Die Video-Performance POOLS von Marlene Helling verbindet den Hambacher Tagebau, das Tote Meer und das Lausitzer Braunkohlerevier. Drei Orte, an denen Extraktivismus und Tourismus aufeinander prallen: Wellness trifft auf Senklöcher, Bagger auf Aussichtsplattformen. Eine Reise durch die Widersprüche postindustrieller Landschaften im Anthropozän.
Diese Orte sind Löcher im Boden. Die Löcher werden zu Pools. Damit meint die Künstlerin den Hambacher Tagebau, das Tote Meer und das Lausitzer Braunkohlrevier - Orte, die reich an Rohstoffen und Mineralien sind. Im Hambacher Tagebau wird noch bis 2030 Braunkohle gefördert, im Toten Meer wird auf unbestimmte Zeit industriell Kalium, Brom, Magnesium und Jod abgebaut, im Lausitzer Braunkohlerevier soll noch bis 2038 Braunkohle gebaggert werden. Dann sollen diese von Menschen gemachten Löcher zu einer künstlichen Seenlandschaft werden.
Gemeinsam mit ihrem künstlerischen Team hat Marlene Helling eine 3-Kanal-Videoperformance entwickelt, die mit Hilfe einer Panoramaprojektion die Parallelität der drei Abbaugebiete aufzeigt: durch die touristische Nutzung werden sie zum zweiten Mal vom Menschen ausgebeutet. Die Performance von Marlene Heiling verbindet eine humorvolle Lecture-Performance mit choreographischen Kompositionen, die ihre Erfahrungen von Beklemmung und Entfremdung vor Ort sinnlich vermitteln.
Welche Auswirkungen hat die Erschließung und Nutzung dieser Landschaften durch den Menschen? Die drei Orte werden in POOLS künstlerisch auf ihre Besitzverhältnisse und ökologischen Bedingungen hin untersucht.

Die Video-Performance POOLS von Marlene Helling verbindet den Hambacher Tagebau, das Tote Meer und das Lausitzer Braunkohlerevier. Drei Orte, an denen Extraktivismus und Tourismus aufeinander prallen: Wellness trifft auf Senklöcher, Bagger auf Aussichtsplattformen. Eine Reise durch die Widersprüche postindustrieller Landschaften im Anthropozän.
Diese Orte sind Löcher im Boden. Die Löcher werden zu Pools. Damit meint die Künstlerin den Hambacher Tagebau, das Tote Meer und das Lausitzer Braunkohlrevier - Orte, die reich an Rohstoffen und Mineralien sind. Im Hambacher Tagebau wird noch bis 2030 Braunkohle gefördert, im Toten Meer wird auf unbestimmte Zeit industriell Kalium, Brom, Magnesium und Jod abgebaut, im Lausitzer Braunkohlerevier soll noch bis 2038 Braunkohle gebaggert werden. Dann sollen diese von Menschen gemachten Löcher zu einer künstlichen Seenlandschaft werden.
Gemeinsam mit ihrem künstlerischen Team hat Marlene Helling eine 3-Kanal-Videoperformance entwickelt, die mit Hilfe einer Panoramaprojektion die Parallelität der drei Abbaugebiete aufzeigt: durch die touristische Nutzung werden sie zum zweiten Mal vom Menschen ausgebeutet. Die Performance von Marlene Heiling verbindet eine humorvolle Lecture-Performance mit choreographischen Kompositionen, die ihre Erfahrungen von Beklemmung und Entfremdung vor Ort sinnlich vermitteln.
Welche Auswirkungen hat die Erschließung und Nutzung dieser Landschaften durch den Menschen? Die drei Orte werden in POOLS künstlerisch auf ihre Besitzverhältnisse und ökologischen Bedingungen hin untersucht.

1x30 Minuten, danach freies Spiel im Bühnenbild (Still- und Wickelmöglichkeit vorhanden). Je Vorstellung: maximal 24 Babys und ihre Eltern. Wir bitten um vorherige Anmeldung per Mail oder Telefon.



Eine Feder, die kitzelt, eine Seifenblase, die zu Boden sinkt, funkelndes Licht, das den Raum in weiche Schatten taucht: für Babys ist die Welt voller Wunder! Babys sind kleine Entdecker, Forscher, die sich ihre Umwelt mit allen Sinnen spielerisch erschließen. Hier werden die Allerjüngsten und ihre Eltern mit kindgerechter Kunst für das Theater begeistert.



