Erleben Sie in tollem Ambiente die älteste Militärkapelle der Welt! Die Original Hoch- und Deutschmeister werden Ihre traditionsreiche, und vor allem aus den Sissi-Filmen bekannte, kaiserliche Militärmusik in Originaltrachten zum Besten geben.

Lassen Sie sich von wunderschönen Melodien wie „Im weißen Rössel“, „Flieger Marsch“, „Adieu, mein kleiner Gardeoffizier“ oder dem „Radetzky-Marsch“ und vielen weiteren verzaubern.

Seien Sie mit dabei, wenn die Original Hoch- und Deutschmeister in der zu ihrem Markenzeichen avancierten „hohen Stimmung“, immer einen halben Ton höher als in der normalen Tonlage, ihr einmaliges Repertoire spielen. Dabei kommen auch recht außergewöhnliche Instrumente zum Einsatz, wie etwa die Ventilposaune, die Es-Trompete oder das recht seltene Helikon.

Wie in den Sissi- Filmen vor 60 Jahren wird auch bei den Auftritten der Original Hoch- und Deutschmeister auf historische Authentizität Wert gelegt. So treten die Musiker in historischen Trachten aus der Kaiserzeit auf. Abgerundet wird das Gesamtbild durch einen Fahnenträger mit der altösterreichischen Fahne sowie einen „Wachmann“, ebenfalls in einer passenden Uniform der Jahrhundertwende.

Die junge Sopranistin Nadja Plattner, bekannt als „Christine“ im „Phantom der Oper“ und als „Elisabeth“, ist die famose Sängerin der Original Hoch- und Deutschmeister.

Ein unvergessliches Musikerlebnis für alle Liebhaber von Militär- und Blasmusik, Walzer und den wunderschönen Melodien von Johann Strauß, Franz Lehar u.a.!

Einlass: 17.00 Uhr

Während der Ermittlungen zu einem Angriff auf einen Häftling in der JVA erreicht Hauptkommissar Nachtigall die Information über einen brutalen Mord in Burg. Dort platzte am frühen Morgen ein aufschreckender Post in die Vorbereitungen für den Spreewald-Marathon: Aktivisten planen, die Anreise von Teilnehmern und Gästen des Events zu erschweren. Der Kopf der lokalen Aktivistengruppe wurde nur wenige Stunden nach dem Internetaufruf brutal ermordet aufgefunden. Der Post hatte sich im Netz schnell verbreitet – war Rache für die Störung des Events das Motiv?

Eines Tages erscheint Alice ein sprechendes Kaninchen, dem sie in eine kuriose Welt folgt. Hier gelten andere Regeln als Alice sie von zu Hause gewohnt war und so entspinnt sich eine abenteuerliche Reise mit Begegnungen verrückter Gestalten wie der Grinsekatze, dem Hutmacher oder der Herzkönigin. Alice wechselt fortan Größe und Sprache, vergisst alles, was sie je wusste, und lernt Dinge, die sie nie kannte. Scheint das Wunderland auch zauberhaft verwunschen, ist zugleich das Albtraumhafte ihr ständiger Begleiter. Nur mit der Kraft ihrer Phantasie und kindlicher Unerschrockenheit kann sie dort bestehen.

Mit „Alice im Wunderland“ und „Alice hinter den Spiegeln“ etablierte Lewis Carroll Mitte des 19. Jahrhunderts das traumhafte Schreiben, den literarischen Nonsens als adäquate Antwort auf eine sich mechanisierende Welt. Mit Hilfe der phantasievollen Verdrehung der herrschenden Logik stellt er diese nicht bloß aus, sondern befreit sich gleichermaßen von ihr. Und so hat es Alice nicht nur zur Heldin des Wunderlands, sondern ebenso zur generationsübergreifenden Pop-Ikone geschafft.

Hausregisseur Philipp Rosendahl kreiert mit einem künstlerischen Team, welches zum ersten Mal in dieser sprudelnden Kombination seine in Cottbus erprobte wie geschätzte Kreativität bündelt, eine neue musikalische Erzählung um Ikone ALICE, die eine – wenn auch verrückte – Pause von der Normalität herzustellen vermag.

