Viele Jahrzehnte lang war St. Pauli die unkonventionelle Vorstadt Hamburgs, Hafen- und Vergnügungsviertel. Hier sammelten sich die Menschen, die innerhalb der Stadtmauern nicht erwünscht waren. Auch die LGBTQI+ Community fühlte sich hier willkommen – wo die Kaufmannstochter mit dem Seemann tanzen konnte, waren auch gleichgeschlechtliche Paare auf der Tanzfläche nichts Anrüchiges.

Auf diesem Stadtteilrundgang geht es um Verfolgung der queeren Community während der Zeiten, in denen der Paragraph 175 noch Bestand hatte – viele Biografien hinter Stolpersteinen erzählen Geschichten dazu. Auf der anderen Seite fand die Community kreative Schlupflöcher, etablierte Orte der Begegnung und übte Widerstand gegen Diskriminierung. Queere Menschen waren und sind in der Sexarbeit, als Wirt:innen und als Künstler:innen tätig und haben auf St. Pauli einiges bewegt. Wir schauen uns queere Orte der Ausgehkultur der letzten hundert Jahre bis heute an und stoppen für einen Drink in der ältesten Schwulenbar Hamburgs.

Wer kann Euch den Stadtteil und den Kiez am besten näher bringen? Die Antwort kann nur lauten: Leute von hier! Daher werden alle St. Pauli Kieztouren von Anwohner*innen geführt. Denn eines haben wir alle gemeinsam: Wir lieben diesen Stadtteil und wollen dessen einmaliges Flair mit Euch teilen.

Bitte melde dich 15 Minuten vor Tourstart an der Rezeption am Sankt Pauli Office, Wohlwillstraße 1, an

Kindertheater ab 5 Jahren präsentiert vom Regionentheater aus dem schwarzen Wald.

Die Olchis leben glücklich mitten im Müll - zwischen alten Autoreifen, verbeulten Dosen und duftenden Bananenschalen. Was für andere Abfall ist, ist für sie ein Festmahl! In ihrer schräg-liebenswerten Welt herrscht Chaos, Gestank und gute Laune - und das ist genau so, wie sie es mögen.

Ganz anders der Bürgermeister von Schmuddelfing: Ein Mann, der Ordnung liebt und am liebsten den ganzen Tag arbeitet. Nur seiner Frau zuliebe lässt er sich zu einem Spaziergang in die Natur überreden - widerwillig, versteht sich. Doch ausgerechnet dort stößt er auf die Olchis und ihre ungewöhnliche Lebensweise.

Fasziniert - und ein bisschen entsetzt - erkennt er das Potenzial dieser seltsamen Wesen: Wenn jemand den Müll von Schmuddelfing beseitigen kann, dann sie! Doch was als clevere Idee beginnt, führt bald zu neuen Problemen - denn eine saubere Stadt ist nicht unbedingt eine glückliche.

Mit viel Musik, Humor und Fantasie erzählt dieses Stück von zwei Welten, die aufeinandertreffen: von Ordnung und Chaos, von Sauberkeit und Lebenslust - und davon, dass man das Glück manchmal genau dort findet, wo es stinkt.

Dauer: ca. 50 Min. ohne Pause

Einlass: ab 9:30 Uhr

Die Gesellschaft ist zerstritten, der Döner kostet 8€ und fiese neue Mücken pieksen jetzt noch pieksiger. Die Welt versinkt im Chaos und selbst Ordnungsqueen Marie Kondo räumt nicht mehr auf. Das Einzige, was uns jetzt noch retten kann, sind ein großer Bottich Eis und die romantische Kaminfeuer-DVD.
Lara Ermer macht sich’s trotzdem nicht zu gemütlich und rechnet ab – im Zweifel mit sich selbst. Mit einer guten Prise Charme bewaffnet widmet sie sich den wichtigen Fragen des Lebens, ohne sich daran die Finger zu verbrennen.
Warum zur Hölle werden wir in gesellschaftlichen Diskussionen so verschissen schnell ausfallend? Wenn ich auf jeden Fall recht habe – was hast dann du? Und wer schwitzt mehr beim Sommerpicknick: Ich oder der Käse?
Hinter dem Programm stehen wasserfeste Recherchen, die Tiefen des Internets und ein abgeschlossenes Psychologiestudium. Ernstzunehmender wird Comedy nicht.
In „Leicht entflammbar“ genießt die Comedienne das Spiel mit dem Feuer: Mal liefert sie unterhaltsamen Krawall, mal ein feines Knistern, an dem das Publikum sich wärmen kann. Also besorgt schon mal die Marshmallows, an Lara Ermers Lagerfeuer ist Platz für alle – aber wehe, einer packt die Klampfe aus und fängt an, Wonderwall zu singen!

Saalöffnung & Bewirtung ab 18.00 Uhr

Die irische Tradition ist wie eine Batterie, die sich seit Jahrhunderten immer wieder selbst auflädt. Die Energie und Lebensfreude, die man von ihr bekommt, fließt mit jeder Session, mit jedem Konzert in sie zurück und hält den Kreislauf in Schwung. Wer daran teilnimmt gibt viel und bekommt viel zurück. Glück, das man mit anderen teilen kann ist immer stärker als das, das man alleine erlebt. Kollektive Erinnerung und kollektives Gedächtnis verbinden. Es ist faszinierend, dass die Tradition einfach da ist und man an ihr so unkompliziert teilhaben kann, obwohl in unserer Welt alles immer nur teurer wird. Sie ist „gold dust in your pocket“, den man immer wieder aufs Neue findet, wenn man in den Anzug der Tradition schlüpft.

Also schauen wir mal welche Gold Nuggets uns die Tradition im 53sten Jahr der Irish Folk Festival Tour in die Hosentasche gezaubert hat.

Wir freuen uns auf Euch! Natürlich beim IFF mit vier Programmpunkten, die unterschiedlicher nicht sein könnten, die sich aber bei der Session als Höhenpunkt des Abends zu einem schillernden Regenbogen verbinden. Ein irischer Mythos besagt, dass am Ende des Regenbogens ein Schatz verborgen ist. Dieser Schatz ist bis heute ein Symbol für Sehnsucht, Glück und den Traum vom Unerreichbaren. Und vielleicht ist es ja auch genau das, was uns seit jeher fasziniert: Dass man sich auf die Suche macht – wohl wissend, dass das Ende des Regenbogens nie zu finden ist.