Koproduktion wehrtliheater und FWT | Konzept und Regie: Andrea Bleikamp | Darstellerinnen: Marion Bihler-Kerluku, Asta Nechajute, Maria Jachertz | Dramaturgie: Inken Kautter | Ausstattung: Claus Stump | Foto: Meyer Originals



Hinweis: Die Altersempfehlung 0-14 Monate geben wir, da die BabyBühne ausschließlich für Säuglinge und Krabbelkinder gedacht ist. Unabhängig von dieser Empfehlung ist die Vorstellung für alle Kinder, die bereits laufen können, nicht geeignet. Wir bitten um Ihr Verständnis.

"Kein Hauch von Zweifel und Kritik muss der ausdrücklichen Besuchsempfehlung beigefügt werden. Das Konzept der famosen Regisseurin Andrea Bleikamp, die Bühne der Erwachsenen zur kleinen Erlebniswelt für Babys umzugestalten, ist in beeindruckender Weise aufgegangen. (...) Eine muntere, aber nie schrille halbe Stunde bester Babyunterhaltung." meinesuedstadt.de

"Die jungen Theatergäste erleben einen kindgerechten Ausflug in die Welt der Lichter, der betörenden Geräusche und der anmutigen Bewegungen." Kölner Wochenspiegel

"Auch die Eltern haben offensichtlich Freude an dieser Vielfalt der Ideen, daran wie die Jahreszeiten in einem fröhlich-bunten Seh-, Hör- und Fühl-Reigen vergehen (...). Marion und Mona verteilen Wasserbälle mit Fröschchen darin an ihre ganz jungen Zuschauer. Die Schauspielerinnen lassen Seifenblasen durch den Raum schweben – ein Fest für Kleinkinder." Familiensachen, Sascha-Stienen.de

1x30 Minuten, danach freies Spiel im Bühnenbild (Still- und Wickelmöglichkeit vorhanden). Je Vorstellung: maximal 24 Babys und ihre Eltern. Wir bitten um vorherige Anmeldung per Mail oder Telefon.



Eine Feder, die kitzelt, eine Seifenblase, die zu Boden sinkt, funkelndes Licht, das den Raum in weiche Schatten taucht: für Babys ist die Welt voller Wunder! Babys sind kleine Entdecker, Forscher, die sich ihre Umwelt mit allen Sinnen spielerisch erschließen. Hier werden die Allerjüngsten und ihre Eltern mit kindgerechter Kunst für das Theater begeistert.



Koproduktion wehrtliheater und FWT | Konzept und Regie: Andrea Bleikamp | Darstellerinnen: Marion Bihler-Kerluku, Asta Nechajute, Maria Jachertz | Dramaturgie: Inken Kautter | Ausstattung: Claus Stump | Foto: Meyer Originals



Hinweis: Die Altersempfehlung 0-14 Monate geben wir, da die BabyBühne ausschließlich für Säuglinge und Krabbelkinder gedacht ist. Unabhängig von dieser Empfehlung ist die Vorstellung für alle Kinder, die bereits laufen können, nicht geeignet. Wir bitten um Ihr Verständnis.

"Kein Hauch von Zweifel und Kritik muss der ausdrücklichen Besuchsempfehlung beigefügt werden. Das Konzept der famosen Regisseurin Andrea Bleikamp, die Bühne der Erwachsenen zur kleinen Erlebniswelt für Babys umzugestalten, ist in beeindruckender Weise aufgegangen. (...) Eine muntere, aber nie schrille halbe Stunde bester Babyunterhaltung." meinesuedstadt.de

"Die jungen Theatergäste erleben einen kindgerechten Ausflug in die Welt der Lichter, der betörenden Geräusche und der anmutigen Bewegungen." Kölner Wochenspiegel

"Auch die Eltern haben offensichtlich Freude an dieser Vielfalt der Ideen, daran wie die Jahreszeiten in einem fröhlich-bunten Seh-, Hör- und Fühl-Reigen vergehen (...). Marion und Mona verteilen Wasserbälle mit Fröschchen darin an ihre ganz jungen Zuschauer. Die Schauspielerinnen lassen Seifenblasen durch den Raum schweben – ein Fest für Kleinkinder." Familiensachen, Sascha-Stienen.de

1x30 Minuten, danach freies Spiel im Bühnenbild (Still- und Wickelmöglichkeit vorhanden). Je Vorstellung: maximal 24 Babys und ihre Eltern. Wir bitten um vorherige Anmeldung per Mail oder Telefon.