URAUFFÜHRUNG

Das für Cottbus entstandene Recherchestück erzählt eine Cottbuser Geschichte rund um fünf Figuren, die den Chancen und Herausforderungen des Strukturwandels unterschiedlich begegnen.

Nach dem Tod ihres Großvaters kehrt die junge Journalistin Carla in ihre Heimatstadt Cottbus zurück. Im Haus ihres Opas findet sie einen Ordner mit der Aufschrift „KRAFTWERK – für Carla“. Darin befinden sich stapelweise Dokumente mit Informationen über die Firma LEAG, um Vattenfall, das Kraftwerk Jänschwalde, den Ostsee und die Gigawattfactory. Als Carla beginnt sich näher damit zu beschäftigen, trifft sie auf völlig unterschiedliche Menschen: Sie begegnet der Nachbarin ihres Opas, einer ehemaligen Aktivistin, deren Zuhause schon zweimal abgebaggert wurde. Der Freund ihres Sohnes kämpft für die grüne Zukunft der LEAG. Und dessen Chef wiederum sorgt sich für den Fall eines Kohleausstiegs um die Versorgungssicherheit. Es entspinnt sich eine Geschichte um die Kohleindustrie und ihre Zukunft, die zudem von Alternativen und Utopien und von den Chancen und dem Scheitern gemeinsamer Gespräche erzählt.

Autor Calle Fuhrs vielstimmiges und humorvolles Theaterstück basiert auf Recherchen des investigativ-journalistischen Kollektivs CORRECTIV, deren Ergebnisse, bspw. zur Lage der Wasserversorgung der Region, bereits veröffentlicht sind. Darüber hinaus begleiteten sie die Produktion bis zum Premierentag mit laufenden Recherchen. Die neuesten Resultate wurden tagesaktuell zur Premiere von CORRECTIV veröffentlicht und exklusiv auf der Cottbuser Bühne präsentiert.

Fuhr arbeitet regelmäßig zusammen mit journalistischen Kollektiven an der Erarbeitung aktueller Themen für das Theater. Aus seiner Überzeugung heraus, dass das Erzählen von Geschichten die Wahrnehmung unserer Welt beeinflusst, findet er im Theater den Ort, der Menschen berühren, Perspektiven ändern und Verständnis möglich machen kann.

Conrazoncorazon Ballett von Cayetano Soto
Sortijas Ballett von Cayetano Soto
Cantata Ballett von Mauro Bigonzetti

Temperament und mediterrane Leidenschaft bringt das Ballettensemble des Staatstheaters mit den Kreationen von Mauro Bigonzetti und Cayetano Soto auf die Bühne. Der vielfach ausgezeichnete spanische Choreograf Cayetano Soto gilt als unverwechselbare Stimme im modernen Ballett. Charakteristisch für seine Arbeit ist ein exzentrischer und oftmals ironischer Zugriff, der das Publikum mitreißt. Inspiriert von den Musicals der 20er und 30er Jahre schuf der er das Ballett CONRAZONCORAZON. Der Titel spielt mit den Worten „Herz“ (Corazon) und „Verstand“ (Razon) und reflektiert damit auch den künstlerischen Schaffensprozess, in dem Gedanken und Gefühle ihren Ausdruck suchen. Die Choreografie ist ein kraftvolles, sehr körperbetontes Ensemblestück: witzig, überschwänglich und schnell. SORTIJAS (Ringe) ist von einem kreisförmigen Band inspiriert, das Menschen in verschlungene Beziehungen verstrickt.

Emotional, leidenschaftlich und unmittelbar erzählt auch Mauro Bigonzettis Werk von menschlichen Beziehungen zwischen Verführung, Liebe, Streit und Eifersucht. Mit CANTATA spürt Bigonzetti den eigenen Wurzeln nach und verbreitet südländisches Flair, wenn er die wilde Schönheit des Mittelmeers beschwört. Das Stück ist inspiriert von der italienischen Musik des 18. und 19. Jahrhunderts, von Wiegenliedern bis hin zu den Pizziche des Salento, mit einer Anspielung auf neapolitanische Serenaden. Der energiegeladene Tanz setzt das Spiel der Gegensätze in Szene: Mann und Frau, Sonne und Mond, Liebe und Gewalt.