Kommt mit uns auf die Suche!

BRIAN LEACH • Master of the hammered dulcimer

Die Musik von Brian Leach ist ein sphärisches Klanguniversum – traditioneller, progressiver Folk auf dem Hammered Dulcimer, voller Tiefe und Magie. Traditionelle Melodien verschmelzen mit weiten, frei improvisierten Klangbögen und pulsierenden Rhythmen. Der Hammered Dulcimer – ein Hackbrett, das in vielen Kulturen anzutreffen ist, ist in der irischen Tradition eher selten, eignet sich aber bestens dafür, denn das Instrument vereinigt sowohl Melodie als auch Begleitung. Brian sagt: Wenn ich im Idiom der traditionellen Musik komponiere, tauche ich in Orte und Ideen ein, lasse mich von Begegnungen mit Menschen und Landschaft tragen. Irische Musik kommt – so meine Überzeugung – aus dem Land, dem Meer, der Erde, den Klippen und dem Wind, die uns umgeben. Es ist eine lebendige Tradition, weil diese Elemente uns immer noch etwas zu erzählen haben. Es ist Aufgabe des Komponisten zuzuhören und diese Botschaft weiterzugeben.“ Brians kosmischer Sound öffnet Tore zwischen den Welten: uralte Schichten keltischer Tradition verbinden sich mit einer frischen, visionären Energie. Sein Hackbrett Marke Eigenbau klingt wie kein anderes – neu, überraschend, unverwechselbar – und zieht das Publikum in seinen Bann. In seine Musik hat er auch Hackbrett Techniken anderer Kulturen vom Balkan bis Indien übernommen. Seine Kompositionen wurden unter anderem in der National Concert Hall Dublin aufgeführt und er ist immer wieder zu Gast bei BBC Radio und im RTÉ-Fernsehen.

BRIAN HAITZ & BRENDAN MULHOLLAND • A duo of many sounds

Das Irish Folk Festival ist musikalisch wie ein Degustationsmenü: feine, handverlesene Häppchen, die Lust machen auf die grüne Insel und ihre Musik. Mit ihrem Auftritt zeigen Brendan Mulholland und Brian Haitz, wie intensiv nur zwei Musiker ein Publikum fesseln können. Holzquerflöte und filigrane Gitarre verschmelzen zu virtuosen Instrumentals, ergänzt durch ausgewählte Songs. Ihre Musik hinterlässt ein Gefühl von Leichtigkeit und inspiriert – echte Nahrung für die Seele.
Brian Haitz, Multiinstrumentalist und Sänger, wurde beim Sidmouth Folk Festival als Young Musician of the Year ausgezeichnet. Seine Karriere führte ihn ins Studio und auf die Bühne mit Irish-Folk-Größen wie Paddy Keenan und Alan Doherty sowie Weltmusikern wie Rüdiger Oppermann.
Brendan Mulholland stammt aus der nordirischen Grafschaft Antrim und gilt international als einer der herausragenden Flötisten seiner Generation. Sein expressiver Stil, geprägt von markanten „blue notes“ und unverwechselbarem Vibrato, ist auf zahlreichen Aufnahmen zu hören. Renommierte Künstlerinnen und Bands wie Mary Dillon, Tempest, Grainne Holland und John Carty luden ihn zu Tourneen und CD-Produktionen ein.

ASTRO BLOC • A dynamic new folk band

Sie haben sich in einem Pub Namens „Bloc“ bei einer Session kennen gelernt. Doch der Bandname „Astro“ verweist auf das Weltall, Sterne, etwas Kosmisches – ein Bild für Weite, Vision oder grenzüberschreitende Kreativität. Im Verbund mit „Bloc“ werden die starken Bande des Kollektivs beschworen. Zusammen ist „Astro Bloc“ ein Symbol für eine kreative Einheit mit kosmischer Weite. Mit an Bord: Fiddlerin Eryn Rae, BBC Radio Scotland’s Young Traditional Musician of the Year, der international gefeierte PercussionVirtuose und Drummer Paul Jennings, die Ausnahmemusikerin Éadaoin Ní Mhaicín, die sich sage und schreibe 11 x den „All Ireland Champion Titel“ auf mehreren Instrumenten erspielt hat und der innovative Gitarrist Gillie O’Flaherty mit seiner genreübergreifenden Begleitung. Das Herzstück des Raumschiffs sind die zwei Fiddles der jungen Damen, die sich gegenseitig die Bälle zuwerfen. Mal im Gegenrhythmus, mal in süßer Harmonie und mal im atemberaubend schnellen Unisono. Auf ihre kosmische Umlaufbahn werden sie geschossen vom kraftvollen Antriebssystem aus Schlagzeug und Gitarre. Gemeinsam lassen sie die Funken sprühen und verleihen der Folkszene eine frische, lebendige Energie. Inspiriert von den Klangwelten Schottlands, Irlands. Eine junge, kraftvolle Folkband, die Tradition mit unbändiger Kreativität verschmilzt und einen aufregenden Sound erschafft, der das Genre neu definiert.

THE OUTCAST CREW • The godfathers of punky Folk

The Outcast Crew reißen das Regelbuch in Stücke und verpassen der keltischen Musik eine ordentliche Portion Feuer. Ihr Sound ist rau, wild und ansteckend – Irish Trad-Punk, wie man ihn schon lange nicht gehört hat. Ob auf den Bühnen Europas oder direkt aus den Lautsprechern zu Hause: An dieser Band kommt niemand vorbei. Bekannt als die „Godfathers of Punky Folk“, entzünden sie Musik, anstatt sie nur zu spielen. Ihr Song „Bound for Hell“ schaffte es nicht nur auf internationale Bühnen, sondern auch in eine BBC-Dokumentation über die Kinahans – Irlands berüchtigtste Verbrecherfamilie – ein klares Zeichen für ihre Energie und Wucht. Die Rhythmusgruppe aus Schlagzeug und E-Bass schürt eine pulsierende Glut, auf die eine betörende nach Irish Folk duftende Essenz aufgegossen wird. Dies ist ein hundertprozentiges Destillat aus Fiddle, Gitarre und Gesang. Die Reibeisenstimme des Sängers und Gitarristen Brian O’Mahoney ist die eines Raubeins und so sieht er auch aus. Bart, Schiebermütze und eine treibend gespielte Gitarre. Optisch sind sie schon Legende – Schiebermützen, zerzauste Bärte und Blicke, als hätten sie jede Spelunke von Cork bis Boston gesehen. Jetzt gibt es mit ihnen endlich eine Band von echtem Schrot und Korn. Mit den „Godfathers of punky Folk“ hat dieser Musikstil genau die richtigen Paten, um weiterhin gut zu gedeihen.