Eine Feder, die kitzelt, eine Seifenblase, die zu Boden sinkt, funkelndes Licht, das den Raum in weiche Schatten taucht: für Babys ist die Welt voller Wunder! Babys sind kleine Entdecker, Forscher, die sich ihre Umwelt mit allen Sinnen spielerisch erschließen. Hier werden die Allerjüngsten und ihre Eltern mit kindgerechter Kunst für das Theater begeistert.



Koproduktion wehrtliheater und FWT | Konzept und Regie: Andrea Bleikamp | Darstellerinnen: Marion Bihler-Kerluku, Asta Nechajute, Maria Jachertz | Dramaturgie: Inken Kautter | Ausstattung: Claus Stump | Foto: Meyer Originals



Hinweis: Die Altersempfehlung 0-14 Monate geben wir, da die BabyBühne ausschließlich für Säuglinge und Krabbelkinder gedacht ist. Unabhängig von dieser Empfehlung ist die Vorstellung für alle Kinder, die bereits laufen können, nicht geeignet. Wir bitten um Ihr Verständnis.

"Kein Hauch von Zweifel und Kritik muss der ausdrücklichen Besuchsempfehlung beigefügt werden. Das Konzept der famosen Regisseurin Andrea Bleikamp, die Bühne der Erwachsenen zur kleinen Erlebniswelt für Babys umzugestalten, ist in beeindruckender Weise aufgegangen. (...) Eine muntere, aber nie schrille halbe Stunde bester Babyunterhaltung." meinesuedstadt.de

"Die jungen Theatergäste erleben einen kindgerechten Ausflug in die Welt der Lichter, der betörenden Geräusche und der anmutigen Bewegungen." Kölner Wochenspiegel

"Auch die Eltern haben offensichtlich Freude an dieser Vielfalt der Ideen, daran wie die Jahreszeiten in einem fröhlich-bunten Seh-, Hör- und Fühl-Reigen vergehen (...). Marion und Mona verteilen Wasserbälle mit Fröschchen darin an ihre ganz jungen Zuschauer. Die Schauspielerinnen lassen Seifenblasen durch den Raum schweben – ein Fest für Kleinkinder." Familiensachen, Sascha-Stienen.de

Es ist soweit! Nach einem Jahr knallharter Recherche und journalistischem Kahlschlag geht Bobby Kim endlich wieder live auf Sendung. Also seid dabei, wenn die beliebte Moderatorin ihre illustren Talkgäste empfängt, um mit ihnen über das Ökosystem Wald zu sprechen. Ob live im TV-Studio oder zugeschaltet: Spannende Gäste aus Politik und Wissenschaft, unerschrockene Reporter:innen und Showacts mit Ohrwurm-Garantie.

Und es ist dringlicher denn je. Um den immensen Holzhunger unserer Zivilisation zu stillen, schreitet der Raubbau ungebremst fort, während überall auf der Welt die Wälder brennen, sich die Jahreszeiten verschieben und die Regenwälder vor dem Kollaps stehen.

Schonungslos, bitterböse, aber immer humorvoll beschäftigt sich das Armada Theater in seiner rasanten Performance im TV-Show-Format mit Fragen wie: Welche Folgen hat unser Konsum für die Wälder vor unserer Haustür und auf der anderen Seite des Planeten? Welche Rolle spielen sie für unser Erdklima und das Fortbestehen der Gattung Homo Sapiens? Und: Was können wir tun, um unsere Wälder zu retten?

Es ist soweit! Nach einem Jahr knallharter Recherche und journalistischem Kahlschlag geht Bobby Kim endlich wieder live auf Sendung. Also seid dabei, wenn die beliebte Moderatorin ihre illustren Talkgäste empfängt, um mit ihnen über das Ökosystem Wald zu sprechen. Ob live im TV-Studio oder zugeschaltet: Spannende Gäste aus Politik und Wissenschaft, unerschrockene Reporter:innen und Showacts mit Ohrwurm-Garantie.

Und es ist dringlicher denn je. Um den immensen Holzhunger unserer Zivilisation zu stillen, schreitet der Raubbau ungebremst fort, während überall auf der Welt die Wälder brennen, sich die Jahreszeiten verschieben und die Regenwälder vor dem Kollaps stehen.

Schonungslos, bitterböse, aber immer humorvoll beschäftigt sich das Armada Theater in seiner rasanten Performance im TV-Show-Format mit Fragen wie: Welche Folgen hat unser Konsum für die Wälder vor unserer Haustür und auf der anderen Seite des Planeten? Welche Rolle spielen sie für unser Erdklima und das Fortbestehen der Gattung Homo Sapiens? Und: Was können wir tun, um unsere Wälder zu retten?

