Was für ein Theater! – Nichts funktioniert. Schuld daran ist natürlich dieser Esel!

Theaterdirektor Eşref kennt keinen Spaß und kein Pardon und wirft den Esel kurzerhand hinaus. Doch der hat schon einen neuen Plan: Er will Musiker werden. Und wo könnte man das am besten? In Bremen, na klar! Bremer Stadtmusikant werden, das ist doch was!

Er trifft auf drei Leidensgenossen, die ebenfalls hinausgeworfen wurden: eine Katze, einen Hund und einen Hahn. Gemeinsam machen sich die Vier auf den Weg, müssen einige Abenteuer bestehen und lernen einander dabei immer besser kennen. So unterschiedlich sie sind, aus ihnen wird ein Team, bereit für ein neues Leben!

Das Märchen der Brüder Grimm kommt in einer neuen Fassung von Ulrich Lenz und Murat Cağlar auf die Bühne. Sie erzählt von Mut, Freundschaft, Hoffnung, Wünschen und der Kraft der Gemeinsamkeit. Regie führt Johannes Oertel, der 2022 mit der Oper GOLD! bereits das junge Publikum begeisterte.

Die Melodien und Lieder des türkischen Komponisten Attila Kadri Şendil in ihrer Bandbreite von großer Oper über Jazz bis hin zu schwungvollen Nummern zeigen, wie selbstverständlich unterschiedliche Kulturen und Stile einander ergänzen und, dass es auf die Gemeinschaft ankommt, wenn man etwas Neues erreichen will.

Alle Menschen haben Träume. Viele davon finden Ausdruck in der magischen Welt des Theaters, wo sie auf der Bühne Gestalt annehmen. Fasziniert von dem Spielzeugtheater, das der Ballettmeister Drosselmeier den Kindern am Weihnachtsabend zum Fest bei Familie Stahlbaum mitbringt, träumt das Mädchen Clara davon, Tänzerin zu werden. Es sind nicht nur die tanzenden Spielzeug-Figuren – eine Ballerina, ein Nussknacker und ein Mäusekönig – die in ihrer Fantasie lebendig werden, sondern es ist fast so, als würde der Zauber des kleinen Theaters die ganze Weihnachtswelt zunehmend verwandeln, in einen Ballettsaal und schließlich zur großen Bühne, auf der Clara als Ballerina mit ihrem Nussknacker- Prinzen im strahlenden Mittelpunkt steht.

DER NUSSKNACKER ist eines der bekanntesten Ballette überhaupt. Die berühmte Musik von Pjotr I. Tschaikowski ist dafür gedacht, die Geschichte mit tänzerischen Mitteln zu erzählen, und darin besteht auch das Geheimnis des Erfolges von diesem Ballett. Genau das nimmt der Choreograf und Regisseur Giorgio Madia zum Anlass seiner Interpretation: Was ließe sich besser erzählen, als eine Geschichte über das Tanzen selbst? Für seine faszinierenden Bühneninszenierungen mit Sogwirkung ist er europaweit bekannt. Für Jung und Alt taucht er mit dem Ballett des Staatstheater Cottbus ein in die magische Welt des Bühnenzaubers und das pünktlich zur Weihnachtszeit, der Zeit der Wünsche und der Träume.

Alle Menschen haben Träume. Viele davon finden Ausdruck in der magischen Welt des Theaters, wo sie auf der Bühne Gestalt annehmen. Fasziniert von dem Spielzeugtheater, das der Ballettmeister Drosselmeier den Kindern am Weihnachtsabend zum Fest bei Familie Stahlbaum mitbringt, träumt das Mädchen Clara davon, Tänzerin zu werden. Es sind nicht nur die tanzenden Spielzeug-Figuren – eine Ballerina, ein Nussknacker und ein Mäusekönig – die in ihrer Fantasie lebendig werden, sondern es ist fast so, als würde der Zauber des kleinen Theaters die ganze Weihnachtswelt zunehmend verwandeln, in einen Ballettsaal und schließlich zur großen Bühne, auf der Clara als Ballerina mit ihrem Nussknacker- Prinzen im strahlenden Mittelpunkt steht.