Aufführung in deutscher Sprache mit englischen Übertiteln

ROMEO UND JULIA ist eines der bekanntesten Werke von William Shakespeare. Ein uralter Zwist zweier Häuser, dessen Ursprung niemand mehr zu kennen scheint. Das Blutvergießen kostete bereits zu viele Opfer und manifestiert das Feindbild der Rivalen. Dazwischen stehen zwei junge Menschen, die all dem mit ihrer Liebe zu trotzen versuchen. Auf einem Fest im Hause Capulet trifft Romeo, von den verfeindeten Montagues, auf Julia. Beide verlieben sich sofort, eine heimliche Hochzeit folgt. Im Kampf der beiden Häuser tötet Romeo Tybalt, den Cousin Julias, und wird aus Verona verbannt. Unterdessen pochen die Capulets auf die Vermählung zwischen Julia und dem Grafen von Paris. Um der Eheschließung zu entgehen, nimmt Julia einen Trank zu sich, der sie für Tage in einen todesähnlichen Schlaf versetzt. Romeo kommt zu spät. Wie tot liegt Julia vor ihm und aus Verzweiflung trinkt er, nichts ahnend von ihrem Plan, Gift. Als sie wenig später erwacht und den toten Romeo sieht, ersticht sie sich aus Unglück mit seinem Dolch. Der Versuch, die wahre Liebe zu leben, könnte nicht tragischer enden. Die Familien versöhnen sich schlussendlich am Grab der beiden Unglücklichen.

Die bedingungslose Bereitschaft Romeos und Julias, für die Liebe und füreinander alles zu opfern sowie ihre Liebe zur einzigen Priorität ihres Lebens zu erklären, ist der Versuch, an dem die beiden scheitern – gegen die Enge der gesellschaftlichen Konvention, gegen die Angst, nur ihren Herzen und der Stimme der Freiheit gehorchend. Und so ist diese große Liebe, die trotz aller Tragik stärker ist als die Gewalt, ein Symbol der Hoffnung.

Werke von Pjotr I. Tschaikowski, Astor Piazzolla, Philip Glass, Samuel Barber und Frank Petzold

Das 7. Kammerkonzert steckt voller stilistischer Vielfalt – von minimalistischer Klarheit bis hin zu romantischer Expressivität, die verschiedene Aspekte von „Rhythm & Blues“ ausleuchten. Den Auftakt bildet Philip Glass’ Streichquartett Nr. 3 von 1985, auch bekannt als „Mishima” als Auskopplung aus der gleichnamigen Filmmusik, zeichnet sich durch seine hypnotische Minimalistik, emotional dichte Harmonik und repetitive, fließende Strukturen aus, die meditative Intensität mit subtiler Dramatik verbinden. Samuel Barbers weltberühmtes Adagio aus dem Streichquartett op. 11 ist ein Stück von tief empfundener Melancholie und ergreifender Schönheit. Mit Astor Piazzollas selten gespieltem „Chant et Fugue“ betritt das Konzert südamerikanisches Terrain – ein spannendes Werk, das den Tango Nuevo mit kontrapunktischer Raffinesse verbindet. Frank Petzolds „Fantasy in Blue“ für Streichquartett und Klavier bringt eine frische, jazzig inspirierte Klangsprache ins Programm. Pjotr I. Tschaikowskis Streichquartett Nr. 1 D-Dur op. 11 mit seiner lyrischen Melodik, folkloristischen Anklängen und leidenschaftlichen Energie bildet den grandiosen Abschluss des Abends.

Mit: Jana Jannaschk, Anja Velea (Violine), Uwe Jannaschk (Bratsche), Dan Constantin Velea (Violoncello), Frank Petzold (Klavier)

Angesichts der Nachrichten aus Welt und Politik könnte man verzweifeln, man könnte sich ärgern oder wütend werden. Man kann daraus aber auch Theater machen. Autor und Regisseur Dominik Wilgenbus bringt in seiner Revue die schrillsten und unglaubwürdigsten Charaktere auf die Bretter, die die Welt bedeuten. Ähnlichkeiten mit realen Personen sind dabei natürlich nie rein zufällig.