"Unsere Grube" ist der schönste Platz zum Spielen. Mit dem ganzen Unkraut, den Baumstümpfen und den Steinen ist alles möglich! Nur die Erwachsenen sehen das anders: Zu gefährlich! Warum mischen sich Erwachsene immer ein? Warum sind ihre Spielideen immer so langweilig? Wovor haben die Erwachsenen Angst und wo sind ihre Sorgen berechtigt? Gemeinsam mit jungen Menschen bringt pulk fiktion das Bilderbuch Unsere Grube von Emma AdBåge auf die Bühne. Mit dem Stück wird das Spiel zum sozialen Ort der Verhandlung: zwischen Regeln und Freiheit, Angst und Abenteuergeist.

Der JUNGEpulk

"Unsere Grube" nach dem gleichnamigen Bilderbuch von Emma AdBåge ist die erste Produktion, bei der pulk fiktion mit einem jungen Expert:innenteam zusammenarbeiten. Seit Mai 2024 trifft sich der JUNGEpulk regelmäßig mit den beteiligten Künstler:innen der Produktion und erforscht eigene künstlerische Visionen für das Stück. Seit Oktober ist der JUNGEpulk wöchentlich bei den Proben dabei und gibt Arbeitsaufträge und Feedback in den Bereichen Regie, Dramaturgie, Ausstattung, Musik und Performance. Ziel ist es, dass pulk fiktion jenseits von Recherchebesuchen innerhalb einer Produktion, nachhaltig und tiefer die eigene künstlerische Praxis befragt und durch die Mitarbeit junger Menschen verändert. Der JUNGEpulk soll langfristig Teil der Arbeitspraxis von pulk fiktion werden und entwickelt sich stets weiter.

Rechte: Ersterscheinung bei Rabén & Sjögren, Stockholm, Schweden 2018 und auf Deutsch (Übersetzung: Friederike Buchinger) bei Beltz & Gelberg, Weinheim, 2021.

"Unsere Grube" ist der schönste Platz zum Spielen. Mit dem ganzen Unkraut, den Baumstümpfen und den Steinen ist alles möglich! Nur die Erwachsenen sehen das anders: Zu gefährlich! Warum mischen sich Erwachsene immer ein? Warum sind ihre Spielideen immer so langweilig? Wovor haben die Erwachsenen Angst und wo sind ihre Sorgen berechtigt? Gemeinsam mit jungen Menschen bringt pulk fiktion das Bilderbuch Unsere Grube von Emma AdBåge auf die Bühne. Mit dem Stück wird das Spiel zum sozialen Ort der Verhandlung: zwischen Regeln und Freiheit, Angst und Abenteuergeist.

Der JUNGEpulk

"Unsere Grube" nach dem gleichnamigen Bilderbuch von Emma AdBåge ist die erste Produktion, bei der pulk fiktion mit einem jungen Expert:innenteam zusammenarbeiten. Seit Mai 2024 trifft sich der JUNGEpulk regelmäßig mit den beteiligten Künstler:innen der Produktion und erforscht eigene künstlerische Visionen für das Stück. Seit Oktober ist der JUNGEpulk wöchentlich bei den Proben dabei und gibt Arbeitsaufträge und Feedback in den Bereichen Regie, Dramaturgie, Ausstattung, Musik und Performance. Ziel ist es, dass pulk fiktion jenseits von Recherchebesuchen innerhalb einer Produktion, nachhaltig und tiefer die eigene künstlerische Praxis befragt und durch die Mitarbeit junger Menschen verändert. Der JUNGEpulk soll langfristig Teil der Arbeitspraxis von pulk fiktion werden und entwickelt sich stets weiter.

Rechte: Ersterscheinung bei Rabén & Sjögren, Stockholm, Schweden 2018 und auf Deutsch (Übersetzung: Friederike Buchinger) bei Beltz & Gelberg, Weinheim, 2021.

Sebastian ist Theaterleiter und weiß, dass es so nicht weitergehen kann. Das Haus muss sich öffnen. Will man nicht nur die Immergleichen erreichen und gesellschaftlich relevant sein, braucht es neue Angebote. Teilhabe ist wichtig. Man könnte das Publikum über den Spielplan abstimmen lassen. Gestört von Theaterproben im Nachbarraum und plötzlich auftauchenden „Gästen“ von der Straße verwickelt sich Sebastian zunehmend in Widersprüche. So aufgeschlossen wie er gerne wäre, ist er offenbar nicht. In seinem Suchen spiegelt sich die Komödie einer Gesellschaft, die um Wandel und gleichzeitig um Halt ringt und dabei irre Dynamiken entwickelt.