DER NUSSKNACKER ist eines der bekanntesten Ballette überhaupt. Die berühmte Musik von Pjotr I. Tschaikowski ist dafür gedacht, die Geschichte mit tänzerischen Mitteln zu erzählen, und darin besteht auch das Geheimnis des Erfolges von diesem Ballett. Genau das nimmt der Choreograf und Regisseur Giorgio Madia zum Anlass seiner Interpretation: Was ließe sich besser erzählen, als eine Geschichte über das Tanzen selbst? Für seine faszinierenden Bühneninszenierungen mit Sogwirkung ist er europaweit bekannt. Für Jung und Alt taucht er mit dem Ballett des Staatstheater Cottbus ein in die magische Welt des Bühnenzaubers und das pünktlich zur Weihnachtszeit, der Zeit der Wünsche und der Träume.

Auf einer Burg inmitten eines Walds voller Rumpelwichte, Graugnome und Wilddruden kommt in einer Gewitternacht Ronja als Tochter eines Räuberhauptmanns zur Welt. Fast gleichzeitig schlägt dort ein Blitz ein und spaltet das Gemäuer. Auf der einen Seite des Höllenschlunds, der die Burg nun trennt, wächst Ronja mit Vater Mattis und Mutter Lovis im Schutz ihrer rauen, aber liebevollen Bande auf. Schnell hat sich in der anderen Burghälfte frech und ungefragt die Borkasippe eingenistet – die Erzfeinde der Mattis-Räuber. Doch als Ronja älter wird, freundet sie sich mit Birk, dem Sohn des Anführers der verfeindeten Borkas an. Die beiden Räuberkinder geraten zwischen die Fronten ihrer sturen Väter und lernen, Entscheidungen zu treffen, die ihre Freundschaft über die Feindschaft ihrer Familien siegen lässt.

Astrid Lindgrens RONJA RÄUBERTOCHTER erzählt von der Möglichkeit, die Welt mit eigenen Augen zu entdecken und von der Kraft, sich auf andere verlassen zu können. Gespickt mit Räuberliedern aus aller Welt entführt uns das diesjährige Familienstück zur Weihnachtszeit in Ronjas wilden, zauberhaften Kosmos voller Neugier, Mut, Hoffnung und der Gewissheit, scheinbar Unüberwindbares überwinden zu können.

URAUFFÜHRUNG

Das für Cottbus entstandene Recherchestück erzählt eine Cottbuser Geschichte rund um fünf Figuren, die den Chancen und Herausforderungen des Strukturwandels unterschiedlich begegnen.

Nach dem Tod ihres Großvaters kehrt die junge Journalistin Carla in ihre Heimatstadt Cottbus zurück. Im Haus ihres Opas findet sie einen Ordner mit der Aufschrift „KRAFTWERK – für Carla“. Darin befinden sich stapelweise Dokumente mit Informationen über die Firma LEAG, um Vattenfall, das Kraftwerk Jänschwalde, den Ostsee und die Gigawattfactory. Als Carla beginnt sich näher damit zu beschäftigen, trifft sie auf völlig unterschiedliche Menschen: Sie begegnet der Nachbarin ihres Opas, einer ehemaligen Aktivistin, deren Zuhause schon zweimal abgebaggert wurde. Der Freund ihres Sohnes kämpft für die grüne Zukunft der LEAG. Und dessen Chef wiederum sorgt sich für den Fall eines Kohleausstiegs um die Versorgungssicherheit. Es entspinnt sich eine Geschichte um die Kohleindustrie und ihre Zukunft, die zudem von Alternativen und Utopien und von den Chancen und dem Scheitern gemeinsamer Gespräche erzählt.

Autor Calle Fuhrs vielstimmiges und humorvolles Theaterstück basiert auf Recherchen des investigativ-journalistischen Kollektivs CORRECTIV, deren Ergebnisse, bspw. zur Lage der Wasserversorgung der Region, bereits veröffentlicht sind. Darüber hinaus begleiteten sie die Produktion bis zum Premierentag mit laufenden Recherchen. Die neuesten Resultate wurden tagesaktuell zur Premiere von CORRECTIV veröffentlicht und exklusiv auf der Cottbuser Bühne präsentiert.

Fuhr arbeitet regelmäßig zusammen mit journalistischen Kollektiven an der Erarbeitung aktueller Themen für das Theater. Aus seiner Überzeugung heraus, dass das Erzählen von Geschichten die Wahrnehmung unserer Welt beeinflusst, findet er im Theater den Ort, der Menschen berühren, Perspektiven ändern und Verständnis möglich machen kann.