In einer neuen Form des althergebrachten Mysterienspiels betreten allegorische Figuren die Bühne, jede ein Sinnbild für menschliche Schwächen und Sehnsüchte. Die Torheit stimmt stolz ihr eigenes Loblied an, während Habgier und Egoismus ihre fragwürdigen Vorzüge ins Rampenlicht rücken. Doch wem glauben wir? Wer kann uns wirklich ein "schöneres Land" versprechen? Mit einer überdrehten Mischung aus Realem und Groteskem wird unsere Zeit scharfzüngig hinterfragt. Visionen und Schreckensbilder tauchen auf, nur um am Ende am liebsten gemeinsam „weggelacht“ zu werden. Ein Abend voll Witz, Tiefgang und musikalischem Zauber!

Neukomposition von The McDaniel Brothers für das Staatstheater Cottbus

Das Schauermärchen von E.T.A. Hoffmann erzählt von dem Studenten Nathanael, den ein schweres Trauma seiner Kindheit heimsucht. Eine Reihe merkwürdiger Geschehnisse ereignet sich, sie scheinen mit dem Tod von Nathanaels Vater zu tun zu haben. Der Sandmann tritt, mal als Dämon, mal als Erfindung von Nathanaels kindlichem Ich auf. Nathanael scheint dem Wahn zu verfallen, verliebt sich in eine Puppe und endet schließlich im tragischen Selbstmord.

E.T.A. Hoffmann gilt als einer der bedeutendsten Vertreter der deutschen Romantik. Vor allem durch seine mystisch-schaurigen Erzählungen, von denen DER SANDMANN als die wohl bekannteste gilt, erlangte er Mitte des 19. Jahrhunderts posthum Weltruhm. In Cottbus vereint die Bühnenadaption des US-amerikanischen Komponisten-Duos The McDaniel Brothers, der Choreografin Alessia Ruffolo und Co-Schauspieldirektor Philipp Rosendahl die Mittel von Schauspiel, Musik und Tanz miteinander. Auf den Spuren des Unbewussten werden in dieser Neukreation die Grenzen des Sag-, Spür- und Darstellbaren in traumhaft-verästelten Bildern ausgelotet.

Diese Arbeit entsteht als spartenübergreifendes Projekt zwischen Schauspiel und Ballett sowie Cottbuser Musiker*innen.

Erleben Sie eine einmalige Darbietung voller Magie, Spaß und Spannung mit den original Fernsehpuppen!
Seit über 60 Jahren sorgt Pittiplatsch der Liebe für Spaß und Freude bei Groß und Klein. Jetzt kommt der freche Kobold mit einem neuen Programm auf die Bühne! Ab Oktober geht das Pittiplatsch Ensemble aus Berlin auf eine abenteuerliche Reise quer durch Deutschland.
Die neueste Inszenierung von "Pittiplatsch im Zauberwald" verspricht nicht nur eine Mischung aus Nostalgie und frischem Wind, sondern auch eine fesselnde Handlung.
Kinder ab 2 Jahren zahlen Eintritt. Die Vorstellung geht 60 Minuten.

Ab eine Stunde vor Beginn

Wien: Das sind Beiseln, Bars und bissiger, schwarzer Humor. Auf dem Ring flaniert man an Hofoper, Justizpalast und Burgtheater vorbei, verweilt für einen Augenblick vor der imposanten Hofburg oder grüßt das Standbild von Maria Theresia. Die Luft ist lau, die Straßenbahn rattert fröhlich in ihren Schienen und überall weht einem eine leise, melancholisch-frohe Musik um die Ohren. In einem der vielen Kaffeehäuser lässt man sich zu den Klängen eines Pianos für eine Zigarettenlänge nieder, um nicht bloß den Melodien, sondern vor allem dem neuesten Klatsch und Tratsch zu lauschen. Danach geht’s zum Spazieren den Donaukanal entlang, wo man beim Taubenvergiften den reizendsten Wiener Maderln begegnet. Abends darf es dann gern ein bisschen Kino sein.