Sebastian ist Theaterleiter und weiß, dass es so nicht weitergehen kann. Das Haus muss sich öffnen. Will man nicht nur die Immergleichen erreichen und gesellschaftlich relevant sein, braucht es neue Angebote. Teilhabe ist wichtig. Man könnte das Publikum über den Spielplan abstimmen lassen. Gestört von Theaterproben im Nachbarraum und plötzlich auftauchenden „Gästen“ von der Straße verwickelt sich Sebastian zunehmend in Widersprüche. So aufgeschlossen wie er gerne wäre, ist er offenbar nicht. In seinem Suchen spiegelt sich die Komödie einer Gesellschaft, die um Wandel und gleichzeitig um Halt ringt und dabei irre Dynamiken entwickelt.

Frank ist Soldat und steuert im Homeoffice Drohnen, um Ziele in einer Diktatur, dem Land „Eine Mitte ohne Ende“, zu bombardieren. Doch dabei trifft ihn ein alter Fluch: Sein Sohn wird ohne Po geboren. Frank begibt sich auf eine Reise nach Osten. Er will zu dem von ihm bombardierten Ort gelangen – auf der Suche nach Erkenntnis. Dabei gerät er immer tiefer in eine Welt der Geister, die ihn Geschichte, Schuld und Verantwortung neu verstehen lässt. In „Posthuman Condition“ beschreibt der 1975 in Hongkong geborene Theaterautor Pat To Yan Strukturen einer Diktatur und was „Menschsein“ heißt, wenn tiefgreifende gesellschaftliche und technologische Umwälzungen es bedrohen.

Frank ist Soldat und steuert im Homeoffice Drohnen, um Ziele in einer Diktatur, dem Land „Eine Mitte ohne Ende“, zu bombardieren. Doch dabei trifft ihn ein alter Fluch: Sein Sohn wird ohne Po geboren. Frank begibt sich auf eine Reise nach Osten. Er will zu dem von ihm bombardierten Ort gelangen – auf der Suche nach Erkenntnis. Dabei gerät er immer tiefer in eine Welt der Geister, die ihn Geschichte, Schuld und Verantwortung neu verstehen lässt. In „Posthuman Condition“ beschreibt der 1975 in Hongkong geborene Theaterautor Pat To Yan Strukturen einer Diktatur und was „Menschsein“ heißt, wenn tiefgreifende gesellschaftliche und technologische Umwälzungen es bedrohen.

Frank ist Soldat und steuert im Homeoffice Drohnen, um Ziele in einer Diktatur, dem Land „Eine Mitte ohne Ende“, zu bombardieren. Doch dabei trifft ihn ein alter Fluch: Sein Sohn wird ohne Po geboren. Frank begibt sich auf eine Reise nach Osten. Er will zu dem von ihm bombardierten Ort gelangen – auf der Suche nach Erkenntnis. Dabei gerät er immer tiefer in eine Welt der Geister, die ihn Geschichte, Schuld und Verantwortung neu verstehen lässt. In „Posthuman Condition“ beschreibt der 1975 in Hongkong geborene Theaterautor Pat To Yan Strukturen einer Diktatur und was „Menschsein“ heißt, wenn tiefgreifende gesellschaftliche und technologische Umwälzungen es bedrohen.

Frank ist Soldat und steuert im Homeoffice Drohnen, um Ziele in einer Diktatur, dem Land „Eine Mitte ohne Ende“, zu bombardieren. Doch dabei trifft ihn ein alter Fluch: Sein Sohn wird ohne Po geboren. Frank begibt sich auf eine Reise nach Osten. Er will zu dem von ihm bombardierten Ort gelangen – auf der Suche nach Erkenntnis. Dabei gerät er immer tiefer in eine Welt der Geister, die ihn Geschichte, Schuld und Verantwortung neu verstehen lässt. In „Posthuman Condition“ beschreibt der 1975 in Hongkong geborene Theaterautor Pat To Yan Strukturen einer Diktatur und was „Menschsein“ heißt, wenn tiefgreifende gesellschaftliche und technologische Umwälzungen es bedrohen.