Libretto von Giuseppe Giacosa und Luigi Illica
Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln

In unfreien Zeiten kann sich niemand hinter seiner Kunst verstecken, nicht der Maler Mario Cavaradossi und nicht seine Geliebte, die Sängerin Floria Tosca. Vor dem Hintergrund des Konflikts zwischen Napoleons Revolutionsheer und den habsburgisch-päpstlichen Truppen im Jahr 1800 entspinnt sich die Handlung der Oper innerhalb von nur 24 Stunden. Nach dem Sturz der römischen Republik hat Polizeichef Scarpia ein Terrorregime errichtet, das jede freiheitliche Regung im Keim erstickt. Die von allen verehrte Diva, die nur für die Kunst und die Liebe leben wollte, gerät ins Machtgetriebe des korrupten politischen Systems, nachdem ihr Geliebter in die Hände Scarpias fällt, weil er einem politisch Verfolgten Schutz gewährt hat. Scarpia verknüpft seine politischen Machtinteressen mit einer Obsession für Tosca und spinnt eine tödliche Intrige. Puccinis Opernkrimi über Verführung, Verleumdung und die Rolle der Kunst in totalitären Regimen zählt zu den beliebtesten Opern des Repertoires.

Mit „Folter und Tod, Glocken und Kanonen“ wollte Puccini das Publikum erklärtermaßen aufschrecken und schuf mit TOSCA sein politischstes und dramatischstes Werk. Die atemlos vorangetriebene Handlung entführt den Zuhörer musikalisch in ein überwältigendes Panorama der Ewigen Stadt, in dem sich Puccini zugleich auch als Meister melodischer Verführungskunst und Süße erweist.

Hausregisseur und Co-Schauspieldirektor Armin Petras inszeniert diesen Meilenstein der Operngeschichte als hoch aktuellen Polit-Thriller über das Verhältnis von Kunst und Macht.

Alle Menschen haben Träume. Viele davon finden Ausdruck in der magischen Welt des Theaters, wo sie auf der Bühne Gestalt annehmen. Fasziniert von dem Spielzeugtheater, das der Ballettmeister Drosselmeier den Kindern am Weihnachtsabend zum Fest bei Familie Stahlbaum mitbringt, träumt das Mädchen Clara davon, Tänzerin zu werden. Es sind nicht nur die tanzenden Spielzeug-Figuren – eine Ballerina, ein Nussknacker und ein Mäusekönig – die in ihrer Fantasie lebendig werden, sondern es ist fast so, als würde der Zauber des kleinen Theaters die ganze Weihnachtswelt zunehmend verwandeln, in einen Ballettsaal und schließlich zur großen Bühne, auf der Clara als Ballerina mit ihrem Nussknacker- Prinzen im strahlenden Mittelpunkt steht.

DER NUSSKNACKER ist eines der bekanntesten Ballette überhaupt. Die berühmte Musik von Pjotr I. Tschaikowski ist dafür gedacht, die Geschichte mit tänzerischen Mitteln zu erzählen, und darin besteht auch das Geheimnis des Erfolges von diesem Ballett. Genau das nimmt der Choreograf und Regisseur Giorgio Madia zum Anlass seiner Interpretation: Was ließe sich besser erzählen, als eine Geschichte über das Tanzen selbst? Für seine faszinierenden Bühneninszenierungen mit Sogwirkung ist er europaweit bekannt. Für Jung und Alt taucht er mit dem Ballett des Staatstheater Cottbus ein in die magische Welt des Bühnenzaubers und das pünktlich zur Weihnachtszeit, der Zeit der Wünsche und der Träume.

Bearbeitung von Jürgen Wölffer

Philipp Klapproth langweilt sich. Auf seinem Landsitz bei Berlin scheint es ihm, als hätten alle mehr zu erleben und mehr zu erzählen als er. Seine Idee: Eine Nervenheilanstalt muss her!

Ein Tag bei echten „Irren“ verspricht eine Menge Geschichten für den Stammtisch auf dem Land. Er ködert seinen Neffen mit einer finanziellen Spritze, wenn er ihm so ein Etablissement ausfindig mache. Gelockt vom Versprechen des Geldes, erklärt dieser die stinknormale „Pension Schöller“ zur Irrenanstalt. Der Plan geht auf, der Onkel trifft dort auf die exzentrischen Gäste der Pension und die geben eine hervorragende Nervenheilanstalt ab. Da sind zum Beispiel der Wissenschaftler Bernhardy, der von Löwenjagden zu erzählen weiß, die Schriftstellerin Zillertal, die Geschichten sammelt, oder der Major a.D., der zum Duell fordert. Als die Figuren plötzlich bei Klapproth zu Hause erscheinen, ist das Chaos perfekt.