Dieser musikalische Abend in der Theaterscheune nimmt das Publikum mit in die schöne Donaumetropole. Mit Wiener Schlagern, Filmen und Geschichten stürzen sich Frank Bernard und Heiko Walter mitten hinein ins wilde Wiener Leben, spüren dem echten habsburgischen Flair nach und weben mit leichter Hand die alten und die neuen Zeiten ineinander. Da fühlt man sich fast, als sei man selbst vor Ort. Wenn es schließlich hinaus nach Grinzing zum berühmten Heurigen in die weinselige Sommerfrische geht, bestellt man dann gern noch ein zweites oder drittes Glas …

Irlands neue Tanzsensation – Erneut auf Tournee durch Deutschland

Das pulsierende Herz Irlands in einer rasanten Bühnenshow!

DANCE MASTERS - Best of Irish Dance entführt in die magische Welt, in der traditioneller irischer
Stepptanz und lebensfrohe Musik eine unvergessliche Geschichte erzählen. Der langjährige
Showerfolg bietet eine fesselnde Reise durch zweihundert Jahre irischer Kultur – frisch, lebensfroh und
dynamisch präsentiert. Die Erfolgsshow wird in rund fünfzig Städten in Deutschland zu Gast sein.
DANCE MASTERS! – Best of Irish Dance erzählt die Geschichte des irischen Stepptanzes auf
musikalische und tänzerische Weise – beginnend mit dem Erscheinen der wandernden Tanzlehrer
(Dance Masters) vor rund 250 Jahren in den irischen Dörfern und Kleinstädten bis hin zum
internationalen Durchbruch dank eines Gastauftrittes beim Grand Prix d´Eurovision 1994.

Rahmenhandlung der gut zweistündigen Show bildet die Liebesgeschichte zwischen zwei jungen Iren,
welche den Zuschauer vom 18. Jahrhundert über verschiedene Epochen bis zur heutigen Zeit führt. 
Dance Masters ist eine Hommage an die unbändige Kraft des irischen Tanzes. Die Show verbindet
dabei die feurigen Rhythmen traditioneller irischer Musik mit der unglaublichen Präzision irischer
Weltklasse-Stepptänzer. Von den ersten zarten Schritten bis hin zu furiosen, leichtfüßigen
Tanzexplosionen. Jede Szene ist sorgfältig choreographiert, um die Jahrhunderte-alte Geschichte
Irlands durch Tanz zu erzählen. Die rund ein Dutzend irische Stepptänzerinnen und -tänzer haben ihr
Handwerk an den besten Irish-Dance-Schulen erlernt. Sie springen, wirbeln und „clicken“ in
atemberaubendem Tempo über die Bühne, unterstützt von kraftvoller Live-Musik, mit klassischirischen Instrumenten und original irischen Vocals. Die Szenerie wird untermalt mit Bildern der
grünen Insel, ausgestrahlt auf einer großen Video-Leinwand, die auch die ausgefeilten
Choreographien live und optimal ins rechte Bild rückt.

Zwei Stunden original irischer Stepptanz, hohe tänzerische Qualität, anspruchsvolle Choreographien
und authentische Kostüme verheißt die Erfolgsshow produziert und umgesetzt von Reset
Production. Unterstützt werden die Tänzer von live gespielter und gesungener Musik. Die irische
Band verbindet Gitarren- und Geigen-Klänge mit traditionellen Pipes und original irischem Gesang.

Seit fast zwanzig Jahren begeistert DANCE MASTERS! – Best of Irish Dance deutschlandweit das
Publikum – mit bisher über 750.000 Besuchern – und die Nachfrage nach diesem Mix aus
traditionellen Elementen und modernem Entertainment hält unvermindert an.

Einlass ab 18:30 Uhr

Dass Oli seine Identität im Internet gestohlen wurde, ist schlimm genug. Doch kurz darauf bricht nicht nur sein Online-Leben zusammen: Sein reales Leben wird ihm ebenfalls geraubt. Wer macht und sagt so schreckliche Dinge? Wem kann Oli trauen, so wahrgenommen zu werden, wie er wirklich ist, während die Welt ihn als Monster sieht? Bald fragt er sich, ob sein reales Ich je existiert hat. – In einer deutschsprachigen Erstaufführung entspinnt sich ein abgründiger Thriller, in dem nichts so ist, wie es scheint, und keiner ist, wer er ist. Denn vielleicht wird Olis Geschichte aus einer ganz anderen Perspektive erzählt, die die Wirklichkeit ins Unwirkliche verkehrt. Vermutlich heißen sogar Stück und Autor*in ganz anders, weil man sich während der Recherche selbst im Stück verlor? Aber garantiert bekommen Sie einen unterhaltsamen, hoch dramatischen wie verwirrenden britischen Krimi zu sehen, erzählt in Dialogen wie aus einer spannenden Netflix-Serie, die Hausregisseur Philipp Rosendahl, als Liebhaber des Well-made plays, hier inszeniert – wirklich!