Einlass 1 Stunde vor Beginn

Die Komische Nacht ist eines der erfolgreichsten Live-Comedy-Formate in Deutschland. In den schönsten Cafés, Restaurants und Spielstätten einer Stadt erlebt ihr einen kurzweiligen und ausgelassenen Abend - mit bester Unterhaltung durch verschiedene Comedians, Kabarettisten und anderen Komiker*innen. Dabei ist keine Komische Nacht wie die andere.

Die Komische Nacht bietet einen bunten und aufregenden Querschnitt durch die aktuelle Comedyszene in Deutschland. In jedem Spielort treten an einem Abend bis zu 5 Comedians jeweils ca. 20 Minuten auf. Das Beste: Bei der Komischen Nacht müsst nicht ihr von Lokal zu Lokal wandern, um verschiedene Comedians sehen zu können. Ihr braucht euch lediglich eine Eintrittskarte für euer Lieblingslokal holen und bekommt von uns mehrere Künstler*innen „serviert". Bei der Komischen Nacht sind es nämlich die Comedians, die zwischen den Spielorten umherziehen. Runter von der einen Bühne, rauf auf die nächste. Das ist sowohl für die Künstler*innen als auch für das Publikum ein wahrhaftiger Comedy-Marathon.

Egal ob Restaurant oder Studi-Kneipe, ob Kulturzentrum oder Friseursalon, ob Kino-Saal oder Cocktail-Bar – die Spielstätten der Komischen Nacht sind genauso vielfältig wie die Comedians, die hier auftreten. Überall gleich ist jedoch der Spaßfaktor. Bei der Komischen Nacht steht das Lachen im Vordergrund. Und weil alleine lachen zwar geht, mitunter aber auch skurril wirken kann, geht man am besten mit Freund*innen, Kolleg*innen oder – je nach Härtegrad eures Humors - den Schwiegereltern zu einer Komischen Nacht. Gemeinsam könnt ihr lachen, lecker essen und trinken und habt in den Pausen zwischen den Auftritten sogar noch genügend Zeit, um euch mal wieder entspannt zu unterhalten.

Die erste Komische Nacht zog übrigens 2008 durch die Oldenburger Innenstadt. Mittlerweile findet dieser einzigartige Comedy-Marathon regelmäßig in über 40 deutschen Städten (u.a. in Bielefeld, Frankfurt, Hannover, Kassel, Lübeck, Münster und Oldenburg) statt.

Einlass ab ca. 18:00 Uhr

Hier keine Tickets verfügbar

Tauchen Sie ein in eine mitreißende Tanz- und Gesangsshow, die den Flamenco hautnah erlebbar macht. Präsentiert wird eine Darbietung, in der Sie die kraftvolle Seele dieses spanischen Kulturerbes spüren. Mit dabei: internationale Gaststars, die weit über die Grenzen Spaniens für ihre Auftritte geschätzt werden.

Veranstalter: Flamenco-Studio Renate Wagner

Einlass: 19:00 Uhr

Herzlich willkommen in einem unvergleichlichen Weinabenteuer!

Bei unserer Weinwanderung auf den Freiburger Schlossberg erwartet dich nicht nur exzellenter Wein, sondern auch ein atemberaubender Panoramablick über Freiburg und die idyllische Umgebung in der "Toskana Deutschlands".

Erkunde mit uns den malerischen Schlossberg, während unsere erfahrenen Guides dir spannende Fakten zum Weinbau und den angebotenen Weinen näher bringen.
In Zusammenarbeit mit dem Weingut Lena Flurbacher aus Ihringen am Kaiserstuhl - einer der wärmsten und schönsten Orte Deutschlands inmitten eines erloschenen Vulkans- probieren wir fünf erlesene Weine, die die Sinne betören und uns auf eine genussvolle Reise entführen.

Diese Weinwanderung vereint die Freuden des Weins mit der Faszination der Natur und Fakten rund um den Schlossberg - und bietet ein unvergessliches Erlebnis!
Während wir gemütlich über die Hänge des Schlossbergs wandern, öffnet sich vor uns eine beeindruckende Aussicht: Die Schönheit des Rheingrabens, der prägnante Kaiserstuhl und die majestätischen Vogesen werden uns verzaubern.

Da sich der Freiburger Schlossberg direkt am Rande der Freiburger Alt- und Innenstadt befindet, startet die Weinwanderung in der Freiburger Innenstadt und endet an einer anderen Stelle in der Freiburger Innenstadt (Altstadt). Der Start- und Endpunkt sind nur 3 Gehminuten entfernt.

Treffpunkt:
In der Freiburger Innenstadt am Aufgang der Fußgängerbrücke “Karlssteg, welche vom Karlsplatz zum Stadtgarten führt. Der Treffpunkt ist am Brückenaufgang auf dem Karlsplatz, gleich neben dem Motorradstellplatz. Unsere Guides sind an der gelabelten Oberbekleidung zu erkennen.

Endpunkt:
In der Freiburger Altstadt vor dem Gasthaus Löwen - Altstadt, Herrenstraße 47, 79098 Freiburg im Breisgau

Bitte beachten Sie: Teilnahme bei allen unseren City-Touren erst ab 18 Jahren. Personen unter 18 Jahren können nicht teilnehmen, auch nicht in Begleitung von Erziehungspersonen oder Aufsichtspersonen.

Einlass (empfohlene Ankunftszeit): 10 min zuvor

Das Hamburg Stage Ensemble setzt sich aus jungen, hochqualifizierten Instrumentalisten zusammen, die gemeinsam die Vision verfolgen, Musik nicht nur zu spielen, sondern auch zu vermitteln. Hierbei steht die Freude am gemeinsamen Spiel im Mittelpunkt. Durch die kleine Besetzung und den bewussten Verzicht auf einen Dirigenten soll das Publikum unmittelbar am Konzertgeschehen teilhaben können.