PENSION SCHÖLLER ist auch hundert Jahre nach seiner Entstehung noch ein Paradebeispiel für das Verschwimmen von Normalität und Irrsinn und zeigt mit Humor und grandiosem Tempo, wie fließend die Grenzen zwischen den Verrückten und den Vernünftigen sein können.

Regisseur Max Simonischek bringt die Komödie in seiner ersten Arbeit für das Staatstheater Cottbus auf die Große Bühne. Das vermeintlich harmlose Lustspiel wird zur Groteske, zum Tränen lachen und zum Ensembletheater voll großer Spiellust, mit Sinn für Humor und Rhythmus.

Musik und Gesangstexte von Stephen Sondheim
Buch von Hugh Wheeler nach dem gleichnamigen Stück von Christopher Bond
Orchestrierung von Jonathan Tunick
Deutsche Fassung von Wilfried Steiner und Roman Hinze (2019)

„Okay, lasst sie uns das Gruseln lehren!“, rief Stephen Sondheim aus, als er sich mit SWEENEY TODD eine Schauergeschichte vornahm, die in England schon lange zuvor weit bekannt war. Er entwickelt die Geschichte, mit spannungsgeladener Handlung und Figuren, deren Überzeichnung zwischen Monstrosität, Skurrilität und Tragik changieren, in bester Horrorfilm-Manier. Unter dem Namen Sweeney Todd kehrt Benjamin Baker nach langer Zeit der Strafversetzung zurück in seine Heimatstadt London, wo er noch eine Rechnung mit dem korrupten Richter Turpin offen hat. Dieser hatte nicht nur für seine Verbannung gesorgt, sondern ihm auch seine Frau und seine Tochter entrissen.

Sweeney Todd eröffnet seinen alten Friseur-Salon wieder und tut sich mit der geschäftstüchtigen Pasteten-Bäckerin Mrs. Lovett zusammen, die für leibliches Wohl sorgt, während Sweeney seinen Racheplan in die Tat umsetzt. Immer rücksichtloser, immer fanatischer wird sein Treiben und schließlich droht dabei ein junger Bursche wortwörtlich zwischen die Räder zu kommen und ein junges Liebespaar um sein Glück.

Wir feiern den Jahreswechsel mit französischer Eleganz und Lebensfreude! Zum Ausklang des alten und zum Beginn des neuen Jahres servieren wir Ihnen musikalischen Champagner der Extraklasse mit den schönsten Melodien aus der französischen Oper, Operette und dem Ballett.

Lassen Sie sich von funkelnden Arien und Duetten, beschwingten Tänzen und berauschenden Orchesterklängen u. a. von Jacques Offenbach, Leo Delibes, Charles Gounod und Camille Saint-Saëns verzaubern. Mit dem „Schlittschuhläufer"-Walzer von Emile Waldteufel, dem Johann Strauss Frankreichs, gleiten wir leichtfüßig durch die kalte Jahreszeit hinein ins neue Jahr. À votre santé!

Gloria Jieun Choi (Sopran)
Rahel Brede (Mezzosopran)
Philharmonisches Orchester
Dirigent und Moderator: GMD Alexander Merzyn

Wer kennt sie nicht? Die berühmten Songs aus Kurt Weills „Dreigroschenoper“, „So oder so ist das Leben“ von Theo Mackeben, „Wenn ich mir was wünschen dürfte“ von Friedrich Hollaender oder die Geschichte von „In der Bar zum Krokodil“? – Neben vielen anderen bekannten und unbekannten Chansons u. a. von Hildegard Knef, Georg Kreisler und Pigor & Eichhorn, entführt das Duo in die vielfältige und widersprüchliche Atmosphäre der pulsierenden Metropole Berlin, die von glamourösen Nächten bis zu den grauen Mauern einer besonderen Vergangenheit reicht. Berlin – wo Ambivalenz eine Kunstform wird. Berlin - eine Stadt, die Gegensätze vereint, wie keine andere. Es wird emotional, (zu)tiefst- und feinsinnig, mitreißend und überdreht – mit Anika Paulick (Stimme) und Michelle Bernard (Klavier).

