezeichnet. Zichner veröffentlichte bei Naxos, RCA, Capriccio, cpo, Kairos, Melodia Russian Disc, EDA und im Eigenverlag Edition Refugium.


Konzerte führten ihn als Pianist und Kammermusiker in über 40 Länder Europas, Südostasiens, Mittel- und Südamerikas, nach Japan und zu Festivals wie dem Schleswig-Holstein Musikfestival, den Berliner Festwochen, der Biennale Berlin, dem Bad Kissinger Musiksommer, dem Moskauer Herbst, dem Sligo Festival/Irland und dem Westfalen Classics Festival. Als Solist musizierte er u.a. mit dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin (DSO), dem Konzerthausorchester Berlin, dem Rundfunk-Sinfonie Orchester Berlin (RSB), der Staatskapelle Schwerin, unter der Leitung von Marek Janowski, Michail Jurowski, Michael Sanderling u.a.
Frank-Immo Zichner ist Gründungsmitglied des Aperto Piano Quartetts. Ein halbes Duzend Auftragswerke wurden durch dieses Ensemble ins Leben gerufen.
Seine Ausbildung erhielt Zichner in der Meisterklasse von Prof. Dieter Zechlin (HfM „Hanns Eisler“ Berlin). Seine Förderer waren Menahem Pressler, Jakob Lateiner und György Kurtag.
2004 war Frank-Immo Zichner Visiting Professor an der University of Music in Bloomington (USA) in Vertretung für Menahem Pressler.
Seit 2011 unterrichtet Frank-Immo Zichner an der Universität der Künste in Berlin und gründete an diesem Haus das Kammermusikzentrum der UdK. Zichner gab Meisterkurse im In- und Ausland und war Jurymitglied bei internationalen Wettbewerben.
Seit 2019 ist Frank-Immo Zichner Gastprofessor für Kammermusik an der Chopin Musikuniversität in Warschau.

Einlass ab 14:30 Uhr

Susanne Grützmann

Mit ihrem inspirierten Spiel, subtilen Klangsinn und virtuosen Furor gehört Susanne Grützmann zu den führenden Pianisten ihrer Generation.

Bei großen internationalen Wettbewerben wurde sie ausgezeichnet, so errang sie den selten vergebenen ersten Preis beim ARD-Wettbewerb in München und gewann Preise beim Robert-Schumann-Wettbewerb in Zwickau, beim Concurso Vianna da Motta in Lissabon und beim Johann-Sebastian-Bach-Wettbewerb in Leipzig.

Susanne Grützmann beherrscht ein umfangreiches Repertoire an Klavierkonzerten und spielte mit bedeutenden Orchestern, so mit dem Gewandhausorchester Leipzig, dem Bayerischen Staatsorchester München, dem Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dem Deutschen Sinfonieorchester Berlin, dem Berliner Konzerthausorchester, dem Radio-Sinfonieorchester Stuttgart, dem Sinfonieorchester des Südwestfunks Baden-Baden, der Dresdner Philharmonie, dem Frankfurter Museumsorchester, der Niederländischen Philharmonie, der Slowakischen Philharmonie, dem Arcos Chamber Orchestra New York und vielen anderen.

Zu ihren Partnern am Dirigentenpult zählten Wolfgang Sawallisch, Kurt Masur, Hans Zender, Krzysztof Penderecki, Udo Zimmermann, Hanns-Martin Schneidt, Matthias Bamert, Leon Fleisher, Jörg Faerber, Michail Jurowski, Hartmut Haenchen, Peter Gülke, Horst Förster, Marc Andreae, Sylvain Cambreling, Wojciech Rajski, Jörg-Peter Weigle, Jakov Kreizberg, Christoph Poppen, John-Edward Kelly, Ari Rasilainen, Jac van Steen, Patrik Ringborg, Gabriel Feltz, Heiko Mathias Förster, Peter Aderhold, Marc Piollet, Oliver Weder, Johannes Rieger, Nicholas Milton, Markus Poschner und Tomáš Netopil.

Susanne Grützmann gab zahlreiche Soloabende in bedeutenden Musikzentren, u.a. im Herkulessaal München, der Semperoper Dresden, der Stuttgarter Liederhalle, dem Beethovenhaus Bonn und im Konzerthaus Berlin. Als Kammermusikpartnerin musiziert sie u.a. mit dem Gaede Trio, dem Ma’alot Quintett und dem Albert Schweitzer Quintett.