Frank ist Soldat und steuert im Homeoffice Drohnen, um Ziele in einer Diktatur, dem Land „Eine Mitte ohne Ende“, zu bombardieren. Doch dabei trifft ihn ein alter Fluch: Sein Sohn wird ohne Po geboren. Frank begibt sich auf eine Reise nach Osten. Er will zu dem von ihm bombardierten Ort gelangen – auf der Suche nach Erkenntnis. Dabei gerät er immer tiefer in eine Welt der Geister, die ihn Geschichte, Schuld und Verantwortung neu verstehen lässt. In „Posthuman Condition“ beschreibt der 1975 in Hongkong geborene Theaterautor Pat To Yan Strukturen einer Diktatur und was „Menschsein“ heißt, wenn tiefgreifende gesellschaftliche und technologische Umwälzungen es bedrohen.

Frank ist Soldat und steuert im Homeoffice Drohnen, um Ziele in einer Diktatur, dem Land „Eine Mitte ohne Ende“, zu bombardieren. Doch dabei trifft ihn ein alter Fluch: Sein Sohn wird ohne Po geboren. Frank begibt sich auf eine Reise nach Osten. Er will zu dem von ihm bombardierten Ort gelangen – auf der Suche nach Erkenntnis. Dabei gerät er immer tiefer in eine Welt der Geister, die ihn Geschichte, Schuld und Verantwortung neu verstehen lässt. In „Posthuman Condition“ beschreibt der 1975 in Hongkong geborene Theaterautor Pat To Yan Strukturen einer Diktatur und was „Menschsein“ heißt, wenn tiefgreifende gesellschaftliche und technologische Umwälzungen es bedrohen.

Sivan Ben Yishais Stück ist ein radikaler, krasser und zugleich komischer Selbstversuch über die Liebe. Darüber, wie sich Jedefrau (und Jedermann) darin verändert. Nominiert für den Mülheimer Theaterpreis 2020.
Comic-Held Popeye, der muskelbepackte Seemann, muss sich fortwährend mit allerlei Widersachern prügeln. Meist, um seine Dauerfreundin Olive Oyl aus höchster Not zu retten. In „Liebe“ ist alles anders: Autorin Sivan Ben Yishai macht den Sidekick Olive zur Hauptdarstellerin, und die beiden Comicfiguren werden zu Prototypen für heterosexuelle Paarbeziehungen von heute. Intimes wird öffentlich ausgesprochen, weil in die Geschichten des Körpers soziale Machtverhältnisse eingeschrieben sind. Als scharfsichtige Beobachterin ihres eigenen Liebeslebens seziert Olive die Ambivalenz zwischen weiblicher Selbstbestimmtheit und Sich-verlieren in alten Beziehungsmustern - um sich am Ende mit archaischem Furor  neu zu erfinden.

Nominiert für den Kölner Theaterpreis 2022

Sivan Ben Yishais Stück ist ein radikaler, krasser und zugleich komischer Selbstversuch über die Liebe. Darüber, wie sich Jedefrau (und Jedermann) darin verändert. Nominiert für den Mülheimer Theaterpreis 2020.
Comic-Held Popeye, der muskelbepackte Seemann, muss sich fortwährend mit allerlei Widersachern prügeln. Meist, um seine Dauerfreundin Olive Oyl aus höchster Not zu retten. In „Liebe“ ist alles anders: Autorin Sivan Ben Yishai macht den Sidekick Olive zur Hauptdarstellerin, und die beiden Comicfiguren werden zu Prototypen für heterosexuelle Paarbeziehungen von heute. Intimes wird öffentlich ausgesprochen, weil in die Geschichten des Körpers soziale Machtverhältnisse eingeschrieben sind. Als scharfsichtige Beobachterin ihres eigenen Liebeslebens seziert Olive die Ambivalenz zwischen weiblicher Selbstbestimmtheit und Sich-verlieren in alten Beziehungsmustern - um sich am Ende mit archaischem Furor  neu zu erfinden.

Nominiert für den Kölner Theaterpreis 2022

Sivan Ben Yishais Stück ist ein radikaler, krasser und zugleich komischer Selbstversuch über die Liebe. Darüber, wie sich Jedefrau (und Jedermann) darin verändert. Nominiert für den Mülheimer Theaterpreis 2020.
Comic-Held Popeye, der muskelbepackte Seemann, muss sich fortwährend mit allerlei Widersachern prügeln. Meist, um seine Dauerfreundin Olive Oyl aus höchster Not zu retten. In „Liebe“ ist alles anders: Autorin Sivan Ben Yishai macht den Sidekick Olive zur Hauptdarstellerin, und die beiden Comicfiguren werden zu Prototypen für heterosexuelle Paarbeziehungen von heute. Intimes wird öffentlich ausgesprochen, weil in die Geschichten des Körpers soziale Machtverhältnisse eingeschrieben sind. Als scharfsichtige Beobachterin ihres eigenen Liebeslebens seziert Olive die Ambivalenz zwischen weiblicher Selbstbestimmtheit und Sich-verlieren in alten Beziehungsmustern - um sich am Ende mit archaischem Furor  neu zu erfinden.