Die zwei klassisch ausgebildeten Musikerinnen aus der Musikstadt Leipzig sind neben dem Chanson auch auf der Opern- und Konzertbühne zuhause. Als die beiden Künstlerinnen bei einer Opernproduktion aufeinandertreffen, entdecken sie ihre gemeinsame Liebe zum Chanson.

Wir feiern den Jahreswechsel mit französischer Eleganz und Lebensfreude! Zum Ausklang des alten und zum Beginn des neuen Jahres servieren wir Ihnen musikalischen Champagner der Extraklasse mit den schönsten Melodien aus der französischen Oper, Operette und dem Ballett.

Lassen Sie sich von funkelnden Arien und Duetten, beschwingten Tänzen und berauschenden Orchesterklängen u. a. von Jacques Offenbach, Leo Delibes, Charles Gounod und Camille Saint-Saëns verzaubern. Mit dem „Schlittschuhläufer"-Walzer von Emile Waldteufel, dem Johann Strauss Frankreichs, gleiten wir leichtfüßig durch die kalte Jahreszeit hinein ins neue Jahr. À votre santé!

Gloria Jieun Choi (Sopran)
Rahel Brede (Mezzosopran)
Philharmonisches Orchester
Dirigent und Moderator: GMD Alexander Merzyn

Was soll auf dem Theater gespielt werden? „Komödien!“, fordern die einen, „Tragödien“ wollen die anderen, und eine dritte Gruppe sieht am liebsten „romantische Liebe“.

Das erste Werk des Komponisten Sergej S. Prokofjew in seiner neuen Heimat, den USA, bringt alles gleichzeitig auf die Bühne und überwältigt das Publikum als zirkushaftes Märchen voller magischer Verwandlungen, Commedia dell’arte-Maskeraden, absurder Wendungen und Theatercoups. Vor dem Hintergrund höfischer Intrigen und einem Streit höherer Mächte, wird die Geschichte des tief melancholischen Prinzen erzählt, den nur ein Lachen heilen kann. Ausgerechnet ein Missgeschick der bösen Zauberin Fata Morgana ist es, das ihn zum Lachen bringt. Sie verflucht ihn daraufhin dazu, sich in drei Orangen zu verlieben. Der Weg zu ihnen führt den liebeskranken Prinzen vorbei an allerlei monströsen Gestalten in die Wüste. Um ein Haar wird aus dem komödiantischen Spektakel doch eine Tragödie – griffe nicht das Publikum in Prokofjews Theater auf dem Theater in die Geschichte ein.

Wie alle Märchen hat DIE LIEBE ZU DREI ORANGEN einen ernsten Hintergrund. Während der Streit um die verschiedenen Theaterrichtungen auf der Opernbühne unblutig ausgefochten wird, entwickelt er sich in der sowjetischen Realität zunehmend zu einer lebensbedrohlichen Angelegenheit. 1940 lässt Stalin den großen Theaterreformer Wsewolod Meyerhold hinrichten. Prokofjew verlässt 1918 das postrevolutionäre Russland und komponiert mit DIE LIEBE ZU DREI ORANGEN eines der virtuosesten, farbigsten und aberwitzigsten Werke der Musikgeschichte.

Der „Schwanensee“ verkörpert alles was klassisches Ballett ausmacht: Anmut, Grazie und vor allem tänzerische Perfektion. Die unvergleichbare Musik von P.I. Tschaikowsky vereinigt sich mit dem gefühlsstarken Tanz zu einer eigenen Sprache, die jeder unmittelbar versteht. Das Zusammenspiel von Liebe und Sehnsucht, Einsamkeit und Eifersucht, Wut, Schmerz und Glück fasziniert seit Generationen von Theaterbesuchern immer wieder aufs Neue. Besonders in der Weihnachtszeit gehört der wohl beliebteste Ballettklassiker für viele Gäste zur vorweihnachtlichen Freude.

Das 1877 uraufgeführte Ballett bestimmt seit jeher das Repertoire aller leistungsstarken klassischen Ballettensembles. Wer kennt nicht den Tanz der vier kleinen Schwäne oder die atemberaubenden Sprünge und innigen Pas de deux am dem verträumten Schwanensee?