Sie konzertierte im Concertgebouw Amsterdam, in der Frankfurter Alten Oper, in der Kölner Philharmonie, in der Hamburger Musikhalle, im Großen Festspielhaus Baden-Baden sowie bei den Berliner Festwochen. Den Zyklus der fünf Beethoven’schen Klavierkonzerte führte sie mehrfach mit dem Württembergischen Kammerorchester Heilbronn auf. Wiederholt wurde sie zu Konzerten und Meisterkursen nach China, Taiwan, Schweden, Frankreich und Italien eingeladen.

Bei TELDEC erschienen Susanne Grützmanns Einspielungen der Préludes op. 28 von Chopin und der Symphonischen Etüden op. 13 von Schumann, bei Profil Edition Günter Hänssler die Einspielung der Abegg-Variationen, Papillons und Davidsbündlertänze, der Kreisleriana, Fantasie C-Dur, Arabeske und Blumenstück, der Sonate fis-Moll und den Fantasiestücken opp. 12 & 111 von Robert Schumann, sowie die Einspielung des gesamten Solowerks von Clara Schumann auf vier CDs (Editor’s Choice der britischen Gramophone).

Seit vielen Jahren widmet sich Susanne Grützmann der Ausbildung junger Musiker und lehrt an der Hochschule für Musik „Hanns Eisler“ Berlin.

Einlass ab 14:30 Uhr

Eine Einführung

Es gibt Musik, die das Licht eines Salons trägt: schimmernd, nahbar, erfüllt von Gesprächen, Lachen, leisen Gesten. Und es gibt Musik, die – selbst im Rahmen der Hausmusik geboren – weit über die Grenzen eines Zimmers hinausleuchtet. Zu dieser seltenen Art gehören Johannes Brahms’ Liebesliederwalzer.

Wenn man diese Stücke hört, meint man zu spüren, wie sich in Wien ein Walzer hebt, eine Hand ausgestreckt wird, ein Blick getroffen, ein Herz überrascht. Doch zugleich weht über allem ein Hauch norddeutscher Melancholie – Brahms’ eigener, unverwechselbarer Ton.

Kunst aus Nähe

Brahms schrieb diese Walzer nicht für den Konzertsaal, sondern für den Kreis enger Freunde. Vokalquartett und Klavier zu vier Händen – das ist Musik im Zeichen des Zusammenseins. Ein Klang, der nie prunkvoll sein will, sondern warm, menschlich, beinahe vertraulich.
Und gerade deshalb geraten diese kleinen Stücke zu Kunstwerken: Sie leben vom Atem der Nähe, von der Innigkeit der Stimmen, vom Herzschlag eines Walzers, der im Bewusstsein seiner eigenen Zerbrechlichkeit tanzt.

Die Liebe als Landschaft

Die Gedichte Georg Friedrich Daumers, die Brahms wählte, sind wie Miniaturen menschlicher Regungen: kurze Blitze von Sehnsucht, Eifersucht, Versöhnung, Hoffnung und Heiterkeit.
Brahms malt diese Empfindungen nicht aus – er deutet sie an. Jeder Walzer ist ein Augenblick, ein emotionaler Aufriß, der schon wieder vergeht. Darin liegt ihre Schönheit: Sie sind Momentaufnahmen, festgehalten in Musik, die die Zeit zum Funkeln bringt.

Opus 52 – Der heitere Kreis

Der erste Zyklus öffnet die Tür zu einem Raum voller Leichtigkeit. Vieles ist beschwingt, beinahe spielerisch, von tanzender Linienführung getragen. Doch selbst in den heiteren Sätzen schimmert etwas Doppelbödiges auf. Hinter dem Lachen liegt der Schatten, hinter dem Tanz die Ahnung von Schmerz. Brahms zeigt hier, wie nah Freude und Traurigkeit beieinander liegen – und wie kunstvoll er beide verbindet.

Opus 65 – Das reifere Echo

Fünf Jahre später kehrt Brahms zu diesen Walzern zurück. Die Farben sind dunkler, die Linien dichter, die Harmonik gewagter. Die Liebe erscheint hier nicht mehr nur als Spiel, sondern als ernsthafte, manchmal schwer lastende Erfahrung.
Doch auch in dieser Sammlung bleibt der Tanz als Grundfigur spürbar: mal als Erinnerung an vergangene Leichtigkeit, mal als trotziges Weiterdrehen gegen die inneren Stürme.