Nominiert für den Kölner Theaterpreis 2022

Die reale Lebensgeschichte der Französin Anne Beaumanoir. Nach dem Versepos von Anne Weber. Das mit dem Deutschen Buchpreis 2020 ausgezeichnete Werk stellt bewusst eine Frau ins Zentrum einer literarischen Form, die in der Regel männlichen Helden vorbehalten ist.

Anne, genannt Annette, wird 1923 in der Bretagne geboren. Zur Zeit der Nazi-Besetzung Frankreichs geht Annette zur Résistance. Ende der 1950er-Jahre schließt sie sich dem Freiheitskampf der Algerier gegen die Kolonialmacht Frankreich an, muss aus Frankreich fliehen und lässt ihre Familie auf unbestimmte Zeit zurück. Ihre Biographie ist reich an „großer Geschichte“, und das heißt: reich an kleinen Entscheidungen mit großer Wirkung. Was treibt einen Menschen in den Widerstand? Wofür lohnt es sich zu kämpfen? Welche Opfer fordert ein solches Leben?

Die reale Lebensgeschichte der Französin Anne Beaumanoir. Nach dem Versepos von Anne Weber. Das mit dem Deutschen Buchpreis 2020 ausgezeichnete Werk stellt bewusst eine Frau ins Zentrum einer literarischen Form, die in der Regel männlichen Helden vorbehalten ist.

Anne, genannt Annette, wird 1923 in der Bretagne geboren. Zur Zeit der Nazi-Besetzung Frankreichs geht Annette zur Résistance. Ende der 1950er-Jahre schließt sie sich dem Freiheitskampf der Algerier gegen die Kolonialmacht Frankreich an, muss aus Frankreich fliehen und lässt ihre Familie auf unbestimmte Zeit zurück. Ihre Biographie ist reich an „großer Geschichte“, und das heißt: reich an kleinen Entscheidungen mit großer Wirkung. Was treibt einen Menschen in den Widerstand? Wofür lohnt es sich zu kämpfen? Welche Opfer fordert ein solches Leben?

Girl meets Boy. Könnte man denken. Aber was passiert, wenn in dieser Begegnung nichts ist wie gelernt? Wenn "Girl" nicht den gesellschaftlichen Erwartungen und Regeln entspricht, sondern vielmehr in ihrer Begegnung mit dem anderen Geschlecht und der sie umgebenden männlich dominierten Welt auf ihrer Individualität und Eigenständigkeit beharrt. Sie lässt sich nicht besitzen, nicht benutzen, nicht domestizieren – will sich nicht fortpflanzen, nicht heiraten und auch ihr Sex gehört ihr. Alice Birchs Stück ist ein feministisches Manifest in vier Akten. Eine Reise durch den Alltag von Frauen, die daran erinnert, wie tief unsere Sprache, unsere Sitten, all unsere grundlegenden Vorstellungen von Arbeit und Privatleben vom Erbe der Gewalt durchdrungen sind.

Mit Fiona Metscher, Lisa Sophie Kusz, Mirka Ritter | Regie/Bühne/Kostüm/Lichtkonzept Killer&Killer - Sophie Killer & Thalia Killer | Musik Jakob Lorenz

Hinweis für unsere Zuschauer:innen: "Revolt. She Said. Revolt Again." thematisiert in einigen Szenen sexualisierte Gewalt und Body Shaming. Der Stücktext setzt explizite Sprache ein.

Girl meets Boy. Könnte man denken. Aber was passiert, wenn in dieser Begegnung nichts ist wie gelernt? Wenn "Girl" nicht den gesellschaftlichen Erwartungen und Regeln entspricht, sondern vielmehr in ihrer Begegnung mit dem anderen Geschlecht und der sie umgebenden männlich dominierten Welt auf ihrer Individualität und Eigenständigkeit beharrt. Sie lässt sich nicht besitzen, nicht benutzen, nicht domestizieren – will sich nicht fortpflanzen, nicht heiraten und auch ihr Sex gehört ihr. Alice Birchs Stück ist ein feministisches Manifest in vier Akten. Eine Reise durch den Alltag von Frauen, die daran erinnert, wie tief unsere Sprache, unsere Sitten, all unsere grundlegenden Vorstellungen von Arbeit und Privatleben vom Erbe der Gewalt durchdrungen sind.