Abermals wird der Geiger Arsen Zorayan als Solist und künstlerischer Leiter agieren, erneut wird das Publikum auf eine Reise durch die vier Jahreszeiten mitgenommen – jedoch heißt der Komponist diesmal nicht Antonio Vivaldi, sondern Astor Piazzolla. Facettenreiche, beschwingende Tangos und Balladen von Piazzolla und anderen lateinamerikanischen Komponisten erklingen auch im zweiten Teil des Programms, für den das Hamburg Stage Ensemble den herausragenden Bandoneonisten Michael Dolak als Solisten gewinnen konnte.

Kurztext:
Nicole Staudinger – Time for Tacheles-Tour 2026
Etwas hat sich verändert – der Ton, der Umgang, der ganze Vibe. Während Werte bröckeln und alte Strukturen wieder laut werden, ruft Nicole Staudinger: Es ist Zeit für Tacheles!
Mit Herz, Humor und messerscharfer Beobachtung spricht Deutschlands bekannteste Kommunikationstrainerin – auch besser bekannt als die Schlagertigkeits-Queen - über das, was viele spüren, aber kaum in Worte fassen können. Sie zeigt mit gewohntem Humor, klarer Haltung und viel Herz, wie wir uns Gehör verschaffen, wenn andere lauter werden – und wie wir unsere Gesellschaft mutig, bunt und klar mitgestalten können.
Ein Abend, der aufrüttelt, beflügelt und bestärkt.
Ehrlich. Witzig. Wachrüttelnd. – Time for Tacheles.

Einlass 19:00 Uhr

Disillusion kündigen ihre LIVE SPRING 2026 Tour an.

Zwischen zwei Albumproduktionen nehmen sich die Leipziger Progressive-Metal-Visionäre
DISILLUSION im Frühjahr 2026 Zeit, um ihre unvergleichliche Bühnenenergie erneut live zu
entfesseln – in Deutschland und Europa.

Neben Songs vom aktuellen Album AYAM rückt auch das 20-jährige Jubiläum von GLORIA in
den Fokus der Setlist – ein Werk, das auch zwei Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung nichts
von seiner zeitlosen Strahlkraft verloren hat. Und da die Herren auch keineswegs untätig
sind…ein neuer Track?

Nach der erfolgreichen, vielerorts ausverkauften Tour 2024, die Auftritte in Deutschland,
Frankreich und den USA umfasste, dürfen sich Fans nun auf eine neue intensive Live-Erfahrung
freuen – emotional, episch und kompromisslos.

19:00

Lena Neudauer [Violine]
Wen Xiao Zheng [Viola]
Sebastian Klinger [Violoncello]
Rick Stotijn [Kontrabass]
Silke Avenhaus [Klavier]

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Johann Sebastian Bach: Cello-Suite Nr. 5 c-Moll, BWV 1011
Gioachino Rossini: Duetto für Violoncello und Kontrabass
George Onslow: Klavierquintett G-Dur
Franz Schubert: Forellenquintett A-Dur D 667

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Bereits im Alter von 15 Jahren errang Lena Neudauer internationale Aufmerksamkeit, als sie den Leopold-Mozart-Wettbewerb in Augsburg nicht nur gewann, sondern auch nahezu alle Sonderpreise erhielt. Zahlreiche Aufnahmen dokumentieren ihr künstlerisches Schaffen, die von der Kritik euphorisch u. a. als Sternstunde und neue Referenzaufnahmen gefeiert und mit dem Supersonic Award ausgezeichnet wurden.

Wen Xiao Zheng – in China geboren – begann bereits im Alter von vier Jahren, Geige zu spielen. Als Preisträger vieler internationaler Wettbewerbe errang er u. a. 2008 den zweiten Preis und den Publikumspreis beim Internationalen Musikwettbewerb der ARD. Nach vierjähriger Tätigkeit als Solobratscher bei den Bamberger Symphonikern wechselte Wen Xiao Zheng 2014 in gleicher Position zum Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, 2019 kehrte er nach Bamberg zurück.

Sebastian Klinger wird von der internationalen Presse gerühmt für seinen warmen Ton und die Intensität seines Ausdruckes – ebenso wie für seine makellose Technik und höchste Musikalität. Schon früh Preisträger und Gewinner zahlreicher Wettbewerbe, konzertiert Sebastian Klinger heute
international als Solist mit renommierten Orchestern und Dirigenten.

Der Niederländer Rick Stotijn wurde nach einem Engagement beim Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin als Solo-Kontrabassist ins Schwedische Radio-Sinfonieorchester berufen; er spielt u. a. im Mahler Chamber Orchestra sowie im Chamber Orchestra of Europe. Als Kammermusiker arbeitete u. a. mit Janine Jansen, Vilde Frang, Tabea Zimmermann sowie den Pianisten Julius Drake und Lars Vogt.

Silke Avenhaus überzeugt seit Jahren Publikum und Kritik mit Künstlertum und Entdeckungsfreude. Zahl reiche Auszeichnungen wie der Diapason d'Or, der Supraphon Award sowie die Nominierung für den Grammy Award belohnen ihre lustvoll kreative Herangehensweise an die solistische und kammermusikalische Literatur. Regelmäßig ist sie bei renommierten Festivals und Konzertreihen in Europa, den USA und Asien zu hören. Auch die über 40 CD-Einspielungen dokumentieren ihre künstlerische Bandbreite.

Einlass ab 18.30 Uhr

Der Vorverkauf beginnt am 08.10.2026 um 9 Uhr (für Grünwalder Bürger am 07.10.2026 um 9 Uhr)!