Ein kunstvoller Reigen

Hört man beide Zyklen zusammen, entsteht ein Bogen über die menschliche Gefühlslandschaft. Die Liebesliederwalzer sind kein Zyklus im herkömmlichen Sinne: Es sind viele kleine Inseln, die gemeinsam ein Archipel bilden.
Sie laden nicht dazu ein, eine Geschichte zu verfolgen, sondern in eine Welt einzutreten – eine Welt, in der jeder Walzer ein eigenes Fenster öffnet und doch alle von derselben Luft durchströmt werden: jener zärtlichen Mischung aus Anmut, Ironie und Melancholie, die Brahms’ Handschrift so einzigartig macht.

Ein Tanz, der weiterklingt

Und so bleibt am Ende ein Gefühl von Bewegung zurück. Die Walzer beginnen und enden schnell, doch sie hinterlassen Spuren: ein kaum merkliches Weiterzittern des Pulses, ein feines Echo im Inneren. Vielleicht ist es das, was Brahms mit diesen Stücken gelungen ist:
die Liebe – mit all ihren Facetten – in Tanz zu verwandeln.
Und den Tanz – mit all seiner Flüchtigkeit – in Musik, die bleibt.

Einlass ab 14:30 Uhr

Dieses Programm spannt einen Bogen von Mozarts klassischer Balance und Transparenz über Dvoráks frühe romantische Suche bis hin zu seiner reifen, unverkennbar persönlichen Tonsprache. Es zeigt eindrucksvoll, wie sich das Klavierquartett als Gattung über ein Jahrhundert hinweg weiterentwickelt hat – vom höfisch-eleganten Gespräch bis zur farbenreichen, nahezu symphonischen Kammermusik.

Das Aperto Piano Quartett wurde im Jahr 2000 vom Pianisten Frank-Immo Zichner gegründet. Seine Leidenschaft für die Kammermusik hat ihn neben seiner solistischen Karriere immer wieder mit bedeutenden Kammermusikern zusammengeführt und ihn in seinem Wunsch, ein eigenes Ensemble zu gründen, bestärkt. In den Jahren seines Bestehens ist das Aperto Piano Quartett zu einem Ensemble gereift, das sich durch „kultivierte Klanglichkeit und sensibles Zusammenspiel“ (Joachim Wormsbächer, FAZ) auszeichnet.

Zum Repertoire des Aperto Piano Quartetts gehören heute nicht nur die großen klassischen und romantischen Klavierquartette. Werke vergessener Komponisten, wie die Kammermusik von Hans Gál oder Konstanty Regamey, wurden vom APQ aufgeführt und produziert. Das Ensemble hat sich immer wieder für die Erweiterung des Klavierquartett-Repertoires eingesetzt. Dem APQ gewidmete Klavierquartette wurde u.a. von Elena Mendoza, Krzysztof Meyer und Christian Jost komponiert.

Zahlreiche CDs dokumentieren das musikalische Schaffen des Ensembles. Einige von ihnen wurden für den Preis der Deutschen Schallplattenkritik nominiert.

Das Aperto Piano Quartett spielte in verschiedenen europäischen Ländern und bei internationalen Festivals, wie dem Schleswig-Holstein Musik Festival.

Seit 2025 spielt das Aperto Piano Quartett in der Besetzung mit Frank Reinecke, Violine, Stefan Fehlandt, Viola und Stephan Forck, Violoncello und Frank-Immo Zichner, Klavier.