Es ist das Märchen eines Prinzen, der sich in Odette verliebt, die von dem Zauberer Rotbart in einen weißen Schwan verwandelt wurde. Und diese Liebe wird auf die Probe gestellt: Lyrisches und Tragisches, Festliches und Intimes in dem stimmungsvollen Ambiente der “weißen Bilder” am See im Kontrast zu den prachtvollen und farbenfrohen Kostümen am Königshof, versprechen einen abwechslungsreichen festlichen Abend des großen klassischen Balletts.

Eines Tages erscheint Alice ein sprechendes Kaninchen, dem sie in eine kuriose Welt folgt. Hier gelten andere Regeln als Alice sie von zu Hause gewohnt war und so entspinnt sich eine abenteuerliche Reise mit Begegnungen verrückter Gestalten wie der Grinsekatze, dem Hutmacher oder der Herzkönigin. Alice wechselt fortan Größe und Sprache, vergisst alles, was sie je wusste, und lernt Dinge, die sie nie kannte. Scheint das Wunderland auch zauberhaft verwunschen, ist zugleich das Albtraumhafte ihr ständiger Begleiter. Nur mit der Kraft ihrer Phantasie und kindlicher Unerschrockenheit kann sie dort bestehen.

Mit „Alice im Wunderland“ und „Alice hinter den Spiegeln“ etablierte Lewis Carroll Mitte des 19. Jahrhunderts das traumhafte Schreiben, den literarischen Nonsens als adäquate Antwort auf eine sich mechanisierende Welt. Mit Hilfe der phantasievollen Verdrehung der herrschenden Logik stellt er diese nicht bloß aus, sondern befreit sich gleichermaßen von ihr. Und so hat es Alice nicht nur zur Heldin des Wunderlands, sondern ebenso zur generationsübergreifenden Pop-Ikone geschafft.

Hausregisseur Philipp Rosendahl kreiert mit einem künstlerischen Team, welches zum ersten Mal in dieser sprudelnden Kombination seine in Cottbus erprobte wie geschätzte Kreativität bündelt, eine neue musikalische Erzählung um Ikone ALICE, die eine – wenn auch verrückte – Pause von der Normalität herzustellen vermag.

Wien: Das sind Beiseln, Bars und bissiger, schwarzer Humor. Auf dem Ring flaniert man an Hofoper, Justizpalast und Burgtheater vorbei, verweilt für einen Augenblick vor der imposanten Hofburg oder grüßt das Standbild von Maria Theresia. Die Luft ist lau, die Straßenbahn rattert fröhlich in ihren Schienen und überall weht einem eine leise, melancholisch-frohe Musik um die Ohren. In einem der vielen Kaffeehäuser lässt man sich zu den Klängen eines Pianos für eine Zigarettenlänge nieder, um nicht bloß den Melodien, sondern vor allem dem neuesten Klatsch und Tratsch zu lauschen. Danach geht’s zum Spazieren den Donaukanal entlang, wo man beim Taubenvergiften den reizendsten Wiener Maderln begegnet. Abends darf es dann gern ein bisschen Kino sein.

Dieser musikalische Abend in der Theaterscheune nimmt das Publikum mit in die schöne Donaumetropole. Mit Wiener Schlagern, Filmen und Geschichten stürzen sich Frank Bernard und Heiko Walter mitten hinein ins wilde Wiener Leben, spüren dem echten habsburgischen Flair nach und weben mit leichter Hand die alten und die neuen Zeiten ineinander. Da fühlt man sich fast, als sei man selbst vor Ort. Wenn es schließlich hinaus nach Grinzing zum berühmten Heurigen in die weinselige Sommerfrische geht, bestellt man dann gern noch ein zweites oder drittes Glas …

URAUFFÜHRUNG

Das Stück von Tennessee Williams, das seine Figuren mit all ihren Sehnsüchten, Wünschen, aber auch ihren Verletzungen und Grausamkeiten auf die Bühne bringt, ist wie ein Tanz zwischen zwei Welten: der rauen Wirklichkeit und einer utopischen Wunschvorstellung.

Die Bahnlinie mit der Endstation „Sehnsucht“ bringt Blanche in einen ärmlichen Stadtteil von New Orleans zu ihrer Schwester Stella. Das Leben hier ist geprägt von einer wiederholt eskalierenden, doch ständig latenten Gewalt gegen Frauen. Stella hat sich mit diesem Dasein abgefunden. Blanche dagegen will die Realität nicht hinnehmen. Beharrlich verschließt sie die Augen vor allem Unangenehmen und denkt sich die Welt lieber, wie sie sein sollte.