Nacht der Gitarren 2026 feat. MINNIE MARKS (Australia), ROXANE ELFASCI (France), NIWEL TSUMBU (Congo), ANDRÉ CAVALCANTE (Brazil)

Die „Nacht Der Gitarren“ versammelt die weltbesten Gitarristen für eine Festivaltour (jeweils vier Musiker), auf der sie ihre neuesten Originalkompositionen sowie Coverversionen präsentieren - zu jeder Tour eine neue Riege von Gitarren-Koryphäen, die einen sehr speziellen Abend mit Solo-, Duett- und Quartettauftritten gestalten. Virtuosität und Vielfalt - spannend ist das Festival, weil sich hier verschiedene Kulturen treffen, aber auch jüngere Künstler auf erfahrenere Musiker stoßen. Es ist diese Mischung, die das Geniale ausmacht bei ihren Konzerten. Fans der akustischen Gitarre kommen hier immer auf ihre Kosten, sie lernen jedes Mal neue Talente oder interessante etablierte Künstler kennen. Wer die Gitarre liebt, wird die Nacht der Gitarren lieben.

ANDRÈ CAVALCANTE

"Solo acoustic instrumental fingerstyle Guitar"

Bachelor-Abschluss in klassischer Gitarre an der Universität von Rio de Janeiro, fand André seine Berufung zunächst im Bereich der Musikproduktion: Er hat sich als einer der angesehensten Musikproduzenten im religiösen Segment Brasiliens etabliert, arbeitet mit Universal Music zusammen, mit Sony und Somlivre und mit einigen der größten Namen der brasilianischen Musikszene, darunter Gabriela Rocha, Paula Fernandes, Sandy und Zé Neto e Cristiano.

Ergebnis: drei Grammy-Nominierungen als Musikproduzent und Mixing/Mastering-Ingenieur sowie mehreren Auszeichnungen bei großen Musikfestivals in Brasilien gewürdigt.

Aber: Er selber ist ein ebenfalls herausragender Solo-Künstler, seine Fingerstyle-Technik atemberaubend. Und vielgefragt: Sein erstes Fingerstyle-Gitarren-Instrumentalalbum hat über 8 Millionen Aufrufe auf YouTube erzielt und damit seine Position als charismatischer und talentierter Musiker gefestigt. Seine Version von Hillsongs „Oceans“ hat auf YouTube über 4 Millionen Aufrufe erzielt, eine beeindruckende Zahl für einen Instrumentaltitel. Darüber hinaus war auch seine Fingerstyle-Interpretation von Leonard Cohens „Hallelujah“ sehr erfolgreich. Kürzlich hat André seine Version von Michael W. Smiths „Agnus Dei” veröffentlicht. Seine einzigartige Interpretation verleiht diesem legendären Gospel-Song eine neue Dimension.

MINNIE MARKS

“A one-woman band, dirty slide and tasty grooves all the way from ‘Down Under’ Australia”

Eine seltene Dreifachbegabung: Sängerin, Songwriterin und Multi-Instrumentalistin. Eine akustische Überwältigung, diese Frau. Unmöglich zu ignorieren.

Mit ihrer alten Goldtop über der Schulter und einem revolutionären Fußtrommel an den Füßen tourt sie unermüdlich um die Welt mit ihrer wilden, dynamischen Gitarrenkunst und ihrer wahnsinnig kraftvollen, souligen Stimme, die ihre Songs in die Welt katapultiert, als hinge ihr Leben davon ab. Und als ob das noch nicht genug wäre, erzeugt sie gleichzeitig mit ihren freien Gliedmaßen auf ihrem Foot Drum-Kit Grooves, die einem das Mark in den Knochen erschüttern. Eine gigantische Klangwand, die man gesehen haben muss, um sie zu glauben.

Im Jahr 2025 wurden Marks' leidenschaftliches Engagement und ihre unvergleichliche Live-Energie mit der Auszeichnung „Musikerin des Jahres” bei den Sunshine Coast Music Awards gewürdigt. Zuvor schon war sie als „Beste Gitarristin” beim Open Arms Festival ausgezeichnet worden und hat den „People’s Choice Award” sowohl beim Blues at Bridgetown Festival als auch beim Nannup Music Festival entgegen genommen.

Drei Studio- und ein Live-Album, das in Stuttgart aufgenommen wurde, ihr nächstes Album wird in diesem Jahr erscheinen. Eine weitere musikalische Explision,
es ist eine musikalische Explosion, die Sie nach mehr verlangen lassen wird, hier einige Kommentare von den Besten der Branche:

„Badass.“ – Jennifer Batten (Michael Jackson, Jeff Beck)
„Eine der beeindruckendsten Shows unseres Lebens!“ – Carl Verheyen (Supertramp)
„Holy Moly! Minnie, du groovst so verdammt gut“ – Joey Landreth (The Bros Landreth)
„Unbestreitbare Virtuosität, Energie und eine GROSSE Persönlichkeit in jeder Performance.“ – Joe Robinson

NIWEL TSUMBU

"Global Fusion"

Ein virtuoser, im Kongo geborener und in Irland lebender Gitarrist, der einen einzigartigen und mitreißenden Stil geschaffen hat aus so unterschiedlichen Einflüssen wie Jazz, Klassik, Rock, Folk und Rumba. Manchmal ist Tsubus Musik ein tiefer emotionaler Brunnen, der Freude und Traurigkeit aus universellen menschlichen Quellen schöpft. Zu anderen Zeiten ist sie ein Hightech-Vehikel, das voller Begeisterung über Nationen, Kontinente und den Kosmos hinwegflitzt.

Tsumbu hat sein internationales Profil in den letzten zehn Jahren stetig ausgebaut und wurde von All About Jazz für seine „exquisite und fast nahtlose“ globale Fusion gelobt.

Er hat mit Künstlern wie Nigel Kennedy, Sinead O’Connor, Buena Vista Social Club und Baaba Maal aufgenommen und ist mit ihnen aufgetreten. Im Jahr 2021 festigte Tsumbu seine globale Reichweite mit seinem Gitarrenspiel auf dem Grammy-prämierten Album „They’re Calling Me Home“ von Rhiannon Giddens und Francesco Turrisi. Er ist nun Mitglied der Band von Rhiannon Giddens.

Tsumbu wuchs in Kinshasa auf und kam in der Kirche zum ersten Mal mit traditioneller kongolesischer Musik in Berührung. Gleichzeitig nahm er über das Radio westliche klassische Komponisten wie Beethoven und Vivaldi in sich auf. Im Alter von sechzehn Jahren begann er Gitarre zu spielen und zeichnete sich schnell durch seine außergewöhnliche Begabung für traditionelle Soukous- und Rumba-Stile aus. Sein Lehrer Crispin Ngoy führte ihn in den Jazz ein. Im Alter von siebzehn Jahren schrieb er sich gegen den Willen seiner Familie heimlich für ein Jahr an einer Musikhochschule ein, und Tsumbus Leidenschaft für Musik, obwohl er zu dieser Zeit keine Gitarre besaß, veranlasste ihn, jeden Tag stundenlang zu Fuß zu gehen, um zuzuhören und zu spielen.