Eine Koproduktion mit Lausitz Festival

1974 hinterlässt Brigitte Reimann mit FRANZISKA LINKERHAND ihren unvollendeten Kultroman, als Literatur gewordene Sehnsucht eines Menschen nach einem glücklichen Leben. Franziska Linkerhand ist Stadtplanerin, Liebende, Visionärin und das Alter Ego ihrer Autorin Brigitte Reimann. Die Titelfigur möchte – mal enthusiastisch, mal hochmütig, mal manisch – ihre Ideale von einem glücklichen Leben und menschenwürdigem Städtebau verwirklichen. Doch bleibt dies nicht ohne Konflikte mit bestehenden Strukturen und Ideologien. Auf den Status Quo, mit all seinen Berufen, Männern, Städten und Familien, schaut sie mit dem Blick einer Frau, die von all dem nichts Geringeres fordert als alles Glück dieser Erde. FRANZISKA LINKERHAND erzählt von Verlusten und Utopien und stellt die Frage nach der Welt, in der wir leben wollen.

Die Vorstellungen, Wünsche und Hoffnungen einer jenseitigen Welt bewegen die Menschen seit jeher. Für Lili Boulanger war die Auseinandersetzung mit diesen Themen zum Zeitpunkt der Komposition ihres „Vieille prière bouddhique“ sehr präsent, das nur wenige Monate vor ihrem frühen Tod entstand. Durch die Brille eines buddhistischen Gebets formuliert sie den sehnlichen Wunsch nach Frieden und Harmonie unter allen Menschen.

Johannes Brahms beschäftigte sich im „Schicksalslied“ und in der „Nänie“ mit der menschlichen Vergänglichkeit und der Frage, was dennoch Bestand hat. In beiden Werken wendet der Komponist die literarischen Vorlagen ins Positive. So endet das „Schicksalslied“ mit ätherischen Klängen voller Hoffnung anstelle von Ausweglosigkeit des menschlichen Lebens und die „Nänie“ mit dem Überdauern alles Schönen in der vom Menschen geschaffenen Kunst.

Auch Gustav Mahler entwirft in seiner Sinfonie Nr. 4 eine Vision des himmlischen Lebens. Sie ist vordergründig sein heiterstes Werk und greift letztmalig in seinem Schaffen auf die Liedersammlung „Des Knaben Wunderhorn“ zurück. Nach den gewaltigen Dimensionen der ersten drei Sinfonien sind die Mittel hier zwar reduzierter, aber in ihrem intimeren Ausdruck nicht weniger berührend.

Lili Boulanger: Vieille prière bouddhique (Altes buddhistisches Gebet)
Johannes Brahms: Nänie op. 82, Schicksalslied op. 54
Gustav Mahler: Sinfonie Nr. 4 G-Dur

Anne Martha Schuitemaker (Sopran)
Opernchor
Singakademie Cottbus e.V.
Philharmonisches Orchester
Dirigent: GMD Alexander Merzyn

Bearbeitung von Jürgen Wölffer

Philipp Klapproth langweilt sich. Auf seinem Landsitz bei Berlin scheint es ihm, als hätten alle mehr zu erleben und mehr zu erzählen als er. Seine Idee: Eine Nervenheilanstalt muss her!

Ein Tag bei echten „Irren“ verspricht eine Menge Geschichten für den Stammtisch auf dem Land. Er ködert seinen Neffen mit einer finanziellen Spritze, wenn er ihm so ein Etablissement ausfindig mache. Gelockt vom Versprechen des Geldes, erklärt dieser die stinknormale „Pension Schöller“ zur Irrenanstalt. Der Plan geht auf, der Onkel trifft dort auf die exzentrischen Gäste der Pension und die geben eine hervorragende Nervenheilanstalt ab. Da sind zum Beispiel der Wissenschaftler Bernhardy, der von Löwenjagden zu erzählen weiß, die Schriftstellerin Zillertal, die Geschichten sammelt, oder der Major a.D., der zum Duell fordert. Als die Figuren plötzlich bei Klapproth zu Hause erscheinen, ist das Chaos perfekt.