Choreograf Martin Chaix erzählt die Geschichte von Blanche als Rückblick. Ihn interessieren dabei vor allem Fragen nach dem Umgang einer Gesellschaft mit Frauen. Diese sind heute genauso aktuell wie zur Entstehungszeit des Dramas in den 1940-er Jahren. Chaix setzt sich mit dem Themenkreis der alltäglichen Gewalt und toxischer Beziehungen auseinander. Dabei verrät seine Auswahl an Musik einerseits den Jazz-Liebhaber, andererseits spiegelt sie eine bewusste Entscheidung für Komponist*innen afroamerikanischer Herkunft wider, die viel zu selten gespielt werden. Auch hier sieht Chaix die Gelegenheit, Licht darauf zu werfen, was allzu oft im Schatten bleibt.

Das Stück von Tennessee Williams wie auch die Ballett-Version von Martin Chaix enthaltenSzenen, in denen (sexualisierte) Gewalt dargestellt wird. Die Aufführung ist daher für Kinder unter 13 Jahren nicht geeignet.

Shakespeares „Ein Sommernachtstraum“ wird verdichtet auf den Handlungsstrang der vier flirtenden und flirrenden, zaudernden und zweifelnden jungen Liebenden: Helena liebt Demetrius, der sie aber abweist. Er ist ihrer Freundin Hermia versprochen. Zwar umschwärmt Demetrius Hermia – zum Leidwesen Helenas –, jedoch hat Hermia kein Auge für ihn. Denn sie liebt Lysander, der ihre Liebe erwidert. Leider ist eine Verbindung der beiden aussichtslos, da Hermia ja Demetrius versprochen ist …

Als wäre diese Situation nicht schon kompliziert genug, wird Gnom Puck in einer Sommernacht magische Späße treiben, um die Verliebten zu entlieben und die Karten neu zu mischen. Wie in einem rasant rauschhaften Traum, werden die Vier zwischen Schmachten und Schmähen, Hoffen und Flehen, Schmerz und Glück hin und her geworfen.

Mit den beliebten Figuren und der unvergleichlichen Sprache Shakespeares sowie dem damit einhergehenden Humor, erzählt ROSE UND REGEN SCHWERT UND WUNDE eine junge, unterhaltsame Geschichte von den Irrungen und Wirrungen jugendlicher Liebe.

„Genauso, wie es einen zu Hause naturgemäß in die Ferne zieht, muss man vielleicht in die Fremde gehen, um das Eigene zu entdecken oder zumindest die Frage danach zu stellen“, resümierte Jörg Widmann seine Reise in die Wüstenmetropole Dubai im Jahr 2008. Herausgekommen ist mit den „Dubairischen Tänzen“ zwar nicht tanzbare, aber mit einem Augenzwinkern sehr unterhaltsame Musik, die seine bayerische Herkunft auch mit ihren Schattenseiten reflektiert.

Das 5. Klavierkonzert von Camille Saint-Saëns ist ebenfalls das Ergebnis einer Reise durch den Nahen Osten, in dem Fall durch Ägypten. Orientalische Einflüsse sind darin ebenso zu finden wie die Rhythmen der Motoren des Nil-Dampfers, auf dem der Komponist sich befand. Ein virtuos-exotischer Klangzauber, der zum Träumen einlädt.

Dies gilt auch für die berühmteste Komposition von Nikolai Rimski-Korsakow, die auf der Sammlung von „1001 Nacht“ basierende Geschichte der „Scheherazade“. Darin tauchen die Zuhörenden in die schönsten und abenteuerlichsten Sagen und Legenden der Erzählerin Scheherazade ein, mit denen sie ihren Ehemann, den jähzornigen Sultan, unterhält und besänftigt.

Jörg Widmann: Dubairische Tänze (Auszüge)
Camille Saint-Saëns: Klavierkonzert Nr. 5 F-Dur op. 103 „Ägyptisches Konzert“
Nikolai Rimski-Korsakow: „Scheherazade“ op. 35

Annika Treutler (Klavier)
Philharmonisches Orchester
Dirigent: Johannes Zurl