2004 zog Tsumbu nach Irland. Dort tourte seine zehnköpfige Band durch das Land und spielte seine Big Bang Symphony, Tsumbu wurde zu einer prominenten Figur in der irischen Kunstszene. Er tritt regelmäßig im nationalen Fernsehen und Radio auf und spielt mit seinem neuesten Projekt Pontún mit dem legendären Steve Cooney und anderen Musikern an Veranstaltungsorten wie dem Nationalstadion. Von seiner Basis in Irland aus tourt Tsumbu regelmäßig im Ausland, unter anderem in China, Spanien, Frankreich, Litauen, Katalonien und Deutschland.

„Ich denke nicht über Stile nach, wenn ich Musik spiele oder höre“, sagt Tsumbu, „alle Musik ist einfach nur Klang. Wie Wasser, das vom Himmel fällt und zum Meer wird, zum Fluss, aus dem wir trinken. Alles, was ich gehört habe, von traditioneller kongolesischer Musik über Klassik, Jazz, Rock, Pop bis hin zu Metal, hat mich beeinflusst. Ich mag alles, und es ist alles Teil meiner Kultur als Bürger des Universums.“

Tsumbu singt in seiner Muttersprache Lingala sowie auf Französisch und Englisch. Seine Songs können einen politischen Schwerpunkt haben, wie in „Africa, Eh!“ aus Song of the Nations, das sich mit der heuchlerischen Profilerstellung von Migranten aufgrund ihrer Hautfarbe befasst; sie können den Blick auf das größere Universum richten, wie in „Halley’s Comet“; oder sie können komplexe Polyphonie und Fingerpicking präsentieren, wie in „Tears of Joy“ aus The Art of the Duo. Es ist schwer, der Ansicht des Journal of Music zu widersprechen, das Tsubus Kunst als „einen musikalischen Fluss, dessen Quellen von der Klassik bis nach Zentralafrika und weit darüber hinaus reichen“ beschreibt.

Bei Live-Auftritten ist Tsumbu immer mitreißend. Er blüht auf, wenn er auf den größten Bühnen wie der Londoner Cadogan Hall und der Weltausstellung in Shanghai spielt, in der intimen Atmosphäre einer traditionellen irischen Pub-Session oder im Kontext der klassischen Musik, wie bei seiner Aufführung von Steve Reichs „Electric Counterpoint“ während eines Konzerts des Crash Ensemble, das mit Begeisterung aufgenommen wurde.

ROXANE ELFASCI

"Intimate and poetic French classical guitarist"

Klassische Gitarristin aus Paris. Roxane schloss ihr Musikstudium am Pôle Supérieur de Paris bei Jérémy Jouve und Gérard Abiton ab. Mit Abschlüssen in Musikperformance und Musikwissenschaft sowie einem Diplôme d’État in Pädagogik widmet sie sich nun ganz ihrer künstlerischen Karriere und ihren Schülern.

Im Jahr 2020 unterschrieb sie einen Vertrag beim Independent-Label Cosmos Music und im September 2021 nahm sie ihr Debütalbum Hommage à Debussy auf. Im Oktober 2022 veröffentlichte sie die EP Bach – Organ Sonata No. 4, ein Duett mit Baptiste Erard. Die Partitur ihres Arrangements wurde von Éditions Habanera veröffentlicht. Ihr zweites Album, Poésie Française, erschien im Herbst 2023 und wurde von mehreren Medien gelobt, darunter Radio France, die BBC und das Magazin Guitare Classique. Im Jahr 2025 stellte sie GLASS GAZE vor, ein ambitioniertes Projekt, das sich den Klavieretüden von Philip Glass widmet, neu interpretiert für zwei Gitarren und Schlagzeug.

Das Album wurde bei einem ausverkauften Konzert im renommierten Café de la Danse in Paris vorgestellt, einen Tag nach seiner Veröffentlichung auf allen großen Streaming-Plattformen. Roxane wird regelmäßig als Solistin oder im Duo zu Festivals wie den Arènes Lyriques in Montmartre, Bach à Bacchus in Meursault, Les Musicales de Redon, dem Festival de Guitare de Lyon und den Rencontres de la Guitare d’Uzès. Sie trat in Clément Rocheforts Génération France Musique auf und spielt regelmäßig live bei BBC Radio 3 in London. Außerdem ist sie eine produktive Gitarrentranskribentin und schreibt regelmäßig Artikel für das Guitare Classique Magazine. Ihr YouTube-Kanal, auf dem sie ihre Arbeit präsentiert, hat über siebzigtausend Abonnenten angezogen.

Wolfgang Lackerschmid schrieb mit dem Album „Ballads for Two“ im Duo mit Chet Baker bereits in jungen Jahren Jazzgeschichte. Als Vibraphonist und Komponist steht er für lebendigen Jazz: virtuos, humorvoll, harmonisch anspruchsvoll – und immer melodisch. Bei der zu seinem 70. Geburtstag zusammengestellten Besetzung kann er stilistisch aus dem Vollen schöpfen. Es wird funky, groovy, swingend, deep in den Balladen und mitreißend im Uptempo.
Wolfgang Lackerschmid – Vibraphon, spielte auf über 200 Tonträgern und unzähligen Live Konzerten u.a. mit Chet Baker, Attila Zoller, Larry Coryell, Buster Williams, Paquito D’Rivera, Tony Scott, Jacques Loussier, Eberhard Weber, Albert Mangelsdorff, Ronnell Bey, Stefanie Schlesinger sowie bei diversen Vibraphone Summits gemeinsam u.a. mit Milt Jackson, Bobby Hutcherson, Mike Mainieri, Dave Samuels. Von Lackerschmid stammen zahlreiche Songs und Jazztitel, die teils schon in den siebziger Jahren z.B. durch Chet Baker weltweit verbreitet wurden, konzertante Werke für Orchester, Chor und Ensembles, sowie Musik für Theater, Ballett, Filme und Hörspiele.