Einlass ab 14:30 Uhr

Monika Martin – Die große Jubiläums-Tournee
Die goldene Stimme aus Graz – 30 Jahre Musik, die Herzen trägt und unter die Haut geht
Seit drei Jahrzehnten verleiht Monika Martin mit ihrer unverwechselbaren Stimme Glücksmomenten Glanz und schenkt schweren Stunden Trost – nun lädt die „goldene Stimme aus Graz“ zu einer unvergesslichen Jubiläumstour mit über 30 Konzerten quer durch die Republik ein, in der sie die Geschichten ihres neuen Albums mit all ihrer Wärme, Ausdruckskraft und Bühnenpräsenz lebendig werden lässt.
Monika Martin berührt mit ihrer unverwechselbaren Stimme und ihren einfühlsamen Liedern die Herzen ihrer Zuhörer. Was einst mit großem musikalischem Können begann, hat sich über die Jahre zu einer ganz eigenen künstlerischen Heimat entwickelt – einer Musik, die der Seele guttut. Seit 30 Jahren begleiten ihre Lieder die Menschen in glücklichen Momenten und spenden Trost in schweren Zeiten.
Monika Martin versteht sich als Menschenfreundin – und ebenso als Tierfreundin. Sie spricht nicht von „Fans“, sondern von einer Fanfamilie, mit der sie in stetigem Geben und Nehmen verbunden ist. Jeder Auftritt ist für sie ein einzigartiger Dialog mit dem Publikum, eine Wechselwirkung, die jedes Konzert zu einem besonderen Erlebnis macht.
„Wer meine Musik kennt, weiß, dass sie zum Zuhören einlädt. Sie ist kein ‚Hand in Hand am Palmenstrand‘, sondern erzählt Geschichten mit Inhalt – Botschaften, die ich meinem Publikum mit auf den Lebensweg geben möchte“, so die Künstlerin.
Im Rahmen der Jubiläumstour präsentiert Monika Martin auch ihr neues, mittlerweile 29. Album mit dem Titel „Sommerland“. Schon der Name trägt eine besondere Bedeutung in sich – und wer Monika Martin wirklich kennt, weiß, dass die innigen Erlebnisse mit ihrer geliebten Mutti tiefe Spuren in ihrem Herzen hinterlassen haben – Spuren, die wie zarte Narben zugleich schmerzen und leuchten, weil sie von einer Liebe erzählen, die weit über den Tod hinaus Bestand hat. Hört man genauer hin, offenbart sich der philosophische Kern: die Geschichte eines Menschen, der einen geliebten Menschen gehen lassen musste und dennoch über Gefühle eine Verbindung aufrechterhält. „Sommerland“ erzählt von einem Ort jenseits von Raum und Zeit – einem Ort, an den alle Seelen einst gehen und an dem wir uns eines Tages wiedersehen werden.
Und so versprechen die Jubiläumskonzerte von Monika Martin eine wahre Achterbahnfahrt der Gefühle: mal beschwingt und einladend zum Mittanzen, mal tiefgehend und berührend – immer mit der Botschaft: „Komm, wir schaffen das gemeinsam.“
Ihr langjähriger Partner, Thomann Management aus Bamberg, der Monika Martin bereits seit vielen Jahren erfolgreich und vertrauensvoll unter Vertrag hat und im Hintergrund die Fäden für dieses besondere Ereignis zieht, blickt mit großer Vorfreude auf diese Jubiläumstournee, die Monika Martin und ihre Fanfamilie quer durch Deutschland führen wird. Mehr als 30 Gastspiele quer durch die Republik stehen auf dem Plan – eine Reise durch zahlreiche bekannte und historische Kulturhäuser, die Monika Martin und ihr Publikum einmal mehr auf einzigartige Art und Weise verbinden wird. Veranstalter Johnny Thomann, ein Mann, der sein Handwerk mit Leib und Seele lebt und für den Musik nicht nur Beruf, sondern Berufung ist, bringt es auf den Punkt: „Dass wir die 30-jährige Jubiläumstour mit Monika Martin realisieren dürfen, erfüllt mich mit Stolz. Ich kenne Monika nun seit drei Jahrzehnten – und sie ist immer dieselbe geblieben. In all der Zeit hat sie sich menschlich nicht verändert. Ihre Herzlichkeit, ihr feines Gespür und ihre innere Stärke berühren die Menschen bis heute und kommen beim Publikum unmittelbar an.“
Für Monika Martin bedeutet 30 Jahre Bühnenpräsenz nicht künstliche Hoheit des Erfolgs, sondern die Wertschätzung und Liebe des Publikums. „Ich liebe es, für mein Publikum zu singen – und so Gott will, freue ich mich auf die nächsten 30 Jahre.“
In Kürze öffnet sich der Vorhang für den Vorverkauf zur großen Monika Martin Jubiläumstournee – ein
musikalisches Fest, das man sich nicht entgehen lassen sollte.

Einlass 15:00 Uhr