Mit Fiona Metscher, Lisa Sophie Kusz, Mirka Ritter | Regie/Bühne/Kostüm/Lichtkonzept Killer&Killer - Sophie Killer & Thalia Killer | Musik Jakob Lorenz

Hinweis für unsere Zuschauer:innen: "Revolt. She Said. Revolt Again." thematisiert in einigen Szenen sexualisierte Gewalt und Body Shaming. Der Stücktext setzt explizite Sprache ein.

Girl meets Boy. Könnte man denken. Aber was passiert, wenn in dieser Begegnung nichts ist wie gelernt? Wenn "Girl" nicht den gesellschaftlichen Erwartungen und Regeln entspricht, sondern vielmehr in ihrer Begegnung mit dem anderen Geschlecht und der sie umgebenden männlich dominierten Welt auf ihrer Individualität und Eigenständigkeit beharrt. Sie lässt sich nicht besitzen, nicht benutzen, nicht domestizieren – will sich nicht fortpflanzen, nicht heiraten und auch ihr Sex gehört ihr. Alice Birchs Stück ist ein feministisches Manifest in vier Akten. Eine Reise durch den Alltag von Frauen, die daran erinnert, wie tief unsere Sprache, unsere Sitten, all unsere grundlegenden Vorstellungen von Arbeit und Privatleben vom Erbe der Gewalt durchdrungen sind.

Mit Fiona Metscher, Lisa Sophie Kusz, Mirka Ritter | Regie/Bühne/Kostüm/Lichtkonzept Killer&Killer - Sophie Killer & Thalia Killer | Musik Jakob Lorenz

Hinweis für unsere Zuschauer:innen: "Revolt. She Said. Revolt Again." thematisiert in einigen Szenen sexualisierte Gewalt und Body Shaming. Der Stücktext setzt explizite Sprache ein.

Girl meets Boy. Könnte man denken. Aber was passiert, wenn in dieser Begegnung nichts ist wie gelernt? Wenn "Girl" nicht den gesellschaftlichen Erwartungen und Regeln entspricht, sondern vielmehr in ihrer Begegnung mit dem anderen Geschlecht und der sie umgebenden männlich dominierten Welt auf ihrer Individualität und Eigenständigkeit beharrt. Sie lässt sich nicht besitzen, nicht benutzen, nicht domestizieren – will sich nicht fortpflanzen, nicht heiraten und auch ihr Sex gehört ihr. Alice Birchs Stück ist ein feministisches Manifest in vier Akten. Eine Reise durch den Alltag von Frauen, die daran erinnert, wie tief unsere Sprache, unsere Sitten, all unsere grundlegenden Vorstellungen von Arbeit und Privatleben vom Erbe der Gewalt durchdrungen sind.

Mit Fiona Metscher, Lisa Sophie Kusz, Mirka Ritter | Regie/Bühne/Kostüm/Lichtkonzept Killer&Killer - Sophie Killer & Thalia Killer | Musik Jakob Lorenz

Hinweis für unsere Zuschauer:innen: "Revolt. She Said. Revolt Again." thematisiert in einigen Szenen sexualisierte Gewalt und Body Shaming. Der Stücktext setzt explizite Sprache ein.

Girl meets Boy. Könnte man denken. Aber was passiert, wenn in dieser Begegnung nichts ist wie gelernt? Wenn "Girl" nicht den gesellschaftlichen Erwartungen und Regeln entspricht, sondern vielmehr in ihrer Begegnung mit dem anderen Geschlecht und der sie umgebenden männlich dominierten Welt auf ihrer Individualität und Eigenständigkeit beharrt. Sie lässt sich nicht besitzen, nicht benutzen, nicht domestizieren – will sich nicht fortpflanzen, nicht heiraten und auch ihr Sex gehört ihr. Alice Birchs Stück ist ein feministisches Manifest in vier Akten. Eine Reise durch den Alltag von Frauen, die daran erinnert, wie tief unsere Sprache, unsere Sitten, all unsere grundlegenden Vorstellungen von Arbeit und Privatleben vom Erbe der Gewalt durchdrungen sind.

Mit Fiona Metscher, Lisa Sophie Kusz, Mirka Ritter | Regie/Bühne/Kostüm/Lichtkonzept Killer&Killer - Sophie Killer & Thalia Killer | Musik Jakob Lorenz

Hinweis für unsere Zuschauer:innen: "Revolt. She Said. Revolt Again." thematisiert in einigen Szenen sexualisierte Gewalt und Body Shaming. Der Stücktext setzt explizite Sprache ein.