Yotam Silberstein – Gitarre, geboren in Tel-Aviv, lebt in New York. Spielte u.a. mit James Moody, Curtis Fuller, Jimmy Heath, Frank Wess, Roy Hargrove, Pat Martino, Anat Cohen, Avishai Cohen, Kenny Barron, David Sanborn, Marcus Miller, Monty Alexander. Unter seinem Namen CD Produktionen und Tourneen in Europa, Japan, Südamerika, Asien und den USA. Als Komponist von Filmmusik erhielt er 2013 den Sundance Time Warner Award. Aktuelle CD als Leader mit George Coleman, John Patitucci und Billy Hart und ein Duo Album mit Ron Carter.

Stefan Rademacher – Bass, war von 1994 bis 2007 Mitglied der Billy Cobham Band und spielte unter anderem mit Lee Ritenour, Don Grusin, George Duke, Chaka Khan, Ack van Royen, Bobby Shew, Randy Brecker, Dave Samuels, dem London Jazzorchestra, und als Gastsolist bei der WDR Bigband und den Bochumer Symphonikern. Er ist Professor an der Hochschule der Künste Bern.

Karl Latham – Schlagzeug, spielte u.a. mit Chuck Loeb, Joe Lovano, Roy Ayers, Claudio Roditi, Michal Urbaniak, Dizzy Gillespie Alumni Allstars, Johnny und Edgar Winter, Anat Cohen, Eumir Deodato, Clark Terry, Slide Hampton, Bob Malach, Blood Sweat & Tears, Dave Samuels, The Shirelles, außerdem bei Broadway Musicals wie „Beautiful: The Carol King Musical“. oder „Hamilton“.

Wolfgang Lackerschmid – Vibraphon
Yotam Silberstein – Gitarre
Stefan Rademacher – Bass
Karl Latham – Schlagzeug

Einlass eine Stunde vor Beginn

Wie entsteht guter BIO Wein? Welche Rolle spielen Lagen und Böden dabei ? Was geschieht im Weinkeller ? Was bedeutet "Fair and Green" und "CO2 reduziert" ? Wir haben die Antworten darauf! Erfahren Sie alles was Sie wissen wollen direkt vor Ort: Wir begrüßen Sie in unserer Vinothek mit einem Glas Sekt und nehmen Sie mit auf die Reise durchs Weingut: Verkosten Sie im Kelterhaus, im Weinkeller und Schatzkammer drei unserer regional typischen BIO-Weine. Auch Weinkenner kommen hier auf ihre Kosten und können einiges Neues erfahren.

Dauer: ca. 1 Stunden
Treffpunkt: Weingut Egon Schmitt
Teilnehmerzahl: mind. 2 bis max. 15 Personen (für einzelne Gäste und Kleingruppen bis maximal 6 Personen)
Anmeldung erforderlich bis ein Tag vor dem Termin
Termin kann mangels Teilnehmerzahl abgesagt werden

Termin kann mangels Teilnehmerzahl abgesagt werden

Ronny Weiland, der Sänger mit der tiefen Gänsehautstimme, geht mit seinem neuen Programm „Konzert der Gefühle“ auf Deutschlandtour.

Die Idee zur neuen Show kam von den Zuschauern.

In vielen Gesprächen und Briefen dankte das Publikum Ronny Weiland, dass seine Lieder gut für die Seele seien und sie voller Gefühle und Emotionen ein jedes Konzert erleben durften.

Das „Konzert der Gefühle“ beinhaltet die großen Erfolge der Meister und klassische Melodien

Zu hören u.a. „Freude schöner Götterfunken, „Ave Maria“ und das Lied des  Gefangenchor aus „Nabucco“.

Erinnerungen werden an Kindheit und Jugend geweckt, wenn Ronny unsere schönen alten deutschen Volkslieder singen wird, Lieder, die man aus dem Elternhaus kennt und die alle in der Schule gelernt haben, die einen ein Leben lang begleiten.  

Weiterhin singt Ronny Titel die aus seiner eigenen Feder stammen („Betende Hände“, „Gib Eltern etwas wieder“) und erfüllt garantiert die Wünsche aller Gäste wenn er aus Franz Lehar`s Operette „Der Zarewitsch“ das bekannte „Wolgalied“ vorträgt.

Weiland überzeugt vor allem mit seiner großartigen Stimme und gehört heute zu einem der wenigen Künstler, die diese Musik für das reifere Publikum noch präsentieren.

Der gelernte Steinmetzmeister erhielt vom Management seines großen Vorbildes „Ivan Rebroff“ am Anfang seine Karriere große Unterstützung. Man erkannte was in dem Thüringer steckt und stellte sofort eine Verbindung zu Ivan Konsulov in der Schweiz her, der Ronny weiter in Gesang ausbildete.

Wenn sich Besucher am Ende eines Konzertes bedanken, gerührt die eine oder andere Träne vergossen haben und Ronny von Gästen spontan umarmt wird, dann wird deutlich, wie er immer wieder die Herzen der Menschen mit seiner einmaligen Stimme und seiner bodenständigen Art berührt!

Freuen Sie sich auf dieses musikalische Erlebnis.

Einlass: 15:00 Uhr

Bei der lebendigen Tour mit Hannes und seinen Freunden begibt man sich auf eine fröhliche Runde: Neben der Erinnerung an das Alltagsleben auf der Domäne, wurden auch heimliche und unheimliche Geschichten erzählt, die nicht immer nur Fiktion sind: Vom Amtmann der Domäne, den Bauern, den Bierbrauern und der Bäckerin, die es nicht einfach haben mit Amtmann, Probst und der Äbtissin. Von den Konventualinnen, die ein schrecklichen Ereignis im Kloster miterlebt haben, von einem Tratschweib, das eigentlich Perlen fischen soll und von Klosterschülerinnen, die über die Weltkarte stöhnen, weil es darüber so viel zu erfahren (und lernen) gibt. Und auch über die Bedeutung der Schützengilde, einst als „Schutzgilde“ für das Kloster gegründet, erfuhren die Gäste Einiges auf unterhaltsame Weise. Darüber hinaus erzählen zudem die verschiedenen Uniformen der Schützenbrüder vom Wandel der Zeit im Klosterflecken Ebstorf.