PENSION SCHÖLLER ist auch hundert Jahre nach seiner Entstehung noch ein Paradebeispiel für das Verschwimmen von Normalität und Irrsinn und zeigt mit Humor und grandiosem Tempo, wie fließend die Grenzen zwischen den Verrückten und den Vernünftigen sein können.

Regisseur Max Simonischek bringt die Komödie in seiner ersten Arbeit für das Staatstheater Cottbus auf die Große Bühne. Das vermeintlich harmlose Lustspiel wird zur Groteske, zum Tränen lachen und zum Ensembletheater voll großer Spiellust, mit Sinn für Humor und Rhythmus.

Ein märchenhaftes Musical für Jung und Alt

Inhalt:
Die Feenköniginnen des Lichts Raitusuta und der Dunkelheit Morrigana verbindet eine tiefe Liebe, denn ihre Reiche Dieseits und Jenseits sind so eine Einheit. Doch diese Liebe wird jäh erschüttert, als Morrigana das Lichtkristall Raitusutas aus Neugier in der Nacht stiehlt, weil sie auch einmal ihr Licht spüren möchte. Daraufhin verbannt Raitusuta Morrigana ins Jenseits, verschließt einseitig die Pforte und lässt das mächtigste Wesen des Feenreiches, das Einhorn, diese bewachen.

Morrigana fällt in eine tiefe Dunkelheit und erschafft in ihrer Einsamkeit aus dem Staub der Toten Dunkelfeen, Kreaturen der Finsternis. Immer wieder gelingt es ihr, böse Gedanken am Einhorn vorbei ins Feenland zu schicken. Diese treffen auf die unsichere, oft einsame Sumpffee Hydraca, die als Pflanzenexpertin eine Wesen erschaffen will, dass ihr eine echte Freundin sein kann. Denn ihre eigentliche Freundin Brillanta ist, seit dem sie einen Freund hat, nicht mehr wirklich für sie da und nervt sie auch mit ihrer ständig positiven Art. Morrgiana konzentriert ihre ganzen Gedanken auf Hydraca, die dadurch unter extremen Stimmungsschwankungen und Migräne leidet, was wiederum alle anderen Feen nervt, da sie die wahre Ursache für Hydracas Problem nicht erkennen können oder wollen. Hydraca wird mehr und mehr zur Hassfee. Morrigana gelingt es durch einen Gedankenavatar Hydraca einen Samen für das Pflanzenwesen Mancinea zukommen zu lassen. Sie will so die Kontrolle im Feenreich erlangen und aus dem Jenseits ausbrechen. Hydraca erschafft Mancinea, doch diese wird am Ende unkontrollierbar. Raitusuta erkennt, dass sie Morrigana zu hart behandelt hat und ihr "Nicht-vergeben-können" die Ursache für alles ist... doch nun scheint alles zu spät zu sein. Mancinea hat ihre Früchte im Feenland verteilt, und schickt sich an, alles zu vernichten...

Das spannende Feenmusical "Die Frucht der falschen Träume " wird sicher für die eine oder andere Überraschung sorgen. Welche unglaubliche Rolle dabei ein sogenanntes Pauzelmauz spielt, erfahren die Zuschauer in den Vorstellungen dieser neuen märchenhaften Produktion des Cottbuser Kindermusicals aus der Feder von Torsten Karow. Die Enkelin des Gründervaters des COTTBUSER KINDERMUSICALs Emily Miesler, 2022 mit dem Europäischen Jugendmusical-Preis für ihre Rolle als Surya in "LARA und das Weinen der Sterne" ausgezeichnet, steuerte drei neue Songs bei.

Regie führt Anika Kuschka, die Choreographien entwickelte Verena Otto und die musikalischen Arrangements schufen Carina Pannicke, Siegbert Himpel und Detlef Bielke.