Die Komische Nacht ist eines der erfolgreichsten Live-Comedy-Formate in Deutschland. In den schönsten Cafés, Restaurants und Spielstätten einer Stadt erlebt ihr einen kurzweiligen und ausgelassenen Abend - mit bester Unterhaltung durch verschiedene Comedians, Kabarettisten und anderen Komiker*innen. Dabei ist keine Komische Nacht wie die andere.

Die Komische Nacht bietet einen bunten und aufregenden Querschnitt durch die aktuelle Comedyszene in Deutschland. In jedem Spielort treten an einem Abend bis zu 5 Comedians jeweils ca. 20 Minuten auf. Das Beste: Bei der Komischen Nacht müsst nicht ihr von Lokal zu Lokal wandern, um verschiedene Comedians sehen zu können. Ihr braucht euch lediglich eine Eintrittskarte für euer Lieblingslokal holen und bekommt von uns mehrere Künstler*innen „serviert". Bei der Komischen Nacht sind es nämlich die Comedians, die zwischen den Spielorten umherziehen. Runter von der einen Bühne, rauf auf die nächste. Das ist sowohl für die Künstler*innen als auch für das Publikum ein wahrhaftiger Comedy-Marathon.

Egal ob Restaurant oder Studi-Kneipe, ob Kulturzentrum oder Friseursalon, ob Kino-Saal oder Cocktail-Bar – die Spielstätten der Komischen Nacht sind genauso vielfältig wie die Comedians, die hier auftreten. Überall gleich ist jedoch der Spaßfaktor. Bei der Komischen Nacht steht das Lachen im Vordergrund. Und weil alleine lachen zwar geht, mitunter aber auch skurril wirken kann, geht man am besten mit Freund*innen, Kolleg*innen oder – je nach Härtegrad eures Humors - den Schwiegereltern zu einer Komischen Nacht. Gemeinsam könnt ihr lachen, lecker essen und trinken und habt in den Pausen zwischen den Auftritten sogar noch genügend Zeit, um euch mal wieder entspannt zu unterhalten.

Die erste Komische Nacht zog übrigens 2008 durch die Oldenburger Innenstadt. Mittlerweile findet dieser einzigartige Comedy-Marathon regelmäßig in über 40 deutschen Städten (u.a. in Bielefeld, Frankfurt, Hannover, Kassel, Lübeck, Münster und Oldenburg) statt.

Einlass ab ca. 18:00 Uhr

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Mo, Mi, Do, Fr 12:00–18:00 Sa, So 11:00–18:00 Di geschlossen

Die Burg, die es in sich hat: „HerrschaftsZeiten! Erlebnis Cadolzburg“ ab 24. Juni 2017 auf der Cadolzburg – das neue Highlight der Metropolregion Nürnberg

Eine mächtige Burg – Schauplatz der glanzvollen Geschichte eines Herrschaftsgeschlechts, das es weit gebracht hat: Das war und ist die Cadolzburg. Bei den Fürsten handelt es sich um die Familie der Hohenzollern, die von Franken aus auch über Brandenburg regierten, seit sie im 15. Jahrhundert zugleich die Kurwürde erlangt hatten. Später sollten sie gar preußische Könige und deutsche Kaiser werden.

Die Cadolzburg bezieht ihre Strahlkraft nicht nur von ihrer Rolle als Ausgangspunkt einer bedeutenden Karriere im Alten Reich – auch am beeindruckenden Bau selbst ist diese Glanzzeit der Hohenzollern noch abzulesen. Das neue Museum „HerrschaftsZeiten! Erlebnis Cadolzburg“ der Bayerischen Schlösserverwaltung wird den Besucherinnen und Besuchern diese Zeit – das späte Mittelalter – dank innovativer Vermittlungskonzepte spannend und kenntnisreich nahe bringen. So kann man auf seinem Gang durch die Burg nicht nur etwas über Baugeschichte, Krieg und Frieden, Alltag und Regierungsaufgaben der fürstlichen Burgbewohner erfahren. Vieles lässt sich hier auf eigene Faust spielerisch oder auf sinnlichem Weg entdecken:

Der Besucher bekommt die Burg in der Nase zu spüren, es gibt Fühlstationen, Klänge und Dialoge, anschauliche Modelle und Einladungen zum Ausprobieren. Aufregende oder knifflige Spiele, die mittelalterlichen Hohenzollern im O-Ton und der Narr Contz, der die Besucher durch seine Burg begleitet, erwecken das Mittelalter zum Leben. Natürlich erwarten die Besucher hier auch etliche Originale des Mittelalters wie Schwert und Streitkolben oder eine prachtvolle Schatztruhe. Andere Objekte wurden auf der Grundlage aufwändiger Forschungen in historischen Techniken eigens für das Museum angefertigt wie die vergoldete Rüstung des berühmten Feldherrn Albrecht Achilles oder nach originalen Rezepturen gefärbte Textilien. Die Bayerische Schlösserverwaltung leistete dabei auch mit Projekten wie der Herstellung eines Brustpanzers aus gekochtem Leder einen wichtigen Beitrag zur experimentellen historischen Forschung – passend zum Anspruch, eines der wichtigsten Burgenmuseen Deutschlands zu schaffen.

Die Kulturvermittlung der Bayerischen Schlösserverwaltung bietet ergänzend ein vielfältiges Begleit- und Veranstaltungsprogramm an und macht die aufregende Geschichte noch spannender – für den kleinen Edelmann ebenso wie für den Burgenkenner.

Nicht nur das Mittelalter, auch die Cadolzburg selbst erwacht nun wieder zum Leben. Nach den massiven Schäden des Zweiten Weltkriegs lassen sich erst jetzt wieder originale mittelalterliche Räume ebenso wie gelungene Architekturschöpfungen des 21. Jahrhunderts erleben. Die 2017 fertiggestellten modernen Bauten schlagen die Brücke zwischen Mittelalter und unserer heutigen Zeit.

Sie dürfen hier also ganz besondere Erlebnisse erwarten – es ist eben DIE BURG, DIE ES IN SICH HAT.

 

 

April - September: 9:00-18:00 Uhr
Oktober - März: 10:00-16:00 Uhr